Desde los primeros cuarenta y cinco años del escenario de charleston
recuerdos personales del fundador julian wiles

 
Charleston Stage ha producido 320 espectáculos en nuestras primeras 45 temporadas. Hay tantos espectáculos asombrosos y momentos imaginativos que son memorables para la historia de nuestra compañía. Ha sido difícil incluir sólo algunos en esta retrospectiva. Muchos espectáculos que no se mencionan aquí son recordados con igual cariño por nuestros artistas y patrocinadores. Pero los siguientes espectáculos seleccionados marcaron la diferencia de alguna manera en la evolución de Charleston Stage, fueron especialmente imaginativos e importantes para nosotros como artistas, o fueron piedras de toque especiales en los cuarenta y cinco años de historia de Charleston Stage.

 

Un villancico 
 
El elenco de nuestra primera producción de
Un villancico (1978).

 
A Christmas Carol (1978)

El primer espectáculo de Charleston Stage.

Abrimos nuestro primer espectáculo en diciembre de 1978 con una adaptación del clásico de Charles Dickens. Un villancico por la Compañía de Teatro Infantil de Minneapolis. La familia y los amigos ayudaron a hacer los primeros disfraces, incluida mi futura esposa, Jenny. Según recuerdo, estuvieron cosiendo hasta el ensayo final. Teníamos un conjunto mínimo de una escena callejera de Londres representada solo por unos pocos letreros de calles, ¡y la mayoría de los muebles, camas y mesas en realidad procedían de mi apartamento! La música, acompañada por un solo piano, fue compuesta por el difunto Ben Hutto, un instructor coral en Porter Gaud que luego se convertiría en el director musical de la Catedral Nacional en Washington. Gracias a Ben, tuvimos algunos villancicos gloriosos.

Los espíritus eran interpretados por niños, una elección de reparto bastante extraña, pero yo había fundado la compañía como un teatro para jóvenes (entonces éramos conocidos como Young Charleston Theatre Company, inspirados un poco en el Young Vic de Londres). ¡Recuerdo que “Navidad pasada” fue interpretada por un niño escondido en el dosel de la cama de Scrooge que se dejó caer para asustar al pobre Ebenezer! Unos días antes de la inauguración de la feria, mi mamá, mi papá y algunos amigos de la familia, Doraine y Luther Wannamaker, llegaron de la granja donde yo había crecido con un enorme camión lleno de verduras. Doraine y mi mamá crearon más de 30 coronas de flores vivas que colgaban de los candelabros del teatro, y mi papá y Luther ayudaron a colocar dos árboles vivos de 12 pies en el vestíbulo. Pude atraer al legendario Bill Bender, entonces de unos 70 años y quizás el actor más conocido de la comunidad de Charleston, para que interpretara a Scrooge.

Si bien hemos producido más de 20 producciones de Un villancico a lo largo de los años, cada vez más elaborado con espíritus volando por el aire y ahora una orquesta en vivo, esa primera producción tenía su propia magia. Y cuando cayó la nieve al final del espectáculo, fue (como siempre lo es) un momento mágico: Scrooge había renacido y una nueva compañía de teatro había tomado vuelo.

 

 

CaroliniAntics y The Country Bunny 
 
Jerry Lee Rhodan como Foxxy Fox y Evie McGee (más tarde esposa de Steven Colbert) como Ramblin Rabbit en
CaroliniAntics (1979). Rosa Lampin como la conejita del campo en el conejito del campo (1982).

 
CAROLINIANTICS (1979) Y EL CONEJITO DEL PAÍS (1982)
Estas dos adaptaciones iniciaron la larga tradición de Charleston Stage de producir obras que celebran la rica herencia del Lowcountry de Carolina del Sur.

Yo basé CaroliniAntics (que nadie podía pronunciar) sobre cuentos populares y canciones afroamericanas repartidas por Carolina del Sur. Muchos de estos cuentos populares de Gullah se recopilaron con el proyecto de escritores WPA de la década de 1930, y la Oficina de Freedman en la isla de St. Helena recopiló canciones durante el período de Reconstrucción. Mi esposa, Jenny, había aprendido una serie de juegos afroamericanos de Sea Island, que usaba en su aula de jardín de infantes. En el vestíbulo de The Garden Theatre en King Street, donde se llevó a cabo esta producción, Jenny organizó demostraciones de fabricación de canastas de pasto dulce y tejido de redes de camarones por artesanos profesionales locales, y el trabajo en hierro de Philips Simmons. CaroliniAntics más tarde fue renombrado Debajo de la luna de Sweetgrass y producido en 2003 y 2017.

Yo adapté el conejito del campo del libro infantil que DuBose Heyward escribió para su hija, Jennifer. El conejito del campo y los zapatitos dorados se publicó en 1939 y contó con la obra de arte de Marjorie Wise Brown, mejor conocida por las ilustraciones clásicas en Goodnight Moon. Los dibujos originales del libro de Heyward y Brown se conservan en el Museo de Arte Gibbes. El espectáculo también contó con espirituales tradicionales de Lowcountry y la hermosa soprano Rosa Lampkin en el papel principal.

 

 

el chico que robó las estrellas   
Will Applegate y Bill Bender en la producción de 1981. Bill Bender también estuvo en la producción original de 1979, mientras que Colin Somers interpretó al personaje del niño en la producción original.

 
el chico que robó las estrellas (1981)

Mi primera obra original.

Trabajé en el chico que robó las estrellas cuando tenía poco más de 20 años. Surgió de una obsesión infantil con la astronomía: crecí en la era espacial. Luego, la obra se convirtió en una historia sobre un niño y su amado abuelo que de repente se vuelve retraído porque, como nos enteramos más tarde, el abuelo se está muriendo. La obra gira en torno a una leyenda que el abuelo le cuenta a su nieto que si pudieras robar las estrellas y traerlas a la tierra, no habría enfermedad ni muerte. Entonces, con el amor genuino que los niños suelen mostrar, el niño se propone robar las estrellas. En el camino, lucha contra "Draco el Dragón" (es una constelación, si te lo estás preguntando).

Es una historia ingenua y fantástica, y en ese momento me pregunté si al público le gustaría una historia para niños sobre la muerte. En ese momento, la mayor parte del teatro para jóvenes se basaba en cuentos de hadas, por lo que el espectáculo era bastante avanzado para su época. Tenía proyecciones (utilizando proyectores de diapositivas, ¿los recuerdas?) y una deslumbrante partitura de percusión de David Maves del College of Charleston, completa con tímpanos, xilófonos e incluso gongs. Tuve un gran elenco: Bill y Lenore Bender, de setenta y tantos años, y Colin Somers y Jenny Presti, de 10 años.

Pero todavía me preocupaba cómo sería recibida una obra de teatro sobre un niño que pierde a su abuelo. Por supuesto, a pesar del tema, la obra no pretendía ser deprimente, y esperaba que estuviera llena de suficiente patetismo y humor para que el público la disfrutara. Recuerdo estar de pie en la parte trasera de la casa, caminando detrás de la última fila, preguntándome qué pasaría. Luego, hubo una risa, tal vez dos, y luego algunas más, y la risa fue contagiosa. Esa magia del teatro en vivo se apoderó y encantó a la audiencia. Al final del espectáculo llegó uno de esos momentos por los que viven los dramaturgos: el silencio. El personaje central, “Nicholas”, acababa de concluir sus líneas finales:

Creo que a veces veo a mi abuelo en mi
En la forma en que hablo o vuelvo la cabeza
Y a veces creo que veo a todos los que he conocido
Caminando a mi sombra.

Las luces se desvanecieron, cayó el telón y pensé que el silencio duraría para siempre, pero solo pudieron haber sido unos momentos. Y luego hubo aplausos, aplausos estruendosos. Me di cuenta por primera vez en mi vida de que algo que significaba tanto para mí también podía significar tanto para los demás. Estaba enganchado, y en muchos sentidos he pasado mi carrera como escritor tratando de recuperar ese momento tan maravilloso.

