Aus den ersten fünfundvierzig Jahren der Charleston Stage
persönliche erinnerungen von gründer julian wiles
Charleston Stage hat in unseren ersten 320 Spielzeiten 45 Shows produziert. Es gibt so viele erstaunliche Shows und fantasievolle Momente, die in der Geschichte unseres Unternehmens unvergesslich bleiben. Es war schwierig, nur einige wenige in diese Retrospektive aufzunehmen. Viele hier nicht erwähnte Shows bleiben unseren Künstlern und Gönnern in ebenso guter Erinnerung. Aber die folgenden ausgewählten Shows haben die Entwicklung der Charleston Stage in gewisser Weise verändert, waren besonders einfallsreich und wichtig für uns als Künstler oder waren besondere Prüfsteine in der XNUMX-jährigen Geschichte der Charleston Stage.
Die Besetzung unserer ersten Produktion von Ein Weihnachtslied (1978).
A Christmas Carol (1978)
Die allererste Show auf der Charleston Stage.
Wir eröffneten unsere allererste Show im Dezember 1978 mit einer Adaption des Klassikers von Charles Dickens Ein Weihnachtslied von der Minneapolis Children's Theatre Company. Familie und Freunde halfen bei der Herstellung der ersten Kostüme – einschließlich meiner zukünftigen Frau Jenny. Soweit ich mich erinnere, haben sie bis zur letzten Probe genäht. Wir hatten ein minimales Set einer Londoner Straßenszene, die nur durch ein paar Straßenschilder repräsentiert wurde, und die meisten Möbel, Betten und Tische stammten tatsächlich aus meiner Wohnung! Musik, begleitet von einem einzigen Klavier, wurde von dem verstorbenen Ben Hutto zusammengestellt, einem Chorlehrer bei Porter Gaud, der später Musikdirektor an der National Cathedral in Washington wurde. Dank Ben hatten wir einige herrliche Weihnachtslieder.
Die Geister wurden von Kindern gespielt – eine ziemlich seltsame Besetzungswahl, aber ich hatte die Truppe als Jugendtheater gegründet (wir waren damals als Young Charleston Theatre Company bekannt, etwas nach dem Vorbild von Londons Young Vic). Ich erinnere mich, dass „Christmas Past“ von einem kleinen Jungen gespielt wurde, der sich im Baldachin von Scrooges Bett versteckte und sich hinlegte, um den armen alten Ebenezer zu erschrecken! Ein paar Tage vor Eröffnung der Show kamen meine Mutter, mein Vater und einige Freunde der Familie, Doraine und Luther Wannamaker, mit einer riesigen LKW-Ladung Gemüse von der Farm, auf der ich aufgewachsen war. Doraine und meine Mutter fertigten über 30 lebende Kränze an, die an den Wandlampen im Theater hingen, und mein Vater und Luther halfen, zwei 12 Fuß hohe lebende Bäume in der Lobby aufzustellen. Ich war in der Lage, den legendären Bill Bender, damals Anfang 70 und vielleicht der bekannteste Schauspieler aus der Charleston Community, dazu zu bringen, Dagobert zu spielen.
Während wir über 20 Produktionen von produziert haben Ein Weihnachtslied Im Laufe der Jahre, von denen jede immer ausgefeilter wurde, mit Geistern, die durch die Luft flogen, und jetzt einem Live-Orchester, hatte diese erste Produktion ihre eigene Magie. Und als am Ende der Show Schnee fiel, war es (wie immer) ein magischer Moment – Scrooge war wiedergeboren und eine neue Theatergruppe hatte die Flucht ergriffen.
Jerry Lee Rhodan als Foxxy Fox und Evie McGee (spätere Frau von Steven Colbert) als Ramblin Rabbit CaroliniAntics (1979). Rosa Lampin als Country Bunny in Der Landhase (1982).
CAROLINIANTICS (1979) UND DER LANDHASE (1982)
Mit diesen beiden Adaptionen begann die lange Tradition der Charleston Stage, Werke zu produzieren, die das reiche Erbe des South Carolina Lowcountry feiern.
Ich habe basiert CaroliniAntics (die niemand aussprechen konnte) über afroamerikanische Volksmärchen und Lieder, die in ganz South Carolina verbreitet waren. Viele dieser Gullah-Märchen wurden mit dem WPA-Autorenprojekt der 1930er Jahre gesammelt, und Lieder wurden während der Wiederaufbauzeit vom Freedman's Bureau auf St. Helena Island gesammelt. Meine Frau Jenny hatte eine Reihe afroamerikanischer Sea-Island-Spiele gelernt, die sie im Klassenzimmer ihres Kindergartens verwendete. In der Lobby des Garden Theatre in der King Street, wo diese Produktion stattfand, arrangierte Jenny Vorführungen der Korbflechterei aus Süßgras und des Garnelennetzwebens durch örtliche professionelle Handwerker und der Schmiedearbeiten von Philips Simmons. CaroliniAntics wurde später umbenannt Unter dem Sweetgrass Moon und produziert in den Jahren 2003 und 2017.
Ich habe mich angepasst Der Landhase aus dem Kinderbuch, das DuBose Heyward für seine Tochter Jennifer geschrieben hat. Der Landhase und die kleinen goldenen Schuhe wurde 1939 veröffentlicht und zeigte die Kunstwerke von Marjorie Wise Brown, die vor allem für die klassischen Illustrationen in bekannt ist Gute Nacht Mond. Die Originalzeichnungen für das Buch von Heyward und Brown werden im Gibbes Museum of Art aufbewahrt. Die Show zeigte auch traditionelle Lowcountry-Spirituals und die schöne Sopranistin Rosa Lampkin in der Hauptrolle.
Will Applegate und Bill Bender in der Produktion von 1981. Bill Bender war auch in der Originalproduktion von 1979 zu sehen, während Colin Somers die Figur des Jungen in der Originalproduktion spielte.
der Junge, der die Sterne gestohlen hat (1981)
Mein erstes Originalstück.
Ich habe daran gearbeitet der Junge, der die Sterne gestohlen hat als ich Anfang 20 war. Es entstand aus einer Kindheitsbesessenheit von Astronomie – ich bin im Weltraumzeitalter aufgewachsen. Das Stück entwickelte sich dann zu einer Geschichte über einen Jungen und seinen geliebten Großvater, der sich plötzlich zurückzieht, weil, wie wir später erfahren, der Großvater im Sterben liegt. Das Stück dreht sich um eine Legende, die der Großvater seinem Enkel erzählt, dass es weder Krankheit noch Tod geben würde, wenn man die Sterne stehlen und auf die Erde bringen könnte. Also macht sich der Junge mit der aufrichtigen Liebe, die Kinder an den Tag legen, auf den Weg, um die Sterne zu stehlen. Unterwegs kämpft er gegen „Draco the Dragon“ (es ist eine Konstellation, wenn Sie sich fragen).
Es ist eine naive, fantastische Geschichte, und ich habe mich damals gefragt, ob das Publikum eine Geschichte für Kinder über den Tod annehmen würde. Zu dieser Zeit war das meiste Theater für junge Leute märchenhaft, also war die Show für ihre Zeit ziemlich fortschrittlich. Es hatte Projektionen (unter Verwendung von Diaprojektoren – erinnern Sie sich noch?) und eine schillernde Percussion-Partitur von David Maves vom College of Charleston, komplett mit Pauken, Xylophonen und sogar Gongs. Ich hatte eine großartige Besetzung: Bill und Lenore Bender in den Siebzigern und die 10-Jährigen Colin Somers und Jenny Presti.
Aber ich machte mir trotzdem Sorgen darüber, wie ein Stück über einen kleinen Jungen, der seinen Großvater verliert, aufgenommen werden würde. Natürlich sollte das Stück trotz des Themas nicht deprimierend sein, und ich hoffte, dass es mit genug Pathos und Humor gefüllt war, damit das Publikum es genießen konnte. Ich erinnere mich, dass ich hinten im Haus stand, hinter der letzten Reihe auf und ab ging und mich fragte, was passieren würde. Dann gab es ein Lachen, vielleicht zwei – und dann noch ein paar mehr, und das Lachen war ansteckend. Die Magie des Live-Theaters übernahm und verzauberte das Publikum. Am Ende der Show kam einer dieser Momente, für die Dramatiker leben – Stille. Die Hauptfigur „Nicholas“ hatte gerade seine letzten Zeilen beendet:
Ich glaube, ich sehe manchmal meinen Großvater in mir
In der Art, wie ich spreche oder meinen Kopf drehe
Und manchmal denke ich, ich sehe jeden, den ich jemals gekannt habe
In meinem Schatten gehen.
Die Lichter verblassten, der Vorhang fiel, und ich dachte, die Stille würde ewig dauern, aber es konnten nur ein paar Augenblicke gewesen sein. Und dann gab es Applaus, tosenden Applaus. Mir wurde zum ersten Mal in meinem Leben klar, dass etwas, das mir so viel bedeutete, auch anderen so viel bedeuten konnte. Ich war süchtig danach und habe meine Karriere als Schriftsteller in vielerlei Hinsicht damit verbracht, diesen wunderbarsten Moment festzuhalten.
