Entrevista al dramaturgo Julian Wiles

(La siguiente entrevista fue entre el dramaturgo Julian Wiles y Katie Ekozar, estudiante de último año en el College of Charleston que se especializa en Comunicaciones y en Historia) 

KE: ¿Qué te inspiró a crear esta adaptación? 

JW: Hicimos una versión de Frankenstein hace 10 años con la que no estaba contento y comencé a buscar otras adaptaciones.  Ninguna que Encontré realmente bien reflejada la novela,ellos especialmente parecía extrañar la criatura de Shelley.  ¿Entonces el pasado mes de mayo comencé mi propia versión.

KE: ¿Podrías explicar un poco sobre tu proceso creativo y qué decisiones tomaste al crear este proyecto en particular?

JW: Leí 5 etapas adaptaciones, the original novela, varios libros sobre la historia de Frankenstein, sus adaptaciones, mirado las películas clásicas de James Whale y Young Frankenstein de Mel Brooky luego me puse a trabajar.  Tenía una gran versión anotada del libro que realmente me ayudó.  In En este caso, primero escribí un escenario o tratamiento (no siempre hago eso, pero como esto se basó en un texto original, lo encontré útil).  Me puse una meta, 5-7 páginas al día.

Cuando hice un borrador juntos, Reuní al elenco (sabía que estaba escribiendo específicamente para nuestra compañía de actuación residente, lo cual ayudó) y leer it en voz alta.  Hubo discusiones, tomé MUCHAS notas y comencé a reescribir.

Unas pocas semanas después, Tenía otro borrador y lo leímosoo.  Fue en estas lecturas que surgió la idea de contar con múltiples narradores y Además, el uso de más juego de sombras.

Aproximadamente en este momento el set también fue diseñado, lo que llevó a algunos cambios estructurales para que las escenas fluyeran fácilmente de una a otra.  Una vez que decidimos tener una cortina para el laboratorio, I expandió aún más el trabajo de sombras.

KE: Al comienzo del proyecto, ¿cuál fue su principal propósito o “columna vertebral” del proyecto?

JW: Algunas escenas que sabía que quería desde el principio.  Sabía que quería explicar qué llevó a Víctor a crear su monstruo. . . del libro viene cómo fue sacudido by la muerte de su madre, el poder del rayo.  Estos llevaron a las primeras escenas de la obra.  I También siempre me ha gustado la ciencia y la historia de la ciencia y usé ese interés para construir los experimentos de Victor (que se basan en experimentos reales).

Sin embargo, la columna es la Criatura.  Cuando lees la novela después de ver otras adaptaciones, ves que la criatura de Mary Shelley es mucho más compleja, inteligente e interesante y, más que nada, eso es lo que quería llevar al escenario, especialmente cómo crece y se desarrolla el curso de la historia.

KE: ¿Qué te hizo seleccionar el elenco que hiciste?  ¿Qué influencias aportaron al proyecto?

JW: El elenco was animado a hacer sugeririones, hablar sobre sus personajes, hacer sugerencias para cambios de línea.  Hicimos un GRAN número de cambios de línea, a menudo una palabra o dos, diferentes frases, etc. durante las primeras semanas de ensayo.  Las obras están escritas para "el escuchar" y es esencial hacer ajustes cuando lo escuche en voz alta.

KE: ¿Qué te inspiró a usar el set que hiciste?  ¿Qué te hizo elegir el formato de etapa de empuje?

JW: Sabíamos que estaríamos en este nuevo espacio y la configuración de empuje (que siempre quise usar, so el set se basó en el espacio realmente).  La PLAY fue estructurado para adaptarse a él.   Sabíamos que el laboratorio sería central y necesitábamos una forma de desaparecer también.  El final original estaba en el laboratorio, pero tenía muchas ganas de ir al Ártico como lo había hecho Mary Shelley.

KE: ¿Hubo algún obstáculo importante que enfrentó en el proyecto?  Si es así, ¿cuáles fueron y cómo los superó?

JW: El mayor obstáculo fue no dejar que los efectos especiales, el sonido elaborado y el diseño de iluminación se hicieran cargo de la obra.  Son importantes y aportan mucho, pero tomaron una gran cantidad de tiempo.  Trabajamos muy duro para tener la obra lista antes de agregar los efectos y eso pareció dar sus frutos.  En la escritura, el desafío era utilizar la mayor parte de la historia original, pero también hacer referencia a las películas famosas (principalmente a través de la Creación de la criatura a través de dispositivos eléctricos; Shelley no nos dice cómo lo hizo Víctor) y condensar las divagaciones. gráfico.

