Detrás del telón: K'nique Eichelberger, coreógrafa de “UN CUENTO DE NAVIDAD”


Explore los intrincados detalles del enfoque artístico de K'nique Eichelberger como coreógrafo de UN CUENTO DE NAVIDAD en esta entrevista especial. ¡Prepárate para otra temporada de emoción mientras el excepcional trabajo de K'nique ocupa un lugar central y se convierte una vez más en un punto destacado en la adaptación de este año del clásico atemporal!


1) UN CUENTO DE NAVIDAD es un clásico navideño. ¿Cómo abordaste la infusión de la coreografía con el espíritu festivo de la temporada y al mismo tiempo transmitiste los temas más profundos de la historia?

La Navidad es una festividad en la que las familias se reúnen para expresar amor, bondad y alegría. En mis coreografías verás la alegría o emoción en cada movimiento. Sin embargo, esta no es la coreografía tradicional de UN CUENTO DE NAVIDAD. Si bien honramos el período de tiempo con la forma en que hablamos y caminamos, hay un elemento contemporáneo en los bailes con el que el público más joven y mayor puede identificarse. La danza para mí siempre ha sido una forma de comunicar cosas que no podía verbalizar y me ayudó a expresarme de una manera creativa y personal. Quería que los movimientos hablaran por sí solos sin palabras ni cantos. Hay algunos movimientos lentos que pueden transmitir sentimientos de tristeza o melancolía, mientras que los movimientos bruscos y explosivos pueden expresar fuerza y ​​alegría. A lo largo de todos los números de baile se puede ver cómo se demuestra. Uno de los temas centrales de UN CUENTO DE NAVIDAD es la transformación personal y la redención. Verás que hay muchos cambios de formación en el primer número para transmitir los muchos cambios por los que pasará Scrooge durante el espectáculo. El personaje de Ebenezer Scrooge sufre un cambio profundo, pasando de ser un hombre avaro, insensible y egoísta a una persona generosa, afectuosa y compasiva. Estos son algunos temas de baile que verás al comienzo del espectáculo y que resurgirán con el nuevo y mejorado Scrooge.


2) ¿Hay algún aspecto particular de UN CUENTO DE NAVIDAD que resuena contigo a nivel personal? ¿Cómo influye esta conexión en tu proceso creativo?

La gente puede cambiar pero no se puede cambiar a la gente. Hay que permitir que la gente crezca y vea las cosas por sí misma. El cambio llega cuando la persona comprende cómo se forma su actitud y cómo impacta en su vida. A menudo se trata de reflexionar y sanar mucho del pasado. Las personas pueden cambiar si se cumplen algunos requisitos, incluida la autoconciencia y la fuerza de voluntad. A lo largo de la historia, Scrooge tiene la oportunidad de ver cuándo ha cambiado su vida y explora por qué está tan enojado al pensar en la Navidad. Esto influyó en mi proceso creativo al darme gracia en los demás. En los ensayos siempre estuve ahí para ayudar y ponérselo fácil a los actores porque nunca se sabe por lo que está pasando la gente. Así que presentarse con energía y una sonrisa creará un espacio seguro en el que a todos nos encanta trabajar.

Foto de Reese Moore Fotografía


3) Cuéntanos tu proceso creativo al coreografiar una producción. ¿Cómo transformaste la narrativa en movimiento y danza, especialmente para una historia tan icónica como la de Dickens?

Primero me conecto con el director para entender la visión que quieren para este espectáculo. A CHRISTMAS CAROL es una historia antigua, pero nuestra producción le da nueva vida a esta historia más antigua con un toque de hip hop contemporáneo, sin dejar de respetar el período de tiempo. Cuando coreografío me gusta sentarme y escuchar la música para darle emoción. ¿Cómo me hizo sentir esto? Una vez que he decidido qué emoción quiero que surja del baile, comienza a crearse por sí solo. 


4) En la coreografía de UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿tienes algún número o secuencia de baile favorito? ¿Qué los hace especiales para ti, ya sea en términos de expresión artística o resonancia temática?

Esta es una pregunta difícil porque amo todos los bailes. Debo decir que el número de apertura “God Rest Ye Merry Gentlemen” sería uno de mis favoritos. La energía que posee esta canción es inigualable. Yo lo llamo la estampida de alegría cuando el elenco llega corriendo a la cima del número. Prepara bien la historia con plena energía y la audiencia se involucrará de inmediato. A veces hay que sentarse y darse una palmadita en la espalda. Ver este número cobrar vida fue una palmadita en la espalda para mí. Ver a todos disfrutando del baile y la visión que he creado me calienta el corazón.