Alles war jedoch nicht perfekt. Zwischen den Szenen tauchte eine Dichterfigur auf; ein kleiner Junge, der Jahre später durch Gedichte, die er geschrieben hatte, über Dinge nachdachte. Mit jedem Auftritt schien es die Show tot zu stoppen. Es wurde von Thomas Gibson gespielt, der in Filmen und im Fernsehen berühmt wurde (Dharma und Greg, Chicago Hope, Criminal Minds). Rezensenten hassten diesen Charakter und sagten, er sei unnötig (sie hatten Recht). Ein Kritiker nannte Thomas' Figur einen „Poesie spuckenden Idioten“, also ließen wir für Thomas ein T-Shirt mit diesem Zitat darauf machen. Glücklicherweise schien das Stolpern meines Anfänger-Dramatikers Thomas' Karriere nicht zu verderben. Später, als ich das Stück wiederbelebte und die Show veröffentlicht wurde, ließ ich diese Figur klugerweise fallen.
Die Originalproduktion, die beim ersten Piccolo Spoleto Festival 1979 produziert wurde, war ein totaler Ausverkauf mit einer zusätzlichen Überbleibsel-Show, die hinzugefügt werden musste. Der beste Moment für mich war, als ich hinter Dottie D'Anna und ihrer Begleiterin Kitt Lyons aus dem Theater ging. Dottie und ich hatten im Jahr zuvor die Köpfe eingeschlagen, als wir beide für die Footlight Players gearbeitet hatten. Sie war die erfahrene professionelle Regisseurin, während ich das dreiste, aufstrebende Kind war, so oft waren wir uns nicht einig. Ich hatte die Footlight Players erst ein Jahr zuvor verlassen, um The zu gründen Junge Charleston Theatre Company. Als Dottie und Kitt das Theater verließen, bemerkte Dottie mich hinter sich und drehte sich um, um zu sagen: „Das war wunderbar – bewegend – darauf solltest du sehr stolz sein.“ Und ich war. Ich bin noch.
Die Besetzung der Originalproduktion von 1979 Nutze die Straße! auf dem Parkhaus George Street. Nachfolgende Produktionen erschienen auf den Cumberland und Concord Street Garagen.
Erobere die Straße! (1979, 1982, 1983 England-Tournee und 1994)
Vom Dach eines Parkhauses in Charleston bis zu den Straßen Londons.
Die ursprüngliche Produktion von Nutze die Straße war das Finale unserer ersten Staffel (1979) und war ein feierliches, kreatives Musical. Es wurde auf dem Dach der George Street Parking Garage produziert. In vielerlei Hinsicht hat es uns mit seiner fantasievollen Kulisse und einer riesigen Halfpipe-Skateboardrampe, die im Finale auftauchte, in der Kunstszene von Charleston bekannt gemacht. Das war Jahre vor X-Games oder Skateboard-Parks, und unser Skateboard-Rampen-Set war wahrscheinlich eines der ersten, das jemals in Charleston hergestellt wurde! Die Show zeigte eine Originalpartitur des damals 17-jährigen Thomas Cabaniss, der nach Yale ging und ein führender Komponist und Musikpädagoge wurde, der mit dem Lincoln Center und den New York und Philadelphia Orchestras arbeitete. Heute unterrichtet er an der Juilliard School.
Die Show erzählt die Geschichte eines Viertels, in dem die Menschen nicht so gut miteinander auskommen – alte Leute, die sich über junge Skateboarder ärgern, und ein etwas segregiertes Viertel, in dem sich die Leute nicht kennen. Als ein Autobahnprojekt geplant ist, um ihre Nachbarschaft zu zerstören, kommen die unterschiedlichen Nachbarn zusammen, um „die Straße zu erobern“ und gemeinsam für den Erhalt ihrer Häuser zu demonstrieren.
Wir haben die Show 1982 mit großem Erfolg wiederbelebt und eines Abends war ein englischer Schauspieler, Charles Lewsen, in der Stadt, um in einer Spoleto-Show im Dock Street Theatre aufzutreten. Er war von unserem Musical begeistert und fragte, ob wir eine Tournee in Großbritannien in Betracht ziehen würden. Er dachte, es würde ein großer Erfolg werden – vor allem, wenn man bedenkt, dass Shows für junge Leute damals über den großen Teich hinweg der letzte Schrei waren. Die Idee einer Tour schien weit hergeholt und ich habe sie ehrlich gesagt vergessen. Monate später rief Charles aus London an (damals eine wirklich große Sache) und sagte, er habe mit der British Youth Theatre Association gesprochen, die zugestimmt hatte, unseren Bodentransport und unsere Unterkunft zu arrangieren, während wir Jugendtheater in England bereisten, wenn wir das Geld aufbringen könnten überfliegen. Nachdem wir die Kosten zusammengerechnet hatten, kostete allein der Transport leider satte 60,000 US-Dollar. Trotzdem mischten sich einige Eltern ein, insbesondere Flori Fair, deren Tochter Bernie in der Show war, und wir veranstalteten monatelange Kuchenverkäufe, Schokoladenriegelverkäufe und dergleichen. Es folgte ein erfolgreiches Fundraising und bald begannen wir, die Reisekosten zu kürzen.
Wir kündigten unsere Pläne an, die Show beim nächsten Piccolo Spoleto Festival erneut aufzuführen, um die verbleibenden Mittel aufzubringen. Dieses Mal wurde die Show auf dem kürzlich fertiggestellten Parkhaus in der Cumberland Street aufgeführt. Die Show wurde mit großartigen Kritiken und einem vollen Publikum eröffnet. Bei früheren Produktionen hatten wir Glück und mussten keine einzige Aufführung wegen Regen absagen, aber dieses Mal hatten wir nicht so viel Glück. Ein riesiges Gewitter zog mit brutalen Winden über Charleston her – so brutal, dass sie unsere gesamte Landschaft auf dem Dach des Parkhauses zerstörten! Wir hatten jedoch zufällig ein doppeltes und kleineres Set, das für die Reise nach England bestimmt war, also verlegten wir unsere letzten Auftritte in das damals unrestaurierte Memminger Auditorium, wo es untergebracht war.
Dann fuhren wir mit einem Dutzend jugendlicher Schauspieler, Crewmitgliedern und einer riesigen Skateboardrampe, die zerlegt und in drei riesige Holzkisten verpackt worden war, nach Atlanta. Wir hatten bei Delta nach der Größe der Kisten gefragt, aber als wir in Atlanta ankamen, stellten wir fest, dass sie zu groß waren, um durch die Türen des Flugzeugs zu passen. Glücklicherweise war dies vor dem Zeitalter von TSA und besserer Sicherheit, also erlaubte uns der Pilot, die Werkzeuge, die wir mitgebracht hatten, um das Set wieder zusammenzubauen, und die Kisten auseinander zu nehmen, um die zerlegte Skateboard-Rampe Stück für Stück in den Bauch des zu schieben 707!
Wir kamen mit einer Besetzung von 30 Kindern, Erwachsenen, Tänzern, Skateboardern und einer Live-Band aus fünf Musikern in London an. Unser erster Auftritt war in einer Schule im Londoner East End, gefolgt von verschiedenen Shows in Jugendtheatern und Gemeinden von Reading bis York, bis wir mit unserem letzten Vorhang in einem noblen Internat in Wales schlossen. Die amerikanische TV-Show „Fame“ war gerade in England ein Hit geworden und viele britische Kids waren überzeugt, dass wir aus dieser Show stammten. Wir hatten nichts dagegen, und ich war verblüfft zu sehen, dass eine Show über das Zusammenkommen von Nachbarn in Charleston, South Carolina, internationale Anziehungskraft hatte. Das Publikum liebte unsere jungen Künstler.
Ironischerweise hatte ich die Idee zu dieser Show einige Jahre zuvor, als ich als Doktorand in London mit dem Rucksack unterwegs war. Das britische Nationaltheater hatte gerade am Ufer der Themse eröffnet, und darunter befand sich ein riesiges Parkhaus (was die Briten einen „Parkplatz“ nennen). Als ich mir dort eine Show ansah, fand ich Dutzende von Kindern, die die Rampen des Parkhauses auf und ab fuhren – die Idee für Nutze die Straße wurde geboren. Mit der Rückkehr nach Großbritannien schloss sich der Kreis der Show. Obwohl dies die einzige internationale Tour von Charleston Stage war, erlebten wir ein wirklich großartiges Abenteuer.
Bob Nicolai, Alison Kennedy, Julie Mathis und Clay Young – das erste A-Team, unser Teen Tech Theatre Apprentice-Programm, jetzt bekannt als TheatreWings.
das a-team (1986)
Der Beginn des Lehrlingsprogramms der TheatreWings High School von Charleston Stage.
