What initially drew you to the role of Carole King in “Beautiful: The Carole King Musical”?

From an actor perspective, Carole King is a great role to play because she gets to sing some of the most iconic songs and her scenes build well so you get to see her grow and change throughout the show. Also, I was drawn to playing someone so influential in American music history!

How do you prepare yourself to portray such an iconic figure like Carole King on stage?

What’s so great about playing a famous person is that there are a plethora of resources to draw from! I started by listening to Carole King’s discography and getting a sense for her style and sound. I also watched recorded concerts of hers to see how she transformed those songs to the stage and pick up her performing habits. Then, I watched TV interviews of her to see how she she spoke and interacted with people. Lastly, I read her autobiography “A Natural Woman” to understand her POV on how her life events shaped her. Many of the events in the book correlate with the events in the show so that gave me an accurate perspective on how to play those moments.

What aspects of Carole King’s personality do you find most intriguing or challenging to embody?

Carole King accomplished so much while she was so young. By the time she was 18 she’d already attended college, wrote a #1 Billboard hit, was married, and had her first child. I’m 24 and have ONLY graduated college. Me and Carole’s young adult experience may be different, but I think that’s the most amazing and challenging thing about playing her.

“Beautiful” covers a significant portion of Carole King’s life and career. How do you navigate portraying her evolution as an artist and as a person throughout the show?

Carole finding her voice as an artist and as a person is what this show is really about. For that reason, one of the ways I show her evolution is by changing her voice. In the beginning, I use a higher pitched speaking voice to reflect her youth and naïveté. Also, at the start she hasn’t really developed performing skills yet, so her emotions get in the way of the singing. For example, she gets shy performing in front of a lot of people and that is reflected in my voice with a quiver. Then as life happens and hurt happens, I deepen her voice. It becomes more natural and womanly. She also grows as a performer and that is reflected in singing more confidently. 

Carole King’s music is beloved by many. How do you ensure you do justice to her iconic songs while still bringing your own interpretation to them?

Carole’s music is so iconic and beloved because her writing is excellent and it connects with people. As a performer, it’s a gift when you get to sing well written material because the songs do a lot the work for you! For that reason, I’m keeping things simple so that her melody and lyrics are at the forefront and I’m hoping that will allow the songs (and hopefully me) to shine. 

Carole King’s story is one of resilience and triumph. How do you convey her strength and determination through your performance?

One of the things I find so interesting about Carole King is that her strength is sort of quiet. She goes through so much, but comes out of it with grace. I think I best convey this in the final scene of the show when Gerry (Carole’s ex-husband) apologies for his bad behavior and I respond, “You know Ger, you made a lot of mistakes. But, we made two beautiful children and our songs and that’s something to be proud of.”  What I think is so beautiful about this is that she doesn’t excuse his behavior so she’s standing up for herself, but also she’s willing to look past the hardship to focus on the good. I think that’s a really hard thing to do and that’s what makes her strong. 

What do you hope audiences take away from your portrayal of Carole King in “Beautiful”?

I hope that audiences see through Carole’s story that even though life may not always go as planned it can still turn out beautiful! 

HERMOSO: EL MUSICAL DE CAROLE KING se presentará en el Historic Dock Street Theatre del 10 al 28 de abril de 2024. Haga clic AQUÍ para reservar tus asientos.

ELIZA KNODE (Carole King)
¡Eliza está emocionada de regresar a Charleston Stage como actriz residente para su temporada número 46! Algunos de sus créditos anteriores en informática incluyen: La Familia Addams (Morticia), JFK e Inga Binga (Inga Arvad), y El ladrón del rayo (Sally Jackson). Eliza es hija de un diplomático y tuvo una educación única. Creció en Malasia, Japón, Hungría, Long Island y Brasil. Luego obtuvo su BFA en Teatro Musical de la Universidad de Miami. Eliza quisiera expresar amor y gratitud a su familia, amigos y maestros de todo el mundo que la apoyan. Sitio web: www.elizaknode.com Instagram: @eliza.knode

¿Cómo abordaste el diseño de vestuario para “Beautiful: The Carole King Musical” para reflejar las tendencias de moda y los estilos de la era de Carole King?

Hice mucha investigación primaria, ¡especialmente porque la mayoría de los personajes son personas reales en la historia de la música! Lo abordé principalmente investigando a estas personas específicas y al mismo tiempo observando cómo estaba evolucionando la moda desde finales de los años cincuenta hasta principios de los setenta. Observé ciertas tendencias y movimientos de moda que estaban sucediendo en ese momento. Los estilos, el maquillaje y el cabello cambiaban más rápidamente en esta época, por lo que las revistas, los anuncios, los programas de televisión y las presentaciones musicales fueron muy importantes para dar forma a mi vida.
concepto para los disfraces!

¿Puede hablarnos de alguna investigación específica que haya realizado para obtener información sobre el ¿La moda de los años 1950, 60 y 70, períodos cruciales en la vida de Carole King?

Gran parte de mi investigación consiste en fotografías que puedo encontrar de cada década junto con revistas de moda, anuncios y patrones de ropa con diseños de moda. ¡Incluso mirar fotos familiares antiguas puede ser útil para tener una idea de cómo vestía la gente! Afortunadamente, hay muchas fotografías de Carole King con Gerry Goffin, Cynthia Weil y Barry Mann durante los períodos en que se desarrolla el musical. Esto fue de gran ayuda para dar forma a las siluetas y estilos de cada personaje junto con su cabello y maquillaje.

El estilo personal de Carole King evoluciona a lo largo del musical. ¿Cómo reflejaste esta evolución a través de su vestuario?

Durante mi proceso de investigación, me di cuenta de que la mayoría de las personas tienen una cierta imagen de Carole King cuando piensan en ella por primera vez. En general, todos pensamos en ella en la década de 1970, con su cabello rizado y salvaje y su estilo bohemio relajado. Sin embargo, la mayor parte del musical tiene lugar antes de 1970. Cuando miras hacia atrás, cuando ella comenzó a escribir y producir música, vestía de manera muy propia de las épocas de las décadas de 1950 y 1960. Por lo que yo
En general, Carole vestía de manera bastante sutil y simplista, femenina pero nunca demasiado llamativa o demasiado moderna. El musical comienza cuando tiene 16 años y termina con ella a los 29, por lo que definitivamente la vemos madurar a lo largo del espectáculo. Entonces al principio la vemos vestida muy juvenil y casi como una colegiala ya que es muy pequeña a pesar de que está en la universidad. Luego se casa, tiene hijos y una carrera a una edad muy temprana, así que quería vestirla como alguien que tiene que madurar hasta convertirse en adulta rápidamente. Hice referencia a muchas fotos de la época en la que llevaba vestidos sencillos de día y a medida que pasa el tiempo y su música avanza, la vemos pasar de los vestidos a los pantalones y luego, cuando descubre plenamente su confianza como músico y se recupera, Vea más del icónico look de los años 1970 por el que la recuerdan bien.

El musical presenta varias figuras icónicas de la industria musical. ¿Cómo abordaste el diseño de vestuario para personajes como Gerry Goffin, Cynthia Weil y Barry Mann para capturar sus personalidades y estilos?

La primera vez que miré fotografías de ellos tomadas en la década de 1960. De estas fotos, más que intentar recrear determinados outfits las tomé como inspiración para cada una de sus personalidades y estilos. Para el escenario, también realcé el contraste entre cada uno de ellos. Por ejemplo, Carole vestía de forma un poco más sencilla y Cynthia iba un poco más a la moda. Incluso en el guión, siempre hacen referencia a lo bien vestida y elegante que estaba Cynthia. Así que quería crear un contraste visual con Cynthia vestida con siluetas más ajustadas, colores brillantes y texturas diferentes. A medida que avanza el espectáculo, también quería abrazar los estilos mod de los años 1960 de Cynthia con el estilo más bohemio de los años 1970 de Carole. Gerry Goffin se tomaba muy en serio la escritura musical, pero también pasó por algunas luchas tumultuosas y pensó demasiado en cosas durante todo el programa. Así que lo vemos vestido un poco más recto, pero también lo vemos con patrones complejos y tonos muy frescos. Barry Mann es el personaje más alegre y carismático del grupo, así que le pedí que se vistiera con siluetas y estampados más divertidos que eran momentos divertidos de la moda masculina en los años 1960 y principios de los 1970.