5) Colaborar con el director y otros miembros del equipo de producción es crucial. ¿Puedes compartir una experiencia de colaboración memorable y cómo mejoró la producción general?

A la hora de coreografiar hay que colaborar con todos, no sólo con el director. Sam, el director, y yo trabajamos muy bien para expresar lo que queremos en un número. El final es un gran número en el que ambos nos ayudamos mutuamente para crear el sentimiento mágico que ambos queríamos. Todo el elenco está en el escenario por primera vez y ahora tenemos que crear este mundo de juguetería que no fue fácil de hacer. Están sucediendo muchas cosas y sin la colaboración de todo el equipo de producción, el final no sería tan hermoso como es.


6) ¿Hay estilos de baile específicos o tradiciones navideñas que le parezcan particularmente inspiradores o que haya incorporado a la coreografía para capturar la atmósfera navideña?

He crecido haciendo danza hip hop, danza moderna, contemporánea y teatro musical. Creo que incorporé los cuatro estilos de baile para brindarte algo nuevo cada vez que ocurre un número de baile. Gran parte es mucha energía para combinar con el espíritu navideño. También obtienes esos momentos de amor y risas.

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7) Reflexionando sobre tu carrera, ¿hay alguna actuación o producción que tenga un lugar especial en tu corazón? ¿Qué los hizo destacar entre el resto?

¡Tengo dos! Mi primer año como actor residente interpreté a Lola en Pisando fuerte y fue mágico interpretar ese papel soñado. Ese fue un papel en el que trabajé más duro que nunca. Como persona soñadora, ese fue uno de los momentos en los que pude decir que mi sueño se hizo realidad. Estoy viviendo el sueño que me propuse hace años. Tuve la suerte de volver a interpretar este papel más tarde en el Main Street Theatre de Pensilvania. Fue igual de mágico. Ese papel siempre significará mucho para mí. mi segundo seria La obra que va mal. Ese fue el programa más divertido en el que he estado. Interpreté al mayordomo Perkins que no tenía idea de lo que estaba haciendo en el programa. Me permitió ser libre y expresar realmente qué tipo de actor soy. Era un ritmo rápido y siempre me mantenía alerta. El amor que Perkins recibió del público significó mucho para mí. Todo lo que siempre quiero hacer en el escenario es impactar a la audiencia de alguna manera. Con mucho estiramiento podría hacer ese espectáculo durante mucho tiempo. 


Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 6 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.


K'nique Eichelberger es originario de Columbia, Carolina del Sur, pero se mudó a Brevard, Carolina del Norte, donde obtuvo una licenciatura en Música y Teatro. Está muy emocionado de volver a actuar con Charleston Stage. Él coreografió Un villancico mientras era actor residente y está muy feliz de volver a coreografiar. Sus créditos recientes incluyen: Una vez en esta isla (Daniel), La obra que va mal (Perkin), Pisando fuerte (Lola), Los últimos cinco años (Jamie), Tienda de los horrores (Audrey II), En el bosque (Jacobo), Un tranvía llamado deseo (Stanley) y más. Está muy agradecido por sus amigos y familiares que lo han apoyado a lo largo de los años. ¡K'nique está tan emocionada de cambiar vidas a través de la creación de arte en Charleston Stage! Estén atentos en Instagram @nique_tg3

Detrás de la cortina: Janine McCabe, diseñadora de vestuario original de “A CHRISTMAS CAROL”


En nuestra entrevista exclusiva, Janine McCabe, nuestra diseñadora de vestuario original de UN CUENTO DE NAVIDAD, profundiza en los fascinantes detalles de su enfoque artístico la temporada pasada para crear el vestuario de este clásico atemporal. ¡Estamos muy emocionados de que el trabajo de Janine vuelva a ser lo más destacado en el escenario en la adaptación de esta temporada!


1) Para empezar, ¿podrías presentarte y compartir un poco sobre tu experiencia como diseñadora de vestuario, especialmente en el contexto de producciones teatrales?

Hola. Mi nombre es Janine McCabe y he trabajado como diseñadora de vestuario durante más de 25 años. Después de considerar carreras de ingeniería y matemáticas, finalmente encontré mi camino hacia el teatro a través de un trabajo de estudio y costura en la tienda de vestuario del College of Charleston. Después de completar mi licenciatura en teatro con especialización en diseño de vestuario, fui a la Universidad de Virginia para obtener una maestría en diseño de vestuario y luego me mudé a Nueva York, donde trabajé para diseñadores como Martin Pakledinaz, quien fue un diseñador y mentor increíble. En Nueva York pude trabajar en Broadway, Off-Broadway, Ópera, Danza y viajar por todo el país para ayudar a revisar el vestuario al poner a nuevos actores en papeles en giras nacionales como Millie completamente moderna. Nueva York fue una increíble experiencia de trabajo y aprendizaje y definitivamente ha influido en todos los aspectos de mi carrera como diseñadora y profesora de diseño de vestuario..



