Monat: März 2010

Barbara Young, Kostümdesignerin der Charleston Stage Resident

Oft suchen Designer nach einem „Haken“ für das Design einer Produktion. . . etwas, an dem wir das Design „hängen“ können. Bei der Arbeit an einer Show, die vom Bob Fosse Film bis zum jüngsten Broadway-Revival mit Natasha Richardson und Alan Cummings viele klassische Looks hatte, ist es noch wichtiger, den richtigen „Haken“ zu finden. Regisseurin Marybeth Clark wollte, dass wir unseren eigenen Look finden und vor allem den Schwarz- und Grunge-Look vermeiden. Aber dieser Schwarz-Grunge-Look war großartig, weil er die Dekadenz der Zeit so gut einfing. Wir wussten, dass wir Kostüme für den Kit Kat Klub wollten, die genauso dekadent und gewagt waren, aber wir wollten, dass sie auch bunt sind. Der künstlerische Leiter Julian Wiles schlug vor, Bilder von Baz Luhmann anzusehen Moulin Rouge.  Obwohl in Paris und ein paar Jahrzehnte zuvor KabarettEs gab uns einen farbenfroheren Gaumen, mit dem wir arbeiten konnten. Es wurde auch vorgeschlagen, dass wir zusätzlich zu den Kostümen selbst großartige Looks mit schillerndem Augen-Make-up, rassigen Strümpfen und fantastischem Schuhwerk kreieren könnten. Und wie Marybeth es verlangte, ließen wir unserer Fantasie freien Lauf und kreierten einige der schillerndsten Kostüme der Saison, die jeder im Kostümgeschäft von Charleston Stage entworfen und gebaut hat Kabarett ein Blick wie kein anderer.

 

 

 

Von Julian Wiles und Stefanie Christensen, Bühnenbildner für Kabarett

Regisseurin Marybeth Clark wollte, dass wir bei der Erstellung der Kulissen und Kostüme von vorne anfangen Kabarett und so gingen wir, anstatt andere Produktionen dieses klassischen Musicals zu betrachten, zu Originalquellen zurück. Beschreibungen in Christopher Isherwoods Auf Wiedersehen in Berlin (auf welche Kabarett basiert) waren unser Start und natürlich haben wir uns Bilder aus deutschen und europäischen Cafés der 1920er Jahre angesehen. Beim Lesen des Drehbuchs war auch klar, dass es zwei Welten gab Kabarett . . . die reale Welt des Wohnhauses, Cliffs spartanisches Zimmer und des Obstladens. Der Nachtclub in der Show, bekannt als Kit Kat Club, war eher eine fantastische Welt und eine romantisierte Erinnerung daran, wie Cliff sich an diese Oase des Hedonismus erinnerte. Und so haben wir zwei Welten szenisch geschaffen: Das Zimmerhaus, Cliffs Zimmer und der Obstladen wurden so realistisch wie möglich gestaltet, während wir uns für eine abstraktere und traumhaftere Welt für den Kit Kat Klub entschieden haben. Wir spekulierten, dass der Kit Kat Club vielleicht einmal ein Lagerhaus gewesen war, und aus dieser Idee entstand die Idee, Glühbirnen aus den 1920er Jahren als Hintergrund zu verwenden. Um den Look zu vervollständigen, verwendeten wir eine Vielzahl von Industriematerialien, von Drahtkäfigen bis hin zu Ketten, und verbanden diese mit traditionellen Kabarettelementen wie glitzernden Vorhängen und Bugholzstühlen aus rotem Samt. Wir hoffen, dass wir dem Publikum einen Kit Kat Klub geben, wie sie ihn noch nie gesehen haben, in dem sich Cliff und Sally jedoch wie zu Hause fühlen würden.