¿Puedes hablar sobre algún detalle o adorno específico en el vestuario que tenga un significado o simbolismo particular en el contexto del musical?

Hay un simbolismo en los colores de ciertos disfraces que no estoy seguro de que el público capte, pero si lo hacen, creo que ciertas escenas tendrían un significado adicional. A lo largo del espectáculo, Gerry viste tonos morados y azules. Hay una escena en el Acto 2 en la que Carole está grabando “Natural Woman” y tiene dificultades para grabarla porque le recuerda a Gerry. Ella interpreta la canción maravillosamente mientras usa un
blusa morada, para representar su amor por Gerry y, aunque ya no está con él, él sigue siendo una parte fundamental de su historia. Al final, ella usa su icónico vestido azul justo después de hablar con Gerry y él le dice que "irá hasta el final" con su música mientras se convierte en su propio acto solista y brilla por sí misma.

El musical incluye actuaciones de los trajes icónicos de Carole King. ¿Cómo recreaste estos looks y al mismo tiempo les infundiste un estilo teatral?

En el musical, en realidad sólo vemos a Carole King actuar en el Carnegie Hall. Las personas que ya han visto “Beautiful” o conocen “Beautiful”, normalmente recuerdan el vestido azul que usa en el final. Quería mantener este color icónico pero ponerlo en un tejido diferente para darle un interés visual diferente. También quería hacer referencia a un vestido que usó en una actuación filmada por la BBC en 1971 para encarnarla por completo. Sin embargo, hay una gran cantidad de actuaciones de grupos musicales que interpretan las canciones que ella escribió. Para The Drifters y The Shirelles, recreamos sus looks icónicos de la década de 1960. De hecho, construimos los vestidos para las Shirelles y basamos la silueta en una fotografía real de ellas. Para hacerlos teatrales, agregamos ciertos elementos de diseño, como lentejuelas y un tono romántico de telas rosas, para hacerlos más dinámicos y resaltar en el escenario.

El cabello y el maquillaje juegan un papel integral en la transformación de los actores en personajes. ¿Cómo colaboraste con el diseñador de pelucas y el equipo para garantizar que el aspecto general de cada personaje de “Beautiful” fuera coherente y auténtico para la época?

¡El cabello juega un papel importante en “Beautiful”! Dado que el espectáculo recorre casi tres décadas diferentes, las pelucas ayudan a mostrar la progresión del tiempo y la moda. Este espectáculo tiene la mayor cantidad de pelucas que jamás hayamos hecho en un espectáculo en Charleston Stage. La diseñadora de pelucas, Abbie Jones, y yo analizamos muchas imágenes de investigación de todos los personajes que están basadas en personas reales. Discutimos cómo interpretar ciertos peinados y adaptarlos al escenario y a los personajes. Para el conjunto, Abbie Jones investigó un poco más sobre el período y encontró formas creativas de diseñar a todos de manera ligeramente diferente y precisa para los períodos.

¿Qué espera que se lleve el público después de ver la producción de “Beautiful” de Charleston Stage y experimentar sus maravillosos diseños en el escenario?

Realmente espero que la gente se sienta transportada al pasado, especialmente a una época en la que la música y el diseño estaban realmente evolucionando. Me divertí mucho diseñando este desfile e inspirándome en la década de 1960 (una de mis décadas favoritas de la moda), ¡especialmente porque es una década en la que he podido diseñar! El espectáculo es muy vibrante y divertido y al mismo tiempo evoca las alegrías y las angustias que todos experimentamos mientras crecemos y nos convertimos en las personas que queremos ser. Y, por supuesto, espero que la gente se quede con ganas de escuchar más música de Carole King y experimentar su belleza.

HERMOSO: EL MUSICAL DE CAROLE KING se presentará en el Historic Dock Street Theatre del 10 al 28 de abril de 2024. Haga clic AQUÍ para reservar tus asientos.

HAYLEY O'BRIEN (Diseñadora de vestuario)
Originaria del sur de Florida, Hayley se graduó de la Universidad Estatal de Florida con una Maestría en Bellas Artes en Diseño de Vestuario y una Licenciatura en Teatro. Sus créditos recientes en Charleston Stage incluyen El viaje a Bountiful, pista y La familia Addams: un nuevo musical. Otros créditos incluyen Kinky Boots, JFK e Inga Binga, Native Gardens y Un espíritu burlón. Espera con ansias futuras producciones en Charleston Stage y está agradecida de participar en el programa TheatreWings. ¡Hayley quisiera agradecer a su familia y amigos por todo su amor y apoyo!

¿Cómo lograste un equilibrio entre honrar sus composiciones originales y al mismo tiempo infundirles una nueva energía teatral?

En cierto modo, es un desafío producir una pieza basada en personas reales, pero también te brinda mucho material del que dibujar. Aunque las canciones pueden resultar familiares para muchos, verlas en orden histórico y darse cuenta de cuántas canciones populares y grupos musicales fueron influenciados por Carole King como compositora es sorprendente y luego alinearlo con lo que ella estaba experimentando como mujer en ese período de tiempo. le da a la audiencia mucho para considerar y disfrutar.

¿Puedes hablarnos del proceso creativo detrás de traducir su historia en un espectáculo visual?

Uno de los mayores desafíos de lo que es básicamente un Jukebox Musical (un musical Jukebox es un musical escénico o una película musical en la que la mayoría de las canciones son canciones populares conocidas, en lugar de música original) es que, en muchos sentidos, Es más bien una serie de conciertos. El decorado de Broadway tenía un aspecto muy específico y muchas producciones regionales hicieron algo similar. Sé que este es un espectáculo que muchos de nuestros clientes pueden haber visto en Broadway o en una gira nacional, así que quería que nuestra producción se viera diferente desde el momento en que se levanta el telón. Nuestro diseñador escénico invitado Seth Howard (sethhowarddesigns.com) había diseñado el espectáculo para otra empresa a principios de año y estaba emocionado de adoptar un nuevo enfoque. Jugamos con múltiples looks, pero nos decidimos por el edificio de oficinas inspirado en “Mad Men” como imagen principal. El espectáculo pasa de salas de escritores en 1650 Broadway a presentaciones televisivas completas o conciertos en vivo sin tiempo entre ellos. Nuestro diseñador de iluminación residente Caleb S. Garner (calebsgarner.com) se apresuró a ayudar a encontrar muchas maneras de que el diseño de iluminación nos llevara dentro y fuera de las escenas de los libros hasta las actuaciones musicales.

¿Qué crees que hay en la historia de Carole King que trasciende generaciones y culturas?

Creo que la familiaridad es un tema con el que el público siempre se identifica. Si nunca has escuchado una sola canción que cantó o escribió Carole King, me sorprendería mucho PERO quién no puede identificarse con un joven que intenta seguir su sueño o alguien que lucha en el amor, el matrimonio o la paternidad. Su historia incluye fuertes amistades, familia y carrera. Se nos recuerdan varias partes de nuestra propia vida.

¿Qué cualidades buscabas en el actor que interpreta a Carole King para asegurarte de que pudiera capturar la esencia de su homólogo de la vida real?

Como todo musical necesitas un actor bien formado y con una bonita voz. Retratar a una persona real no se trata de hacer una personificación sino de buscar las verdades compartidas con el personaje. Eliza Knode ha estado en Charleston Stage durante dos años como actriz residente. Sabía que en su primer año con nosotros sería una gran Carole y ella es una de las razones por las que agregamos el programa para su segunda temporada. Ha leído mucho sobre Carole King y ha visto entrevistas y actuaciones, pero al final creó un personaje que es un placer ver y escuchar.

¿Qué aspectos del espectáculo resonaron contigo personal o artísticamente?