Sin embargo, no todo fue perfecto. Entre escenas aparecía un personaje poeta; un niño pequeño que creció reflexionando sobre cosas años después a través de poemas que había escrito. Con cada aparición parecía detener el espectáculo en seco. Fue interpretado por Thomas Gibson, quien saltó a la fama en películas y televisión (Dharma y Greg, Chicago Hope, Mentes criminales). Los revisores odiaron a este personaje y dijeron que era innecesario (tenían razón). Un crítico llamó al personaje de Thomas un "tonto que escupe poesía", así que hicimos una camiseta para Thomas con esa cita. Afortunadamente, mi tropiezo de dramaturgo novato no pareció arruinar la carrera de Thomas. Más tarde, cuando reviví la obra y se publicó el programa, sabiamente abandoné este personaje.

La producción original, producida en el primer Festival Piccolo Spoleto en 1979, se agotó por completo y hubo que agregar un espectáculo adicional. El mejor momento para mí fue cuando salí del cine detrás de Dottie D'Anna y su acompañante Kitt Lyons. Dottie y yo habíamos chocado cabezas el año anterior cuando ambos trabajábamos para los Footlight Players. Ella era la directora profesional veterana mientras que yo era el niño impetuoso y advenedizo, por lo que a menudo no habíamos estado de acuerdo. Había dejado Footlight Players solo un año antes para comenzar The Compañía de teatro joven de Charleston. Cuando Dottie y Kitt salían del cine, Dottie me vio detrás de ella y se giró para decir: “Eso fue maravilloso, conmovedor, deberías estar muy orgullosa de esto”. Y yo estaba. Aun lo estoy.

 

 

Aprovecha la calle  
 
El elenco de la producción original de 1979 de ¡Aprovecha la calle! encima del estacionamiento de George Street. Producciones posteriores aparecieron encima de los garajes de Cumberland y Concord Street.


¡Toma la calle! (1979, 1982, 1983 gira por Inglaterra y 1994)

Desde lo alto de un estacionamiento de Charleston hasta las calles de Londres.

La producción original de Aprovecha la calle fue el final de nuestra primera temporada (1979) y fue un musical festivo y creativo. Fue producido encima del estacionamiento de George Street. En muchos sentidos, nos puso en el mapa de la escena artística de Charleston con su entorno imaginativo y una rampa de patineta gigante de medio tubo que apareció en el final. Esto fue años antes de los juegos X o los parques de patinetas, ¡y nuestro juego de rampas para patinetas fue probablemente uno de los primeros creados en Charleston! El programa contó con una partitura original de Thomas Cabaniss, que entonces tenía 17 años, quien iría a Yale y se convertiría en un destacado compositor y educador musical que trabaja con el Lincoln Center y las orquestas de Nueva York y Filadelfia. Hoy, enseña en la Juilliard School.

El programa cuenta la historia de un barrio donde la gente no se lleva tan bien, viejos molestos por los jóvenes skaters y un barrio algo segregado donde la gente no se conoce. Cuando se planea un proyecto de autopista para destruir su vecindario, los vecinos dispares se unen para "tomar la calle", manifestándose juntos para preservar sus hogares.

Revivimos el espectáculo con gran éxito en 1982 y en nuestra audiencia una noche estaba un actor inglés, Charles Lewsen, en la ciudad para actuar en un espectáculo de Spoleto en el Dock Street Theatre. Quedó asombrado con nuestro musical y preguntó si consideraríamos una gira en Gran Bretaña. Pensó que sería un gran éxito, especialmente considerando que en ese momento los espectáculos para jóvenes estaban de moda al otro lado del charco. La idea de una gira parecía descabellada y, francamente, me olvidé de ella. Meses después, Charles llamó desde Londres (algo realmente importante en esos días) y dijo que había hablado con la Asociación Británica de Teatro Juvenil que accedió a organizar nuestro transporte terrestre y alojamiento mientras recorríamos teatros juveniles en Inglaterra, si pudiéramos recaudar el dinero. para sobrevolar Desafortunadamente, una vez que sumamos los costos, solo el transporte fue de $ 60,000. Aún así, algunos padres intervinieron, en particular Flori Fair, cuya hija Bernie estaba en el programa, y ​​organizamos meses de ventas de pasteles, ventas de barras de chocolate y cosas por el estilo. Siguió una recaudación de fondos exitosa y pronto comenzamos a cerrar los costos de viaje.

Anunciamos nuestros planes para volver a montar el espectáculo en el próximo Festival Piccolo Spoleto para recaudar los fondos restantes. Esta vez, el espectáculo se llevó a cabo sobre el estacionamiento de la calle Cumberland recientemente terminado. El espectáculo se abrió con excelentes críticas y audiencias repletas. En producciones anteriores habíamos tenido suerte y no habíamos tenido que cancelar ninguna función por lluvia, pero esta vez no tuvimos tanta suerte. Una gran tormenta eléctrica descendió sobre Charleston con vientos brutales, ¡tan brutales que destruyeron todo nuestro paisaje en la parte superior del estacionamiento! Sin embargo, resultó que teníamos un set duplicado y más pequeño diseñado para ir a Inglaterra con nosotros, por lo que trasladamos nuestras actuaciones finales al Auditorio Memminger, que entonces no había sido restaurado, donde estaba alojado.

Luego nos fuimos a Atlanta con una docena de actores adolescentes, miembros del equipo y una rampa de patineta gigante que había sido desarmada y empaquetada en tres enormes cajas de madera. Habíamos verificado con Delta el tamaño de las cajas, pero cuando llegamos a Atlanta descubrimos que eran demasiado grandes para pasar por las puertas del avión. Afortunadamente esto fue antes de la era de TSA y mejor seguridad, por lo que el piloto nos permitió tomar las herramientas que habíamos traído con nosotros para volver a armar el juego y desarmar las cajas para alimentar la rampa de patineta desarmada pieza por pieza en el vientre del 707!

Llegamos a Londres con un elenco de 30 niños, adultos, bailarines, patinadores y una banda en vivo de cinco músicos. Nuestra primera actuación fue en una escuela del East End de Londres, seguida de varios espectáculos en teatros para jóvenes y comunidades desde Reading hasta York, y cerramos con nuestro telón final en un elegante internado en Gales. El programa de televisión estadounidense "Fame" acababa de convertirse en un éxito en Inglaterra y muchos niños británicos estaban convencidos de que éramos de ese programa. No nos importó, y me sorprendió ver que un programa sobre vecinos que se reúnen en Charleston, Carolina del Sur, tuvo un atractivo internacional. Al público le encantaron nuestros jóvenes artistas.

Irónicamente, se me ocurrió la idea de este espectáculo varios años antes, cuando viajaba con mochila como estudiante de posgrado en Londres. El Teatro Nacional de Gran Bretaña acababa de abrir a orillas del Támesis, y debajo había un enorme estacionamiento (lo que los británicos llaman "estacionamiento de automóviles"). Cuando fui a ver un espectáculo allí, encontré decenas de niños patinando arriba y abajo de las rampas del estacionamiento: la idea de Aprovecha la calle nació. Por lo tanto, llevarlo de regreso a Gran Bretaña cerró el círculo del espectáculo. Aunque esta fue la única gira internacional de Charleston Stage, tuvimos una gran aventura.

 

 

El equipo a

Bob Nicolai, Alison Kennedy, Julie Mathis y Clay Young: el primer equipo A, nuestro programa de aprendices de teatro tecnológico para adolescentes, ahora conocido como TheatreWings.


el equipo A (1986)

El comienzo del programa de aprendices de la escuela secundaria TheatreWings de Charleston Stage.

