Unsere neuesten Verwaltungsmitarbeiter

Wir freuen uns sehr, Eliza Metts, Marketingassistentin, Mary Elizabeth Ray, Box Office Manager, und Monica Vanderbeck, Associate Director of Development, in unserem Verwaltungsteam im Dock Street Theatre willkommen zu heißen! Hören Sie unten von ihnen:

Eliza Metts – Marketingassistentin

Sie haben kürzlich das Theaterprogramm des Wofford College abgeschlossen. Was hast du gelernt?

Mein Theaterstudium war stark von den Disziplinen Dramaturgie und Dramaturgie geprägt. Ich habe eine Fülle von Shakespeare, antiken griechischen Stücken und zeitgenössischen Werken gleichermaßen gelesen und geschrieben, und ich bin so dankbar für die große Vielfalt an Stilen, in die mich meine Professoren eingeführt haben. Zu sehen, wie sich das Theater im Laufe der Kulturen und Epochen entwickelt hat, hat mich als Autorin und Künstlerin transformiert. Die Fakultät hat es uns nicht leicht gemacht! Am wichtigsten ist, dass ich gelernt habe, gut zu schreiben und zu kommunizieren, etwas, das ich für den Rest meines Lebens nutzen werde, unabhängig davon, wie oft ich das Privileg habe, auf der Bühne zu stehen.

Was machen Sie als gebürtiger Charlestoner in der Stadt am liebsten?

Meine Verlobte und ich lieben es, lange Spaziergänge rund um South of Broad zu machen – wir schlängeln uns immer durch die kleinen Gassen an der East Bay und der Lower Church Street. Ich liebe die Natur, deshalb bin ich immer auf der Suche nach den besten Blumenkästen und Gärten. Stellen Sie sicher, dass Sie den Auferstehungsfarn bemerken, der auf den Ästen lebender Eichen und in den moosigen Ritzen alter Backsteinmauern wächst. Wenn es eine Weile nicht geregnet hat, sieht es aus, als wäre es tot, aber beim nächsten Regen „erwacht“ es wieder zu grünem Leben! Wissenswertes: Es kann 99 Jahre ohne Wasser leben! 

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Meine Mutter nahm mich zuerst mit, um zu sehen Oklahoma! produziert vom College of Charleston, als ich 4 Jahre alt war. Ich war begeistert – es war meine erste Erfahrung mit Live-Theater! Es ist ein immergrüner Klassiker, über den ich jedes Mal, wenn ich ihn sehe, neue Dinge lerne, und ich glaube, dass die Charaktere – insbesondere Laurey – dynamischer und nuancierter sind, als wir uns normalerweise erinnern. Es veränderte die Geschichte des Broadway, als es 1943 eröffnet wurde.

Mary Elizabeth Ray – Kassenleiterin

Sie haben bei uns in Teilzeit an der Kasse gearbeitet, bevor Sie in Vollzeit eingestiegen sind. Was gefällt Ihnen an der Arbeit für Charleston Stage?

Ich habe die Gelegenheit geliebt, so schnell so viel zu lernen. Ich hatte noch nie am Theater gearbeitet, bevor ich zu Charleston Stage kam, und als ich dies als mein Interesse am College entdeckte, wollte ich so viel wie möglich davon aufsaugen. Die Arbeit an der Abendkasse hat mir einen ersten Blick hinter die Kulissen der schillernden Theaterwelt verschafft, der unbezahlbar ist!

Was lieben Sie am meisten an der Erfahrung von Live-Theater?

Ich schätze die Möglichkeit, als Zuschauer an der Kunst teilzuhaben, sehr. Ich denke, es gibt viel aktives Denken und Aufheben des Unglaubens im Live-Theater, das nicht nur ein kreatives Produktionsteam, sondern auch einen einfallsreichen Zuschauer erfordert. Ich liebe es, die Lücken, die auf der Bühne nicht enthalten sind, mit meinem eigenen Kopf zu füllen – es gibt mir das Gefühl, dass ich auch an der Schaffung dieser künstlerischen Erfahrung für mich selbst beteiligt bin, und es ist so cool, dass es für jedes Publikum anders aussehen kann Mitglied auf einem Platz. Es ist alles Kunst, die gleichzeitig auf der Bühne und im Kopf jedes Einzelnen passiert, und es ist eine wunderbare Sache, sie zu teilen.

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Mamma Mia!!! Es war mein Lieblingsfilm, als ich aufwuchs, und es war die allererste Show, die ich in der Dock Street gesehen habe. Es war auch das erste Mal, dass ich die Show live gesehen habe. Ich ging zum Pay-As-You-Please-Abend und das Publikum hätte nicht aufgeregter sein können! Überall waren Leute in Dynamo-ähnlichen Outfits, Overalls und Schlaghosen. Ich denke, das war das erste Mal, dass ich daran dachte, dass ich ein Teil davon sein wollte, Live-Theater zu verwirklichen. 

Monica Vanderbeck – Stellvertretende Direktorin für Entwicklung

Bevor Sie zu uns kamen, haben Sie einige Zeit in der Veranstaltungsbranche gearbeitet. Was hat Sie dazu bewogen, umzusteigen?

Ich habe das College of Charleston mit einem BS in Business Administration und einem BS in Hospitality and Tourism Management abgeschlossen. Mir wurde gesagt, dass ich herrisch (ich bevorzuge den Begriff Typ-A) und detailorientiert bin, daher schien die Eventwelt nicht zu weit außerhalb meines Bereichs zu liegen. Ich entschied mich für ein Praktikum in der Hochzeitsbranche bei Intrigue Design and Events, da Hochzeiten in Charleston eine so dominierende Branche sind. Ich wurde eine Woche nach dem Abschluss in Vollzeit als Eventmanager eingestellt, und von da an änderte sich mein Titel im Laufe der Jahre viele Male. Ich habe mich in die Branche verliebt wegen der Gefühle hinter der Bedeutung der Ehe. Ich schätze die Heiligkeit und Einheit der Beziehung und den Liebesbeweis der Paare. Dennoch wurde der Gangwechsel durch eine Reihe von Lebensveränderungen, persönliches Wachstum und die Notwendigkeit für berufliches Wachstum in einer neuen Branche veranlasst. Es war meine Zeit, mich auf eine Karriere zuzubewegen, die meine Bestimmung erfüllt und meine Leidenschaft mit meiner Berufung verbindet. 