Me encanta un momento en la escena inicial cuando Carole habla con el público del Carnegie Hall sobre su carrera:

“¿Y sabes qué tiene de divertido la vida? A veces sale como quieres y otras no. Y a veces, cuando no es así, encuentras algo hermoso”

Creo que eso es cierto en la vida y en ser director artístico.

¿Cómo trabajaste con el elenco y el equipo creativo para asegurar que las actuaciones musicales capturaran la esencia de su música??

Charleston Stage se ha comprometido a brindarles a muchos artistas puestos asalariados de tiempo completo con nosotros. Esto incluye al director musical Sam Henderson. Sam ha forjado relaciones maravillosas con muchos de los mejores músicos de Charleston, por lo que nuestra orquesta en vivo es algo que muchos teatros no tienen. También trabaja incansablemente con el elenco no solo para enseñar la música sino también los estilos y la delicadeza que hacen que cada grupo se destaque.

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MARYBETH CLARK (Directora Artística y Directora de Hermosa: El Rey de Carole Musical)

Marybeth está en su vigésima quinta temporada con Charleston Stage. Nació en Pittsburgh, PA y creció en Tolland, CT. Marybeth tiene una licenciatura en teatro/actuación de la Universidad del Sur de Florida y participó en su primer espectáculo en un teatro Equity a los 18 años de edad en Tampa. Trabajó como actriz en teatros profesionales de todo el sudeste durante diez años antes de establecerse en Charleston en 1994 con su marido, el actor Victor Clark. Fue miembro de la facultad de teatro de la Escuela de Artes del condado de Charleston para estudiantes de secundaria y preparatoria. Aunque se mudó a Charleston con la intención de "retirarse" del teatro y formar una familia, enseñó y dirigió para Charleston Stage a tiempo parcial a partir de 1997, antes de unirse a la compañía a tiempo completo el año siguiente.

Ella y Vic son los orgullosos padres de dos hijas, Lila y Prentice. Lila se graduó recientemente de la Universidad Drew y se está preparando para el programa de doctorado en MUSC y Prentice enseña a estudiantes con necesidades especiales en el Washington Center en Greenville, Carolina del Sur. Marybeth y Vic no tienen un nido vacío pero comparten su hogar con la madre de Marybeth y muchos perros y gatos adoptados.

Durante su estancia en Charleston Stage, ha dirigido más de 70 espectáculos, entre los que se incluyen: Botas pervertidas, de ratones y hombres, ¡Mamma Mia! y Elf el musical. Comenzó el programa de actuación profesional residente en su segundo año en la empresa y continúa contratando, capacitando y supervisando a nuestros jóvenes actores profesionales.

Como actor de Charleston Stage, Marybeth ha aparecido en Shakespeare enamorado, Helio, No puedes llevarlo contigo, El matrimonio de Bette y Boo, Magnolias de acero, Un cuento de Navidad y más recientemente como Madame Arcati en Un espíritu burlón.

¿Cómo abordaste el diseño del decorado de “Beautiful: The Carole King Musical” para capturar la esencia de la época y la vida de Carole King?

Esta es la segunda vez que diseño este espectáculo el año pasado, así que estoy muy familiarizado con el material. Para esta versión, realmente quería concentrarme en crear un ambiente general en el que Carole y los otros personajes se hubieran sentido cómodos. El escenario del Dock Street Theatre es pequeño, con poco espacio en las alas. Entonces, la creación de un entorno que pueda transformarse rápidamente fue lo que realmente impulsó el diseño más que cualquier otra cosa.

¿Qué investigación realizó para garantizar que el diseño del escenario refleje con precisión el período de tiempo y los lugares representados en el musical?

Comencé con toneladas de investigación visual. Revisar libros de diseño para precisar el período y luego pasar a la investigación en línea. Saqué imágenes que apoyaban las imágenes que veía en mi cabeza y comencé a construir el mundo a partir de ahí. Afortunadamente, el período moderno de mediados de siglo es fácil de investigar, ya que todavía es un estilo común que se utiliza en la actualidad. 

La historia de Carole King involucra varios lugares emblemáticos, desde estudios de grabación hasta salas de conciertos. ¿Cómo recreaste estos espacios en el escenario manteniendo un estilo visual coherente?

¡Este es un gran espectáculo para este lugar! Vamos a muchos lugares a lo largo y en rápida sucesión. Así que mi trabajo como diseñador es siempre asegurarme de que todo fluya sin problemas de una escena a otra. Después de conocer todas las ubicaciones, comencé a pensar y planificar todos los elementos escénicos necesarios para cada escena. Luego tomé toda esa información y comencé a jugar con cómo funciona todo dentro del marco escénico que establecí anteriormente. Para este diseño, la iluminación juega un papel muy crucial al ayudarnos a establecer cambios en las ubicaciones. Hay columnas revestidas de LED que nos pueden ayudar a cambiar el color del conjunto rápidamente. Junto con algunas transiciones de escenas adicionales, pudimos movernos a diferentes ubicaciones con facilidad. Por supuesto, todo tiene que estar “coreografiado” de alguna manera. ¡Y eso es lo que resolvimos durante la tecnología! Este diseño también presenta muchos paisajes voladores y señales que nos ayudan a indicar la ubicación.

¿Puedes hablarnos de algún desafío específico que enfrentaste al diseñar el set de “Beautiful” y cómo los superaste?

Sí, este es un gran espectáculo para el escenario de Dock Street. Y no tenemos los lujos de la automatización escénica, que es algo en lo que se basó y utilizó mucho el diseño de Broadway. El mayor desafío fue cómo hacer que todo encajara, manteniendo al mismo tiempo suficiente espacio detrás del escenario para que todas las escenas vivieran. Básicamente era un rompecabezas muy grande. Pasé muchas horas sentado y trabajando con el plano, simplemente moviendo y cambiando el tamaño de los elementos hasta que todo lo que necesitábamos encajaba. Fue un desafío, ¡pero lo hicimos funcionar!

La música de Carole King tiene una cualidad profundamente personal. ¿Cómo incorporaste elementos de su personalidad y viaje en la escenografía?

El conjunto se centra en el lugar donde Carole se inició en la industria, 1650 Broadway. Mi esperanza es que podamos amplificar aún más su estado de ánimo y su amor por la música mediante el uso del color. Hay momentos en los que sus canciones están llenas de alegría y la iluminación es brillante y divertida. Por otro lado, hay momentos en los que sus canciones son más sentidas y podemos reducir la saturación e intensidad de la iluminación a la altura.

El decorado sirve a menudo de telón de fondo para las actuaciones musicales. ¿Cómo se aseguró de que la escenografía complementara y realzara los números musicales?

Para estos momentos, hay escenas adicionales que nos ayudan a crear esas imágenes. Ciertas partes del set siempre están en uso, pero tienen pequeños trucos y cosas ocultas que nos permiten transformar esas piezas y agregar un poco de brillo a las escenas que lo requieren. 

¿Qué espera que se lleve el público después de ver la producción de “Beautiful” de Charleston Stage y experimentar sus maravillosos diseños en el escenario?

¡Espero que el público se vaya sintiendo toda la alegría, el amor y la pasión que Carole tenía por la música y la narración a través de la canción! Como ocurre con cualquier diseño, mi objetivo principal era simplemente respaldar la historia. Si el público se marcha con una sonrisa y tarareando su canción favorita, entonces lo considero un trabajo bien hecho.