2) ¿Qué te atrajo a trabajar en el vestuario de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y personajes de esta historia clásica?

Lo primero que me atrajo del trabajo para A CHRISTMAS CAROL fue la emoción que presentó Julian Wiles cuando me pidió que trabajara en él con él y el equipo. Su idea de aportar color y energía y presentar la historia de una manera que la gente no había visto antes me resultó atractiva. Julian y yo habíamos trabajado juntos antes y él sabía que me encanta trabajar con colores llamativos y salirse de las líneas de lo que se espera. Al tener un hijo pequeño y otra familia que está creciendo, me siento más atraído que nunca por los temas de la generosidad, la compasión y el tiempo con familiares y amigos por encima del trabajo y el dinero. Las luchas que enfrentan los personajes de esta historia clásica existen hoy en día, por lo que hay mucho que aprender y recordar a cualquier edad de esta historia.



3) Cada personaje de UN CUENTO DE NAVIDAD tiene una personalidad distinta. ¿Cómo hiciste para visualizar y crear disfraces que no solo capturaran la esencia de los personajes sino que también contribuyeran a la narración visual general?

Mis asistentes, Molly Belle y Brandon Alston, y yo pasamos mucho tiempo investigando la historia y las representaciones de los personajes a lo largo del tiempo. Analizamos diferentes interpretaciones y presentaciones de la historia y hablamos sobre los deseos, necesidades, creencias y puntos de vista individuales del personaje sobre el mundo en el que se encontraban. Reunimos imágenes para reflejar esas ideas y sus personalidades individuales, primero que eran principalmente de naturaleza abstracta y luego Avanzó hacia la investigación de la ropa real. Sabiendo que conceptualmente queríamos un espectáculo lleno de color, nos inspiramos mucho en los libros e ilustraciones para niños para las líneas y colores atrevidos que finalmente conseguimos. A lo largo del proceso de diseño, verificamos continuamente el desarrollo de las ideas de escenografía, iluminación y sonido para asegurarnos de que todos íbamos en una dirección unificada para crear las imágenes que respaldaban el concepto de dirección para darle vida de la mejor manera posible. mientras apoya la historia y los personajes.


4) Dada la ambientación de época de UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿cómo equilibraste la precisión histórica con la interpretación creativa al diseñar el vestuario? ¿Hubo influencias contemporáneas que inspiraron sus diseños?

Como diseñador, una de las cosas que encuentro desafiante pero extremadamente divertida desde el punto de vista conceptual es analizar la investigación histórica e infundirle influencias contemporáneas para presentar algo que parece de época pero que se ve de una manera nueva. Hubo muchas influencias contemporáneas en colores y patrones y en la forma en que la gente combina cosas en la moda hoy en día que quizás no creas que deberían ir juntas... incluso mi hijo de 8 años fue una influencia en la forma en que combina colores y mezcla y combina conjuntos de ropa para expresarse. A través de la investigación histórica, encontramos muchos ejemplos de ropa brillante, patrones atrevidos y detalles que no esperábamos. Reunimos y creamos paneles de imágenes con todas estas influencias que luego publicamos a nuestro alrededor para que, a medida que dibujamos los diseños de personajes individuales, continuaran inspirando ideas..

Representaciones de vestuario y tablero de imágenes de Janine McCabe.

5) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puedes compartirnos tu opinión sobre cómo colaboraste con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que el vestuario se alineara con la visión general de la producción?

La colaboración es una de las principales razones por las que me encanta diseñar. Tuve la suerte de tener a Molly y Brandon trabajando en el estudio de diseño conmigo preparándome para este diseño durante varios meses el verano pasado antes de que comenzara el trabajo en las tiendas. Durante ese tiempo, el director y el equipo creativo se reunían a través de Zoom y, a veces, en persona para compartir y presentar nuevas ideas y estas reuniones fueron muy importantes para el proceso. De lo que se trata es de escuchar a otra persona hablar sobre el concepto o una idea de iluminación que luego inspira algo más en el vestuario o el decorado. ¡Es la parte divertida! Julian trabajó muy de cerca con nosotros para comprender la trayectoria de cada actor y exactamente qué se necesitaba momento a momento para lograr la visión general. También nos mantuvimos actualizados mutuamente a través de carpetas en línea para que en los momentos entre reuniones pudiéramos colaborar y estar al tanto de los nuevos desarrollos. Valoro mucho los tiempos de reunirse y compartir ideas… así logramos que todo encaje cuando llegamos a los ensayos técnicos donde finalmente todo está en el mismo lugar en el escenario juntos, meses y meses de trabajo en diferentes áreas y luego se junta... es mucho trabajo duro pero también es mágico.