Gemeinnützige Entwicklung ist eine besondere Berufung der Arbeit. Was bedeutet es für Sie, der Kunstszene in Charleston zu dienen?

Meine Beziehung zur Kunst begann vor vielen Monden (von der Vorschule bis zum jungen Erwachsenenalter). Ich war auf dem Weg, Opernsängerin zu werden, aber für mich waren andere Pläne vorgesehen. Ich habe meine Freizeit immer ehrenamtlich verbracht und mich an verschiedenen Community-Outreach-Programmen beteiligt, und der Wechsel in die gemeinnützige Welt war eine natürliche Entscheidung. Meine Erfüllung ergibt sich aus der direkten Korrelation meiner Bemühungen, ob Zeit, Ressourcen oder geistiges Eigentum, die eingesetzt werden, um in der Gemeinschaft etwas zu bewirken. Die Werkzeuge und Fähigkeiten, die ich in der Hochzeits- und Veranstaltungsbranche erlernt habe, haben dazu beigetragen, die Grundlage für meinen derzeitigen Titel als Associate Director of Development zu legen. Der Einstieg in diese Rolle bei Charleston Stage hat es mir ermöglicht, meine beruflichen Fähigkeiten und Ziele mit meinen persönlichen Leidenschaften in Einklang zu bringen.

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Diese Frage fühlt sich immer wie eine geladene Frage an! Meine Lieblingsoper ist die von Toshio Hosokawa Matsukaze. Mein Lieblingsmusical ist technisch gesehen eine komische Oper, Die Zauberin von Viktor Herbert. 

Mary Elizabeth Ray, Eliza Metts und Monica Vanderbeck

„An Avenue of Self-Expression“ – The Meaning of Live Theatre, von Resident Actor Raymond Cronley

Wir haben uns mit Raymond Cronley zusammengesetzt, einem unserer Resident Actors in Staffel 45, der in unserer Produktion von als Jonathan/Charles Haversham auftritt Das Stück, das schief geht, Eröffnung am 31. August. Hier teilt er sein „Warum“ für sein Engagement im Theater und packt aus, was die Kunstform für ihn bedeutet.

Theater ist der beste Freund eines internetbegeisterten Kindes. 

Als ich jung war, hatte ich immer viel Energie – manche mögen sagen, zu viel Energie. Es brachte mich manchmal in große Schwierigkeiten, besonders wenn ich zu unpassenden Zeiten Witze machte oder Eindrücke machte. Es hat mich immer frustriert, dass ich mich anscheinend nicht so ausdrücken durfte, wie ich wollte. Es wurde gleichzeitig besser und schlechter für mich, als ich ein paar Freunde fand, die meiner Energie entsprachen, denn sie spielten nicht nur mit meinen Possen mit, sondern fügten den Dingen, die ich gerne tat, auch ihre eigene Energie und Kochfreude hinzu.

Ich bin in den frühen Tagen des Internets und von YouTube aufgewachsen, daher bedeutete für uns der Höhepunkt der Comedy, möglichst alberne und unsinnige Inhalte zu finden, sie auswendig zu lernen und sie uns gegenseitig im Bus, auf dem Spielplatz oder in Klassenzimmern auszuspucken . Bei uns drehte sich alles um diese Insider-Witze, die unsere Lehrer und Kommilitonen gleichermaßen dazu veranlassten, die Augen zu verdrehen. Wir lebten von dieser Aufmerksamkeit, dieser honigsüßen Mischung aus Verwirrung und Verärgerung. Im Laufe der Jahre behielten wir unseren Schtick bei, bizarre Komödien untereinander und mit unseren Kollegen nachzuplappern und unsere Energie untereinander auszutauschen. Irgendwann würde diese Energie nachlassen und andere ähnlicher Art anziehen, die Kinder mit zu viel Energie und viel zu viel Freizeit im Internet, die ein Ventil brauchten. Unsere Freundschaft war stark, aber wir konnten in der Schule nur begrenzt Energie freisetzen, besonders als die High School vorbei war.

Was waren eine Gruppe nerdiger Kids mit einer Obsession für das Nachplappern von Medien und scheinbar grenzenloser Energie, die sie mit sich selbst zu tun hatten? Es ist an der Kreuzung, an der ich meinen Glückssternen danke, dass wir den Theaterclub unserer Schule gefunden haben. Endlich hatten meine Freunde und ich eine Plattform entdeckt, auf der wir alle lustige Insider-Witze und alberne Stimmen lernen und uns lächerliche Lieder und Bewegungen einprägen konnten, die wir dann der ganzen Schule präsentieren konnten. Wir waren nicht länger die lästigen Kinder, die YouTube-Songs auf dem Spielplatz sangen – in unseren Gedanken könnten wir jetzt so viel mehr sein. 

Theater ist vieles: ein Beruf, ein Handwerk, ein Weg zur Erforschung von Geschichte, Politik, Kunst und der Menschheit als Ganzes. Für einen vierzehnjährigen Raymond war es jedoch mehr als das. Es war eine Chance, mich endlich auf eine Weise auszudrücken, die für mich Sinn machte. Tendenzen zu nutzen, die viele als ärgerlich empfanden, und sie in eine Arbeit zu verwandeln, auf die ich stolz sein konnte, war für mich lebensverändernd. Die Kinder von heute sind mehr denn je online und als Theaterprofi ist es meine Verantwortung, diesen energischen und an Nischen interessierten Kindern zu zeigen, dass es hier einen Weg gibt, sich auszudrücken. Theater ist dieser Weg, war dieser Weg für mich und wird es immer bleiben. 