Si bien los voluntarios, incluidos los adolescentes, participaron en la construcción de muchos de los escenarios y el vestuario de Charleston Stage en los primeros días, en 1986 comenzamos una empresa formal de aprendices de adolescentes que se centró en la construcción de escenarios. Bob, Alison, Julie y Clay fueron los primeros miembros. Se reunían todos los martes por la tarde conmigo en el entonces dilapidado Auditorio Memminger y durante tres horas cada semana construíamos escenografía, de hecho, casi toda la escenografía para esa temporada. Con el tiempo, el Equipo A siguió evolucionando y creciendo. Durante dos veranos tuvimos un campamento de entrenamiento de verano gratuito de 3 semanas dirigido por mi amigo Larry Deckel, entonces el Coordinador de aprendices universitarios y director en Actors Theatre of Louisville. A medida que el programa creció para incluir clases magistrales de escenografía, vestuario, sonido, iluminación y dirección escénica, le cambiamos el nombre a nuestro programa TheatreWings High School Appretice. Hoy en día, cuenta con casi cincuenta miembros que continúan construyendo decorados, accesorios, disfraces y trabajando entre bastidores en los equipos de ejecución de nuestros espectáculos, mientras aprenden los entresijos de todo lo que no se ve en el escenario que se necesita para hacer un espectáculo. .

 

 

Fanfarria para niños de 10 años  
 
El compositor ganador del Premio de la Academia John Williams.


Fanfarria para niños de diez años (1988)

Legendario Star Wars el compositor John Williams escribió una fanfarria para la apertura de nuestra décima temporada.

Para celebrar nuestros 10th aniversario, por un capricho le escribí una carta al compositor John Williams, famoso por su Star Wars, Parque Jurásico y temas de los Juegos Olímpicos, preguntándole si escribiría una fanfarria para abrir nuestra temporada. Sorprendentemente, recibí una llamada de su asistente diciendo que le encantaba la idea y que trabajaría en ella para nosotros. El plan era que viniera a Charleston y dirigiera, pero Williams enfermó gravemente ese año y tuvo que posponer incluso sus 100th gira de aniversario de los Boston Pops, donde fue director musical. La fanfarria también se retrasó, pero al final de ese 10th Temporada de aniversario, la Sinfónica de Charleston se unió al coro de campanas de una iglesia local para tocar el estreno en el escenario. Desafortunadamente, el propio Sr. Williams no pudo asistir, pero aun así fue un evento especial y tuvimos el privilegio de usar Fanfare para nuestras retrospectivas en video y otras ocasiones especiales.

 

 

El Peter Pan original  
 
Jeff Johnson como Peter Pan en nuestro Peter Pan obra original (1989).


el peter pan original (1989)

Los voluntarios envían un aclamado vuelo clásico.

Lo más destacado de nuestros 11th temporada fue una gran producción de nuestra versión original de Peter Pan. Este espectáculo contó con Flying by Foy (la primera vez que usamos volar en el escenario), un gran elenco y cinco decorados (incluido un barco pirata a escala real). Los Foy fueron los responsables de volar en la producción original de Broadway de Peter Pan con Mary Martin, que había visto una y otra vez en la televisión cuando era niño. Este espectáculo fue una empresa enorme creada por un equipo de vestuario y decorado en su mayoría voluntarios junto con nuestros aprendices de la escuela secundaria A-Team. Si bien aún apreciamos las contribuciones de los voluntarios para complementar nuestro personal de 37 profesionales a tiempo completo, en los primeros días de la empresa eran casi todos los voluntarios quienes creaban el notable trabajo.

 

 

Hugo Monólogos  
 
El huracán Hugo golpeó a Charleston en el muro High Battery de East Bay Street (1990).

 
Los monólogos de Hugo (1990)

En septiembre de 1989, Charleston fue azotada por el huracán Hugo, un huracán de casi categoría cinco. Se cortó la energía durante más de 3 semanas, las escuelas estuvieron cerradas durante un mes y la ciudad estaba bajo toque de queda. Cuando llegué a mi casa en Mt. Pleasant, con 12 árboles caídos y 3 en el techo, tuve que caminar hasta mi vecindario porque los caminos estaban cerrados por árboles caídos. la farsa Scapino estaba ensayando y, afortunadamente, el decorado había sido terminado y esperaba en nuestra tienda de escena que, junto con el Dock Street Theatre, salió ileso de la tormenta. Pero estábamos decididos a que el espectáculo continuara; la apertura para Scapino faltaban 2 semanas. El mayor desafío fue encontrar el elenco que había estado disperso en 5 estados en una era sin teléfonos celulares. Tomó tiempo localizar a todos pero, finalmente, el elenco regresó a la ciudad. Sin electricidad y con toque de queda, tuvimos que ensayar durante el día y abrir la puerta de carga de la tienda de escena para obtener luz. Scapino se inauguró a tiempo y ahora se anuncia como "alivio cómico", y las actuaciones se ofrecieron pagando lo que se pueda y al público le encantó.

Pero el show de Hugo que recuerdo fue diferente. En ese momento, impartí una clase magistral para nuestros aprendices de TheatreWings en edad de escuela secundaria. Cuando regresamos de la tormenta, reuniéndonos por primera vez, les asigné la tarea de escribir y realizar un monólogo sobre sus experiencias con Hugo. Sus historias iban desde los pocos que se quedaron y capearon la tormenta y su terror, las evacuaciones a lo largo y ancho, y la recuperación: comer comida de los congeladores antes de que se echara a perder, comidas al aire libre en el vecindario, etc. Sus monólogos fueron poderosos y sinceros porque estos fueron eventos que habían vivido, no solo los guiones que habían recogido. Sabía que estos monólogos debían compartirse, así que organizamos una actuación para familiares y amigos.

La primavera siguiente, las Escuelas del Condado de Charleston planearon una velada de actuaciones con estudiantes de secundaria de diferentes programas de arte en el área. Entre los grupos musicales y corales, nuestros estudiantes de TheatreWings fueron invitados a actuar. El lugar, sin embargo, fue el Teatro Sottile de 800 asientos, años antes de que tuviéramos la tecnología moderna de amplificación de sonido. Tenía miedo de que sus actuaciones íntimas se perdieran en este gran teatro, pero aun así nos presentamos para actuar. Llegábamos tarde al programa, el público estaba inquieto y justo antes de que actuáramos, un grupo coral subió al escenario y cantó algo en latín. Fue encantador, pero temía que la audiencia estuviera siendo adormecida. Realmente sentí pena por nuestros jóvenes artistas porque pensé que la audiencia no querría quedarse quieta para otro grupo de actuaciones. Fuimos anunciados y la audiencia obviamente estaba agitada. Pensé que la noche sería un desastre. Pero luego estaba la magia, la magia del teatro en vivo.

A medida que se desarrollaba cada historia, se podía escuchar caer un alfiler. Debido a que nuestra audiencia había vivido Hugo y sus secuelas, eran una combinación perfecta para nosotros. Lamentablemente, la actuación no se grabó y, lamentablemente, no conservé copias de los monólogos que habían escrito estos estudiantes imaginativos. Pero el monólogo que más recuerdo fue uno que terminó algo así:

“Sin electricidad, escuelas cerradas, miles de árboles caídos, helicópteros de la Guardia Nacional sobrevolando, miles de voluntarios llegando a nuestro vecindario limpiando caminos, árboles caídos, ayudando a reparar nuestras casas y día tras día, el sonido de motosierras zumbando en mis oídos. Y ahora, tres semanas después, estoy volviendo a la escuela y me doy cuenta, ¡maldita sea, se acabó!

Con esas palabras finales, el público estalló en vítores y aplausos y, en una era en la que hay demasiadas ovaciones de pie, supe que esta era realmente sincera. No sé si alguna vez he disfrutado más de una ovación. Porque aquí había historias sencillas y conmovedoras, sin escenarios, sin disfraces, sin micrófonos, sin efectos especiales, que tocaban a la audiencia de una manera especial, ese hermoso momento, muy raro cuando una audiencia y los artistas comparten una conexión especial. ¡Seguro que no hay nada mejor que eso!

 

 

helio  
 
El elenco de la tercera producción de helio (2011).