KE: ¿Cuál era el mensaje principal que deseaba que recibiera la audiencia?
del proyecto?

JW: Realmente no comencé con un mensaje, sino que terminé con uno.  It evolucionó en la escritura misma.  Para mí, el mensaje es que los monstruos se crean de la forma en que los tratamos.  Este puede no ser siempre el caso, pero a menudo lo es.  La criatura para mí es una reflexión de la humanidad con su capacidad y ganas de aprender tanto las cosas buenas como las malas.

KE: ¿Está satisfecho con el resultado final de su proyecto?  ¿Por qué o por qué no?  ¿Y cree que el resultado final refleja con precisión su propósito inicial?

JW: Yo'metro muy satisfecho con el resultado.   Quería iluminar la historia de una manera nueva, que la gente mire a esta Criatura y se vea a sí misma, todos nosotros reflejados en sus defectos.  El público parece irse discutiendo sobre la Criatura y cómo una experiencia diferente era de lo que esperaban y para me esa es la mejor revisión.  As Dije antes, lo que la obra significa y en lo que se ha convertido sucedió en el proceso y no necesariamente provino de nociones o temas preconcebidos.  Escribir para mí es descubrir, explorar y siguiendo sin que importe que conduce la exploración.

Preparándose para el papel de Victor Frankenstein por el actor residente Andy McCain

Soy increíblemente afortunado de estar jugando el rol de Víctor Frankenstein.  En este punto de las primeras etapas de mi carrera profesional como actor, este papel ha sido sueño.  En preparación, leí varias publicaciones para el desarrollo del personaje.  Miré Frankenstein: Una cultura Historia por Susan Tyler Hancock.  De este libro, Aprendí todo de la mitos que rodean las experimentaciones dentro del libro, a la dificultades en la publicación de la novela a los símbolos políticos sobre el Monstruo

            Mirando De Robert Barton, Estilo para actores, Yo estaba guiado a través de una El movimiento de época y las creencias culturales de las décadas de 1820 a 1830., también conocido como Romanticismo.  El tema principal que tomé de Sr. Barton era, "Un verdadero héroe es a menudo forzado estar fuera de la sociedad para vivir la vida con tanta pasión y plenitud como debería ser vivida ". Esto resume bastante bien a Victor Frankenstein para mí..  Frankenstein intentó mostrar al mundo su gran idea de crear una nueva vida a partir de; sin embargo, al final, su experimento va horriblemente mal.

Yo también se encontró con los diarios secretos ficticios de Victor Frankenstein. Estas revistas contenida verdaderos hechos históricos de lo que habría inspirado la búsqueda de Victor Frankenstein por despertar la vida misma.  Yo leo sobre antiguo medicina, tel método científico, tla teoría de la vida, tlos comienzos de la electricidad, la ciencia y Dios, y el equipo científico y el material utilizado durante el período de tiempo.  ¡Estaba sobrecargado con tanta información que me volvía loco! … Si eso no es melodramático para ti, no sé qué más hacer.

Finalmente, vi James Ballena 1931 película de Frankenstein.  Debo decir que me reí mucho a lo largo de la película, principalmente porque este fue considerado el ícono más aterrador en los medios de comunicación de 1931, y cuando vi a la Criatura intentar hablar, me encontré llorando de diversión. Ver esta película me hizo apreciar realmente el guión del Sr. Julian Wile de inmediato porque la criatura evoluciona completamente tan bien como Frankenstein.

Crear este personaje todos los días en los ensayos fue un desafío, sin duda, pero estoy muy agradecido por esta maravillosa oportunidad. 

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(Actor residente Andy McCain como Victor Frankenstein) 

BeWEAVE it or Not, por el actor residente Brian Zane

Como actor, me encuentro constantemente en situaciones en las que nunca estaría si tuviera otra profesión. Estas actividades incluyen: maquillarse, tomar clases de baile y, más recientemente, ir a un salón para obtener extensiones de cabello. Así es, justo cuando me estaba acostumbrando a hacer cosas extrañas, me lanzaron una bola curva y me dijeron que necesitaba extensiones de cabello para mi papel de Henry en nuestra producción actual de Frankenstein: el Prometeo moderno. Las extensiones se pusieron para enfatizar un momento dramático en una escena clave. La experiencia fue muy nueva y extraña para mí y cuando entré al salón me sentí como un concursante de un episodio del programa "Queer Eye for the Straight Guy". Me lavaron la cabeza y luego se fusionaron largas extensiones de cabello de aspecto extraño en la parte delantera de mi cabello. ¡Los estilistas colorearon las extensiones para que se mezclaran con mi cabello real y luego incluso me pusieron en una de esas sillas divertidas que te seca la cabeza! Mi nuevo peinado se ve muy bien en el programa, pero caminar en la vida real puede ser extraño, así que… ¡ahora uso muchos sombreros! Ah, las alegrías de ser actor.