Raymond ist unglaublich begeistert, in unserer 45. Staffel als Resident Actor bei der Charleston Stage dabei zu sein! Ursprünglich aus Cincinnati, Ohio, schloss Raymond im Mai 2021 sein Studium an der Ohio Northern University mit einem BFA in Musiktheater ab. Frühere Credits beinhalten Jack (Into the Woods), Frederick Frankenstein (Young Frankenstein) und George (Sunday in the Park with George). Er bedankt sich bei seiner Familie und seinen Freunden für die tatkräftige Unterstützung und Ermutigung! Hören Sie von ihm unter  raymondcronley.squarespace.com / @RayMonley

Ein Einblick in TheatreWings mit Sayde Handegan

Lernen Sie Sayde Handegan kennen: eine angehende Schauspielerin, Mitglied von TheatreWings und Schülerin an der Wando High School. Wir haben uns kürzlich mit ihr zusammengesetzt, um Ihnen einen genaueren Einblick in unsere zu geben TheatreWings-Programm, ein kostenloses, vorberufliches Lehrlingsprogramm für Highschool-Schüler, die sich dem Erlernen des Handwerks des Backstage-Theaterdesigns und -managements verschrieben haben. Wir hatten auch die Freude, sie als „Marienkäfer“ in unserer Sommer-Teen-Produktion von zu sehen Roald Dahls James und der Riesenpfirsich! Hier von Sayde selbst:

Sie haben gerade Ihre Rolle in unserer Produktion von Roald Dahls „James and the Giant Peach“ als Ladybug beendet. Wie haben Sie sich auf die Rolle vorbereitet? Ich hatte eine tolle Zeit, Ladybug in „James!“ zu spielen. Die größte Herausforderung beim Spielen dieses Charakters war der Akzent. Natürlich spreche ich mit einem amerikanischen Standardakzent. und als die Proben begannen, hatte ich noch nie zuvor mit einem anderen Akzent gespielt. Mein Charakter hatte besonders einen noblen britischen Akzent, also hörte ich, wenn ich bei den Proben Pause hatte, Leuten zu, die diesen speziellen Akzent sprachen, um ihre besonderen Tonlagen zu hören. Schließlich landete ich bei einem Interview mit Emma Thompson und das war es – ihr Akzent war perfekt für Ladybug. Ich habe eine lächerliche Menge ihrer Interviews gesehen, um mich auf die Rolle vorzubereiten! Physisch war die Vorbereitung unkompliziert, da ich keinen sehr tanzlastigen Track hatte. 

Was ist Ihre Lieblingserinnerung an die Charleston Stage? Ich habe so viele wundervolle Erinnerungen mit Charleston Stage! Ich hatte immer eine tolle Zeit mit dem Unternehmen zu arbeiten. Vier meiner schönsten Erinnerungen sind eine Kommode für die Produktion von Bright Star in Staffel 44 Lernbühnenkampf für Der Löwe, die Hexe und die Garderobe, Singen Böse mit Cedar (2. Jahr Resident Actor) bei WingsWeek und die ganze „James“-Erfahrung.

Wie freuen Sie sich darauf, dieses Jahr als Künstler bei TheatreWings zu wachsen? Dieses Jahr nehme ich am Studienschwerpunkt Kostümdesign teil. Während des letzten Jahres habe ich versucht, mir selbst das Nähen und Anfertigen von Kleidung beizubringen, also dachte ich, das wäre eine großartige Möglichkeit, es zu lernen! An der High School, die ich besuche, bin ich in diesem Schuljahr der Produktionsleiter des Theaterprogramms der Schule. Zu meinen Verantwortlichkeiten gehören die Leitung des Bühnenmanagements, Kostüme und Requisiten. Um mir zu helfen, in meinem Job erfolgreicher zu sein, entschied ich, dass es gut wäre, die Kunst des Entwerfens, Herstellens und Wartens von Kostümen zu erlernen. 

Was haben Sie letztes Jahr bei TheatreWings gelernt, was neu für Sie war? Letztes Jahr war ich ein Teil der Bühnenmanagement-Konzentration, wurde aber als Anzieher zugeteilt Bright Star. Da ich im Bühnenmanagement tätig war, hatte ich keine Ahnung, was eine Kommode für eine Show tat. Ich habe während der Tech Week alles über die Verantwortlichkeiten dieser Rolle gelernt und war schließlich für alle Kostümwechsel der Männer für die Show verantwortlich! Es ist eines meiner liebsten Theatererlebnisse aller Zeiten!

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten? Noch eine schwierige Frage! Meine Lieblingsshow, die die Charleston Stage produziert hat, ist „The Curious Incident of the Dog in the Nighttime“. Meine Lieblings-Broadway-Show ist „Finding Neverland“.

Sayde arbeitet seit der 3. Klasse mit der Charleston Stage zusammen, mit ihren Klassen, der Performance Troupe und dem High School TheatreWings Program. Sie ist Juniorin an der Wando High School und Produktionsleiterin des Wando Theatre. Einige ihrer Lieblingsrollen sind Katie Travis (School of Rock), Dorothy (The Wizard of Oz), Ryan Evans (High School Musical, On Stage!) und eine Nebenrolle in PYPOs Spelling Bee. Sie freut sich sehr darauf, diesen Herbst die Eurydike in Wando Theatres Produktion von Eurydike zu spielen. Sie finden sie unter saydehandegan.square.site und auf Instagram unter @saydejhandegan

Lernen Sie Cody Tellis Rutledge kennen, Set Designer für „The Play That Goes Wrong“

Wir haben uns kürzlich mit Cody Tellis Rutledge, Resident Scenic Designer und Scenic Charge von Charleston Stage, zusammengesetzt, um mehr über seine Geschichte als Bühnendesigner und den Prozess der Konzeptualisierung, des Designs und des Baus des Sets für „The Play That Goes Wrong“ zu erfahren. Es ist nicht einfach, ein Set zu bauen, das dazu bestimmt ist, Nacht für Nacht auseinanderzufallen und wieder aufgebaut zu werden, und wir sind ihm für seine geniale Arbeit für diese Show zu Dank verpflichtet! Lies das Ende durch, um einen Vorgeschmack auf die Sets unserer Saisoneröffnungsshow zu bekommen.

Erzählen Sie uns Ihre Geschichte von Ihrem Einstieg ins Bühnenbild.