HELIO (1989, 1999, 2011, 2018)
Perder la cabeza y encontrarse a uno mismo. Mi obra original favorita que he escrito.

Esta es mi obra de teatro favorita que he escrito. originalmente escribí helio en 1990 después de leer una memoria del columnista de humor del New York Times Russell Baker, titulada Creciendo. El Sr. Baker abrió estas memorias ganadoras del Premio Pulitzer observando que la mente de su madre de 80 años “podía vagar libremente por el espacio y el tiempo. Algunos días asistía a bodas y funerales que habían tenido lugar medio siglo antes... se movía a través del tiempo... con un discurso y una facilidad más allá del don de la ciencia física”. Si bien el Sr. Naker ciertamente vio la tristeza de la aflicción de su madre, también vio que también había libertad en ella. A partir de ese pensamiento, la primera producción de helio nació.

Durante los siguientes años pude experimentar el envejecimiento y la demencia de primera mano. Mi encantadora abuela, habiendo llegado a la edad de 100 años, falleció todavía con el brillo en sus ojos y su buen humor prácticamente intacto. Observé cómo mi madre y su hermana, sus principales cuidadoras, encontraron el camino a través de los últimos años difíciles de mi abuela.

Unos años más tarde, mi maravillosa suegra se perdió durante muchos días en la niebla de la demencia. Fue un momento difícil para nuestra familia, especialmente para mi esposa Jenny, quien se convirtió en su cuidadora principal. Nuestros hijos eran pequeños y se maravillaron con la mente de su abuela y sus fantasías. A veces queríamos llorar, pero a menudo solo teníamos que reírnos de las cosas que nos decía. Y, al igual que la madre de Russell Baker, pasó gran parte de su tiempo viajando, ya que, al igual que muchos pacientes con demencia, gran parte de su memoria a largo plazo permaneció intacta.

Después de que Granny falleció y vi la demencia de primera mano, decidí volver a visitarla. Helio. La obra se sometió a una importante revisión en 1997 y se produjo al año siguiente en el Dock Street Theatre. Tocó la fibra sensible de muchas personas que me decían: “Déjame contarte sobre mi tía, mi madre, mi tío, mi primo”. Me relataban las pruebas, pero también las alegrías que encontraron como cuidadores y los vuelos de fantasía que sus propios seres queridos habían tomado.

El mundo se ha vuelto mucho más consciente del Alzheimer y la demencia desde 1990, pero todavía se desconoce mucho. Los pacientes y sus cuidadores todavía luchan por encontrar su propio camino, y cada camino es diferente: nadie tiene todas las respuestas. En Helium, simplemente quería compartir el viaje, las alegrías y las tristezas de una familia, e invitar a la audiencia a maravillarse y celebrar cómo un espíritu humano puede tomar vuelo.

 

 

Nunca más
 
Jennifer Claggett Metts como Annabel Lee e Ian Walker como Edgar Allen Poe en
¡Nunca más! El último misterio (1994).

 
Nunca más (1994, 2006, 2012, 2019)
Los inicios de Charleston de Edgar Allan Poe y el misterio de su muerte suben al escenario.

Si bien Edgar Allan Poe es probablemente mejor conocido por sus cuentos salvajes y fantásticos, fue uno de sus poemas lo que primero me llamó la atención. Todavía recuerdo soñar despierto en mi clase de inglés de la escuela secundaria, aburrido con mi maestro y hojeando la antología que era nuestro libro de texto, cuando mis ojos se posaron en el poema de Poe, Las Campanas. Con sus aliteraciones y repeticiones aporreadas (a veces Poe repite la palabra “campanas” siete veces seguidas), me enganchó. Me encantó su uso de palabras inusuales como el resonante "tintinnabulation". Mi profesor de inglés habría llamado a esto onomatopeya, ¡yo lo llamé genial! Pronto estaba leyendo los otros poemas de Poe por mi cuenta, Un sueño dentro de un sueño, Annabel Lee, y compré mis propias obras completas (todavía las tengo) y revisé sus historias: Tell Tale Heart, La caja oblonga, La muerte roja, El pozo y el péndulo y más. Descubrí que Poe era uno de mis favoritos y también de muchos de mis compañeros de clase, como un Stephen King de la vieja escuela.

Un avance rápido hasta 1994: estaba buscando una nueva obra de Halloween y recordé los cuentos macabros de Poe. Desde que me mudé a Charleston, supe que Poe vivió en Sullivan's Island durante un tiempo cuando, cuando era un joven soldado, estuvo destinado en Fort Moultrie. Pensé que esto podría ser la realización de una gran obra y me dirigí a la biblioteca para una biografía de Poe. Rápidamente aprendí que sabemos poco de la estadía de Poe en Sullivan's, ciertamente no lo suficiente para una obra completa. Sin embargo, mientras leía, me intrigaron las circunstancias de la misteriosa muerte de Poe y la chispa que se convertiría en Nunca más fue encendido.

Corrí las primeras escenas, la mayoría involucrando a Poe despertando de un sueño y encontrándose a sí mismo dentro de sus propias historias. Con la arrogancia y confianza de la juventud, anuncié el estreno de Nunca más para el otoño de 1994. Y luego, me topé con la más rígida de las paredes: el temido bloqueo del escritor. No saldría nada, y pensé que tendría que cancelar la producción. Desesperado, pensé en escribir una escena sobre el bloqueo del escritor en sí, pero, para mi deleite, esa escena proporcionó un camino para la trama del descenso de Poe a la oscuridad y mi salida de mi vorágine de bloqueo del escritor.

Aún así, después de los primeros ensayos, estaba lista para tirar la toalla y sustituirla por otro espectáculo, pero Barbara Young, nuestra diseñadora de vestuario, me animó a seguir adelante. Así que seguí escribiendo, consiguiendo nuevas páginas para el elenco hasta el último ensayo general. Regresé a casa del último ensayo general convencido de que la audiencia se perdería, pero Nunca más estrenada con gran éxito. Unos años más tarde, fue publicado por Dramatic Publishing y se ha producido en todo el país.

 

 

My Fair Lady
 
Celeste Hardin como Eliza Dolittle y Sid Katz como Mr. Dolittle en
My Fair Lady (1996).

 
Mi bella dama (1996)

La noche de apertura del infierno.

¡Este es uno que prefiero olvidar por completo! En el ensayo general final, los voluntarios prepararon una deliciosa comida para todos los miembros del elenco y el equipo. Dado que en ese momento éramos un teatro de voluntarios, fue genial tener una comida para la gente que corría del trabajo a los ensayos de la noche.

El día siguiente fue la noche de estreno. Teníamos planeada una gala con una recepción para los donantes antes del espectáculo y, al comenzar el día, mi teléfono seguía sonando. Primero uno, luego dos, luego tres miembros del elenco llamaron diciendo que tenían una intoxicación alimentaria o un virus estomacal malo. Estaban tan gravemente enfermos que estaba claro que no podían actuar. Una hora antes del estreno, más de una cuarta parte del elenco estaba enfermo. Afortunadamente, los actores que interpretaban a Eliza y Henry Higgins estaban sanos y fuertes, y esperábamos poder realizar una función con un elenco reducido. Pero para la hora del telón, otros 10 actores estaban enfermos, ¡y estaba claro que no había forma de que pudiéramos realizar el espectáculo!

Reuní a los actores restantes, incluidos Eliza y Higgins, y les expliqué que interpretaríamos todos los números musicales que pudiéramos. Subí al escenario para explicar la situación a la audiencia de etiqueta y presentamos la versión más corta de My Fair Lady alguna vez. Nuestro público donante fue muy amable y les ofrecimos entradas para actuaciones posteriores. Afortunadamente, la mayor parte del elenco regresó la noche siguiente y el espectáculo continuó según lo planeado.

 

 

Reineta

 
reineta (1998)
El debut de la Resident Professional Acting Company de Charleston Stage.