 

 

von Julian Wiles, Lichtdesigner für Kabarett

Die Beleuchtung für Kabarett begann beim Fotoshooting. Hier habe ich zum ersten Mal die Kostüme und das Make-up gesehen und mit verschiedenen Beleuchtungswinkeln experimentiert. Es war schnell klar, dass wir durch die Verwendung von Beleuchtung von unten (die Art von Beleuchtung, die altmodische Scheinwerfer erzeugten) einen altmodischen und etwas gespenstischen, unheimlichen Look erzeugen konnten. Die meisten Szenen im Kit Kat Klub basieren auf dieser Art von harter Beleuchtung. Für die realistischeren Szenen des Stücks wurde eine naturalistischere Beleuchtung verwendet. Durch die Verwendung von zwei völlig unterschiedlichen Beleuchtungsstilen wollte ich deutlich machen, dass Sally und Cliff in zwei verschiedenen Welten leben - der Alltagswelt außerhalb, die von den Nazis überholt wird, und der exotischen und fantasievollen unterirdischen Kabarettwelt, in die sie und viele andere fliehen .

Hier geht es weiter. Trailer vom Fotoshooting ansehen!

In meinen verschiedenen Rollen als Performer, Regisseur und Ausbilder hatte ich das Glück, mit vielen klugen jungen Leuten zusammenzuarbeiten. Das Unterrichten und Aufführen mit ihnen war eine unglaublich wertvolle Erfahrung, und ich habe festgestellt, dass ich oft genauso viel von ihnen lerne wie von meinen Ältesten. Eine Offenbarung, die ich in meinen Erfahrungen mit jungen Schauspielern und jungen Zuschauern gemacht habe, ist eine einfache, die aber oft vergessen wird: Kinder sind kleine Menschen. Sie haben Gedanken, Ideen, Gefühle und Erfahrungen wie Erwachsene und in vielen Fällen in lebendigeren Tönen als die unserer älteren Gehirne. Aufgrund dieser Offenbarung habe ich gelernt, dass ich mich in meiner Schauspielerei niemals jungen Menschen herablassen darf.

Bei der Arbeit an einem Kindertheaterstück müssen natürlich einige Anpassungen vorgenommen werden. Hauptthemen des Stücks werden im Drehbuch oft in großen, breiten Strichen dargestellt, die ich dann mit großen, breiten physischen und stimmlichen Entscheidungen interpretieren muss. Ich muss das Tempo anpassen, damit jüngere Ohren der Handlung und Entwicklung des Stücks folgen können, und ich muss besonders auf die Klarheit meiner Diktion und Absicht achten. Abgesehen von diesen Dingen kann ich nicht sagen, dass ich beim Spielen für Kinder bestimmte, herausragende Entscheidungen treffe. Stattdessen versuche ich mich darauf zu konzentrieren, in meiner Absicht so klar und leidenschaftlich wie möglich zu sein, in der Hoffnung, dass meine Liebe zur Kunst des Theaters offensichtlich wird und dass diese Leidenschaft sogar einen jungen Geist und ein junges Herz betrifft. 

Freitag, März 12, 2010

Der Charleston-Dramatiker Julian Wiles, Gründungsdirektor von Charleston Stage, wurde mit dem Elizabeth O'Neill Verner Award 2010 für einzelne Künstler ausgezeichnet, teilte die South Carolina Arts Commission am Donnerstag mit.

Gegründet im Jahr 1972, ist die höchste Auszeichnung des Staates in den Künsten nach dem bekannten Charleston-Künstler, Autor und Dozenten (1883-1979) benannt, dessen Radierungen, Kaltnadelspitzen und Pastelle große Anerkennung fanden.

Mit dem Verner Award for Lifetime Achievement werden der Künstler Jonathan Green von Daniel Island und der Romanautor / Sachbuchautor Pat Conroy von Fripp Island ausgezeichnet. Larry Barnfield aus Summerville, Koordinator für bildende Künste im Dorchester District 2, erhält einen Verner in der Kategorie Arts in Education.

Die Preise werden am 6. Mai im SC Statehouse verliehen, gefolgt von der SC Arts Gala an diesem Abend im Columbia Museum of Art. Tickets sind online erhältlich.

"South Carolina ist voller beeindruckender Künstler, erstaunlicher Kunstprofis und Kunstförderer", sagte Bud Ferillo, Vorstandsvorsitzender der SC Arts Commission. "Die diesjährigen Empfänger sind eine hervorragende Darstellung dieser Realität, und wir fühlen uns geehrt, diese Top-Kunstschaffenden für ihr herausragendes Engagement für die Kunst und ihr Engagement für unseren Staat anzuerkennen."