„Die Mal- und Gestaltungselemente liegen mir schon immer im Blut. Meine Mutter war Künstlerin und Designerin von Blumenarrangements. Als ich klein war, half ich ihr, einige ihrer Stücke zu entwerfen und zu arrangieren. Als ich zum Theater wechselte, war alles für mich selbstverständlich. Leider bin ich in einer kleinen Stadt aufgewachsen, also musste ich in einen anderen Landkreis reisen, um am Theater teilzunehmen. 

In Woodbury, TN, fand ich meine Leute und einen Mentor, Darryl Deason, Mitbegründer des Arts Center of Cannon County. Er besetzte mich mit Hairspray und als Hilfe beim Bemalen des Sets, und als ich um eine Designrolle bat, gab er mir eine Chance. Seit meinem Set-Design von Legally Blonde in Pepto-Bismol-Rosa habe ich einen langen Weg zurückgelegt! Danach absolvierte ich ein Praktikum im Cumberland County Playhouse in Crossville, TN, wo ich als Bühnenmaler und Schauspieler arbeitete. Dann ging ich zurück zur Schule, um meinen Abschluss in Theaterdesign zu machen und meine Fähigkeiten zu verbessern.“

Was lieben Sie an dem, was Sie tun?

„Ich liebe es, etwas aus dem Nichts zu erschaffen. Ich sage das wörtlich: Set-Ideen beginnen als Kratzspuren auf einem Papier, bevor sie sich in die Realität verwandeln. Das als etwas Einzigartiges lebendig werden zu sehen, ist etwas ganz Besonderes, besonders wenn das Publikum hörbar nach Luft schnappt, wenn es das sieht. Ich finde es auch erstaunlich, wie es so viele Möglichkeiten gibt, dieselbe Show aus verschiedenen Perspektiven zu machen; Es gibt immer Raum zum Wachsen und Verbessern.“

Was war das Aufregende an der Gestaltung von The Play That Goes Wrong? Was war eine Herausforderung?

„Es ist aufregend für mich, dass die meisten Kinos diese Show noch nicht gezeigt haben, also musste ich wirklich in die Recherche eintauchen, um die Tricks im Set herauszufinden. Im Allgemeinen ist es eine herausfordernde Show, weil alles „richtig“ laufen muss, um „schief“ zu gehen, und ein kleiner Fehler so viele Probleme verursachen kann. Die Herausforderung besteht darin, jedes einzelne Ding am Set sicher zu machen, um die Schauspieler zu schützen. Ob es darum geht, sicherzustellen, dass etwas nicht kaputt geht, oder mehrere Versionen von etwas einsatzbereit zu haben, falls etwas tatsächlich kaputt geht, obwohl es nicht sollte, wir müssen wirklich gründlich vorgehen.“

Was gefällt Ihnen an der Zusammenarbeit mit Charleston Stage?

„Ich liebe die Beziehungen, die ich in der Theatergemeinschaft der Charleston Stage geknüpft habe. Ich bin in der Lage, Ideen meiner Kohorten in den Geschäften frei auszutauschen, was zu einem wirklich kollaborativen und angenehmen Prozess führt. Und die Beziehungen bestehen nicht nur in unseren Szenegeschäften, sondern auch in der Dock Street selbst: mit unserem Bildungspersonal, Verwaltungspersonal, Platzanweisern, Freiwilligen und anderen Theatergruppen in der Gemeinde Charleston. Jeder möchte, dass Sie erfolgreich sind, und ich glaube, dass dies wichtig ist, um einen gesunden und erfolgreichen Designprozess aufrechtzuerhalten.“

Was möchten Sie den Zuschauern über diese Show mitteilen?

"Das Stück, das schief geht ist wahrscheinlich die technisch anspruchsvollste Show, die wir auf der Bühne der Dock Street gezeigt haben! Es ist keineswegs einfach zu entwerfen und zu bauen. Diese Show würde nicht funktionieren ohne die Menschen hinter den Kulissen, die sich zu 100 % dafür einsetzen, dass sie reibungslos und sicher abläuft. Sie werden sehen, wie die Tech-Crew in der Show aktiv versucht, alles zusammenzuhalten! Die wahren Helden sind Josh und Adam, meine Mitarbeiter im Szenenladen, die über meine Vorstellungskraft hinaus gearbeitet haben, um Dinge zu tun, von denen ich nicht einmal sicher war, dass sie möglich sind. Dafür bin ich super dankbar.“

Rendern für Das Stück, das schief geht im Dock Street Theater.
Rendern für Das Stück, das schief geht im Dock Street Theater.
Set-Modell für Das Stück, das schief geht im Dock Street Theater.
Bühnenbau und Malerei im Bühnengeschäft West Ashley der Charleston Stage Das Stück, das schief geht im Dock Street Theater.

Cody Tellis Rutledge (er/ihn/sein) stammt ursprünglich aus McMinnville, TN und hat einen BFA in Theater mit einem doppelten Schwerpunkt auf Musiktheater und technischer Produktion fvon der University of Memphis. Dies ist seine 6. Saison, die er mit Charleston Stage fortsetzt, nachdem er in der 40. Saison Resident Professional Actor war und in seinem 5. Jahr in der Acting Ensemble Company ist. Einige frühere Lieblingsdesigns hier bei Charleston Stage sind: Disneys Die Schöne und das Biest, Von Mäusen und Menschen, und Nummeriere die Sterne. Sie können mehr von seiner Designarbeit auf seinem Instagram-Profil sehen @rutledgescenicdesign, wo er für professionelle Theatergruppen in den USA entworfen hat.S.

Die Bedeutung von Live-Theater – Eliza Metts, Marketingassistentin

Wir haben uns kürzlich mit Eliza Metts, unserer neuen Marketingassistentin, zusammengesetzt, um ihre Perspektive auf die Bedeutung von Live-Theater auf ihrer künstlerischen Reise zu hören. Wir freuen uns, die Perspektive anderer Mitglieder der Charleston Stage Company zu diesem Thema während dieser Saison in unserem Blog zu teilen! Viel Spaß bei diesem ersten Gespräch mit Eliza.

„Roboter werden niemals Kunst schaffen können.