Bajo la presidencia de la Junta, Laura Hewitt, y un obsequio para alojamiento gratuito en el antiguo Sgt. Jasper Apartments de The Beach Company, tuvimos el placer de lanzar nuestra primera compañía de actuación residente a tiempo completo (entonces llamada Pasantes de actuación). Los primeros cuatro fueron Matthew Myers, Brian Bogstad, Virginia Vogel y Laura Patterson, y el primer programa que presentó a estos actores residentes profesionales fue Reineta en nuestra Temporada 23. A lo largo de los años, más de 120 actores talentosos han aparecido en el escenario como parte de esta compañía de actuación profesional, liderando nuestros espectáculos con su talento y brindando recursos didácticos invaluables para nuestros estudiantes de TheatreSchool.

 

 

El matrimonio de Bette y Boo 
 
Marybeth Clark como Bette y Josh Wilhoit como Boo en
El matrimonio de Bette y Boo (2001).

 
El matrimonio de Bette y Boo (2001)

Charleston Stage asume una producción más pesada (y excéntrica).

Si bien estaba orgulloso del trabajo que Charleston Stage había producido bajo la bandera del teatro juvenil, a medida que la compañía crecía, quería que nos expandiéramos para producir una gama más amplia de espectáculos. Los espectáculos para jóvenes y sus familias seguirían siendo parte de nuestra misión, así que comenzamos a experimentar con espectáculos que fueran un poco menos convencionales. Difícilmente hay un escritor más poco convencional que Christopher Durang, y El matrimonio de Bette y Boo es una de sus mejores obras. Cuenta la historia del matrimonio inestable de Bette y Boo y su hijo Matt (que se basó en el propio Durang). El papel del alcohólico Boo fue interpretado por el gran actor local Josh Wilhoit, y su esposa Bette por una recién llegada a Charleston Stage llamada Marybeth Clark. Marybeth pasaría a ser nuestra Directora Artística Asociada y Directora de Educación de Charleston Stage, y pronto sería la nueva Directora Artística de la compañía.

Bette y Boo es una obra difícil de explicar, una comedia oscura que incluso tiene una broma sobre los bebés que nacen muertos. Sé que suena horrible pero, en manos de Durang, esta triste situación se vuelve trágica y absurdamente hilarante, parte del legendario humor poco convencional del dramaturgo. Sabíamos que nos arriesgábamos con este peculiar programa, pero confiamos en que los programas que miran el mundo desde perspectivas muy diferentes suelen ser algunos de los mejores guiones. Todavía nos preguntábamos si el público disfrutaría de este espectáculo, pero aceptaron su forma especial de ver la vida. Y más que eso, nos dio el coraje para producir otros programas con perspectivas ligeramente distorsionadas—Bat Boy: The Musical, el concurso anual de ortografía número 45 del condado de Putnam, Picasso en el Lapin Agile, y Avenue Q.

 

 

Y José el Soñador
 
Matt Schingeldecker como José en
Y José el Soñador (2003).

 
Joseph y el increíble abrigo de ensueño en tecnicolor (2003)

Nuestra primera producción SummerStage.

SummerStage es nuestro campamento de teatro musical de verano para más de 80 estudiantes desde jardín de infantes hasta secundaria. Debo admitir que era escéptico cuando esta oferta de verano estaba en las etapas de planificación, especialmente cuando la idea era aceptar a quien se inscribiera sin audiciones. Pero nuestra Directora de Educación y Directora Artística Asociada, Marybeth Clark, me aseguró que funcionaría, y funcionó. Gracias a la visión de Marybeth, los niños ese verano demostraron que en un corto período de tres semanas podían producir un musical asombroso y completamente montado. Joseph sentó las bases para muchas producciones de SummerStage que siguieron:Seussical the Musical, Disney's Aladdin, Jr, High School the Musical, Jr., etc., iluminando el escenario del Dock Street Theatre verano tras verano. Y en el papel principal ese primer verano estaba Matt Shingledecker, de 14 años, quien ha aparecido en Broadway en Alquiler, Spring Awakening, West Side Story y Wicked así como la gira internacional de Los Miserables. No todos los niños que han sido parte de SummerStage terminaron en Broadway pero, en estas actuaciones especiales cada verano, cada niño es una estrella.

 

 

 

Gershwin en Folly 
 
El elenco de la producción de 2007 de Gershwin en Folly en el Teatro Sottile.

 
Gershwin en la locura (2003, 2007, 2013)

El cancionero estadounidense está ambientado en una historia real en la década de 1930 en Charleston.

de gershwin Porgy and Bess forma parte del tejido artístico del Lowcountry. Sabía vagamente que Gershwin había ido de vacaciones a Folly Beach en 1934, donde él y el nativo de Charleston, DuBose Heyward, comenzaron a trabajar en su ópera histórica. Empecé a investigar un poco y descubrí que Gershwin tuvo un gran verano, disfrutó de la playa, visitó las iglesias negras cercanas y las juke joints negras, e incluso se tomó un tiempo para juzgar el concurso Miss Folly Beach de 1934. Me preguntaba si podría convertir esta historia en un nuevo musical de Gershwin.

En primer lugar, tenía que conseguir los derechos de la música de las propiedades de Gershwin y Heyward. La familia Gershwin era un poco escéptica, pero el sobrino nieto de George Gershwin, Adam Gershwin, se interesó y convenció a la familia para que considerara las posibilidades. El problema era que querían que yo escribiera la obra antes de considerar otorgar los derechos. Así que me puse a trabajar y, gracias a los esfuerzos de Adam, los siete miembros de la familia no solo accedieron a permitirme usar la música de Gershwin, sino que también me dieron acceso a cualquiera de las más de 200 canciones que había escrito. Permiso de los herederos de Heyward (Heyward escribió la mayoría de las letras de Porgy and Bess, incluyendo el legendario Verano) también fue concedido. Mi amigo Chris Donison, director musical del famoso Shaw Festival en Canadá, accedió a hacer las orquestaciones y el primer borrador del espectáculo entró en ensayo. Por supuesto, el actor que interpretaba a Gershwin no solo tenía que actuar, sino también tocar el piano y bailar claqué. Así que me dirigí a Nueva York para audicionar actores. Afortunadamente, Jonathon Brody, que en realidad se parecía a Gershwin y lo había interpretado en un especial de PBS, estaba disponible y vino para la producción de estreno mundial.

El corazón de la obra no es solo el proceso de escritura de Gerswin y Heyward de Porgy and Bess pero cómo Gershwin, que nunca había estado en Charleston, quedó encantado con Lowcountry y su rica cultura Gullah. Neoyorquino de pies a cabeza, le encantaba descubrir otros lugares y culturas: su Un americano en París y La obertura cubana son dos ejemplos. Nunca había absorbido tanto de la música y los ritmos de otra cultura como lo hizo ese verano en las Islas del Mar de Carolina del Sur. A las grandes melodías de espectáculos de Gershwin se sumaron espirituales tradicionales de Lowcountry:Silencio, bebé, todos rezaremos juntos y Todos los que están viviendo tienen que morir—canciones que Gershwin probablemente habría escuchado en su visita y que se convertirían en modelos para Verano y otras melodías originales que crearía para Porgy and Bess. Se agregó una subtrama tradicional de chico conoce a chica en el legendario Folly Beach Pavilion junto con bellezas en baño y una horda de bailarines de claqué y, por lo tanto, nació un nuevo musical de Gershwin. El espectáculo arrasó en la ciudad, rompiendo todos los récords de taquilla y llenando espectáculo tras espectáculo. Revivido y ampliado en 2007 y 2013, Gershwin en Folly sigue siendo el espectáculo más vendido en la historia de Charleston Stage.

 

 

El asiento de la justicia 
 
La actriz invitada Marjorie Johnson como Ruby Cornwall en la producción original de El asiento de la justicia (2004).

 
La sede de la justicia (2004, 2016)

Una actuación especial para la gente del condado de Clarendon, Carolina del Sur.