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(El actor residente Brian Zane como Henry. ¿Puedes ver las extensiones?) 

De la tienda de disfraces, por la diseñadora de vestuario residente Barbara Young

Uno nunca pensaría que un elenco pequeño de 8 miembros requeriría tantos disfraces.  La cantidad de disfraces no fue tan abrumadora como el hecho de vestirse para Memminger por primera vez, de cerca y en forma personal.  Vaya, ahora el énfasis está en los detalles y más detalles. La investigación proporcionó las ideas, la muestra proporcionó la tela y Erin Cary (Asistente de vestuario) y yo, junto con la voluntaria Barbara McGarth y los aprendices de TheatreWings proporcionamos la mano de obra.  ¡Y vaya, trabajamos!  Fueron demasiadas horas para contar las que se dedicaron a la creación de las 72 piezas de vestuario para el espectáculo.

Ricos o pobres, cada disfraz tenía que ayudar al actor a desarrollar su personaje.  Sedas ricas y gloriosas para Elizabeth (interpretada por la actriz residente Sarah Claire Smith), texturas ásperas y terrosas para Delacey (interpretado por el actor local Ross Magoulas) y cicatrices para la criatura (interpretado por el actor residente Michael Lasris).  Es interesante notar que todo lo que un actor usa en el escenario se considera un disfraz, por lo que incluso el maquillaje y el cabello de la Criatura son parte de su disfraz.

El escenario de la obra es Suiza, por lo que los lugareños tienen un aspecto bávaro, que tomamos de los trajes étnicos de la región.  Los Frankensteins acomodados tienen el aspecto de principios de los 19th Siglo.  Los desafíos vinieron con cómo hacer pasar el tiempo en el escenario sin perder de vista a los actores.  Se produjeron cambios importantes en el personaje de Elizabeth, porque ella estaba fuera del escenario con mayor frecuencia y sus cambios hicieron que el paso del tiempo pareciera real.

Desde las maravillosas prendas de Elizabeth hasta las pieles del ártico, cortamos, pinchamos y estornudamos hasta el final.  Pero al final, valió la pena; nuestros trajes dan vida al guión y al personaje.  Con la generosa ayuda de Stuart Lawrence Salon y Michael Christensen, Frankenstein's Creature trae el toque perfecto a la temporada de Halloween.

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 (El actor residente Andy McCain como Victor Frankenstein y el actor residente Sarah Claire Smith como Elizabeth)

 

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(Actor residente Sarah Claire Smith como Elizabeth) 

Puesta en escena de escenas de lucha, por el actor residente Andy McCain (Victor Frankenstein)

En nuestro primer ensayo de Frankenstein, Me ofrecí como voluntario para ser coreógrafo de combate y capitán de combate. Afortunadamente, el Sr. Julian Wiles dijo ¡SÍ! Siempre me ha gustado el combate en el escenario, en todas las formas y formas, desde desarmado hasta espada de estoque y objetos domésticos básicos que se utilizan para atacar o defender a un personaje. En Frankenstein, la escena de lucha más compleja presenta a la criatura (Michael Lasris), yo mismo como Victor Frankenstein y Henry (Brian Zane).  Otras escenas de combate a tener en cuenta son entre Justine (Viveka Chandrasekaran) y Stefan (Sonny Kong). Stefan está constantemente persiguiendo a Justine de cualquier manera que pueda, dejando fuera de escena toda forma de ser un caballero.  Quería asegurarme de que Justine no dudaría en defenderse del crudo y desagradable Stefan. Cuando hago la coreografía de una escena de pelea, tiendo a hacer lo que hacen la mayoría de los directores de películas: crear un guión gráfico.  Me imagino visualmente cada parte de la pelea como un fotograma en una película y trato de hacer que cada momento sea tan emocionante como el siguiente.  Durante una llamada de pelea típica, que ocurre unos 30 minutos antes de que se abra la casa.  Los actores se reúnen en el escenario y repasamos las peleas que contienen empujones, estrangulamientos, cabezazos, etc.  Se ha observado y pulido cualquier otra forma de lucha en la producción, pero algunas no requieren una llamada de lucha porque las señales de combate han sido grabadas en piedra.  Por lo general, comenzamos cada pelea a 1/4 de velocidad, que básicamente es caminar a través de los movimientos.  Esto normalmente incluye articular con el cuerpo todas las poses durante la pelea particular del actor. Estas poses funcionan como señales visuales para el actor que interpreta al atacante o la víctima.