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SETH HOWARD (Diseñador escénico invitado)
Seth es un diseñador escénico independiente que vive en St. Louis, MO. Ha diseñado numerosas producciones regionales y experiencias temáticas en todo el país. Algunos de sus créditos de diseño incluyen Escuela de Rock y Rag-time (Teatro Infantil de Colón); La cima de la montaña y Trampa de muerte (Escenario y pantalla Constellation); Jersey Boys y Vienen de lejos (Teatro Aspen); Una vez en esta isla (Escenario Charleston); Cenicienta y El mago jr. (El Teatro Infantil de Cincinnati); El mejor/el menos favorecido (Obras dramáticas de Palm Beach); La Familia Addams y Hermoso: El musical de Carole King (Teatro Liceo Arrow Rock). Echa un vistazo a @sethhowarddesigns en las redes sociales. www.sethhowarddesigns.com

Un recuerdo de la infancia escondido en el set de Regreso a Bountiful
Por Julian Wiles, director y diseñador coescénico

Dirigiendo Regreso a Bountiful Me trajo muchos recuerdos. Al igual que la señora Watts, de 87 años, el personaje central de la obra, yo también vengo de una larga línea de agricultores. Mis abuelos eran agricultores y, al igual que la casa de la infancia de la Sra. Watt, su casa cayó en mal estado y finalmente en ruinas cuando la abuela y el abuelo se mudaron a una casa nueva que mis padres les construyeron cuando tenían 80 años. Estaba justo al final de la calle de la casa de madera de dos habitaciones donde habían criado a cinco hijos, incluida mi mamá. Lo hicieron en medio de la gran depresión y, aunque vivieron en circunstancias humildes, mi madre dijo que nunca estuvieron necesitados. Como agricultores, tenían leche fresca de sus vacas, verduras de su enorme jardín y la calidez y el amor mutuos para sustentarse.
 
Mi madre y mi padre también eran agricultores. Compraron su granja y su casa de campo de 1913 en el condado rural de Calhoun, donde crecí el día que me trajeron a casa desde el hospital. Cuando era granjero, uno de mis primeros juguetes fue un tractor John Deere de hierro fundido de color amarillo brillante y verde que mi padre me compró. Aré muchos acres imaginarios con este pequeño tractor y recuerdo llevar a mis perros y gatos a pasear por los corrales, en el pequeño carro que arrastraba detrás de mi tractor.
 
Cuando Adam Jehle y yo empezamos a trabajar en los decorados de Regreso a BountifulEn particular, en la casa de la Sra. Watt, estaba buscando una manera de sacudir la memoria de Ludie, el hijo de la Sra. Watt, y recordarle su infancia hace mucho tiempo jugando afuera de la antigua granja de sus abuelos. Y así, cuando visité nuestra granja familiar hace unas semanas, me encontré con mi tractor John Deere de juguete. Lo encontré polvoriento y abandonado en un viejo cobertizo y pensé que los recuerdos que me trae podrían ser similares a los que Ludie sentiría si se encontrara con su propio juguete de la infancia. Llevé mi pequeño tractor a Dock Street y lo coloqué en el escenario en la escena final. Si bien esta muestra especial de mi propia infancia es sólo un pequeño elemento del diseño general del escenario, representa el tipo de elementos mágicos especiales que los diseñadores de escena buscan para ayudar a contar una historia y darle un significado especial. Puedes ver mi tractor en la escena final de El viaje a Bountiful. Al igual que la señora Watts y su hijo Ludie, mi pequeño tractor ha encontrado el camino a casa.

Actuaciones de Regreso a Bountiful Continúe del 7 al 17 de marzo en el Historic Dock Street Theatre. Para boletos, visite charlestonstage.com.

El dramaturgo, director, diseñador y educador, Julian Wiles, fundó Charleston Stage en 1978 y dirigió la compañía durante 45 temporadas hasta su jubilación en 2023.
 
Wiles creció en una granja en Fort Motte, SC, y estudió historia y teatro en el College of Charleston (BA 1974). Se mudó a Carolina del Norte para realizar trabajos de posgrado en diseño teatral y recibió una maestría en Arte Dramático de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill en 1976. Regresó a Charleston y en 1978 fundó Charleston Stage, la compañía residente del Historic Dock Street Theatre. , el primer teatro de Estados Unidos. Bajo el liderazgo de Wiles, Charleston Stage se ha convertido en una de las instituciones de artes escénicas más grandes y respetadas de la región, produciendo más de 120 actuaciones profesionales al año e incluyendo un amplio programa educativo que llega a más de 25,000 jóvenes cada año.
 
Durante sus 45 años como fundador y director artístico de producción, Wiles diseñó, dirigió y produjo más de 300 obras de teatro y musicales para Charleston Stage. Ha escrito 34 obras de teatro originales, musicales y adaptaciones teatrales, ocho de las cuales son publicadas por The Dramatic Publishing Company. Muchas de sus obras originales, como El asiento de la justicia, Gershwin en Folly, Bajo la luna de hierba dulce, Dinamarca Vesey, Insurreccióny JFK e Inga Binga celebre la rica herencia cultural y la historia de Lowcountry. Se han realizado más de 100 producciones de las obras publicadas de Wiles en los Estados Unidos e internacionalmente.
 
Wiles recibió el Premio Nacional de Director de Teatro Juvenil en 1988, el Premio de Reconocimiento Especial NAACP de Charleston en 2004, el Premio de las Artes del Gobernador de Carolina del Sur en 2010 y fue incluido en el Salón de la Fama de la Asociación de Teatro de SC en 2018. En 2021, fue galardonado Premio al alumno distinguido de la Universidad de Carolina del Norte.
 
En abril de 2024, Wiles será admitido como miembro del College of Fellows of the American Theatre. La investidura de nuevos miembros está auspiciada por el Departamento de Educación del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington, DC La membresía en el College of Fellows of the American Theatre es uno de los más altos honores que se otorga a educadores y profesionales del teatro. La comunidad educativa y teatral de Estados Unidos.
 
Para más información sobre sus obras originales visita julianwiles.com.

Queridos amigos,

Estoy emocionado de regresar a Charleton Stage como director invitado para El viaje a Bountiful, una de mis obras favoritas. Aunque creo que todo el mundo conoce dramas tan conocidos y conmovedores como Matar a un ruiseñor, el hacedor de milagros, y El sonido de la música, el Teatro Americano está lleno de joyas escondidas, obras asombrosas cuyos títulos no son tan conocidos. Regreso a Bountiful es sin duda una de estas maravillosas joyas escondidas, a pesar de haber ganado numerosos premios Tony, Emmy y de la Academia a lo largo de los años. El Viaje a Abundancia Sin duda es un espectáculo que no debe perderse.

Y la luchadora protagonista de 80 y tantos años, la Sra. Carrie Watts, es uno de los grandes papeles del teatro americano. Actores galardonados como Geraldine Page y Cecily Tyson fueron aclamados por este papel y aquí en Charleston Stage tenemos a la maravillosa actriz veterana de 84 años, Samille Basler, en este papel principal. Recordarás a Samille por papeles tan memorables en mis obras. helio y Gershwin at Locura, llevando risas desgarradoras a comedias memorables como No puedes llevarlo contigo y Espíritu alegre, y conmoviendo al público con sus poderosas actuaciones. El zoo de cristal y Matar a un ruiseñor. La interpretación de Samille de la señora Carrie Watts en Regreso a Bountiful es uno que no debe perderse.

Les insto a que consigan sus entradas hoy para ver esta maravillosa obra del dramaturgo ganador del premio Pulitzer, Horton Foote, mejor conocido por sus guiones ganadores del Oscar por Matar a un ruiseñor y Tiernas Misericordias.

Es un placer volver a ocupar mi puesto de directora una vez más, uniéndome a Samille y sus fantásticas compañeras de casa mientras traen esta galardonada joya escondida al escenario del Dock Street Theatre por primera vez.

¡Consigue esos boletos hoy!

Espero verte en el teatro!

Julian Wiles, fundador y director emérito

By PIE DE HORTON
Dirección por JULIÁN WILES 

Patrocinadores asociados:
Fondo Familiar Hewitt de la Fundación de la Comunidad Costera de Carolina del Sur
Dr. Del y Linda Schutte

Siga a Mama Watts, de 80 años, mientras se embarca en la aventura de su vida, decidida a huir del estrecho apartamento de su hijo en la ciudad y de su controladora nuera y regresar a su ciudad natal de Bountiful, TX por última vez. Pero, ¿qué hará cuando se quede atrapada en una estación de tren en medio de la noche y descubra que el último residente de Bountiful, TX, murió hace dos días? Observe cómo la Sra. Watts se apoya en nuevos amigos, buenos recuerdos y su fe inquebrantable para cantar y bailar en tiempos difíciles. Este sincero clásico ganador del premio Tony de Horton Foote, autor del guión galardonado. Matar a un ruiseñor, hace las viejas preguntas; ¿Qué es el hogar? ¿Podrás realmente volver a casa alguna vez?