Rara vez, como dramaturgo, puedes contar una historia en la que algunos de los participantes y sus familias todavía están con nosotros. Pero ese es el caso de El asiento de la justicia, una obra original mía que producimos por primera vez en 2004 para honrar el 50 aniversario del hito Brown v Junta de Educación Fallo de la Corte Suprema de Topeka: un fallo puesto en marcha por las acciones de los ciudadanos del condado rural de Clarendon, Carolina del Sur.

Me inspiré para escribir esta obra a partir de mi conexión personal con la tierra: nací en una granja de algodón al otro lado del río Santee del condado de Clarendon durante los mismos años en que ocurrieron los eventos de la obra. Cuando comencé a investigar esta historia, conocí a dos de los participantes reales: Joe DeLaine, cuyo padre había dirigido los esfuerzos de la organización en Clarendon Country, y Ruby Cornwell, que se había sentado en la primera fila del primer juicio contra la segregación que se llevó a cabo en el Tribunal Federal. en charleston También pude entrevistar a Joe Elliott, nieto de Roderick Elliott, entonces presidente de la junta escolar de blancos del condado de Clarendon que no solo había luchado contra la segregación sino también contra la igualdad escolar. Y aunque no conocía a otros participantes en el caso, conocía los tipos de comunidades que les dieron forma, porque una comunidad similar también me dio forma a mí. Nací en un mundo muy segregado.

Más que nada fue el tenor de aquellos tiempos lo que me propuse capturar en El asiento de la justiciaEsa aversión humana ancestral al cambio y lo notable que es cuando la gente da un paso al frente y mira las cosas no como son, sino como podrían ser. Ese fue ciertamente el caso de la Briggs litigantes: no eran jueces ni abogados, eran madres y padres que querían un mundo mejor y más justo para sus hijos. Ellos son los héroes de esta historia. Si bien ciertamente hubo jugadores importantes como el reverendo DeLaine, Harry Briggs Jr, Thurgood Marshall, el juez Waties Waring y otros, rápidamente me quedó claro que esta tenía que ser una obra sin un jugador central. Más bien, fue una historia en la que muchas personas se encontraron de pie ante el Trono de la Justicia. Sentí que esta historia olvidada hace mucho tiempo debía ser contada, así que me puse a trabajar en ella.

Cuando se inauguró el espectáculo en 2004, tuvimos una actuación especial para los descendientes de quienes habían estado involucrados en Clarendon Country en la década de 1950 y cuyos padres y abuelos habían liderado este esfuerzo monumental, así como para los descendientes de los miembros de la junta escolar que habían luchado sus esfuerzos. Se ofreció una actuación similar a los descendientes para el avivamiento de 2016 y, ese año, el elenco viajó a la iglesia de Liberty Hill para adorar en la iglesia donde todo comenzó. Supongo que lo que más me conmovió fue que los descendientes, blancos y negros, sintieron que les había contado todas sus historias de una manera justa y veraz. Para un escritor, no hay nada mejor que esto.

Tanto la comunidad de Charleston como la de Lowcountry respondieron calurosamente al espectáculo, llenando cada actuación y vitoreando al final. En 2017 El asiento de la justicia fue publicado por Dramatic Publishing, poniendo el espectáculo a disposición de otros teatros del país.

 

 

La piel de nuestros dientes
 
Norma Lynn Higgins como Sabina y Terry Davey como el Sr. Antrobus en
La piel de nuestros dientes (2005).

 
La piel de nuestros dientes (2005)

La más odiada de todas las producciones de Charleston Stage.

Me encanta Thorton Wilder's La piel de nuestros dientes. Había visto una producción en Sumter, South Carolina Little Theatre cuando tenía 16 años y estaba enganchado. Este fue un espectáculo hilarante y extravagante sobre ideas: este ganador del Premio Pulitzer muestra cómo la humanidad ha sobrevivido edad tras edad por la piel de sus dientes. El primer acto está ambientado en la Edad de Hielo, el segundo acto la Gran Inundación (de Noé) y el tercer acto al final de una Guerra Mundial (el programa se estrenó en 1942 en medio de la Segunda Guerra Mundial). Por mucho que me encantara el programa, sabía que había sido problemático. Confundió al público y a la crítica cuando se inauguró en 1942, incluso el renacimiento de Nueva York con John Goodman en 1988 tuvo críticas muy variadas. Aún así, quería darle una oportunidad de luchar en Charleston.

Si bien teníamos un gran elenco, el público estaba confundido por la locura del espectáculo: la familia Antrobus, en el primer acto, tiene dinosaurios como mascota, por ejemplo. El segundo acto del espectáculo está ambientado en una convención en Atlantic City donde hay una gran inundación (al estilo del Arca de Noé) y el tercer acto en el páramo de una guerra mundial. Ahora puedo admitir que el programa nunca ha funcionado realmente. Los miembros de la audiencia se fueron en masa, y recibí muchas cartas enojadas que reforzaron la lección de que si bien un espectáculo puede parecer un gran trabajo imaginativo en la página, no siempre se traduce en el escenario. Estoy seguro de que alguien, en algún lugar, encontrará la manera de hacerlo funcionar.

Todavía es un misterio para mí cómo funcionó en esa producción de teatro comunitario en Sumter hace tantos años. Y esta es una de las realidades del teatro, incluso con un gran elenco y una gran producción, algunos espectáculos simplemente no funcionan, sucede cada temporada en Broadway. Entonces, cuando tenemos un programa como este que no parece dar en el blanco, estamos en buena compañía. En 2022 hubo otro renacimiento de La piel de nuestros dientes en el Lincoln Center de Nueva York, y hubo miembros de la audiencia confundidos que también abandonaron esa producción.

 

 

Rag-time
 
Warnell Berry, Jr. como Coalhouse Walker y Nakeisha Daniel como Sara en Rag-time (2007).

 
tiempo de trapo (2007)

Nuestro último espectáculo antes de la renovación de tres años del Dock Street Theatre.

Decidimos explotarlo con una gran producción del estreno en Charleston del éxito de Broadway. Rag-time antes de que el Dock Street Theatre fuera renovado durante años. Contó con un elenco increíble de 42 personas, impresionantes escenarios y disfraces, y un Modelo T en funcionamiento que subió al escenario. Fue en ese momento la producción más grande en la historia de Charleston Stage y puso el listón alto para los espectáculos que seguirían.

 

 

Stephen Colbert

 
el atracón salvaje de vacaciones de stephen colbert (2008)

Un beneficio para Charleston Stage de un amigo de la infancia.

Durante tres temporadas, Charleston Stage actuó en otros lugares, mientras que Dock Street se sometió a una renovación de $ 19 millones. Algunas producciones se realizaron en el Memminger Auditorium y el American Theatre, mientras que otras se presentaron en el College of Charleston's Sottile Theatre. Lo más destacado de nuestras "vacaciones" de Dock Street incluyó una actuación benéfica en diciembre de 2008 a cargo del propio Stephen Colbert de Charleston. Stephen leyó de su libro Yo soy América y tú también puedes y respondió a las preguntas de la audiencia. Stephen afirma que una vez hizo una audición para mí y no lo elegí hace años cuando estaba en la escuela secundaria, pero la verdad es que le ofrecieron una parte del coro y la rechazó. ¡Supongo que tenía los ojos puestos en cosas más importantes! Gracias a la generosa donación de Stephen de su tiempo y talento, el beneficio se agotó en horas e inyectó miles de dólares para la empresa en medio de la Gran Recesión.

 

 

Dinamarca Vesey: Insurrección
 
Jimmy Hager como Capitán Vesey y Henry Clay Middleton como Dinamarca Vesey en la producción de estreno mundial (2008).