Lo que busco principalmente en una llamada de pelea como capitán de pelea: (1) El contacto visual siempre se establece con los actores y se sienten cómodos con lo que están haciendo en el escenario y entre ellos. (2) Asegurándome de que los actores estén haciendo la coreografía de pelea adecuada que bloqueé para ellos. (3) Las señales se activan cada vez al mismo tiempo. Finalmente, se hacen reacciones claras y proyectadas, las reacciones de la víctima lo venden todo en el combate escénico. Una vez que están configurados y me parecen seguros, pasamos a la mitad de velocidad / velocidad de demostración.  La mayoría de los coreógrafos de peleas sugieren que todos los actores involucrados en cualquier tipo de combate escénico tomen cualquier pelea a 1/2 de velocidad para la presentación en vivo.  La razón por la que pelean a la mitad de la velocidad / velocidad del espectáculo y no a toda velocidad es por la adrenalina que tienen los actores cuando están en el escenario.  Hay una audiencia, estamos emocionados y queremos lucir bien para ti. Cuando el lucha se toma a media velocidad los actores tienen el control y no se lesionan, por lo tanto, ¡no hay hospital!  Después de que cada pelea se toma a la "velocidad del espectáculo", les doy a los actores recordatorios amigables para asegurarme de que reaccionen más, se escuchan sonidos de lucha para que la pelea siga circulando no solo por la mente de la audiencia, sino también por la mente del actor, manteniendo la escena fresco, vivo y seguro.

En general, la experiencia ha sido un honor. Todos con los que trabajé estaban muy abiertos a la dirección de los compañeros, lo que hizo que las peleas en el escenario fueran mucho más fáciles de crear. ¡Me lo pasé genial! ¡Nos vemos en Memminger!

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 (De izquierda a derecha: el actor residente Brian Zane como Henry y el actor residente Andy McCain como Victor Frankenstein Experimento con la electricidad)

 

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(El actor residente Andy McCain como Victor Frankenstein y la actriz residente Sarah Claire Smith como Elizabeth Embrace mientras el peligro acecha en el fondo)

Maquillaje de Frankenstein, por el actor residente Michael Lasris (La criatura)

Si bien este espectáculo es desafiante en muchos niveles, un aspecto en particular ha demostrado ser mucho más difícil que el resto: el maquillaje. Como nunca antes había necesitado un maquillaje protésico extenso (aparte de mi clase de maquillaje escénico en la universidad), ¡todo este proceso ha sido una nueva experiencia para mí! Aquí hay un programa típico previo al espectáculo para mí al crear el maquillaje para mi papel de "La criatura":  5:45pm: Llegada al Auditorio Memminger.   6:00pm: Limpie la cara y aplique las piezas protésicas con Spirit Gum (un adhesivo similar al pegamento), una cubriendo mi frente hasta mi labio superior y mejilla, una sobre mi labio inferior y otra sobre mi cuello.   6:20pm: Empiece a mezclar los bordes de las piezas protésicas en mi piel con maquillaje a base de crema.   6:30pm: Fight call, donde se prueba la fuerza de mi maquillaje.   6:45pm: Vuelva a aplicar las piezas que se cayeron durante la llamada de pelea (porque ALGO siempre se cae).   7:00pm: Termine de mezclar el maquillaje de las prótesis en mi piel. Además, la casa está abierta.   7:15pm: Agregue moretones y marcas de carbonización en el cuello, el pecho y la cara con la crema de maquillaje.   7:30pm: Ponte el micrófono y el disfraz. Además, el espectáculo comienza ahora.   7:45pm: Agregue moretones en las manos, rocíe la cara con sellador de maquillaje y corra al escenario para la escena de la Creación. Esto no incluye la reaplicación del maquillaje que se cae o la adición de una rebanada de cuchillo durante el intermedio. Afortunadamente, cuento con la ayuda de nuestro cliente, Barbara Young, y el director de utilería, Mike Christensen, y ocasionalmente con Andy McCain (Victor Frankenstein) para que el proceso sea más sencillo. Sin embargo, incluso con cuatro personas, ¡el proceso de maquillaje dura aproximadamente dos horas! Aunque es largo y duro, el producto final hace que todo valga la pena. Me encanta lucir como la Criatura, independientemente del daño que me hagan los poros con tres semanas de maquillaje. J 