Während in den frühen Tagen Freiwillige, darunter auch Teenager, am Bau vieler Bühnenbilder und Kostüme der Charleston Stage beteiligt waren, gründeten wir 1986 eine formelle Lehrlingsfirma für Teenager, die sich auf den Bühnenbau konzentrierte. Bob, Alison, Julie und Clay waren die ersten Mitglieder. Sie trafen sich jeden Dienstagnachmittag mit mir im damals baufälligen Memminger Auditorium, und wir bauten jede Woche drei Stunden lang Kulissen – eigentlich fast alle Kulissen für diese Saison. Im Laufe der Zeit entwickelte und wuchs das A-Team weiter. Zwei Sommer lang hatten wir ein kostenloses dreiwöchiges Sommertrainingslager, das von meinem Freund Larry Deckel geleitet wurde, damals College Apprentice Coordinator und Regisseur am Actors Theatre of Louisville. Als das Programm um Meisterkurse für Bühnenbilder, Kostüme, Ton, Beleuchtung und Bühnenmanagement erweitert wurde, benannten wir es in TheatreWings High School Appretice-Programm um. Heute hat es fast fünfzig Mitglieder, die weiterhin Sets, Requisiten, Kostüme bauen und hinter den Kulissen an den laufenden Crews unserer Shows arbeiten, während sie die ganze Zeit über alles lernen, was man auf der Bühne nicht sieht, was es braucht, um eine Show zu machen .
Oscar-prämierter Komponist John Williams.
Fanfare für Zehnjährige (1988)
Legendary star Wars Komponist John Williams schrieb eine Fanfare zur Eröffnung unserer 10. Staffel.
Um unsere 10 zu feiernth Jubiläum schrieb ich aus einer Laune heraus einen Brief an den berühmten Komponisten John Williams Krieg der Sterne, Jurassic Park und Olympia-Themen und fragte, ob er eine Fanfare schreiben würde, um unsere Saison zu eröffnen. Erstaunlicherweise erhielt ich einen Anruf von seinem Assistenten, der sagte, er sei von der Idee begeistert und würde für uns daran arbeiten. Der Plan war, dass er nach Charleston kommen und dirigieren sollte, aber Williams wurde in diesem Jahr schwer krank und musste sogar seinen 100th Jubiläumstournee für die Boston Pops, wo er der Musikdirektor war. Auch die Fanfare verzögerte sich, aber am Ende dieser 10th Jubiläumssaison wurde die Charleston Symphony von einem Handglockenchor der örtlichen Kirche begleitet, um die Premiere auf der Bühne zu spielen. Leider konnte Mr. Williams selbst nicht teilnehmen, aber es war trotzdem ein besonderes Ereignis und wir hatten das Privileg, die Fanfare für unsere Video-Retrospektiven und andere besondere Anlässe zu nutzen.
Jeff Johnson als Peter Pan in unserem Peter Pan Originalspiel (1989).
die ursprüngliche peter pan (1989)
Freiwillige schicken einen gefeierten Klassiker in den Höhenflug.
Ein Highlight unserer 11th Saison war eine große Produktion unserer Originalversion von Peter Pan. Diese Show zeigte Flying by Foy (das erste Mal, dass wir auf der Bühne fliegen), eine riesige Besetzung und fünf Sets (einschließlich eines Piratenschiffs in Originalgröße). Die Foys waren für das Fliegen in der ursprünglichen Broadway-Produktion von Peter Pan mit Mary Martin verantwortlich, die ich als Kind immer wieder im Fernsehen gesehen hatte. Diese Show war ein gewaltiges Unterfangen, das von einer größtenteils freiwilligen Set- und Kostüm-Crew zusammen mit unseren A-Team-Lehrlingen der High School geschaffen wurde. Während wir die Beiträge von Freiwilligen zur Ergänzung unseres Personals von 37 Vollzeitfachkräften immer noch schätzen, waren es in den frühen Tagen des Unternehmens fast alle Freiwilligen, die die bemerkenswerte Arbeit geleistet haben.
Hurrikan Hugo traf Charleston an der Mauer der High Battery in der East Bay Street (1990).
Die Hugo-Monologe (1990)
Im September 1989 wurde Charleston von Hurrikan Hugo heimgesucht, einem Hurrikan der Kategorie fünf. Der Strom war über drei Wochen lang ausgefallen, die Schulen waren einen Monat lang geschlossen und in der Stadt herrschte Ausgangssperre. Als ich nach Hause zu meinem Haus in Mt. Pleasant kam, mit 3 umgestürzten Bäumen und 12 auf dem Dach, musste ich in meine Nachbarschaft wandern, weil die Straßen durch umgestürzte Bäume gesperrt waren. Die Farce Scapino war in der Probe, und zum Glück war das Bühnenbild fertig und wartete in unserem Bühnenladen, der zusammen mit dem Dock Street Theatre dem Sturm unbeschadet entgangen ist. Aber wir waren entschlossen, dass die Show weitergehen muss; die Öffnung für Scapino war 2 wochen weg. Die größte Herausforderung bestand darin, die Besetzung zu finden, die in einer Zeit ohne Mobiltelefone über 5 Bundesstaaten verstreut war. Es dauerte einige Zeit, alle aufzuspüren, aber schließlich kehrten die Darsteller in die Stadt zurück. Ohne Strom und mit Ausgangssperre mussten wir tagsüber proben und die Ladetür des Szenenladens für Licht öffnen. Scapino Pünktlich eröffnet, jetzt als „Comic-Erleichterung“ in Rechnung gestellt, und Aufführungen wurden auf einer Pay-what-you-can-Basis angeboten, und das Publikum war begeistert.
Aber die Hugo-Show, an die ich mich erinnere, war eine andere. Damals unterrichtete ich eine Meisterklasse für unsere TheatreWings-Lehrlinge im Highschool-Alter. Als wir aus dem Sturm zurückkehrten und uns zum ersten Mal versammelten, gab ich ihnen den Auftrag, einen Monolog über ihre Hugo-Erfahrungen zu schreiben und aufzuführen. Ihre Geschichten reichten von den wenigen, die blieben und den Sturm und seinen Schrecken überstanden, Evakuierungen weit und breit und die Genesung – Essen aus Gefrierschränken, bevor es verdirbt, Grillpartys in der Nachbarschaft usw. Ihre Monologe waren kraftvoll und von Herzen, weil dies Ereignisse waren durchlebt hatten, nicht nur Drehbücher, die sie aufgeschnappt hatten. Ich wusste, dass diese Monologe geteilt werden mussten, also arrangierten wir eine Aufführung für Familie und Freunde.
Im darauffolgenden Frühjahr planten die Charleston County Schools einen Abend mit Aufführungen von Highschool-Schülern aus verschiedenen Kunstprogrammen der Region. Unter den Musik- und Chorgruppen wurden unsere TheatreWings-Studenten eingeladen, aufzutreten. Der Veranstaltungsort war jedoch das Sottile Theatre mit 800 Sitzplätzen – Jahre bevor wir über moderne Tonverstärkungstechnologie verfügten. Ich hatte Angst, dass ihre intimen Auftritte in diesem großen Theater verloren gehen würden, aber wir kamen trotzdem, um aufzutreten. Wir waren spät im Programm, das Publikum wurde unruhig und kurz bevor wir auftraten, betrat eine Choralgruppe die Bühne und sang etwas auf Latein. Es war schön, aber ich fürchtete, das Publikum würde in den Schlaf wiegen. Unsere jungen Künstler taten mir wirklich leid, da ich dachte, das Publikum würde nicht für eine weitere Gruppe von Aufführungen still sitzen wollen. Wir wurden angekündigt und das Publikum war offensichtlich aufgeregt – ich dachte, der Abend würde ein Desaster werden. Aber dann war da Magie – die Magie des Live-Theaters.
Als sich jede Geschichte entfaltete, konnte man eine Stecknadel fallen hören. Da unser Publikum Hugo und seine Nachwirkungen erlebt hatte, passten sie perfekt zu uns. Leider wurde die Aufführung nicht aufgezeichnet, und am traurigsten behielt ich keine Kopien der Monologe, die diese fantasievollen Studenten geschrieben hatten. Aber der Monolog, an den ich mich am meisten erinnere, war einer, der ungefähr so endete:
„Kein Strom, Schulen geschlossen, Tausende von Bäumen umgestürzt, Hubschrauber der Nationalgarde über uns, Tausende von Freiwilligen, die in unsere Nachbarschaft strömen, um Straßen zu räumen, Bäume zu fällen, bei der Reparatur unserer Häuser zu helfen, und Tag für Tag das Summen von Kettensägen in meinen Ohren. Und jetzt, drei Wochen später, gehe ich zurück zur Schule und mir wurde klar, verdammt, es ist vorbei!“
Bei diesen letzten Worten brach das Publikum in Jubel und Applaus aus, und in einer Zeit, in der es zu viele stehende Ovationen gibt, wusste ich, dass dies wirklich von Herzen kam. Ich weiß nicht, ob ich je mehr Ovationen genossen habe. Denn hier waren einfache, von Herzen kommende Geschichten – keine Kulissen, keine Kostüme, keine Mikrofone, keine Spezialeffekte – die ein Publikum auf besondere Weise berührten – dieser schöne Moment, allzu selten, wenn Publikum und Darsteller eine besondere Verbindung teilen. Viel besser geht es sicher nicht!