 
Dinamarca Vesey: insurrección (2008)

Cuando llegué por primera vez a Charleston en 1976, se había colocado una pintura de Dinamarca Vesey en el Auditorio Gaillard. Considerado un héroe por muchos pero un terrorista por otros, este fue un monumento controvertido y la pintura fue robada pero devuelta después de que se envió una recompensa. En el transcurso de 45 años, la ciudad ha llegado a reconocer a Vesey como una valiente luchadora por la libertad con un legado que vale la pena recordar. Más tarde, la ciudad de Charleston colocó un monumento a Vesey en Hampton Park, pero lamentablemente también ha sido objeto de actos de vandalismo en ocasiones. 2022 marca el 200 aniversario de su muerte.

En 2008 escribí una obra sobre Dinamarca Vesey y el Capitán Vesey, el hombre que llevó a Vesey a Charleston y le vendió su libertad cuando Vesey ganó la lotería. Leí todo lo que pude encontrar, incluida la transcripción original del juicio en los Archivos de Carolina del Sur. Estrenamos el espectáculo en el Teatro Americano como parte de Piccolo Spoleto.

El elenco contó con Clay Middleton como Dinamarca Vesey. Clay ha interpretado de todo, desde Drácula hasta Thurgood Marshall durante muchos años con Charleston Stage, y también es director de la compañía. El Capitán Vesey fue interpretado por Jimmy Hagar, quien apareció por primera vez como Atticus en Matar a un ruiseñor y desde entonces se ha convertido en actor de pantalla y guionista.

 

 

Los productores
 
El elenco de
Los productores, un nuevo musical de Mel Brooks (2009).

 
Los productores, Un nuevo musical de Mel Brooks (2009)

Haciendo magia en otros lugares.

En la sala de 800 personas del Teatro Sottile no teníamos más remedio que seguir produciendo espectáculos a gran escala. Enganchamos al director musical de la gira nacional de Los productores, un nuevo musical de Mel Brooks, José Simbulan, y con nuestra creciente Compañía de Actuación Profesional Residente en papeles principales y otros excelentes artistas y músicos locales, nos propusimos producir una de las comedias musicales más aclamadas de la historia. Fue una magnífica producción que abarrotó el Teatro Sottile y aseguró a nuestro público que podíamos producir grandes obras, en cualquier lugar.

 

 

cabaret
 
El elenco de
cabaret (2010). 

 
Cabaret (2010)

Reinventando un clásico en medio del caos.

cabaret es uno de los musicales más conocidos y poderosos jamás producidos. Desde la producción original hasta la película y el renacimiento de Broadway de 1998, el espectáculo siempre es el mismo pero siempre se siente nuevo. La directora Marybeth Clark continuó con esta tradición cuando nos dispusimos a producir este programa icónico. Brian Porter, quien alguna vez fue director de administración de Charleston Stage y ahora es director ejecutivo de Queen Street Playhouse, se unió a nosotros como el maestro de ceremonias de esta producción y aportó su propia magia especial al papel. Marybeth agregó toques especiales de una boa constrictor viva que apareció con el maestro de ceremonias al final del primer acto a la poderosa imagen de las puertas de Auschwitz al final del segundo acto. Muchas personas trabajaron arduamente para contribuir a una versión increíble, emocionante y fresca del programa.

Pero la producción no estuvo exenta de desafíos. Nuestro personal técnico de dos personas en ese momento, Stefanie y Mike Christensen, tuvo que dar a luz a su hija antes de tiempo, por lo que me llamaron de nuevo a trabajar como diseñador escénico. Terminar y pintar el paisaje se redujo al final. Y luego Sarah Claire Smith, nuestra Sally Bowles, desarrolló laringitis la semana antes de la apertura del espectáculo. ¡Milagrosamente, su voz volvió la noche del estreno! Y como dicen, el resto es historia: el espectáculo se abrió con críticas muy favorables y lleno total.

 

 

ventana de la maravilla
 
El telón del espectáculo “Window of Wonder” del artista Jonathan Green para el Dock Street Theatre. Pintura escénica de Colleen Ballance (2010).

 
ventana de asombro / fanfarria para una marea creciente (2010)

La gran reapertura del renovado Dock Street Theatre.

La renovación de tres años y $20 millones de dólares del Dock Street Theatre por parte de la ciudad de Charleston finalmente se completó en 2010 para nuestro gran deleite. Regresamos con un evento de apertura especial que reveló un nuevo telón diseñado por el artista Jonathan Green y el estreno de Fanfarria para una marea creciente por el músico y compositor ganador del premio Grammy Charlton Singleton, ambos encargados por la expresidenta de la junta directiva Barbara Burgess y su esposo John Dinkelspeil.

Jonathan Green y Charlton Singleton
 
El artista Jonathan Green (izquierda) y el músico ganador del premio Grammy Charlton Singleton (derecha).

 

 

Cartas de Amor
 
Marybeth Clark entrevistando a Michael Emerson y Carrie Preston.

 
cartas de amor (2010)

El primer espectáculo de la compañía en el recientemente renovado Dock Street Theatre.

In Cartas de amor, La actriz ganadora del premio Emmy Carrie Preston (La buena esposa / Sangre verdadera), quien interpretó a Ann Frank para Charleston Stage en 1986 cuando era estudiante en el College of Charleston, regresó a la ciudad con su esposo, Michael Emerson, quien en ese momento estaba terminando una carrera ganadora del premio Emmy en LOST. Generosamente donaron su talento para ayudar a reabrir el Dock Street Theatre con un beneficio para Charleston Stage. Carrie y Michael interpretaron la conmovedora obra de AR Gurney Cartas de amor, y al final de la actuación, Marybeth Clark entrevistó a estos dos talentosos actores y moderó una animada sesión de preguntas y respuestas con el público.

 

 

Inga Binga
 
Phil Mills como JFK y Gardner Reed como Inga Arvad en la producción original de
JFK e Inga Binga (2012).

 
JFK E Inga Binga (2012)

Un asunto de Charleston de la Segunda Guerra Mundial sube al escenario.

A menudo he encontrado inspiración en mis obras originales de grandes historias aquí en Lowcountry, y no podría haber una historia mucho mejor que la aventura del joven JFK con un presunto espía nazi aquí en Charleston durante la Segunda Guerra Mundial. Lo tenía todo: una bomba rubia llamada Inga Arvad (a quien el joven Kennedy llamó Inga Binga), agentes del FBI en la habitación de al lado y reporteros que seguían a estos amantes desafortunados. Aunque convertí la historia en una farsa, está basada en archivos reales del FBI y cartas de amor entre Jack e Inga que descubrí en la Biblioteca Kennedy en Boston. Los actores de Nueva York Phil Mills y Gardner Reed interpretaron los papeles principales y estuvieron respaldados por un maravilloso elenco de apoyo. Al público le encantó el espectáculo: se convirtió en la producción no musical más vendida en la historia de Charleston Stage. Si bien esperaba que mis escritos contribuyeran a esto, ¡el hecho es que el sexo y los Kennedy venden! JFK e Inga Binga se convirtió en mi octava obra publicada y ahora es producida por otros teatros de todo el país.

 

 

Al lado de normal
 
El elenco de Al lado de normal (2014).

 
Al lado de lo normal (2014)

Un musical poderoso y contemporáneo.

La ganadora del premio Pulitzer y la ganadora del premio Tony Al lado de normal es uno de los musicales más potentes de los últimos años. Cantada casi en su totalidad con una partitura de rock de Tom Kitt y letra de Brian Yorkey, arrasó en Broadway y demostró que los musicales pueden abordar temas muy serios y difíciles. Al lado de normal cuenta la historia de una familia que lucha contra el grave trastorno bipolar de su madre. El programa ilumina cómo tal lucha afecta a todos en una familia y trae la necesidad de comprensión y defensa de los recursos de salud mental a una audiencia más amplia. Si bien los programas con mensajes rara vez funcionan, Al lado de normal funciona porque no tiene respuestas. Simplemente, como siempre lo hace el gran drama, presenta una parte de la vida en todos sus triunfos y tragedias humanas.