Las funciones se realizarán del 28 de febrero al 17 de marzo. Para boletos, visite charlestonstage.com.

Por Heather Rose Artushin • Padre de Lowcountry

Al caminar por el histórico Dock Street Theatre en el centro de Charleston, no es ningún secreto que las paredes de 215 años de antigüedad guardan recuerdos de actuaciones con entradas agotadas de años pasados, muchas de ellas realizadas por los propios actores residentes del Charleston Stage.

Pero lo que el teatro no puede ofrecer es la programación educativa comunitaria que Charleston Stage se enorgullece de ofrecer a los niños de Lowcountry.

Marybeth Clark, directora artística de Charleston Stage, comenzó su trabajo en la organización hace 25 años como directora de educación. “Realmente vine para desarrollar el programa educativo”, dijo. "Creo que el mayor impacto que tuve fue lo que ahora es nuestro programa de actores residentes".

Charleston Stage contrata actores jóvenes de entre 22 y 28 años que tienen títulos en teatro de universidades de todo el país. Los 10 residentes seleccionados pasan un año viviendo en Charleston y trabajando con Charleston Stage a tiempo completo, actuando y enseñando a los jóvenes locales. Los residentes reciben capacitación docente y reciben planes de lecciones estructurados para ofrecer las mejores oportunidades educativas para los niños de la comunidad.

"Especialmente durante el año escolar, estamos muy orientados a los procesos", dijo Clark. “Nos concentramos más en las habilidades en la primavera, y hay un día en el que todos rinden. Si estás tomando clases con nosotros, tenemos clases de nivel superior llamadas troupe, y esos son los niños a los que permitimos audicionar para espectáculos cuando es apropiado. Tienen que funcionar como un adulto en un espectáculo”.

No todos los niños aspiran a ser actores y, sin importar a dónde los lleve la vida, las habilidades que aprenden de su experiencia con Charleston Stage son invaluables.

"Se trata de que los niños tengan un espacio seguro donde puedan aprender a compartir sus pensamientos, sus emociones y sus historias", compartió Clark. “También aprenden a recibir los pensamientos, emociones e historias de otra persona, incluso si son diferentes a ellos. Y eso es el arte: comunicar ideas y sentimientos y poder recibirlos”.

Las habilidades interpersonales, la autoconciencia y las habilidades organizativas encabezan la lista de lecciones de vida que los estudiantes han aprendido de los programas educativos de Charleston Stage.

La inscripción para las clases de verano de Charleston Stage se abre en febrero y seguramente se llenará rápidamente. “Tengo más de 200 niños por semana en clases aquí durante el año escolar regular”, explicó Clark. "Tenemos unas hermosas instalaciones en West Ashley, el mismo estudio donde ensayamos nuestros espectáculos en el escenario principal, donde impartimos las clases".

Los estudiantes pasan los últimos dos días del campamento de una semana experimentando ensayos en el escenario y una actuación final en Pearl, un teatro con capacidad para 130 personas en West Ashley.

Durante la pandemia, Clark y su equipo aprovecharon la oportunidad para reflexionar sobre su programación educativa y cómo llegar a más niños de la comunidad.

“Siempre hemos tenido becas para que las finanzas no sean un obstáculo”, dijo. “Eso fue un tanto privilegiado por mi parte. El obstáculo es el tiempo, el transporte y el compromiso familiar. Puede que ni siquiera tengan coche y no pueden salir del trabajo para llevar a sus hijos a una clase de las cuatro, aunque sea gratis”.

Entonces, Charleston Stage comenzó a colocar maestros en algunas de las escuelas de Título I del Distrito Escolar del Condado de Charleston para ofrecer las mismas clases durante los programas extracurriculares que ya existen. Cuando algunos de los niños expresaron curiosidad sobre el estudio en West Ashley, Charleston Stage reunió fondos para proporcionar un autobús que llevara a los niños a las clases de fin de semana en el estudio y de regreso a una ubicación central.

Clark dijo que en ciertas situaciones, los maestros y los padres reciben boletos para tomar el autobús al teatro para ver una producción y sus hijos actuar en el escenario.

El grupo de teatro local tiene la intención de asegurarse de incorporar un elenco diverso de actores residentes para representar a todos los niños de la audiencia y del aula.

"Cuando elegimos el casting, soy muy consciente de encontrar actores que reflejen algunos de los niños a los que enseñarán", dijo Clark. “Uno de nuestros profesores varones fue a una escuela, era afroamericano, y un niño dijo: '¡Nuestro cabello combina!' No sabían de qué se trataba el teatro, pero empezaron a trabajar juntos y se enamoraron de él”.

Cuando vea el Dock Street Theatre en su próximo paseo por el centro, no olvide que es más que un edificio histórico: alberga una organización comprometida con el fomento de los niños de Charleston a través de las artes.

“Nuestro fundador, que se jubiló el año pasado, inició la compañía como un teatro para jóvenes, sobre educación, y nunca hemos abandonado esa misión”, concluyó Clark.

Visite charlestonstage.com para obtener más información sobre los programas educativos de Charleston Stage.

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Encantado de volver a conectar con Aline Toloto, el genio creativo detrás de los encantadores accesorios de nuestra producción de UN CUENTO DE NAVIDAD. Sus habilidades excepcionales brillan una vez más en el Dock Street Theatre, ofreciéndole una mirada exclusiva al arte detrás de los accesorios de este clásico atemporal de Dickens.

1) ¿Qué te inspiró a trabajar en el diseño de utilería de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y la atmósfera de esta historia clásica?

El colorido y rico diseño del decorado y del vestuario fue una importante inspiración para el mundo de la utilería. ¡Me encanta UN CUENTO DE NAVIDAD! Mi primer encuentro con la historia fue a través de la película cuando era niño. El recordatorio de que la vida es demasiado corta y que, al final del día, lo que realmente importa son las personas y las relaciones que pudiste cultivar a lo largo de la vida es un mensaje que nunca envejecerá.

2) Los accesorios son esenciales para crear un mundo creíble en el escenario. ¿Cómo abordaste la investigación y reuniste inspiración para asegurarte de que los accesorios de A CHRISTMAS CAROL fueran auténticos para la época y el entorno?

Afortunadamente, hoy en día, la investigación es mucho más accesible que antes, lo que ayuda con los ocasionales problemas de tiempo que encontramos al realizar muchas producciones simultáneamente en el taller. Mi proceso de investigación consta de tres pasos. Inicialmente, profundizo en la investigación histórica, que normalmente abarca no sólo el año objetivo sino también las décadas anteriores. Mi segundo paso consiste en examinar el atrezo de la película y el atrezo de otras producciones. Esto me parece valioso porque permite a la audiencia conectarse con la historia en un nivel diferente, aprovechando experiencias que puedan haber tenido antes. El paso final es emplear mi intuición de diseño para lograr un equilibrio entre la precisión histórica y lo que complementará estéticamente la producción general.

¡Mira el avance del programa A CHRISTMAS CAROL a continuación!

3) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puede compartir información sobre cómo colaboró ​​con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que los accesorios se alineen con la visión general de la producción?

Por supuesto, la colaboración es la clave para una producción teatral exitosa. Tuve una gran colaboración con el escenógrafo, por ejemplo, para mejorar la conexión entre el fondo del dormitorio de Scrooge y los muebles que ocuparían ese espacio: la cama y el sillón. Discutimos la paleta de colores, seleccionamos muestras de telas y participamos en numerosos intercambios, incorporando disfraces e iluminación a la discusión para garantizar que cada elemento de diseño fuera coherente.