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(Derecha: el actor residente Michael Lasris como "La criatura") 

 

Stage Managing Frankenstein por la pasante de Stage Management Bessie Edwards

En el momento en que West Side Story Cerré hace unas semanas, me sentí aliviado, pensando que mi trabajo sería un poco más fácil con un elenco de solo 8 en comparación con 32, sin números musicales y sin ballets de ensueño. ¡Me equivoqué! Frankenstein ha resultado ser una de las producciones técnicamente más desafiantes en las que he trabajado.  Si bien el elenco es pequeño, hay nueve miembros de la tripulación, docenas de accesorios y piezas de mobiliario, 2 barcos, un laboratorio y más de 100 señales de iluminación y sonido ... ah y niebla, mucha niebla.  La preparación para este espectáculo ha sido épica debido a todos los accesorios, muebles y cambios que ocurren. Se tuvieron que hacer listas que incluyan todos los accesorios y dónde deben colocarse para la parte superior del espectáculo, y una hoja de turno de 7 páginas que incluye no solo accesorios y muebles, sino también máquinas de humo que deben moverse durante los turnos, configuración velas y hacer que nieve.  Con la ayuda de los aprendices de Wings, este proceso tecnológico ha sido más fluido de lo que podría haber anticipado para un programa que tiene tanto. Aunque ha sido un esfuerzo largo, ¡cada pequeño esfuerzo ha valido la pena! ¡No puedo esperar a que el público vea este espectáculo! 

Es una jungla aquí por Marybeth Clark

Tenemos clases de actuación semanales para más de 150 estudiantes cada semana. Nuestro tema para este semestre es "Canciones del JukeBox". Estamos usando letras de canciones como ideas para obras de teatro y agregamos música instrumental para ayudar a crear el estado de ánimo e inspirar nuestro movimiento. Aquí, mis alumnos de jardín de infancia y primer grado, junto con el actor residente Sonny Kong y la pasante de gestión escénica Bessie Edwards, se ponen a trabajar en algunos personajes salvajes para acompañar la canción "The Lion Sleeps Tonight". Para obtener más información sobre las próximas clases, visite http://www.charlestonstage.com/education/classes/index.php.

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Cargar en: El laboratorio del Dr. Frankenstein toma forma

Prepárate para el estreno mundial de nuestra nueva versión de Frankenstein, el Prometeo moderno comenzó esta semana en Memminger Auditorium. En esta foto, Mike Christensen y su equipo comienzan a trabajar en el laboratorio del Dr. Frankenstein. El centro es la mesa de creación donde el monstruo del Dr. Frankenstein cobrará vida. Aún está por llegar una rueda hidráulica en funcionamiento, que enciende las escaleras de Jacob, vasos de nitroglicerina burbujeante y todo tipo de dispositivos eléctricos que zumban y zumban.   

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Frankenstein! Un nuevo punto de vista para Charleston Stage por Julian Wiles, director / dramaturgo

Cuando la mayoría de nosotros en Charleston vamos al teatro, pensamos en ello como si estuviéramos entre el público mirando un escenario enmarcado: nos sentamos a un lado y los artistas actúan del otro. En el recientemente renovado Auditorio Memminger, el público verá las actuaciones desde una perspectiva completamente nueva. Por primera vez, el público de Charleston podrá ver un espectáculo desde un nuevo punto de vista, ya que en Memminger, el público se sentará en tres lados de la acción, colocándolos más cerca que nunca de la acción. Algunos miembros de la audiencia estarán a solo unos metros de los artistas. Los asientos en Memminger también son asientos de estadio, lo que significa que podrá ver fácilmente a los que están frente a usted. Junto con este nuevo entorno de rendimiento, también surgen nuevos desafíos. Los actores ahora están actuando no solo para los clientes en un lado de ellos, sino en todos los lados. Ha sido muy emocionante para mí como director y para nuestra gran compañía de actores cuando comenzamos a explorar esta nueva arena. Para su información, no tenga ninguna duda de que el público encontrará que las actuaciones en el escenario de empuje de Memminger son mucho más realistas. Es como si el público y los artistas estuvieran en la misma sala. Los actores ya no están "en el escenario". Ahora, están justo en el medio de la misma sala con la audiencia. Esta perspectiva y su nueva intimidad deberían hacer que las emociones y los escalofríos de Frankenstein, aún más escalofriante.