Die Besetzung der dritten Produktion von Helium (2011).
HELIUM (1989, 1999, 2011, 2018)
Den Verstand verlieren und sich selbst finden. Mein liebstes Originalstück, das ich geschrieben habe.
Das ist mein Lieblingsstück, das ich je geschrieben habe. Ich habe ursprünglich geschrieben Helium 1990, nachdem er eine Abhandlung des Humorkolumnisten der New York Times, Russell Baker, mit dem Titel gelesen hatte Aufwachsen. Mr. Baker eröffnete diese mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Abhandlung mit der Beobachtung, dass der Geist seiner 80-jährigen Mutter „frei durch Raum und Zeit wandern konnte. An manchen Tagen ging sie zu Hochzeiten und Beerdigungen, die ein halbes Jahrhundert zuvor stattgefunden hatten … sie bewegte sich durch die Zeit … mit einer Rede und einer Leichtigkeit, die über die Begabung der Naturwissenschaft hinausgeht.“ Während Mr. Naker sicherlich die Traurigkeit des Leidens seiner Mutter sah, sah er auch, dass es auch Freiheit in ihr gab. Aus diesem Gedanken entstand die erste Produktion von Helium geboren wurde.
In den nächsten Jahren durfte ich Altern und Demenz hautnah miterleben. Meine entzückende Großmutter, die das Alter von 100 Jahren erreicht hatte, starb immer noch mit einem Augenzwinkern und einer größtenteils intakten guten Laune. Ich sah zu, wie meine Mutter und ihre Schwester, ihre wichtigsten Bezugspersonen, ihren Weg durch die letzten schwierigen Jahre meiner Großmutter fanden.
Ein paar Jahre später verirrte sich meine wunderbare Schwiegermutter an vielen Tagen im Nebel der Demenz. Es war eine herausfordernde Zeit für unsere Familie, insbesondere für meine Frau Jenny, die ihre wichtigste Bezugsperson wurde. Unsere Kinder waren klein und sie staunten über den Verstand und ihre Höhenflüge ihrer Oma. Manchmal wollten wir weinen, aber oft mussten wir einfach über die Dinge lachen, die sie uns erzählte. Und wie Russell Bakers Mutter verbrachte sie einen Großteil ihrer Zeit auf Reisen, denn wie bei vielen Patienten mit Demenz blieb ein Großteil ihres Langzeitgedächtnisses intakt.
Nachdem Granny gestorben war und ich Demenz aus erster Hand gesehen hatte, entschied ich mich für einen erneuten Besuch Helium. Das Stück wurde 1997 grundlegend überarbeitet und im nächsten Jahr im Dock Street Theatre produziert. Es traf viele Menschen, die zu mir sagten: „Lass mich dir von meiner Tante, meiner Mutter, meinem Onkel, meinem Cousin erzählen.“ Sie erzählten mir von den Prüfungen, aber auch von den Freuden, die sie als Betreuer erlebten, und von den Höhenflügen, die ihre eigenen Lieben unternommen hatten.
Die Welt ist sich seit 1990 viel bewusster für Alzheimer und Demenz geworden, aber vieles ist noch unbekannt. Patienten und ihre Betreuer haben immer noch Schwierigkeiten, ihren eigenen Weg zu finden, und jeder Weg ist anders – niemand hat alle Antworten. In Helium wollte ich einfach die Reise, die Freuden und Sorgen einer Familie teilen und das Publikum einladen, zu staunen und zu feiern, wie ein menschlicher Geist fliegen kann.
Jennifer Claggett Metts als Annabel Lee und Ian Walker als Edgar Allen Poe in Nie mehr! Das letzte Geheimnis (1994).
Nie wieder (1994, 2006, 2012, 2019)
Die Anfänge von Edgar Allan Poe in Charleston und das Mysterium seines Todes betreten die Bühne.
Während Edgar Allan Poe wahrscheinlich am besten für seine wilden und fantastischen Geschichten bekannt ist, war es eines seiner Gedichte, das zuerst meine Aufmerksamkeit erregte. Ich erinnere mich noch, wie ich in meinem Englischunterricht in der High School tagträumte, gelangweilt von meinem Lehrer und in der Anthologie blätterte, die unser Lehrbuch war, als mein Blick auf Poes Gedicht fiel, Die Glocken. Mit seinen Alliterationen und hämmernden Wiederholungen (manchmal wiederholt Poe das Wort „Glocken“ sieben Mal hintereinander) war ich süchtig. Ich liebte seine Verwendung ungewöhnlicher Wörter wie das klingende „Tintinnabulation“. Mein Englischlehrer hätte das Lautmalerei genannt – ich nannte es cool! Bald las ich Poes andere Gedichte alleine, Ein Traum in einem Traum, Annabel Lee, und ich kaufte meine eigenen vollständigen Werke (ich habe sie immer noch) und pflügte mich durch seine Geschichten: Erzählen Sie Tale Heart, die längliche Schachtel, den roten Tod, die Grube und das Pendel und mehr. Ich stellte fest, dass Poe mein Favorit war und auch viele meiner Klassenkameraden, wie ein Stephen King der alten Schule.
Schneller Vorlauf bis 1994: Ich suchte nach einem neuen Halloween-Stück und erinnerte mich an Poes Geschichten über das Makabre. Seit ich nach Charleston gezogen war, hatte ich erfahren, dass Poe eine Zeit lang auf Sullivan's Island lebte, als er als junger Soldat in Fort Moultrie stationiert war. Ich dachte, dies könnte die Entstehung eines großartigen Stücks sein, und ging in die Bibliothek, um eine Poe-Biographie zu holen. Ich habe schnell gelernt, dass wir wenig über Poes Aufenthalt bei Sullivan wissen, sicherlich nicht genug für ein vollständiges Stück. Als ich jedoch weiterlas, war ich fasziniert von den Umständen von Poes mysteriösem Tod und dem Funken, der daraus entstehen würde Nimmermehr wurde entzündet.
Ich habe die ersten paar Szenen gesprengt, die meisten davon, wie Poe aus einem Traum erwacht und sich in seinen eigenen Geschichten wiederfindet. Mit jugendlichem Übermut und Selbstvertrauen kündigte ich die Premiere an Nimmermehr für den Herbst 1994. Und dann stieß ich gegen die härteste Mauer – die gefürchtete Schreibblockade. Es würde nichts kommen, und ich dachte, ich müsste die Produktion abbrechen. In meiner Verzweiflung dachte ich, ich würde eine Szene über die Schreibblockade selbst schreiben, aber zu meiner Freude bot diese Szene einen Weg für die Handlung von Poes Abstieg in die Dunkelheit und meinen Weg aus dem Strudel meiner Schreibblockade!
Trotzdem war ich nach den ersten paar Proben bereit, das Handtuch zu werfen und durch eine andere Show zu ersetzen, aber Barbara Young, unsere Kostümdesignerin, ermutigte mich, weiterzumachen. Also schrieb ich weiter und brachte der Besetzung neue Seiten bis zur letzten Generalprobe. Ich ging von der letzten Generalprobe nach Hause und war überzeugt, dass das Publikum verloren sein würde, aber Nimmermehr mit großem Erfolg uraufgeführt. Ein paar Jahre später wurde es von Dramatic Publishing veröffentlicht und im ganzen Land produziert.
Celeste Hardin als Eliza Dolittle und Sid Katz als Mr. Dolittle in My Fair Lady (1996).
Meine schöne Frau (1996)
Der Eröffnungsabend aus der Hölle.
Das vergesse ich lieber ganz! Bei der letzten Generalprobe bereiteten Freiwillige ein köstliches Essen für alle Darsteller und die Crew zu. Da wir zu dieser Zeit ein rein ehrenamtliches Theater waren, war es großartig, eine Mahlzeit für die Leute zu haben, die von der Arbeit zu den abendlichen Proben rasten.
Am nächsten Tag war Eröffnungsabend. Wir hatten vor der Show eine Gala mit einem Empfang für Spender geplant und als der Tag begann, klingelte immer wieder mein Telefon. Erst einer, dann zwei, dann drei Darsteller riefen an und sagten, sie hätten eine Lebensmittelvergiftung oder einen Magenvergiftungsvirus. Sie waren so schwer krank, dass klar war, dass sie nicht auftreten konnten. Eine Stunde vor Eröffnung war mehr als ein Viertel der Besetzung krank. Glücklicherweise waren die Schauspieler, die Eliza und Henry Higgins spielten, gesund und munter, und wir hofften, dass wir eine Aufführung mit einer reduzierten Besetzung durchführen könnten. Aber bis zum Vorhang waren weitere 10 Schauspieler krank, und es war klar, dass wir die Show auf keinen Fall aufführen konnten!
Ich versammelte die verbleibenden Schauspieler, einschließlich unserer Eliza und Higgins, und erklärte, dass wir alle musikalischen Nummern aufführen würden, die wir könnten. Ich ging auf die Bühne, um dem schwarzen Krawattenpublikum die Situation zu erklären, und wir präsentierten die kürzeste Version davon My Fair Lady je. Unser Spenderpublikum war sehr freundlich und wir boten ihnen Karten für spätere Vorstellungen an. Glücklicherweise war der Großteil der Besetzung am nächsten Abend zurück und die Show ging wie geplant weiter.