6) ¿Tiene algún disfraz favorito o elemento de diseño específico en UN CUENTO DE NAVIDAD del que esté particularmente orgulloso o que tenga un significado especial? ¿Qué los hace destacar?

Oh, eso es difícil... es difícil elegir un favorito. ¡Me divertí mucho con los fantasmas! Creo que el Fantasma del Futuro se destaca ya que no es la figura negra más típica, sino capas y capas de telas hechas jirones blancas, grises, plateadas y azul hielo que reflejan el frío y la tristeza del futuro potencial de Scrooge. También amo especialmente a las personas sin hogar... Supongo que puede parecer gracioso ya que no ves muchos de sus disfraces, pero si lo hicieras descubrirías que están hechos de montones de suéteres coloridos reutilizados y usados, cortados, desgastados y superpuestos en varias capas. maneras creando mucha textura e interés. Molly y yo nos lo pasamos muy bien creándolos. Las rayas de los sirvientes de Scrooge también... ah, y toda la familia Cratchit... fueron tan únicas y emocionantes de crear con sus capas, patrones y colores. Hmmm... No lo sé, fue un proceso gratificante e inmensamente creativo tener la oportunidad de trabajar estrechamente con mis asistentes y crear una versión tan colorida y recién imaginada de esta historia con Julian y el equipo creativo.

Pieza de disfraz para personas sin hogar de Janine McCabe.

7) De cara al futuro, ¿hay algún proyecto o estilo de diseño de vestuario próximo que le interese explorar en su trabajo futuro?

Bueno, actualmente estoy en el proceso de diseño. Die Fledermaus como parte de la temporada CofC Stages en colaboración con el Programa de Ópera del College of Charleston y creo que el concepto de esa producción permite al equipo jugar mucho con estilo y color, especialmente para la fiesta del Acto II, así que estoy deseando hacia donde eso lleva. Lo bueno de diseñar vestuario es que cada producción ofrece un nuevo desafío en la narración, investigaciones distintas, diferentes colaboradores y mucho que explorar, por lo que la emoción continúa.


Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 1 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Janine McCabe es presidenta y profesora de diseño de vestuario del Departamento de Teatro y Danza del College of Charleston, donde regularmente diseña y asesora a estudiantes de diseño de vestuario para la temporada CofC Stages del departamento, de la que también se desempeña como directora artística. Los diseños recientes para CofC Stages incluyen VIOLET y THE MAGIC FLUTE. El trabajo de Janine en Charleston Stage incluye diseños para EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO EN LA NOCHE, PETER Y EL ATRAPAESTRELLAS, NAVIDAD BLANCA, LOS CALZONES y SHERLOCK HOLMES-LA AVENTURA FINAL. También se desempeña como diseñadora residente para PURE Theatre, donde los diseños incluyen MLIMA'S TALE, HONORIA SILENCIOSA SACAN FUERZA DE SU VERDAD, BEN BUTLER, EL BRILLO ABSOLUTO DE LEONARD PELKEY, LOS NIÑOS, LA DURACIÓN DE LA VIDA DE UN HECHO, ÚLTIMOS RITOS, SONIDOS DE BOCA PEQUEÑA, ESTE MUNDO ALEATORIO, CASA DIVERTIDA, EL ROYALE, EL (CURIOSO CASO DE) LA INTELIGENCIA WATSON, UN EVENTO ESPONTÁNEO REPENTINO, MARÍA ANTOINETA, y más. Sus créditos en diseño de vestuario regional incluyen producciones en Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC y Trustus Theatre SC. Los créditos del asistente de diseño de vestuario de Broadway incluyen: THE WEDDING SINGER, WONDERFUL TOWN, TOTALMENTE MODERNO MILLIE, THE LOOK OF LOVE, UN AÑO CON RANA Y SAPO, KISS ME KATE. Otros diseños locales incluyen SALT IN THE SOIL y HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN y DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), el estreno mundial de LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT en el Charleston Music Hall y, más recientemente, el estreno mundial. de DANIEL Y LOS REYES en el North Charleston Performing Arts Center.