Das ist etwas, was mich eigentlich sehr tröstet. Da Arbeitsplätze von Menschen durch Maschinen ersetzt werden und Kinder lernen, Alexa und Siri eher wie einen Freund als wie ein Objekt zu behandeln, bin ich leicht überwältigt von der langsamen Übernahme des Unnatürlichen über das Natürliche, des Bildschirms über dem Gesicht, des Digitalen die wirkliche.

Aber dann erinnere ich mich, dass Roboter niemals in der Lage sein werden, Kunst zu erschaffen. Sie werden niemals in der Lage sein, Meinungen über Essen zu haben oder zu lachen, nur weil sie es wollen, oder eine Seele haben oder sich an selbstloser Freundschaft erfreuen. Roboter können möglicherweise computergenerierte digitale Gemälde erstellen oder Zeilen von Shakespeare rezitieren, aber sie werden niemals in der Lage sein, Kunst zu schaffen, denn Kunst kann nur von einer menschlichen Seele geschaffen werden, das eine besondere Ding, das uns von den Menschen unterscheidet Rest der Schöpfung.

Nein, die Kunst gehört allein der Menschheit. Und wir, die Menschen, gehören zueinander.

Live-Theater ist ein bemerkenswerter Ausdruck dieser Wahrheit. Die Schauspieler gehören zusammen, wenn sie die menschliche Geschichte in jeder Szene erzählen, das Bühnenteam und die Produktionsdesigner gehören zusammen, wenn es darum geht, visuelle Kunst zu schaffen, die Schauspieler und Zuschauer gehören zusammen, wenn es darum geht, die menschliche Geschichte sich entfalten zu lassen in Echtzeit und im realen Raum. Es ist nicht nur so, dass Live-Theater eine Aufregung und einen Nervenkitzel haben, die Fernseher und Kinoleinwände niemals replizieren können – ein Gesicht ist von Natur aus wertvoller als eine Reihe von Pixeln und eine Live-Stimme, die über einem Live-Orchester schwebt von Natur aus wertvoller als selbst die modernste Audiotechnik.

Ich beabsichtige nicht, die Kunst des Filmemachens zu missachten – wir als Theaterkünstler sind dem verpflichtet, was Filmkünstler uns beibringen können, wie wir die Geschichte der menschlichen Erfahrung auf neue, aufregende Weise kreativ erzählen können. Aber selbst in den letzten hundert Jahren, in denen die Filmfotografie zu neuen Höhen aufstieg, hat auch das Live-Theater nur einen Höhenflug erlebt. Auch wenn Technologie unseren Alltag immer mehr umgibt, sehnen wir uns nach dem Angesicht zu Angesicht, nach dem Greifbaren, nach dem Realen.

Es braucht einen Menschen, um Kunst zu machen, denn Kunst kann nur von einer lebendigen Seele geschaffen werden. Und so blicke ich mit Zuversicht in unsere überwältigend digitalisierte Zukunft, weil ich an die Notwendigkeit glaube, dass menschliche Seelen anderen Geschichten erzählen müssen, und darauf vertraue, dass wir immer einen Weg finden werden, dies zu tun, Kunst zu schaffen, die uns bewegt, zum Nachdenken anregt, und lässt uns nicht, wie wir gekommen sind.“

Eliza Metts ist die Marketingassistentin für Charleston Stage. Sie hat einen Bachelor of Arts in Theater und Englisch vom Wofford College und ist die Stimme hinter dem Instagram-Blog @elizawritesthings. 

Adam Jehle, Bühnenbildner für „Kinky Boots“


F: Wo bist du aufgewachsen? Gab es Aktivitäten, die Sie als Kind unternommen haben und die zu Ihrer Leidenschaft für die Kunst geführt haben?

Ich bin in Pembroke Pines, Florida, aufgewachsen. Als ich aufwuchs, hatte ich das große Glück, eine Mutter zu haben, die wollte, dass ihre Kinder der Kunst ausgesetzt werden. Meine Mutter hat uns immer zu Kunstmuseen und Konzerten mitgenommen, und ich bin in der kleinen Stadt Nixa in Missouri aufgewachsen. Ich wurde in der Junior High zum Theater eingeführt. Es war ein Wahlfach, das wir belegen konnten, und ich verliebte mich in es. Ich war überwältigt, dass man Geschichten erzählen kann, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, und ich dachte, ich würde es versuchen.

Hervorgehoben: Bühnenbild für Kinky Boots von Adam Jehle.


F: Wo haben Sie eine Ausbildung erhalten? Wie hat Sie das auf Ihre Arbeit in der Theaterwelt vorbereitet?

Ich schloss mein Studium mit einem BFA in Design, Technologie und Bühnenmanagement an der Missouri State University ab. Glücklicherweise war es eine kleine Schule mit persönlicherem Training, sodass ich eine Menge Shop-Erfahrung und die Chance hatte, einmal im Semester Mainstage zu entwerfen. Als ich also mit dem Grundstudium fertig war, hatte ich viele Shows hinter mir.

Hervorgehoben: Bühnenbild für Kinky Boots von Adam Jehle.


F: Welche Produktionen haben Sie in dieser Saison bereits für die Charleston Stage entworfen?

Ich habe das Projektionsdesign für gemacht Murder on the Orient Express und ich habe gerade mein Scenic Design für geschlossen Black Pearl singt!


F: Bitte besprechen Sie Ihren Prozess als Set-Designer für Kinky Boots.

Zum Glück hatte ich eine klare Vision und ein klares Konzept von der Regisseurin Marybeth Clark. Wir hatten Konversionen darüber, wie wir wollten, dass sich die Show anders anfühlt. Wir waren von der Idee angezogen, dass sich alles ändern, anpassen und eine leichte Bewegung ermöglichen kann, genau wie die Charaktere in der Serie. Als wir also wussten, in welche Richtung wir gehen wollten, recherchierte ich den Zeitraum, das Setting und die visuelle Welt der Show.

Hervorgehoben: Bühnenbild für Kinky Boots von Adam Jehle.



F: Worauf freust du dich am meisten, was das Publikum mit deinen Designs erleben wird? Kinky Boots?

Ich möchte, dass die Leute mit ein wenig Licht auf eine sehr lustige und berührende Geschichte gehen.