PIPPIN (1998)
Das Debüt der Resident Professional Acting Company von Charleston Stage.
Unter Vorstandspräsidentin Laura Hewitt und einem Geschenk für kostenloses Wohnen im alten Sgt. Jasper Apartments von The Beach Company, hatten wir das Vergnügen, unsere erste Vollzeit Resident Acting Company (damals Acting Interns genannt) zu gründen. Die ersten vier waren Matthew Myers, Brian Bogstad, Virginia Vogel und Laura Patterson, und die erste Show mit diesen Professional Resident Actors war Pippin in unserer 23. Saison. Im Laufe der Jahre sind mehr als 120 talentierte Schauspieler als Teil dieser professionellen Schauspielgruppe auf der Bühne aufgetreten, haben unsere Shows mit ihrem Talent geleitet und unschätzbare Lehrmaterialien für unsere TheatreSchool-Schüler bereitgestellt.
Marybeth Clark als Bette und Josh Wilhoit als Boo in Die Ehe von Bette und Boo (2001).
Die Ehe von Bette und Boo (2001)
Charleston Stage übernimmt eine gewichtigere (und verrücktere) Produktion.
Ich war zwar stolz auf die Arbeit, die Charleston Stage unter einem Jugendtheaterbanner produziert hatte, aber als die Firma wuchs, wollte ich, dass wir expandieren, um eine breitere Palette von Shows zu produzieren. Shows für junge Leute und ihre Familien würden Teil unserer Mission bleiben, also fingen wir an, mit etwas unkonventionelleren Shows zu experimentieren. Es gibt kaum einen Schriftsteller, der unkonventioneller ist als Christopher Durang, und Die Ehe von Bette und Boo ist eines seiner besten Stücke. Es erzählt die Geschichte von Bette und Boos felsiger Ehe und ihrem Sohn Matt (der auf Durang selbst basierte). Die Rolle des Alkoholikers Boo wurde von dem großartigen lokalen Schauspieler Josh Wilhoit und seiner Frau Bette von einem Newcomer auf der Charleston Stage namens Marybeth Clark gespielt. Marybeth wurde später unsere stellvertretende künstlerische Leiterin und Ausbildungsleiterin für die Charleston Stage und bald die neue künstlerische Leiterin des Unternehmens.
Bette und Boo ist ein schwer zu erklärendes Stück – eine dunkle Komödie, die sogar einen Witz über totgeborene Babys enthält. Ich weiß, es klingt schrecklich, aber in Durangs Händen wird diese traurige Situation sowohl tragisch als auch absurd urkomisch – Teil des legendären unkonventionellen Humors des Dramatikers. Wir wussten, dass wir mit dieser skurrilen Show ein Risiko eingehen, vertrauten aber darauf, dass Shows, die die Welt aus völlig unterschiedlichen Perspektiven betrachten, oft zu den besten Drehbüchern gehören. Wir haben uns immer noch gefragt, ob das Publikum diese Show genießen würde, aber sie haben ihre besondere Sicht auf das Leben angenommen. Und mehr noch, es gab uns den Mut, andere Shows mit leicht verzerrten Perspektiven zu produzieren –Bat Boy: Das Musical, The 45th Annual Putnam County Spelling Bee, Picasso im Lapin Agile, und Avenue Q.
Matt Schingeldecker als Joseph in Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat (2003).
Joseph und The Amazing Technicolor Dreamcoat (2003)
Unsere erste SummerStage-Produktion.
SummerStage ist unser Summer Musical Theatre Camp für über 80 Schüler vom Kindergarten bis zur High School. Ich muss zugeben, dass ich skeptisch war, als dieses Sommerangebot in der Planungsphase war, besonders als die Idee war, jeden ohne Vorsprechen aufzunehmen, der sich angemeldet hat. Aber unsere Bildungsdirektorin und stellvertretende künstlerische Leiterin Marybeth Clark versicherte mir, dass es funktionieren würde, und es funktionierte. Dank Marybeths Vision bewiesen die Kinder in diesem Sommer, dass sie in nur drei Wochen ein erstaunliches, vollständig inszeniertes Musical produzieren konnten. Andreas bereitete die Bühne für viele nachfolgende SummerStage-Produktionen –Seussical das Musical, Disneys Aladdin, Jr., High School das Musical, Jr., etc. – Sommer für Sommer die Dock Street Theatre Stage erleuchtend. Und in der Titelrolle dieses ersten Sommers war der 14-jährige Matt Shingledecker, der später am Broadway auftrat Miete, Frühlingserwachen, West Side Story und Böse sowie die internationale Tournee von Les Misérables. Nicht jedes Kind, das Teil von SummerStage war, ist am Broadway gelandet, aber bei diesen besonderen Aufführungen jeden Sommer ist jedes Kind in der Tat ein Star.
Die Besetzung der Produktion von 2007 Gershwin bei Folly im Sottile-Theater.
Gershwin bei Torheit (2003, 2007, 2013)
Das American Songbook spielt auf eine wahre Geschichte im Charleston der 1930er Jahre.
Gershwins Porgy and Bess ist Teil der künstlerischen Struktur des Lowcountry. Ich wusste vage, dass Gershwin 1934 in Folly Beach Urlaub gemacht hatte, wo er und der aus Charleston stammende DuBose Heyward mit der Arbeit an ihrer wegweisenden Oper begannen. Ich begann etwas zu recherchieren und fand heraus, dass Gershwin einen großartigen Sommer hatte, den Strand genoss, nahe gelegene schwarze Kirchen und schwarze Juke-Lokale besuchte und sich sogar die Zeit nahm, den Miss Folly Beach-Wettbewerb von 1934 zu beurteilen. Ich fragte mich, ob ich diese Geschichte in ein neues Gershwin-Musical verwandeln könnte.
Zunächst einmal musste ich mir die Rechte an der Musik aus den Nachlässen Gershwin und Heyward sichern. Die Familie Gershwin war etwas skeptisch, aber George Gershwins Großneffe Adam Gershwin zeigte Interesse und überredete die Familie, die Möglichkeiten in Betracht zu ziehen. Der Haken war, dass sie wollten, dass ich das Stück schreibe, bevor sie die Vergabe der Rechte in Erwägung ziehen würden. Also machte ich mich an die Arbeit und dank Adams Bemühungen stimmten die sieben Familienmitglieder nicht nur zu, mir zu erlauben, Gershwins Musik zu verwenden, sondern gewährten mir auch Zugang zu einem der mehr als 200 Songs, die er geschrieben hatte. Erlaubnis vom Heyward-Nachlass (Heyward schrieb die meisten Texte für Porgy und bess, einschließlich der legendären Sommerzeit) wurde ebenfalls erteilt. Mein Freund Chris Donison, Musikdirektor des berühmten Shaw Festivals in Kanada, erklärte sich bereit, die Orchestrierungen zu übernehmen, und der erste Entwurf der Show ging in die Proben. Natürlich musste der Schauspieler, der Gershwin spielte, nicht nur schauspielern, sondern auch Klavier spielen und steppen. Also ging ich nach New York, um Schauspieler vorzusprechen. Glücklicherweise war Jonathon Brody, der tatsächlich wie Gershwin aussah und ihn in einem PBS-Special gespielt hatte, verfügbar und kam für die Weltpremierenproduktion herunter.
Das Herzstück des Stücks ist nicht nur der Schreibprozess von Gerswin und Heyward Porgy and Bess aber wie sehr Gershwin, der noch nie in Charleston gewesen war, von Lowcountry und seiner reichen Gullah-Kultur verzaubert war. Als New Yorker durch und durch liebte er es, andere Orte und Kulturen zu entdecken – seine Ein Amerikaner in Paris und Die kubanische Ouvertüre sind zwei Beispiele. Noch nie hatte er so viel von der Musik und den Rhythmen einer anderen Kultur in sich aufgenommen wie in jenem Sommer auf den South Carolina Sea Islands. Zu Gershwins großartigen Showmelodien wurden traditionelle Lowcountry-Spirituals hinzugefügt—Stilles kleines Baby, wir werden alle zusammen beten und Jeder, der lebt, muss sterben– Lieder, die Gershwin wahrscheinlich bei seinem Besuch gehört hätte und die zu Vorbildern wurden Sommerzeit und andere originelle Melodien, für die er kreierte Porgy and Bess. Im legendären Folly Beach Pavilion kam ein traditioneller Boy-meets-Girl-Subplot hinzu, zusammen mit Badenixen und einer Horde Steptänzer, und so war ein neues Gershwin-Musical geboren. Die Show eroberte die Stadt im Sturm – sie brach alle Kassenrekorde und war Show für Show ausverkauft. 2007 und 2013 wiederbelebt und erweitert, Gershwin bei Folly bleibt die meistverkaufte Show in der Geschichte der Charleston Stage.