4) Dado que UN CUENTO DE NAVIDAD es un clásico navideño, ¿incorporó algún accesorio con temas navideños para realzar el ambiente festivo de la producción? ¿Puedes dar ejemplos?

En nuestro enfoque de la producción, infundimos magia navideña en varios muebles y accesorios para las manos. Si bien no son estrictamente históricos, estos detalles tenían como objetivo capturar la esencia de la Navidad que resuena en el público. Aprovechamos cada oportunidad para adornar espacios con elementos festivos, ya sea agregando un toque de lazos rojos y dorados o incorporando luces navideñas. Se utilizó cada rincón disponible para infundir un tema navideño en toda la producción.  

5) La atención al detalle es crucial en el diseño de utilería. ¿Hubo accesorios específicos en UN CUENTO DE NAVIDAD que requirieron atención adicional al detalle para garantizar la precisión histórica o la importancia temática?

¡Absolutamente! Un ejemplo notable es el sillón utilizado en el dormitorio de Scrooge. La utilería exigió una gran dedicación por parte del equipo, lo que requirió días de ajustes para garantizar que funcionara a la perfección. Si bien no quiero revelar demasiado para preservar la magia, puedo asegurarles que una vez que el público lo vea, comprenderá el significado especial de este accesorio. Subraya la creencia de que siempre vale la pena dedicar tiempo y atención incluso a los momentos más breves en el escenario.

6) ¿Tiene alguna creación de utilería favorita en UN CUENTO DE NAVIDAD de la que esté particularmente orgulloso o que se destaque como memorable?

Mi accesorio favorito es el caballo moteado que acompaña al carrito de juguete. El proceso de creación fue bastante desafiante y colaboré estrechamente con Prop Artisan, 
Hailee Selby. El resultado final fue increíblemente gratificante: tener un caballo moteado hermoso y atemporal que realmente destaca.

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 14 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Originaria de Brasil, Aline tiene una Maestría en Bellas Artes en Teatro y Tecnología con énfasis en Diseño Escénico de la Universidad del Sur de Mississippi. Con amplia experiencia como directora de utilería, diseñadora escénica y decoradora de escenarios, los aspectos más destacados de la carrera de Aline incluyen su papel como supervisora ​​de propiedades para la temporada 45 de Charleston Stage, supervisando ocho espectáculos cautivadores que incluyen La familia Addams, Cuento de Navidad, y Una vez en esta isla. Está encantada de continuar en la empresa durante el próximo año.

En una entrevista exclusiva, nos reunimos con Caleb S. Garner, el cerebro detrás del cautivador diseño de iluminación en Dock Street Theatre para nuestra última interpretación de A CHRISTMAS CAROL. ¡Explore las complejidades de su enfoque artístico mientras ilumina la magia de este clásico navideño atemporal!

1) ¿Qué te atrajo a trabajar en el diseño de iluminación de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y la atmósfera de esta historia clásica?

UN VILLANCICO Ha sido parte de mi vida desde que tengo uso de razón. Era una tradición navideña para mi familia, como lo es para tantas otras. Mi adaptación cinematográfica favorita es en realidad la versión de 1984 de George C. Scott como Scrooge. Me encanta cómo esa adaptación utiliza la luz para intercambiar lo natural y lo sobrenatural con el pasado, el presente y el futuro. Christmas Past tenía una cualidad confusa y onírica. Christmas Present fue a veces brillante y alegre, y a veces austero y serio. Christmas Future era oscuro y lleno de humo. Todavía estoy cautivado por la capacidad de esa adaptación de contar una gran historia a través de la luz, y estoy muy emocionado de darle mi propio toque a esa gran narración. 

Como músico de iglesia, he pasado mucho tiempo leyendo textos sobre el tiempo de Adviento y Navidad. Una lección que siempre me llamó la atención es que esta temporada no se trata solo de nacimiento, sino también de redención. Es fácil olvidar que UN CUENTO DE NAVIDAD no es simplemente “un viejo malhumorado que está asustado por los fantasmas y ahora ama la Navidad”. Scrooge es un personaje complejo. Creo que nuestra producción hace un gran trabajo al mostrar cómo se adaptó a lo largo de su vida y cómo reconectarse con su pasado le permite reclamar su futuro. La historia me recuerda un poema del teólogo y líder de derechos civiles estadounidense Howard Thurman, llamado "La obra de Navidad". Su idea del “trabajo” de la Navidad son las lecciones que Scrooge vuelve a aprender para abrir su corazón y amar nuevamente.

Cuando la canción de los ángeles se calma,

Cuando la estrella en el cielo se va,

Cuando los reyes y los príncipes estén en casa,

Cuando los pastores vuelvan con sus rebaños,

Comienza la obra de Navidad:

      Para encontrar a los perdidos,

      Para sanar a los quebrantados

      Para alimentar a los hambrientos,

      Para liberar al prisionero,

      Para reconstruir las naciones,

      Para traer la paz entre la gente,

      Hacer música en el corazón.

Así es esta producción de UN CUENTO DE NAVIDAD: haciendo música en el corazón. Estoy muy emocionado de compartir este regalo de Navidad con todos ustedes. 

2) La iluminación juega un papel crucial a la hora de crear el ambiente de una producción. ¿Cómo abordaste la creación de un diseño de iluminación que complemente la narrativa y realce el impacto emocional de un villancico?

Cuando nos reunimos por primera vez en 2022 para discutir esta importante reinvención de la producción, el dramaturgo Julian Wiles habló sobre la necesidad de vitalidad, color y diversión. No queríamos tener una producción que dijera: "este es el mundo de Scrooge y todo es triste, oscuro y vacío". Queríamos una producción que mostrara al público toda la alegría, la compasión y el amor que le faltaba a Scrooge. 

Es muy fácil centrarse en Scrooge y los fantasmas y hacer una producción oscura y aterradora. Y uso iluminación oscura con azules intensos y sombras profundas para hacer que los fantasmas sean intensos e impactantes, pero también trato de mantener el espíritu colorido de la producción usando turquesas, magentas profundos y lavandas para darles a los fantasmas una sensación de misterio sin siendo sombrío y deprimente. Realmente me encantó esta pintura llamada “Energías Púrpuras” del pintor suizo Fabien Bruttin como inspiración para los fantasmas, particularmente Marley y Christmas Future.

También era importante mantener el sentimiento de celebración durante toda la obra. No quería que cada escena pareciera "Londres de noche". Quería algo de variedad y colores más vibrantes, así que elegí rosa lavanda, azul claro, naranja y verde para que el mundo pareciera festivo y nuevo. Para Julian, Sam y para mí era importante evitar que la producción pareciera una tarjeta navideña victoriana. Si bien tienen muchos colores, a menudo estaban descoloridos, de color rojo intenso y un poco pasados ​​de moda. Queríamos fantasía y una amplia gama de colores. Me inspiré en esta imagen de Covent Garden. ¡Mira si puedes detectar algunos de estos colores provenientes de las luces mientras miras! 

3) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puede compartir información sobre cómo colaboró ​​con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que el diseño de iluminación se alinee con la visión general de la producción?

Todo el equipo de diseño se reúne con meses de anticipación para establecer y perfeccionar nuestro mundo de la obra para que la audiencia obtenga un producto final unificado. Pasamos mucho tiempo hablando, investigando, dibujando y compartiendo para que todos estemos en sintonía sobre la visión de la producción. lo hicimos Un villancico la temporada pasada, pero no fue tan sencillo como sacarlo de una caja y volver a ponerlo en escena. La producción de la temporada 45 fue fantástica, pero cada área de diseño tenía varias cosas que podíamos mejorar. Esto incluyó cosas como la ubicación de los fondos, nuevos muebles y accesorios, nuevos elementos de vestuario y nuevos trucos de magia.

Una nueva temporada también brinda nuevos actores a Charleston Stage, lo que significa que personas con diferentes tipos de cuerpo, complexiones y tonos de piel necesitaban modificaciones para los trajes existentes y nuevos colores de iluminación que realzaran mejor su piel. Si bien muchas cosas son similares este año, muchas también son bastante diferentes. Mi mentor de iluminación, Craig Dettman, diría "la misma canción, verso diferente".