Hervorgehoben: Bühnenbild für Kinky Boots von Adam Jehle.

Aufführungen von Kinky Boots läuft vom 14. April bis 1. Mai im Historic Dock Street Theatre weiter. Für Eintrittskarten, klicken Sie hier..

Hayley O'Brien, Kostümbildnerin für „Kinky Boots“


F: Wo bist du aufgewachsen? Gab es Aktivitäten, die Sie als Kind unternommen haben und die zu Ihrer Leidenschaft für die Kunst geführt haben?

Ich bin in Pembroke Pines, Florida, aufgewachsen. Als ich aufwuchs, hatte ich das große Glück, eine Mutter zu haben, die wollte, dass ihre Kinder der Kunst ausgesetzt werden. Meine Mutter nahm uns immer mit in Kunstmuseen, Konzerte und schenkte uns jedes Jahr Tickets für mindestens ein oder zwei Tournee-Shows im The Broward Center of Performing Arts in Fort Lauderdale. Meine Mutter ermutigte mich auch, dem Drama Club in der Mittelschule sowie dem Schauspielunterricht in der High School beizutreten. Meine Schwester Molly und ich haben oft zusammen gezeichnet und über Mode gesprochen, was mich zum Kostümdesign geführt hat.

F: Wo haben Sie eine Ausbildung erhalten? Wie hat Sie das auf Ihre Arbeit in der Theaterwelt vorbereitet?

Ich habe einen Bachelor of Arts in Theater und einen Master of Fine Arts in Kostümdesign an der Florida State University. Während meiner Grundstudienzeit konzentrierte ich mich ursprünglich auf Performance, wurde aber mit Kostümdesign und -technologie vertraut gemacht, was mich dann dazu veranlasste, die Graduiertenschule zu besuchen. Die Graduiertenschule gab mir die Möglichkeit, den Design- und Konstruktionsprozess einer Produktion in Bezug auf die Zusammenarbeit mit einem Regisseur und einem Produktionsteam, die Kommunikation und Zusammenarbeit mit allen Mitgliedern eines Kostümgeschäfts und die Verbesserung meiner Recherche- und Renderfähigkeiten zu erlernen. Die Graduiertenschule half auch, meine Fähigkeiten als vielseitiger Kostümtechniker zu erweitern.

F: Für welche Produktionen haben Sie in dieser Saison bereits Kostüme für die Charleston Stage entworfen?

In dieser Saison war ich der Kostümdesigner für Geisterkomödie und Junie B. Jones ist kein Gauner.

F: Bitte besprechen Sie Ihren Prozess als Kostümdesigner für Kinky Boots.

Als Kostümbildnerin für Kinky BootsIch habe viel mit der Regisseurin Marybeth Clark zusammengearbeitet und viel mit ihr kommuniziert. Nachdem wir Marybeths Konzept für die Produktion gehört hatten, einigten wir uns darauf, uns zu nähern Kinky Boots mit neuen und kreativen Ideen. Während meines Rechercheprozesses wollte ich, dass es Momente in der Show gibt, die auf die ikonischen Designs von Gregg Barnes verweisen und gleichzeitig etwas Neues einführen. Und natürlich musste ich an das Wichtigste denken… Stiefel! 

Bei der Gestaltung einer kostümlastigen Show gefällt Kinky Boots, müssen Sie so viel wie möglich organisieren und vorbereiten. Daher wusste ich, dass ich den Rendering-Prozess starten und so schnell wie möglich nach Stoffmustern suchen musste. Tatsächlich wurden die Kostüme, die wir für die Show bauen, hauptsächlich von dem Stoff beeinflusst, den ich in die Show integrieren wollte. Mit der Schnelllebigkeit und der Wurfgröße von Kinky Boots, musste ich auch schnelle Änderungen berücksichtigen und wie die Kostüme während der Show fließen. 

Hervorgehoben: Renderings von The Angels in Kinky Boots von Hayley O'Brien.


Als die Entwürfe fertig waren, ging es richtig los. Zuerst konzentrierte ich mich hauptsächlich auf die Charaktere, die stärker involviert sein würden, wie Lola und die Engel. Ich bin ein großer Fan der Drag-Kultur, also wusste ich, dass ich alle Elemente wie Polsterung, Strumpfhosen, Absätze, Perücken usw. berücksichtigen musste. Schließlich kann es eine Menge Arbeit sein, sechs Drag Queens anzuziehen! Als wir den Stein ins Rollen gebracht hatten, konnte ich mich auf die Charaktere konzentrieren, die in der Fabrik arbeiten. Genau wie Lola und die Engel haben die Fabrikarbeiter ihre eigenen individuellen Persönlichkeiten und Stile. Ich wollte das mit Farbpaletten und Silhouetten widerspiegeln und dabei berücksichtigen, was jede Figur während der Arbeit in der Fabrik tut. Insgesamt ist es ein Balanceakt zwischen Lolas Welt und Charlies Welt. 

Seit der Handlung von Kinky Boots offensichtlich auf hochhackige Stiefel konzentriert, wusste ich, dass ich einen Plan haben musste. In erster Linie habe ich die Sicherheit der Schauspieler bei der Auswahl der Absätze oder Stiefel priorisiert. Bei den Stiefeln selbst war es mir wichtig, dass jeder der „Finale“-Stiefel ein bestimmtes Design hat das korreliert mit dem Engel, der sie trägt. Da wir uns nicht den Luxus leisten können, die Stiefel selbst herzustellen, müssen wir sie mit ein paar Tricks in Lolas „Kinky Boots“ verwandeln. 

Hervorgehoben: (von links nach rechts) Charleston Stage Resident Actors K'nique Eichelberger als Lola und Drew H. Wells als Charlie in Kinky Boots.


F: Worauf freust du dich am meisten, was das Publikum mit deinen Designs erleben wird? Kinky Boots?