Gastschauspielerin Marjorie Johnson als Ruby Cornwall in der Originalproduktion von Der Sitz der Gerechtigkeit (2004).
Der Sitz der Gerechtigkeit (2004, 2016)
Eine besondere Aufführung für die Menschen in Clarendon County, South Carolina.
Als Dramatiker kommt man selten dazu, eine Geschichte zu erzählen, bei der einige der Beteiligten und ihre Familien noch bei uns sind. Aber das ist bei Der Sitz der Gerechtigkeit, ein Originalstück von mir, das wir erstmals 2004 zu Ehren des 50. Jahrestages des Wahrzeichens produziert haben Brown v Board of Education Entscheidung des Obersten Gerichtshofs von Topeka - eine Entscheidung, die durch die Handlungen der Bürger des ländlichen Clarendon County, South Carolina, in Kraft gesetzt wurde.
Meine persönliche Verbindung zum Land inspirierte mich, dieses Stück zu schreiben – ich wurde auf einer Baumwollfarm auf der anderen Seite des Santee River von Clarendon County geboren, in denselben Jahren, in denen die Ereignisse in dem Stück stattfanden. Als ich anfing, diese Geschichte zu recherchieren, traf ich zwei der tatsächlichen Teilnehmer – Joe DeLaine, dessen Vater die Organisationsbemühungen in Clarendon Country geleitet hatte, und Ruby Cornwell, die in der ersten Reihe des ersten Verfahrens zur Aufhebung der Rassentrennung im Bundesgerichtsgebäude gesessen hatte in Charleston. Ich konnte auch Joe Elliott interviewen, den Enkel von Roderick Elliott, dem damaligen Vorsitzenden der rein weißen Schulbehörde von Clarendon County, die nicht nur gegen die Aufhebung der Rassentrennung, sondern auch für die Gleichstellung der Schulen gekämpft hatte. Und obwohl ich andere Teilnehmer an dem Fall nicht kannte, kannte ich die Arten von Gemeinschaften, die sie prägten, denn eine ähnliche Gemeinschaft hat auch mich geprägt. Ich wurde in eine sehr segregierte Welt hineingeboren.
Es war vor allem der Tenor dieser Zeit, den ich einzufangen versuchte Der Sitz der Gerechtigkeit- diese uralte menschliche Abneigung gegen Veränderungen und wie bemerkenswert es ist, wenn Menschen vortreten und die Dinge nicht so betrachten, wie sie sind, sondern wie sie sein könnten. Das war sicherlich der Fall bei der Briggs Prozessparteien: Sie waren keine Richter oder Anwälte, sie waren Mütter und Väter, die eine bessere und gerechtere Welt für ihre Kinder wollten. Sie sind die Helden dieser Geschichte. Während es sicherlich wichtige Spieler wie Rev. DeLaine, Harry Briggs Jr., Thurgood Marshall, Richter Waties Waring und andere gab, wurde mir schnell klar, dass dies ein Spiel ohne zentralen Spieler sein musste. Vielmehr war es eine Geschichte, in der sich viele Personen vor dem Richterstuhl wiederfanden. Ich hatte das Gefühl, dass diese längst vergessene Geschichte erzählt werden muss, und so machte ich mich an die Arbeit.
Als die Show 2004 eröffnet wurde, hatten wir eine besondere Aufführung für die Nachkommen derjenigen, die in den 1950er Jahren in Clarendon Country involviert waren und deren Eltern und Großeltern diese monumentale Anstrengung angeführt hatten, sowie für die Nachkommen der Schulvorstandsmitglieder, die gekämpft hatten ihre Anstrengungen. Eine ähnliche Aufführung wurde den Nachkommen für die Wiederbelebung 2016 geboten, und in diesem Jahr reiste die Besetzung zur Liberty Hill Church, um in der Kirche zu beten, in der alles begann. Ich glaube, was mich am meisten bewegt hat, war, dass die Nachkommen, schwarz und weiß, das Gefühl hatten, ich hätte all ihre Geschichten auf faire und wahrheitsgemäße Weise erzählt. Für einen Autor kann es nicht viel besser sein.
Sowohl die Charleston- als auch die Lowcountry-Gemeinde reagierten herzlich auf die Show, füllten jede Aufführung und jubelten beim Vorhang. Im Jahr 2017 Der Sitz der Gerechtigkeit wurde von Dramatic Publishing veröffentlicht und machte die Show für andere Theater im ganzen Land verfügbar.
Norma Lynn Higgins als Sabina und Terry Davey als Mr. Antrobus in Die Haut unserer Zähne (2005).
Die Haut unserer Zähne (2005)
Die am meisten verabscheute aller Charleston Stage-Produktionen.
Ich liebe Thorton Wilder Die Haut unserer Zähne. Als ich 16 Jahre alt war, hatte ich eine Aufführung im Little Theatre in Sumter, South Carolina, gesehen und war begeistert. Hier war eine urkomische, schräge Show über Ideen – dieser Pulitzer-Preisträger zeigt, wie die Menschheit Zeitalter für Zeitalter mit der Haut ihrer Zähne überlebt hat. Akt eins spielt in der Eiszeit, Akt zwei die große Sintflut (Noahs) und Akt drei am Ende eines Weltkriegs (die Show wurde 1942 mitten im Zweiten Weltkrieg uraufgeführt). So sehr ich die Show liebte, wusste ich, dass sie problematisch gewesen war. Es verwirrte Publikum und Kritiker, als es 1942 eröffnet wurde – selbst das New Yorker Revival mit John Goodman im Jahr 1988 stieß auf sehr gemischte Kritiken. Trotzdem wollte ich ihm in Charleston eine Chance geben.
Wir hatten zwar eine großartige Besetzung, aber das Publikum war einfach verwirrt von der Verrücktheit der Show – die Antrobus-Familie im ersten Akt hat zum Beispiel Dinosaurier als Haustiere. Der zweite Akt der Show spielt auf einem Kongress in Atlantic City, wo es eine große Flut (á la Arche Noah) gibt, und der dritte Akt in der Einöde eines Weltkriegs. Jetzt kann ich zugeben, dass die Show nie wirklich funktioniert hat. Die Zuschauer gingen in Scharen weg, und ich bekam viele wütende Briefe, die die Lektion bekräftigten, dass eine Show, die auf der Seite wie ein großartiges, einfallsreiches Werk erscheinen mag, auf der Bühne nicht immer umgesetzt wird. Ich bin mir sicher, dass irgendjemand irgendwo einen Weg finden wird, damit es funktioniert.
Es ist mir immer noch ein Rätsel, wie es vor all den Jahren in dieser Gemeinschaftstheaterproduktion in Sumter funktioniert hat. Und das ist eine der Realitäten des Theaters – selbst mit einer großartigen Besetzung und einer großartigen Produktion funktionieren einige Shows einfach nicht – es passiert jede Saison am Broadway. Wenn wir also eine Show wie diese haben, die nicht ins Schwarze trifft, sind wir in guter Gesellschaft. 2022 gab es ein weiteres Revival von Die Haut unserer Zähne im Lincoln Center in New York, und es gab verwirrte Zuschauer, die auch diese Produktion verließen.
Warnell Berry, Jr. als Coalhouse Walker und Nakeisha Daniel als Sara in Ragtime (2007).
Ragtime (2007)
Unsere letzte Show vor der dreijährigen Renovierung des Dock Street Theatre.
Wir beschlossen, es mit einer riesigen Produktion der Charleston-Premiere des Broadway-Hits zu sprengen Ragtime bevor das Dock Street Theatre jahrelang renoviert wurde. Es zeigte eine unglaubliche 42-köpfige Besetzung, atemberaubende Sets und Kostüme und ein funktionierendes Model T, das auf die Bühne fuhr. Es war damals die größte Produktion in der Geschichte der Charleston Stage und legte die Messlatte für die folgenden Shows hoch.
Stephen Colberts wilde Weihnachtsgelage (2008)
Ein Vorteil für die Charleston Stage von einem Freund aus Kindertagen.
Drei Spielzeiten lang trat die Charleston Stage an anderen Veranstaltungsorten auf, während die Dock Street für 19 Millionen Dollar renoviert wurde. Einige Produktionen fanden im Memminger Auditorium und im American Theatre statt, während wir andere im Sottile Theatre des College of Charleston aufführten. Ein Höhepunkt unseres „Urlaubs“ in der Dock Street war eine Benefizveranstaltung im Dezember 2008 von Stephen Colbert aus Charleston. Stephen las aus seinem Buch Ich bin Amerika und du auch und beantwortete Fragen aus dem Publikum. Stephen behauptet, er habe einmal für mich vorgesprochen und ich habe ihn nicht vor Jahren gecastet, als er in der High School war, aber die Wahrheit ist, ihm wurde eine Chorpartie angeboten und er hat abgelehnt. Ich schätze, er hatte größere Dinge im Auge! Dank Stephens großzügiger Spende seiner Zeit und seines Talents war die Veranstaltung innerhalb weniger Stunden ausverkauft und brachte dem Unternehmen mitten in der Großen Rezession Tausende von Dollar ein.