Esta producción tiene muchos “trucos” asociados con los Fantasmas y su magia, y todos requieren una cuidadosa coordinación con los demás elementos de diseño y dirección para realizarse correctamente. La lápida de Scrooge en la secuencia del cementerio es uno de mis ejemplos favoritos. Cuando Scrooge llega por primera vez al cementerio, no se da cuenta de que está sobre su propia tumba; la lápida que tiene ante él está en blanco. Una cuidadosa coordinación entre la dirección, el paisaje y las luces nos permitió revelar mágicamente la palabra "SCROOGE" en la piedra. Los sonidos añadidos, la niebla y la magnífica combinación de colores del vestuario ayudan a crear la imagen increíblemente poderosa de Scrooge dándose cuenta de su destino. 

Ahora que he estado en Charleston Stage durante varios años, he desarrollado una excelente relación y una especie de lenguaje abreviado con el resto del personal. Estamos regularmente en la misma página y realmente disfruto nuestras discusiones y colaboraciones. 

4) UN CUENTO DE NAVIDAD tiene momentos tanto de oscuridad como de luz. ¿Cómo equilibraste el uso de luces y sombras para transmitir los distintos estados de ánimo y temas a lo largo de la producción?

Siempre me aseguro de que la iluminación cumpla con varios factores diferentes en cada escena: visibilidad, estado de ánimo, revelación de la forma, puntuación y narración. 

La visibilidad es simplemente poner luz donde la quieres y quitarla donde no la necesitas. El estado de ánimo es la forma en que la luz utiliza los colores, los ángulos y las texturas para mostrar emociones o atmósferas. Siempre hay un delicado equilibrio entre el estado de ánimo y la visibilidad, porque a menudo demasiado de uno puede dañar al otro. Si la luz es demasiado oscura, el público lucha por comprender la acción en el escenario, pero si el público puede ver todo lo que hay en el escenario, la atmósfera de la escena se ve comprometida.

La revelación de la forma es cómo iluminamos figuras y objetos en el escenario, dándonos dimensionalidad. La forma en que revelamos figuras en el escenario también nos ayuda a establecer visibilidad y estado de ánimo. Por ejemplo, enciendo el conjunto que canta “Joy To The World” de una manera totalmente diferente a como enciendo el Fantasma de la Navidad Futura. 

Cada oración tiene algún tipo de puntuación. La forma en que iluminamos el final de una frase en el escenario es tan importante como la forma en que termina la frase en el papel. Cuando Marley deja a Scrooge, la última línea de la escena termina con un signo de exclamación: la iluminación debería hacer absolutamente lo mismo. No queremos un desvanecimiento lento hacia el negro aquí; ¡Queremos un apagón de conteo cero para terminar la escena con fuerza!  

Contar historias es hacer avanzar la narrativa mediante el uso de las propiedades de la luz que podemos controlar. Estas propiedades son intensidad, distribución, ángulo, color, cambio y movimiento. 

La cuidadosa consideración y combinación de estos elementos nos ayudan a crear “looks” individuales para distinguir los distintos momentos del espectáculo. Gran parte del equilibrio proviene de la experiencia y la intuición. ¡Y una gran relación con el equipo de producción!

5) ¿Hubo escenas o momentos específicos en UN CUENTO DE NAVIDAD en los que usaste intencionalmente la iluminación para resaltar elementos o emociones clave? ¿Puedes compartir ejemplos de cómo la iluminación mejora la narración?

Uno de mis momentos favoritos del programa es cuando escuchamos la canción “A New Day Dawns”. Esto sucede dos veces dentro del programa y cada una es un punto importante en la vida de Scrooge. 

La primera vez que escuchamos la canción, un joven Scrooge ve a su futura prometida, Belle, por primera vez. Quería que el resto del mundo desapareciera para que pudiéramos ver a Scrooge enamorarse instantáneamente. Las luces bajan hacia el joven Scrooge y Bella mientras ella canta la canción. La presencia de los otros invitados a la fiesta aún se siente porque están bajo una luz de color más oscuro, con un fuerte resaltado alrededor de sus siluetas. Esto muestra las figuras generales, pero limita la visibilidad de los rostros para que la audiencia pueda concentrarse en el momento del amor a primera vista que ocurre detrás del escenario. El viejo Scrooge y el fantasma de las Navidades pasadas todavía están tenuemente iluminados, por lo que el público también puede ver a Scrooge volver a familiarizarse con su humanidad. 

Esto sucede por segunda vez en la última parte del segundo acto. Scrooge va a la casa de su sobrino Fred para hacer las paces y conoce a la esposa de Fred, Caroline. Caroline está cantando "A New Day Dawns" y está en la misma posición que Belle. Scrooge y Caroline recrean el momento en que los jóvenes Scrooge y Bella se conocen por primera vez. La iluminación tiene un encantador menú desplegable de la misma manera que antes. Es un momento realmente conmovedor que muestra a Scrooge dejándose amar de nuevo. 

Espero que la iluminación muestre los momentos profundamente personales con los jóvenes Scrooge y Belle, y luego con Caroline y Scrooge con los apretados pulldowns. Luego, las luces se abren para revelar a los otros personajes, mostrando que estaban allí para ver el arco del personaje de Scrooge. 

6) La historia de UN CUENTO DE NAVIDAD abarca diferentes escenarios, desde la oficina de Scrooge hasta la casa Cratchit. ¿Cómo adaptaste el diseño de iluminación para crear atmósferas distintas para cada lugar?

Cada conjunto de personajes tiene su propia paleta de colores especial. La diseñadora escénica Susan Crabtree y yo trabajamos estrechamente con la diseñadora de vestuario Janine McCabe para asegurarnos de que cada lugar tuviera su propia identidad de color especial en el vestuario, la escenografía y el diseño de iluminación. 

Un gran ejemplo lo podemos ver en la familia Cratchit y su hogar. Elegimos un esquema de color púrpura/lavanda para darle a los Cratchit sus propios rasgos identificables como unidad familiar. El escenario tiene elementos de colores en el fondo y cada personaje tiene sus colores en el vestuario. Ilumino la escena con azules y lavandas para poder ayudar a que los colores del vestuario y el escenario realmente resalten.

¡Esté atento a los diferentes esquemas de color del programa! ¡Cada lugar y familia tiene su propia colección especial de colores!

7) ¿Tiene algún efecto o técnica de iluminación favorito utilizado en UN VILLANO DE NAVIDAD del que esté particularmente orgulloso o que se destaque como memorable?

Cada año intento incorporar algunos elementos nuevos a la producción para hacerla aún más interesante. Este año debutan dos nuevas máquinas de niebla. ¡Nunca los verás, pero definitivamente verás la niebla! Estos se llaman nebulizadores de niebla ultrasónica y obtienen el mismo efecto que la niebla de hielo seco sin la necesidad de hielo seco y 350 libras de agua. Estos nebulizadores utilizan una membrana ultrasónica que vibra rápidamente a altas velocidades en un tanque de agua. El agua se agita en gotas individuales con un tamaño de aproximadamente 3 a 5 micrones, vaporizándose en el aire para formar una niebla espesa. Es muy científico y es genial. Lo más probable es que ya tengas esta tecnología en tu casa. Si tienes un “humidificador de vapor frío”, ¡tienes la misma tecnología ultrasónica en una escala más pequeña!

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 7 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Caleb S. Garner es un diseñador de iluminación y sonido que vive en Charleston, Carolina del Sur. Originario de Carolina del Norte, Caleb recibió su licenciatura y licenciatura en Bellas Artes de Catawba College en Salisbury, Carolina del Norte, y su maestría en Bellas Artes de la Universidad del Sur de Mississippi. Los diseños de Garner, que van desde conciertos hasta ballets, musicales y obras de teatro, le han valido ocho premios de diseño regionales y nacionales. Caleb ha sido un diseñador destacado desde Nueva York hasta Mississippi, diseñando en el noreste, el medio oeste, la costa este y el sur profundo. A Caleb le gusta convertir grandes trozos de madera en trozos más pequeños (a veces erróneamente llamados muebles), gritar con los estudiantes (a menudo reconocido como enseñanza) y jugar con cosas que chispean y humean. Caleb actualmente se desempeña como diseñador de iluminación residente en Charleston Stage Company y es profesor adjunto en el College of Charleston.