Ich freue mich sehr darauf, dass das Publikum einige der neuen Designs für Lola und die Engel sieht. Ich wollte, dass die Engel individualistisch sind und verschiedene Stile/Persönlichkeiten der Drag-Kultur repräsentieren, also denke ich, dass das Publikum Spaß daran haben wird, die Vielfalt unter ihnen zu sehen. Es gibt auch einige aufregende Überraschungen in den Kostümen, von denen ich hoffe, dass sie dem Publikum gefallen werden!

Hervorgehoben: Charleston Stage Resident Actor Jerquintez A. Gipson als Lola in Kinky Boots.

Aufführungen von Kinky Boots finden vom 6. April bis 1. Mai im Historic Dock Street Theatre statt. Für Eintrittskarten, klicken Sie hier..

Henry Clay Middleton, Regisseur von „Black Pearl Sings!“



F: Was hat Sie zu Ihrer Leidenschaft für die Kunst geführt?

Ich habe mich in die Bühne verliebt, als ich sie gesehen habe Annie Get Your Gun als junger Drittklässler. Ich war hingerissen von dem ausdrucksstarken Gesicht der Hauptdarstellerin, das ich noch heute sehe. Meine Eltern haben mich auch an die Musik herangeführt und ich habe viele Jahre Trompete gespielt. Bei Osterfeiern in der Kirche hatte ich immer die längste Osterrede und unterhielt auch meine Großeltern mit Impressionen aus den Predigten unseres Pfarrers beim Essen nach der Kirche. Ich erinnere mich gerne an das Lachen meiner Familie und ihrer Gäste.


F: Sie führen Regie Black Pearl singt!. Wie war diese Erfahrung für Sie?

Es ist großartig, mit Charleston Stage zusammenzuarbeiten. Ich hatte vom ersten Moment an, als ich sie las, eine klare Vision für diese Serie. Es war aufregend zu sehen, wie die Schauspielerinnen diese Vision zum Leben erwecken.


F: Was, hoffen Sie, wird das Publikum mitnehmen, nachdem es diese Produktion gesehen hat?

Ich möchte, dass das Publikum das Theater hinterlässt und von den Drehungen und Wendungen in diesem Stück Lebenserfahrung mitgerissen wird. Wer hat sich nicht bemüht, das zu bekommen, was er wollte, ist aber an einem unerwarteten Ziel gelandet.


F: Sie sind Mitglied des Kuratoriums von Charleston Stage. Wie hat dieses Engagement Ihre Leidenschaft für das Theater in Charleston angeheizt?

Charleston Stage hat sich verpflichtet, integrativer zu sein. Theater sollte ein Spiegelbild der Gemeinschaft sein, der es dient. Die Leute werden Produktionen beziehen und unterstützen, wenn sie Leute auf der Bühne sehen, die ihnen ähnlich sehen. Aus diesem Grund habe ich mich sehr gefreut, in dieser Saison dem Board of Trustees beizutreten.


F: Sie sind auch Schauspieler bei der Charleston Stage. Was war Ihre Lieblingsrolle auf der Bühne des Dock Street Theatre?

Meine Lieblingsrolle war die Darstellung der Ikone Thurgood Marshall in Der Sitz der Gerechtigkeit, als Charleston Stage das Stück 2016 produzierte.


Aufführungen von Black Pearl singt! Laufen Sie vom 11. bis 27. März im Historic Dock Street Theatre. Für Tickets, KLICKEN SIE HIER..

Katelyn Crall als Susannah in „Black Pearl Sings!“



F: Woher kommen Sie und wo haben Sie Ihre Theaterausbildung erhalten?

Ich komme aus einer kleinen Stadt etwas südlich von Saratoga, New York. Ich hatte das große Glück, eine informelle Theaterausbildung in meinem Elternhaus zu beginnen, wo ich mit meiner Großmutter TCM sah und jeden Sommer mit meinem Vater zu Shakespeare-Stücken ging. Ich habe 2019 meinen BFA in Musiktheater von SUNY Fredonia erhalten.


F: Katelyn, Sie sind in dieser Staffel ein wiederkehrender Resident Actor! Worauf hat es Sie am meisten gefreut, ein zweites Jahr bei Charleston Stage dabei zu sein? 

Die Rückkehr zur Charleston Stage, besonders nach dem Shutdown, fühlt sich an, als würde man nach Hause kommen. Diese Theatergruppe und -gemeinschaft ist so besonders und es ist ein absolutes Privileg, als Resident Actor im zweiten Jahr zurückkehren zu können. Ein Teil von Shows wie sein Black Pearl singt! und Bright Star, wo ich künstlerisch gedrängt wurde, war (und bin) gespannt. Einer der lohnendsten Teile der Rückkehr war die Arbeit mit unserem neuen CityStage-Programm. Ich selbst und die anderen ansässigen Schauspieler haben Theater an Schulen unterrichtet, die wir sonst vielleicht nie hätten besuchen können. Wir konnten touren Junie B. Jones ist kein Gauner (das war auch mein Regiedebüt) und die Reaktion der Kinder zu sehen, war die größte Belohnung. 


F: Sie spielen die Rolle von Susannah in Black Pearl singt!  Wie war diese Erfahrung für Sie bei der Vorbereitung auf diese Rolle?

Black Pearl singt! ist anders als jede andere Show, an der ich je gearbeitet habe. Es war ein so intimer und belebender Prozess. Bei den meisten Proben waren weniger als 5 Leute im Raum, während bei der letzten Show, in der ich war, 50 waren. In einer abendfüllenden Show mit nur einem anderen Schauspieler zu sein, ist eine einschüchternde Aussicht – es gibt viele Zeilen, die man sich merken muss! Aber ich hatte das große Glück, mit wunderbaren und ermutigenden Künstlern in jeder Hinsicht auf und neben der Bühne zu arbeiten. (und ich habe gelernt, wie man die Autoharp spielt, was wirklich Spaß gemacht hat !!!)


F: Mit welchen Eigenschaften von Susannah verbinden Sie sich am meisten?