Jimmy Hager als Captain Vesey und Henry Clay Middleton als Denmark Vesey in der Weltpremierenproduktion (2008).
Dänemark Vesey: Aufstand (2008)
Als ich 1976 zum ersten Mal nach Charleston kam, war im Gaillard Auditorium ein Gemälde von Denmark Vesey aufgestellt worden. Von vielen als Held, von anderen als Terrorist angesehen, war dies ein umstrittenes Denkmal, und das Gemälde wurde gestohlen, aber nach einer Belohnung zurückgegeben. Im Laufe von 45 Jahren hat die Stadt Vesey als mutigen Kämpfer für die Freiheit mit einem Vermächtnis anerkannt, an dem es sich zu erinnern lohnt. Später errichtete die Stadt Charleston ein Denkmal für Vesey im Hampton Park, aber leider wurde auch dieses zeitweise zerstört. 2022 jährt sich sein Todestag zum 200. Mal.
2008 schrieb ich ein Theaterstück über Denmark Vesey und Captain Vesey, den Mann, der Vesey nach Charleston brachte und ihm seine Freiheit verkaufte, als Vesey im Lotto gewann. Ich las alles, was ich finden konnte, einschließlich des Originalprotokolls der Verhandlung in den Archiven von South Carolina. Wir haben die Show im American Theatre als Teil von Piccolo Spoleto uraufgeführt.
Die Besetzung bestand aus Clay Middleton als Denmark Vesey. Clay hat über viele Jahre bei Charleston Stage alles von Dracula bis Thurgood Marshall gespielt und ist auch Regisseur bei der Firma. Capt. Vesey wurde von Jimmy Hagar gespielt, der zuerst als Atticus in auftrat Wer die Nachtigall stört und ist seitdem Filmschauspieler und Drehbuchautor geworden.
Die Besetzung von Die Produzenten, ein neues Mel Brooks Musical (2009).
Die Produzenten, Ein neues Musical von Mel Brooks (2009)
Zaubern an anderen Orten.
Im 800-Personen-Haus des Sottile Theatre hatten wir keine andere Wahl, als weiterhin Shows im großen Stil zu produzieren. Wir haben uns den musikalischen Leiter von der nationalen Tour geschnappt Die Produzenten, ein neues Mel Brooks Musical, Jose Simbulan, und mit unserer wachsenden Resident Professional Acting Company in Hauptrollen und anderen hervorragenden lokalen Künstlern und Musikern machten wir uns daran, eine der gefeiertsten Musikkomödien aller Zeiten zu produzieren. Es war eine großartige Produktion, die das Sottile Theatre füllte und unserem Publikum versicherte, dass wir große Werke produzieren könnten, unabhängig vom Veranstaltungsort.
Die Besetzung von Kabarett (2010).
Kabarett (2010)
Einen Klassiker inmitten des Chaos neu erfinden.
Kabarett ist eines der bekanntesten und kraftvollsten Musicals, das je produziert wurde. Von der Originalproduktion über den Film bis hin zum Broadway-Revival 1998 ist die Show immer gleich und fühlt sich dennoch immer neu an. Regisseurin Marybeth Clark setzte diese Tradition fort, als wir uns daran machten, diese ikonische Show zu produzieren. Brian Porter, der einst Verwaltungsdirektor der Charleston Stage war und jetzt Executive Director des Queen Street Playhouse ist, schloss sich uns als Emcee für diese Produktion an und brachte seine eigene besondere Magie in die Rolle. Marybeth fügte dem eindrucksvollen Bild der Tore von Auschwitz am Ende des zweiten Akts besondere Akzente von einer lebenden Boa Constrictor hinzu, die mit dem Emcee am Ende des ersten Akts auftauchte. Viele Leute haben hart gearbeitet, um zu einer erstaunlichen, aufregenden und frischen Herangehensweise an die Show beizutragen.
Aber die Produktion war nicht ohne Herausforderungen. Unser damaliges zweiköpfiges technisches Personal, Stefanie und Mike Christensen, musste früh ihre Tochter zur Welt bringen, also wurde ich wieder in den Dienst als Bühnenbildner berufen. Die Fertigstellung und Bemalung der Kulissen kam auf den Draht an. Und dann bekam Sarah Claire Smith, unsere Sally Bowles, eine Woche vor Beginn der Show eine Kehlkopfentzündung. Wie durch ein Wunder kehrte ihre Stimme am Eröffnungsabend zurück! Und wie sie sagen, der Rest ist Geschichte – die Show wurde für begeisterte Kritiken und volle Häuser eröffnet.
Showvorhang „Window of Wonder“ des Künstlers Jonathan Green für das Dock Street Theatre. Szenische Malerei von Colleen Ballance (2010).
Fenster des Wunders/Fanfare für eine steigende Flut (2010)
Die große Wiedereröffnung des renovierten Dock Street Theatre.
Die dreijährige und 20 Millionen Dollar teure Renovierung des Dock Street Theatre durch die Stadt Charleston wurde 2010 zu unserer großen Freude endlich abgeschlossen. Wir kehrten mit einer besonderen Eröffnungsveranstaltung zurück, bei der ein neuer, vom Künstler Jonathan Green entworfener Showvorhang und die Premiere von enthüllt wurden Fanfare für eine steigende Flut von dem mit dem Grammy Award ausgezeichneten Musiker und Komponisten Charlton Singleton, beide im Auftrag der ehemaligen Vorstandsvorsitzenden Barbara Burgess und ihres Mannes John Dinkelspeil.
Künstler Jonathan Green (L) und Grammy-preisgekrönter Musiker Charlton Singleton (R).
Marybeth Clark interviewt Michael Emerson und Carrie Preston.
Liebesbriefe (2010)
Die erste Show des Unternehmens im neu renovierten Dock Street Theatre.
In Liebesbriefe, Emmy-Preisträgerin Carrie Preston (Die gute Ehefrau / True Blood), die 1986 als Studentin am College of Charleston die Rolle der Ann Frank für die Charleston Stage spielte, kehrte mit ihrem Ehemann Michael Emerson in die Stadt zurück, der gerade einen mit dem Emmy ausgezeichneten Lauf bei LOST beendete. Sie spendeten großzügig ihr Talent, um bei der Wiedereröffnung des Dock Street Theatre mit einem Vorteil für die Charleston Stage zu helfen. Carrie und Michael führten AR Gurneys bewegendes Stück auf Liebesbriefe, und am Ende der Aufführung interviewte Marybeth Clark diese beiden talentierten Schauspieler und moderierte ein lebhaftes Q&A mit dem Publikum.
Phil Mills als JFK und Gardner Reed als Inga Arvad in der Originalproduktion von JFK und Inga Binga (2012).
JFK UND Inga Binga (2012)
Eine Charleston-Affäre aus dem Zweiten Weltkrieg betritt die Bühne.
Ich habe mich in meinen Originalwerken oft von großartigen Geschichten hier im Lowcountry inspirieren lassen, und es könnte keine viel bessere Geschichte geben als die Affäre des jungen JFK mit einem angeblichen Nazi-Spion hier in Charleston während des Zweiten Weltkriegs. Es hatte alles – eine blonde Sexbombe namens Inga Arvad (die der junge Kennedy Inga Binga nannte), FBI-Agenten im Nebenzimmer und Reporter, die diesen unglücklichen Liebenden auf den Fersen waren. Obwohl ich die Geschichte in eine Farce verwandelt habe, basiert sie auf tatsächlichen FBI-Akten und Liebesbriefen zwischen Jack und Inga, die ich in der Kennedy Library in Boston entdeckt habe. Die New Yorker Schauspieler Phil Mills und Gardner Reed spielten die Hauptrollen und wurden von einer wunderbaren Nebenbesetzung unterstützt. Das Publikum liebte die Show – sie wurde zur meistverkauften nicht-musikalischen Produktion in der Geschichte der Charleston Stage. Obwohl ich hoffte, dass mein Schreiben dazu beitrug, ist Tatsache, dass Sex und die Kennedys sich verkaufen! JFK und Inga Binga wurde mein achtes veröffentlichtes Stück und wird jetzt von anderen Theatern im ganzen Land produziert.
Die Besetzung von Nahe bei Normal (2014).
Neben Normal (2014)
Ein kraftvolles, zeitgenössisches Musical.
Der Pulitzer-Preis und der Tony-Preis Nahe bei Normal ist eines der kraftvollsten Musicals der letzten Jahre. Fast vollständig gesungen mit einer Rockmusik von Tom Kitt und Texten von Brian Yorkey eroberte es den Broadway im Sturm und bewies, dass Musicals sehr ernste, schwierige Themen angehen können. Nahe bei Normal erzählt die Geschichte einer Familie, die mit der schweren bipolaren Störung ihrer Mutter zu kämpfen hat. Die Show beleuchtet, wie ein solcher Kampf jeden in einer Familie betrifft, und bringt die Notwendigkeit des Verständnisses und der Befürwortung von Ressourcen für psychische Gesundheit einem größeren Publikum nahe. Während Shows mit Botschaften selten funktionieren, Nahe bei Normal funktioniert, weil es keine Antworten hat. Es präsentiert einfach, wie es große Dramen immer tun, einen Teil des Lebens in all seinen menschlichen Triumphen und Tragödien.