Wiles, der in Ft. Motte eröffnete 1978 die Charleston Stage. In den letzten 31 Jahren hat er mehr als 200 Produktionen inszeniert und entworfen und 27 Originalstücke und Musicals für das Unternehmen geschrieben. Wiles fungiert weiterhin als produzierender künstlerischer Leiter des Unternehmens.

Wiles besuchte die Clemson University, erhielt 1974 einen Abschluss in Geschichte vom College of Charleston und 1976 einen MFA in dramatischer Kunst von der University of North Carolina in Chapel Hill.

Conroy, einer der berühmtesten Schriftsteller Amerikas, ist Autor von Bestseller-Romanen wie "The Great Santini", "The Prince of Tides" und zuletzt "South of Broad". Seine in Atlanta geborene Familie zog mit 15 Jahren nach Beaufort. Sein Roman „The Lords of Discipline“ und die Memoiren „My Losing Season“ wurden von seinen Jahren als Kadett in der Zitadelle inspiriert.

Green wurde 1955 in Gardens Corner geboren und absolvierte 1982 die School of Art Institute in Chicago. Obwohl er weit gereist ist, hat Green die vertrauten Bilder seines Stammhauses nach den Themen seiner Gemälde gesucht, die von begehrt wurden Sammler, Museen und Kritiker auf der ganzen Welt. Er ist Präsident / CEO von Jonathan Green Studios, Inc. und der Jonathan Green Art Collection Gallery, LLC in Naples, Florida, sowie Vorsitzender von Jonathan Green Living Designs, LLP in Charleston.

Barnfield hat daran gearbeitet, die Anzahl der Kunstmöglichkeiten und der Kunstfakultät an Schulen in South Carolina zu erhöhen. In den letzten acht Jahren hat er das Kunstprogramm des Schulbezirks erweitert und es von der Kennedy Center Alliance for Arts Education national anerkannt.

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Einer der aufregendsten und herausforderndsten Aspekte eines Resident Actor hier auf der Charleston Stage ist die Anzahl der verschiedenen Theaterstile, in denen wir das ganze Jahr über proben und auftreten. In einem Monat spielen wir eine rasante musikalische Erzählung, im nächsten Monat spielen wir eine trockene, ironische britische Komödie und dann gehen wir weiter zu Shakespeare.  Ferdinand der Stier bildet noch einen anderen Stil des Theaters. Die eigentliche Herausforderung bei der Aufführung von Kindertheater - oder sozusagen Theater für Kinder - besteht in der Bereitschaft der Darsteller, dem jungen Publikum die Möglichkeit zu geben, an der Schaffung des theatralischen Moments ebenso teilzunehmen wie nicht. junges Publikum. Manchmal ist es für mich als Performer und Lehrer einfach, die Nase nach oben zu drehen und mich jungen Schauspielern und Publikum herablassen zu lassen. Momente können jedoch mit gleicher Kraft und Charme zum Leben erweckt werden Ferdinand wie sie es tun Twelfth Night or Kabarett;; und das junge Publikum, das diesen Moment mitgestaltet hat, mag die Magie dieses Moments mit mehr Begeisterung schätzen als das beste erwachsene Publikum. 

Nachdem dies gesagt wurde, im Theater für Kinder auftreten, und Ferdinand Insbesondere ging es hauptsächlich darum, Momente zu schaffen, die junge Zuschauer unterstützen und verfolgen wollen - ein Schiff zu bauen, das dieses spezielle Publikum bereit ist, an Bord zu klettern. Diese Bemühungen haben sich in unserem Fokus als Besetzung von Moment-zu-Moment-Action und Durchgang manifestiert.  Ferdinand hat nicht den Glanz und die Größe von Weihnachtslied, aber es hat sicherlich einen weiteren eingebauten Vorteil: Das Publikum lernt vier völlig einzigartige und unterschiedliche Charaktere kennen. Kein Publikum wird in der Lage sein, eine Aufführung von zu verlassen Ferdinand Beziehen Sie sich auf eine der Figuren als „Hintergrundfiguren“, da jeder von uns die Möglichkeit hat, auf einzigartige und unvergessliche Weise mit dem Publikum zu interagieren. In Vorbereitung auf diese Art der Interaktion haben wir als Unternehmen aus vier Schauspielern und einem Regisseur besonderen Wert darauf gelegt, uns gegenseitig zu vereiteln. Mein Charakter, Duquito Danilo, ist einzigartig in seinem Kontrast zu seinem Vater Duke Dodo - dem Resident Actor James Lombardino. Und so haben wir unsere Charaktere im Wesentlichen so gestaltet, dass sie wie Puzzleteile in die Großen passen Ferdinand der Stier Puzzle.