Ich denke, Susannah ist eine sehr komplizierte Person. Sie ist vorsichtig, getrieben, leidenschaftlich und schnell wütend. Aber als ich sie spiele, habe ich festgestellt, dass sie auch selbstbewusst ist, eine sehr zarte Seele hat und mehr als ihren eigenen gerechten Anteil an Geheimnissen hütet. Ich verbinde mich mit ihrer Liebe zur Musik und wahrscheinlich jedem anderen Aspekt von ihr an verschiedenen Tagen auf unterschiedliche Weise. Sie hat blinde Flecken, besonders bei Pearl und bei Dingen, in denen sie keine „Expertin“ ist, und ich weiß, dass ich sie habe und wahrscheinlich auch immer haben werde. Aber in ihrem Herzen denke ich, dass sie eine sehr verletzte Frau ist, die versucht, ihren Weg in einer Welt und Zeit zu finden, die nicht für sie gemacht wurden. 


F: Warum denkst du Black Pearl singt! ist für das heutige Publikum relevant?

Wie oft sehen Sie ein Theaterstück oder wirklich irgendeine Form von Unterhaltung, die sich ausschließlich auf zwei starke Frauen konzentriert? Und sie streiten sich nicht um einen Mann! Es gibt unendlich viele Lektionen, aus denen man lernen kann Black Pearl singt! und obwohl es vor etwa 90 Jahren spielt, können wir diese Charaktere noch heute sehen. Diese Kämpfe um Erbe und Eigentum finden immer noch statt und sind unglaublich gültig. Ich hoffe, dass das Publikum in jeder Show, an der ich teilnehme, dieses sehr alte Shakespeare-Zitat umsetzen und der Natur den Spiegel vorhalten wird. Laienhaft ausgedrückt: Ich hoffe, sie sehen sich auf der Bühne. Vielleicht in Pearl oder Susannah oder einfach im Kampf um deine Familie oder ihre Unabhängigkeit. Ich hoffe, sie verlassen das Theater voller Musik und singen vielleicht ein oder zwei Lieder. 


Aufführungen von Black Pearl singt! Laufen Sie vom 9. bis 27. März im Historic Dock Street Theatre. Für Tickets, KLICKEN SIE HIER..

Crystin Gilmore als Pearl in „Black Pearl Sings!“



F: Woher kommen Sie und wo haben Sie Ihre Theaterausbildung erhalten?

Ich bin ein Mädchen aus einer Kleinstadt aus den Außenbezirken von Memphis, TN. Ich habe einen BFA von der University of Memphis.


F: Sie wohnen derzeit in New York City und sind ein Equity-Akteur. Können Sie kurz erklären, was es bedeutet, ein Equity-Akteur zu sein?

Ein Eigenkapitalakteur bzw Verband für Schauspielerei (AEA), ist eine amerikanische Gewerkschaft, die diejenigen vertritt, die in Live-Theateraufführungen arbeiten. AEA arbeitet daran, Künstlern und Bühnenmanagern qualitativ hochwertige Lebensbedingungen, angemessene Löhne und Sozialleistungen auszuhandeln und bereitzustellen. In der Gewerkschaft zu sein bedeutet nicht, dass ein Schauspieler talentierter ist als ein nicht gewerkschaftlich organisierter Schauspieler, es bedeutet nur, dass ein Schauspieler über genügend professionelle Credits verfügt und / oder es für vorteilhaft hält, der Gewerkschaft beizutreten. Meine größte Wertschätzung für die Gewerkschaft ist die Krankenversicherung und dass ich einen Fürsprecher habe, der in ungerechten Situationen für mich kämpft. 


F: Crystin, Sie sind eine wiederkehrende Gastschauspielerin bei der Charleston Stage! Was inspiriert Sie, weiterhin mit Charleston Stage zusammenzuarbeiten und Ihre Talente mit unserem Publikum zu teilen?

Charleston Stage ist für mich eine Familie. Ich war direkt nach dem College Resident Actor bei dieser Firma, und das war vor über anderthalb Jahrzehnten. Sie sind ein Unternehmen, das sich um Menschen und die Spuren, die sie auf der Welt hinterlassen, kümmert. Ich werde für immer zurückkehren, solange sie mich haben. 


F: Sie spielen als Pearl in Black Pearl singt!. Wie war diese Erfahrung für Sie bei der Vorbereitung auf diese Rolle? Dies ist nicht das erste Mal, dass Sie Pearl in einer Produktion von spielen Black Pearl singt!. Bitte teilen.

Diese Rolle ist eine Achterbahnfahrt der Gefühle und spiegelt das Leben gut wider. Je mehr ich lebe, desto besser kann ich Pearls sowohl vorteilhafte als auch destruktive Entscheidungen nachvollziehen.  

Und ja, dies wird meine zweite Gelegenheit sein, Pearl Leben einzuhauchen. Das ist ein süßer Leckerbissen, denn es kommt nicht oft vor, dass ein Schauspieler später im Leben noch einmal auf ein Drehbuch zurückgreifen muss. Ich hatte zwölf Jahre zu leben, um diesen Charakter zu ergänzen, und das merkt man. Ich bin überaus dankbar, Pearl ihre gebührende Gerechtigkeit zukommen zu lassen.


F: Mit welchen Qualitäten von Pearl verbinden Sie sich am meisten?

Pearl ist eine Kämpferin. Sie ist auch familienorientiert, liebevoll, eine Wahrheitssprecherin, roh und formbar. Vor allem ist sie fehlerhaft, genau wie ich. 


F: Warum denkst du Black Pearl singt! ist für das heutige Publikum relevant?

Black Pearl singt! ist heute relevant, weil es im Kern den Kampf zwischen Fleisch und äußeren Kräften zeigt. Es erinnert uns daran, Gnade auszusprechen und das Leben aus der Perspektive einer anderen Person zu betrachten. Dies ist eine Geschichte über Kampf, Rasse, Beziehung, Identität, Wahrheit und Akzeptanz. Das sind Themen, mit denen wir uns auseinandersetzen und die wir erobern werden, bis wir nicht mehr müssen. 

Ich hoffe, das Publikum geht mit einem Herzen für Menschen, einer Selbsteinschätzung, mehr Anmut für sich selbst und andere und einer gesteigerten Fähigkeit zur Liebe zur Menschheit. 


Aufführungen von Black Pearl singt! Laufen Sie vom 9. bis 27. März im Historic Dock Street Theatre. Für Tickets, KLICKEN SIE HIER..