Nahe bei Normal ist eine herausfordernde Produktion, sowohl was das Thema als auch die schwierigen Gesangsparts betrifft. Wir brachten zwei Gastschauspieler mit, Sean Hayden und Annie Freres, die von unseren Resident-Schauspielern Aaron Hancock und Joseph Dickey (vor kurzem am Broadway in der Titelrolle von Disney's zu sehen) unterstützt wurden Aladdin). Abgerundet wurde die Besetzung durch Celeste Riddle, eine talentierte Theatermajorin am College of Charleston.
Dies war eine Show, die in die Höhe schnellte. Es war bewegend zu sehen, wie dieses Musical auf das Publikum wirkte und viele dazu veranlasste, ihre eigenen Geschichten zu erzählen. Wir hatten „Talkbacks“, die von Psychiatern des MUSC geleitet und von Dr. Lee Lewis moderiert wurden, der selbst ein ehemaliges Mitglied des Resident Actor-Programms von Charleston Stage und jetzt Psychiater ist. Diese Show bereitete die Bühne für weitere ernsthafte Produktionen in der Zukunft.
Die Besetzung von Fangen Sie mich, wenn Sie können (2015).
Fang mich, wenn du kannst (2015)
„Charlestonian“ Frank Abagnale, Jr.s erstaunliche Geschichte.
Es ist nicht oft das Thema eines großen Musicals in Ihrer Heimatstadt, aber das ist der Fall bei Frank Abagnale, Jr., der Charleston als sein Zuhause angenommen hat. Ich habe mich an Frank gewandt, als wir uns die Rechte an dieser großartigen Show gesichert hatten, und er hätte mit seiner Zeit und seinen Erkenntnissen nicht großzügiger sein können, um uns zu helfen, sie zu einem Erfolg zu machen. Ich traf ihn persönlich und er nahm an mehreren Proben teil, um mit der Besetzung zu sprechen und seine erstaunlichen Erfahrungen als jugendlicher Scharlatan zu teilen. Er freundete sich an und arbeitete eng mit Corbin Williams zusammen, der ihn in der Show spielte. Das Musical hatte eine großartige Besetzung und ein wunderbar fantasievolles Set mit zauberhaften Kostümen und Choreografien – es wurde eines der meistverkauften Musicals in der Firmengeschichte.
Frank besuchte auch die Eröffnungs- und Abschlussvorstellungen der Show, sprach mit dem Publikum und beantwortete Fragen, wodurch diese Produktion und diese Geschichte noch realer wurden. Nach der Show schickte er mir handsignierte Fotos, die er mit „To Julian, The Best Director in the World“ beschriftete. Ich bin mir nicht sicher, was Stephen Spielberg davon halten könnte!
Frank Abagnale jr.
John Black als Peter und Madeline Glenn Thomas als Molly Peter und der Starcatcher (2017).
Peter und der Starcatcher (2017)
Die Fantasie fliegt.
Ich nehme diese Show mit auf, weil sie in vielerlei Hinsicht der Inbegriff von großartigem Theater ist. Obwohl es einfach erscheint – ein Dutzend Schauspieler stellen alle Sets und Requisiten aus Leitern, Seilen und anderen Gegenständen her, war es tatsächlich eine der komplexesten Shows, die wir je produziert haben. Viele Leute werden vielleicht überrascht sein zu erfahren, dass Drehbücher keine Bauanleitungen für den Bau der Sets, Requisiten und Kostüme für jede Show und eine Show wie enthalten Peter und der Starcatcher fordert jedes Theater auf, eigene Lösungen für die Inszenierung zu finden. Bevor wir es produzierten, hatte ich die Show zweimal gesehen, die ursprüngliche, mit dem Tony Award ausgezeichnete Broadway-Produktion sowie eine spätere Produktion im berühmten Walnut Street Playhouse in Philadelphia. Obwohl beide ihre Stärken hatten, dachte ich, dass die Geschichte oft in der Klugheit und Einfallsreichtum ihrer Inszenierung verloren ging. Ich wusste, dass es wichtig sein würde, fleißig zu arbeiten, um sicherzustellen, dass die Geschichte und die Handlung im Mittelpunkt stehen.
Eine unserer ersten Entscheidungen bei der Zusammenarbeit mit unseren Designern war es, die Show zu vereinfachen. Hängende Glühbirnen wurden zu funkelnden Sternen, Leitern zu Schiffsmasten, Seile zu Türen, Fenstern und Wellen und Regenschirme zu Bäumen. Jede Probe war eine Freude, da meine absolut erstklassige Besetzung diese einfachen Gegenstände verwendete, um eine Reise der Fantasie zu schaffen, die direkt bei Peter Pan landete Neverland. Ein Teil des Zaubers der Show bestand darin, dass das Publikum seine eigene Vorstellungskraft ins Spiel brachte und sogar glaubte, dass ein Gummihandschuh ein Vogel werden könnte, ein wogendes Stück Stoff ein goldener Pool werden könnte und ein paar Seile mit einem funkelnden Stoff und einem strategisch platzierten Schiff Lichter könnten zu einer Schar von Meerjungfrauen werden, komplett mit Besenstrohschwänzen. Theater ist wirklich magisch.
Die Besetzung von Shakespeare in Love (2018).
Shakespeare verliebt (2018)
Das Finale unserer Saison zum 40-jährigen Jubiläum
Obwohl ein Teil des Sets am Eröffnungsabend zusammenbrach (niemand wurde verletzt und die Show ging bald weiter), Shakespeare in Love ist eine Show, die die Magie des Theaters feiert, während wir dem berühmten Dichter und Dramatiker dabei zusehen, wie er seinen Klassiker erschafft Romeo und Julia inmitten seiner eigenen Romanze. Höhepunkte der Produktion waren die originale Begleitpartitur von Luke Walchuk, unserem Resident Sound Designer und Audio Engineer, die umwerfenden Kostüme und die aufregenden Schwertkämpfe, die von Evan Parry vom College of Charleston choreografiert wurden.
Der 16-jährige Jacob Feight als Christopher in Der seltsame Vorfall des Hundes in der Nacht (2019).
der kuriose vorfall mit dem hund in der nacht (2019)
Eine unserer fantasievollsten Produktionen überhaupt.
Seltsamer Vorfall tut, was Theater am besten kann – nimmt das Publikum mit in die Welt und den Geist anderer. Dieses Stück reist in den erstaunlichen Geist und die Perspektive des 14-jährigen Christopher Boone, der im autistischen Spektrum lebt. Die Besetzung wurde von dem 16-jährigen Jacob Feight geleitet, einem unserer TheatreWings-Lehrlinge, der die Rolle ganz zu seinem eigenen machte, zusammen mit einer erstklassigen Ensemblebesetzung, die das Publikum Nacht für Nacht umgehauen hat. Diese Show markierte auch eines meiner Lieblingssetdesigns, das auf erfinderische Weise das Zusammenspiel von Christophers Gedanken widerspiegelte.
Katelyn Crall (Mitte) als Alice Murphy und die Besetzung Bright Star (2021).
heller Stern (2021)
Die Show muss weitergehen!
Wir waren in der Probe für Bright Star als COVID ausbrach und wir am 15. März 2020 alles absagen mussten. Lange siebzehn Monate später begannen die Proben wieder. Wir waren so aufgeregt, wieder eine Show zu machen, und dachten, dass COVID hinter uns liegt. Alle unsere Schauspieler und Crew waren vollständig geimpft, aber nach der ersten Probenwoche hatten wir 14 Durchbruchsfälle. Zum Glück war niemand ernsthaft krank, aber wir mussten die Eröffnung um eine Woche verschieben. In diesem September kehrten unsere Live-Auftritte endlich ins Dock Street Theatre zurück. Obwohl die Besetzung bei den Proben und hinter der Bühne maskiert war und das Publikum einen Impfnachweis vorlegen und Masken tragen musste, ging die Show weiter und das Publikum bejubelte dieses ergreifende und bewegende Musical. Diese Show war umso wunderbarer, als sie unsere Rückkehr zu persönlichen Live-Auftritten markierte.
K'nique Eichelberger (L) und Jerquinez A. Gipson (R) als Lola in Kinky Boots (2022).
versaute Stiefel (2022)
Sei einfach, wer du sein willst. Lass sie dir niemals sagen, wer du sein solltest.
Kinky Boots war das perfekte Finale für unsere erste Saison nach unserem COVID-Shutdown. Dies war die erste Show, bei der das Publikum nicht maskiert und ein Impfnachweis verlangt wurde, und alle waren begeistert. Es zeigte das Debüt der neuen Designer Courtni Riddick (Kostüme), Caleb Garner (Lichter) und Adam Jehle (Bühnenbilder), mit einer beeindruckenden Gesellschaft von Spielern, darunter nicht einer, sondern zwei Lolas, die in der Hauptrolle rotierten. Das Finale sagte alles: Sei einfach, wer du sein willst. Feiere mit Würde dein Leben triumphierend!