 

An beiden arbeiten Twelfth Night und Ferdinand der Stier Gleichzeitig hat es sich als interessante, anstrengende und unterhaltsame Aufgabe erwiesen. Einige Leute denken vielleicht, dass es einfach ist, in einem Kinderspiel zu spielen, aber es ist genauso schwer und anstrengend wie Shakespeare… wenn nicht sogar schwerer.  Mein Ansatz, Cochina the Pig zu spielen, bestand darin, ihr eine Verspieltheit zu verleihen.  Drew Archer, der Regisseur, wollte auch, dass ich ihre Sprachmuster schnell, laut und intensiv mache. Ich denke, Cochina denkt immer über das nächste große Ding nach, das sie tun oder an dem sie beteiligt sein kann.  Sie ist ein sehr selbstbezogenes Schwein, das sehr entschlossen ist, ihre große Schweinepause einzulegen. Aus diesem Grund ist sie immer unterwegs, in Bewegung und Geist.  Ein Großteil von Cochinas Bewegung ist schnell und federnd.  Es hat viel Spaß gemacht, mit ihrer Körperlichkeit zu experimentieren.  Ich habe diese Erfahrung sehr genossen.  Conchina ist eine sehr lustige und alberne Rolle.  Ich kann es kaum erwarten, dass du sie und den Rest der Besetzung triffst!

 

 

Andrew Aguecheek anzugreifen war ein interessanter Prozess. Bei dieser Figur ging es mir nicht so sehr darum, eine solide Hintergrundgeschichte oder bestimmte Aktionen oder Motivationen zu haben, sondern vielmehr darum, den anderen Schauspielern aufmerksam zuzuhören. Andrew ist einfach. Er will Olivia. Umso mehr braucht er die Zustimmung anderer. Er will "cool" sein. Er ist einfältig und leicht abgelenkt. Ich habe festgestellt, dass der beste Ansatz darin besteht, sich nicht zu sehr selbst hinzugeben, sondern fast im blinden Glauben zu folgen, was auch immer die anderen Charaktere auf mich werfen. Ich bin nur dankbar, dass ich so eine wundervolle Besetzung zum Ausspielen habe. Ohne sie hätte ich Andrew nicht gefunden. 

 

 

Als ich mich der Rolle von Olivia näherte, war mein erstes Anliegen sicherzustellen, dass sie keine "One Note" -Charakterin war. Sie kann ziemlich knapp sein, aber ich wollte sicherstellen, dass sie nicht immer so hart und manchmal sogar charmant war. Ich war auch besorgt, dass sie so wenig Zeit hat, von „Trauer“ zu „Verliebt in Verrücktheit“ zu wechseln. Ich habe nur beschlossen, die Worte die Arbeit machen zu lassen. Wenn William Shakespeare dachte, das wäre genug Zeit für jemanden, um zwischen den beiden zu wechseln ... wer bin ich, um mit ihm zu streiten? Ich denke, wenn es wirklich darum geht, Shakespeare zu spielen, verlasse ich mich stark auf den Text. Sie sind Meisterwerke. Wenn ich wirklich meine Hausaufgaben mache und wirklich genau herausfinde, was gesagt wird ... kümmert sich der Rest um sich selbst.

Die Rückkehr zur Charleston Stage (ich war von 2002 bis 2003 Resident Actor) war eine wundervolle Erfahrung! Es hat sich wirklich wie eine Heimkehr angefühlt. Ich hatte die tollste Zeit mit anderen ehemaligen Resident Actors, aktuellen RAs und lokalen Schauspielern zu arbeiten, die so herzlich waren! Es war tatsächlich ein paar Jahre her, seit ich überhaupt in einer Show aufgetreten war. Ich war etwas nervös, weil ich meine Seebeine zurückbekommen hatte, aber ich hätte mir keine bessere Erfahrung dafür wünschen können. Jetzt freue ich mich nur auf die nächste Show, an der ich mit diesem wunderbar talentierten Unternehmen arbeiten kann.