Al lado de normal es una producción desafiante tanto por su tema como por sus difíciles partes vocales. Trajimos a dos actores invitados, Sean Hayden y Annie Freres, a quienes se unieron nuestros actores residentes Aaron Hancock y Joseph Dickey (recientemente vistos en Broadway en el papel principal de Disney's Aladdin). Completando el elenco estaba Celeste Riddle, una talentosa estudiante de teatro en el College of Charleston.

Este fue un espectáculo que se disparó. Fue conmovedor ver cómo este musical impactó al público y llevó a muchos a compartir sus propias historias. Tuvimos "conversaciones" dirigidas por profesionales de la salud mental de MUSC y moderadas por el Dr. Lee Lewis, él mismo un ex miembro del programa de Actores Residentes de Charleston Stage, ahora psiquiatra. Este espectáculo preparó el escenario para producir otras producciones serias en el futuro.

 

 

Atrápame si puedes
 
El elenco de
Atrápame si puedes (2015).

 
Atrápame si puedes (2015)

La asombrosa historia del "charlestoniano" Frank Abagnale, Jr.

No suele ser el tema de un gran musical en vivo en su ciudad natal, pero tal es el caso de Frank Abagnale, Jr., quien ha adoptado a Charleston como su hogar. Me comuniqué con Frank una vez que aseguramos los derechos de este gran espectáculo, y él no podría haber sido más generoso con su tiempo y sus conocimientos para ayudarnos a que sea un éxito. Me reuní con él personalmente y asistió a varios ensayos para hablar con el elenco y compartir sus increíbles experiencias como un charlatán adolescente. Se hizo amigo y trabajó de cerca con Corbin Williams, quien lo interpretó en el programa. El musical contó con un gran elenco y un escenario maravillosamente imaginativo con disfraces y coreografías mágicas; resultó ser uno de los musicales más vendidos en la historia de la compañía.

Frank también asistió a las presentaciones de apertura y cierre del espectáculo, habló con la audiencia y respondió preguntas, lo que hizo que esta producción y esta historia fueran aún más reales. Después del espectáculo, me envió fotos autografiadas, en las que escribió: "Para Julian, el mejor director del mundo". ¡No estoy seguro de lo que Stephen Spielberg podría pensar de eso!

Frank Abagnale Jr.
 
Frank Abagnale Jr.

 

 

Peter y el Starcatcher
 
John Black como Peter y Madeline Glenn Thomas como Molly en
Peter y el Starcatcher (2017).

 
Peter y el cazador de estrellas (2017)

La imaginación toma vuelo.

Incluyo este espectáculo porque en muchos sentidos es el epítome del gran teatro. Aunque parece simple: una docena de actores hacen todos los escenarios y accesorios con escaleras, cuerdas y otros elementos, en realidad fue uno de los espectáculos más complejos que jamás hayamos producido. Mucha gente podría sorprenderse al saber que los guiones no vienen con manuales de construcción para construir los escenarios, la utilería y el vestuario para cada espectáculo, y un espectáculo como Peter y el Starcatcher desafía a cada teatro a encontrar sus propias soluciones para la puesta en escena. Antes de que lo produjéramos, había visto el espectáculo dos veces, la producción original de Broadway ganadora del premio Tony, así como una producción posterior en el famoso Walnut Street Playhouse de Filadelfia. Si bien ambos tenían sus puntos fuertes, pensé que la historia a menudo se perdía en medio de la inteligencia y la imaginación de su puesta en escena. Sabía que sería importante trabajar diligentemente para asegurarme de que la historia y la trama permanecieran al frente y al centro.

Una de nuestras primeras opciones al trabajar con nuestros diseñadores fue simplificar el espectáculo. Las bombillas eléctricas colgantes se convirtieron en estrellas centelleantes, las escaleras se convirtieron en mástiles de barcos, las cuerdas se convirtieron en puertas, ventanas y olas, y las sombrillas se convirtieron en árboles. Cada ensayo fue una delicia, ya que mi elenco absolutamente de primer nivel usó estos elementos simples para crear un viaje de la imaginación que aterrizó de lleno en Peter Pan. País de Nunca Jamás. Parte del encanto del espectáculo fue que el público puso en juego su propia imaginación, creyendo incluso que un guante de goma podría convertirse en un pájaro, una tela ondulante podría convertirse en un estanque dorado y unas cuerdas con una tela brillante y un barco estratégicamente colocado. las luces podrían convertirse en una manada de sirenas, con colas de paja de escoba. El teatro es verdaderamente mágico.

 

 

Shakespeare in Love
 
El elenco de
Shakespeare in Love (2018).

 
Shakespeare enamorado (2018)

El final de nuestra Temporada 40 Aniversario

Aunque una parte del plató se derrumbó la noche del estreno (nadie resultó herido y el espectáculo no tardó en continuar), Shakespeare in Love es un espectáculo que celebra la magia del teatro mientras vemos al famoso poeta y dramaturgo crear su obra clásica Romeo y Julieta en medio de su propio romance. Los aspectos más destacados de la producción fueron la partitura incidental original de Luke Walchuk, nuestro diseñador de sonido residente e ingeniero de audio, el deslumbrante vestuario y el emocionante juego de espadas coreografiado por Evan Parry del College of Charleston.

 

 

El curioso incidente del perro a medianoche-Time
  
Jacob Feight, de 16 años, como Christopher en
El curioso incidente del perro en la noche (2019).

 
el curioso incidente del perro en la noche (2019)

Una de nuestras producciones más imaginativas.

Incidente curioso hace lo que el teatro hace mejor: lleva a la audiencia al mundo y la mente de los demás. Esta obra viaja a la increíble mente y perspectiva de Christopher Boone, de 14 años, que vive en el espectro autista. El elenco estuvo encabezado por Jacob Feight, de 16 años, uno de nuestros aprendices de TheatreWings, quien hizo el papel a su manera junto con un elenco de primer nivel que asombró al público noche tras noche. Este espectáculo también marcó uno de mis diseños de escenarios favoritos que reflejaron ingeniosamente el interfuncionamiento de la mente de Christopher.

 

 

Bright Star
  
Katelyn Crall (centro) como Alice Murphy y el elenco de Bright Star (2021).

 
estrella brillante (2021)
 
¡El espectáculo debe continuar!

Estábamos ensayando para Bright Star cuando estalló el COVID y tuvimos que cancelar todo el 15 de marzo de 2020. Diecisiete largos meses después, los ensayos comenzaron de nuevo. Estábamos tan emocionados de volver a hacer un espectáculo, pensando que COVID había quedado atrás. Todos nuestros actores y equipo estaban completamente vacunados, pero después de la primera semana de ensayo tuvimos 14 casos de avance. Afortunadamente nadie estaba gravemente enfermo, pero tuvimos que posponer la apertura por una semana. Ese septiembre, nuestras presentaciones en vivo finalmente regresaron al Dock Street Theatre. Aunque el elenco estuvo enmascarado en los ensayos y entre bastidores y se exigió al público mostrar prueba de vacunación y usar máscaras, el espectáculo continuó y el público vitoreó este conmovedor y conmovedor musical. Este espectáculo se hizo aún más maravilloso porque marcó nuestro regreso a las actuaciones en vivo en persona.

 

 

Pisando fuerte
  
K'nique Eichelberger (L) y Jerquinez A. Gipson (R) como Lola en Pisando fuerte (2022).

 
botas rizadas (2022)
  
Solo sé quien quieras ser. Nunca dejes que te digan quién deberías ser.

Kinky Boots fue el final perfecto para nuestra primera temporada después de nuestro cierre de COVID. Este fue el primer espectáculo sin enmascarar a la audiencia y sin requerir prueba de vacunación, y todos estaban emocionados. Contó con el debut de los nuevos diseñadores Courtni Riddick (vestuario), Caleb Garner (luces) y Adam Jehle (escenografía), con una impresionante compañía de jugadores que incluía no una, sino dos Lolas rotando en el papel principal. El final lo dijo todo: Solo sé quien quieras ser. ¡Con dignidad, celebra tu vida triunfalmente!