Explore los intrincados detalles del enfoque artístico de K'nique Eichelberger como coreógrafo de UN CUENTO DE NAVIDAD en esta entrevista especial. ¡Prepárate para otra temporada de emoción mientras el excepcional trabajo de K'nique ocupa un lugar central y se convierte una vez más en un punto destacado en la adaptación de este año del clásico atemporal!

1) UN CUENTO DE NAVIDAD es un clásico navideño. ¿Cómo abordaste la infusión de la coreografía con el espíritu festivo de la temporada y al mismo tiempo transmitiste los temas más profundos de la historia?

La Navidad es una festividad en la que las familias se reúnen para expresar amor, bondad y alegría. En mis coreografías verás la alegría o emoción en cada movimiento. Sin embargo, esta no es la coreografía tradicional de UN CUENTO DE NAVIDAD. Si bien honramos el período de tiempo con la forma en que hablamos y caminamos, hay un elemento contemporáneo en los bailes con el que el público más joven y mayor puede identificarse. La danza para mí siempre ha sido una forma de comunicar cosas que no podía verbalizar y me ayudó a expresarme de una manera creativa y personal. Quería que los movimientos hablaran por sí solos sin palabras ni cantos. Hay algunos movimientos lentos que pueden transmitir sentimientos de tristeza o melancolía, mientras que los movimientos bruscos y explosivos pueden expresar fuerza y ​​alegría. A lo largo de todos los números de baile se puede ver cómo se demuestra. Uno de los temas centrales de UN CUENTO DE NAVIDAD es la transformación personal y la redención. Verás que hay muchos cambios de formación en el primer número para transmitir los muchos cambios por los que pasará Scrooge durante el espectáculo. El personaje de Ebenezer Scrooge sufre un cambio profundo, pasando de ser un hombre avaro, insensible y egoísta a una persona generosa, afectuosa y compasiva. Estos son algunos temas de baile que verás al comienzo del espectáculo y que resurgirán con el nuevo y mejorado Scrooge.

2) ¿Hay algún aspecto particular de UN CUENTO DE NAVIDAD que resuena contigo a nivel personal? ¿Cómo influye esta conexión en tu proceso creativo?

La gente puede cambiar pero no se puede cambiar a la gente. Hay que permitir que la gente crezca y vea las cosas por sí misma. El cambio llega cuando la persona comprende cómo se forma su actitud y cómo impacta en su vida. A menudo se trata de reflexionar y sanar mucho del pasado. Las personas pueden cambiar si se cumplen algunos requisitos, incluida la autoconciencia y la fuerza de voluntad. A lo largo de la historia, Scrooge tiene la oportunidad de ver cuándo ha cambiado su vida y explora por qué está tan enojado al pensar en la Navidad. Esto influyó en mi proceso creativo al darme gracia en los demás. En los ensayos siempre estuve ahí para ayudar y ponérselo fácil a los actores porque nunca se sabe por lo que está pasando la gente. Así que presentarse con energía y una sonrisa creará un espacio seguro en el que a todos nos encanta trabajar.

3) Cuéntanos tu proceso creativo al coreografiar una producción. ¿Cómo transformaste la narrativa en movimiento y danza, especialmente para una historia tan icónica como la de Dickens?

Primero me conecto con el director para entender la visión que quieren para este espectáculo. A CHRISTMAS CAROL es una historia antigua, pero nuestra producción le da nueva vida a esta historia más antigua con un toque de hip hop contemporáneo, sin dejar de respetar el período de tiempo. Cuando coreografío me gusta sentarme y escuchar la música para darle emoción. ¿Cómo me hizo sentir esto? Una vez que he decidido qué emoción quiero que surja del baile, comienza a crearse por sí solo. 

4) En la coreografía de UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿tienes algún número o secuencia de baile favorito? ¿Qué los hace especiales para ti, ya sea en términos de expresión artística o resonancia temática?

Esta es una pregunta difícil porque amo todos los bailes. Debo decir que el número de apertura “God Rest Ye Merry Gentlemen” sería uno de mis favoritos. La energía que posee esta canción es inigualable. Yo lo llamo la estampida de alegría cuando el elenco llega corriendo a la cima del número. Prepara bien la historia con plena energía y la audiencia se involucrará de inmediato. A veces hay que sentarse y darse una palmadita en la espalda. Ver este número cobrar vida fue una palmadita en la espalda para mí. Ver a todos disfrutando del baile y la visión que he creado me calienta el corazón.

5) Colaborar con el director y otros miembros del equipo de producción es crucial. ¿Puedes compartir una experiencia de colaboración memorable y cómo mejoró la producción general?

A la hora de coreografiar hay que colaborar con todos, no sólo con el director. Sam, el director, y yo trabajamos muy bien para expresar lo que queremos en un número. El final es un gran número en el que ambos nos ayudamos mutuamente para crear el sentimiento mágico que ambos queríamos. Todo el elenco está en el escenario por primera vez y ahora tenemos que crear este mundo de juguetería que no fue fácil de hacer. Están sucediendo muchas cosas y sin la colaboración de todo el equipo de producción, el final no sería tan hermoso como es.

6) ¿Hay estilos de baile específicos o tradiciones navideñas que le parezcan particularmente inspiradores o que haya incorporado a la coreografía para capturar la atmósfera navideña?

He crecido haciendo danza hip hop, danza moderna, contemporánea y teatro musical. Creo que incorporé los cuatro estilos de baile para brindarte algo nuevo cada vez que ocurre un número de baile. Gran parte es mucha energía para combinar con el espíritu navideño. También obtienes esos momentos de amor y risas.

7) Reflexionando sobre tu carrera, ¿hay alguna actuación o producción que tenga un lugar especial en tu corazón? ¿Qué los hizo destacar entre el resto?

¡Tengo dos! Mi primer año como actor residente interpreté a Lola en Pisando fuerte y fue mágico interpretar ese papel soñado. Ese fue un papel en el que trabajé más duro que nunca. Como persona soñadora, ese fue uno de los momentos en los que pude decir que mi sueño se hizo realidad. Estoy viviendo el sueño que me propuse hace años. Tuve la suerte de volver a interpretar este papel más tarde en el Main Street Theatre de Pensilvania. Fue igual de mágico. Ese papel siempre significará mucho para mí. mi segundo seria La obra que va mal. Ese fue el programa más divertido en el que he estado. Interpreté al mayordomo Perkins que no tenía idea de lo que estaba haciendo en el programa. Me permitió ser libre y expresar realmente qué tipo de actor soy. Era un ritmo rápido y siempre me mantenía alerta. El amor que Perkins recibió del público significó mucho para mí. Todo lo que siempre quiero hacer en el escenario es impactar a la audiencia de alguna manera. Con mucho estiramiento podría hacer ese espectáculo durante mucho tiempo. 

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 6 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

K'nique Eichelberger es originario de Columbia, Carolina del Sur, pero se mudó a Brevard, Carolina del Norte, donde obtuvo una licenciatura en Música y Teatro. Está muy emocionado de volver a actuar con Charleston Stage. Él coreografió Un villancico mientras era actor residente y está muy feliz de volver a coreografiar. Sus créditos recientes incluyen: Una vez en esta isla (Daniel), La obra que va mal (Perkin), Pisando fuerte (Lola), Los últimos cinco años (Jamie), Tienda de los horrores (Audrey II), En el bosque (Jacobo), Un tranvía llamado deseo (Stanley) y más. Está muy agradecido por sus amigos y familiares que lo han apoyado a lo largo de los años. ¡K'nique está tan emocionada de cambiar vidas a través de la creación de arte en Charleston Stage! Estén atentos en Instagram @nique_tg3