Detrás de la cortina: Sam Henderson, director y director musical de “A CHRISTMAS CAROL”

Recientemente tuvimos el placer de entrevistar a Sam Henderson, nuestro Director Musical y Director de UN VILLANCICO. ¡Lea más a continuación para descubrir información sobre su proceso creativo mientras dirige este clásico navideño!


1) ¿Qué te atrajo de UN CHRISTMAS CAROL como proyecto y cómo te conectas con los temas de la historia a nivel personal o creativo?

UN CUENTO DE NAVIDAD ha sido uno de mis cuentos favoritos desde que mi maestra de segundo grado, la Sra. Eisenhower, nos lo leyó en voz alta antes de las vacaciones. Quedé cautivado por la magia y las imágenes de la pieza desde el principio.

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2) La música juega un papel crucial a la hora de establecer el tono de una producción. ¿Puedes compartir las inspiraciones musicales que guiaron tu composición para A CHRISTMAS CAROL y cómo abordaste su integración en la narrativa?

Darle un toque moderno a la música fue sin duda un desafío. Para mí era importante que mantuviéramos la instrumentación adecuada para el período; usando solo instrumentos que habrían existido/sido populares durante la época de Dickens (¡en su mayoría de todos modos!). Luego tuve que descubrir cómo usar esos instrumentos de una manera que sonara más moderna y divertida. Artistas como Mumford and Sons y Lindsey Stirling y musicales como “Once” entraron en juego en la búsqueda de inspiración para esta nueva versión de estas canciones. También quería algo de contraste con la realidad de la época. Entonces, por ejemplo, cuando estamos en la casa de Fred y los invitados empiezan a cantar para el entretenimiento de la noche, la ambientación que hice para “I Saw Three Ships” es en gran medida de esa época y no intenta ser algo que es no.



3) Colaborar con diferentes mentes creativas es fundamental. ¿Cómo trabajaste con el coreógrafo y otros miembros del equipo de producción para garantizar una experiencia cohesiva e inmersiva para la audiencia?

Crear esta nueva versión de UN CUENTO DE NAVIDAD junto al dramaturgo Julian Wiles y el coreógrafo K'nique Eichelberger fue muy divertido. Pudimos estar todos juntos en la sala probando cosas y descubriendo qué funcionó y qué no. Luego podríamos hacer ajustes a la música, la coreografía o el guión según fuera necesario para que todos estos elementos funcionen juntos para contar la historia de la mejor manera.

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4) Al dirigir UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿tiene alguna escena o momento favorito que le llame la atención?

Hay dos escenas que me gustan bastante. La primera es en “el pasado” cuando vemos el momento en que terminó la relación de Scrooge con Bella. Es una mirada detenida a una de las razones por las que se ha convertido en lo que es en el presente y tiene una escritura realmente encantadora. El otro está en “el presente” cuando Scrooge visita a los Cratchit en Nochebuena. ¡Nuestros Cratchits de este año tienen tal calidez y alegría que te encuentras realmente envuelto en esta escena y con ganas de ser parte de la familia!


5) ¿Qué esperas que el público se lleve la producción de A CHRISTMAS CAROL?

Espero que el público pueda ver que las personas son capaces de ir más allá de los traumas y tragedias de su pasado, y que nunca es demasiado tarde para reorganizar su forma de pensar y corregir los errores del pasado. Y a veces, es la alegría que nos rodea en esta época del año la que puede provocar ese pequeño cambio.

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Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 1 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Sam Henderson es el director musical residente y director de educación musical de Charleston Stage. Tiene una Licenciatura en Educación Musical en Música Instrumental/Interpretación de Trompeta de la Universidad de Baylor en Waco, TX, así como una Maestría en Teatro Musical/Dirección Musical de Ópera de la Universidad Estatal de Arizona. Sam tiene más de 20 años de experiencia enseñando música profesionalmente y ha trabajado como director musical de teatro desde 2005. Profesionalmente, Sam ha trabajado para The Phoenix Theatre Company, Childsplay, The Broadway Palm West Dinner Theatre, Arizona Broadway Theatre, Lyric Opera. Theatre y Copperstar Repertory Company antes de llegar al Charleston Stage.

Detrás del telón: Aline Toloto, diseñadora de propiedades de “CLUE: ON STAGE”

Tuvimos el placer de ponernos al día con Aline Toloto, la mente brillante detrás de nuestro diseño de utilería para CLUE: ON STAGE. Una vez más, ha aportado sus habilidades excepcionales al Dock Street Theatre y lo invitamos a echar un vistazo detrás de escena a su proceso creativo en la elaboración de los accesorios para esta escandalosa producción.


1) CLUE: ON STAGE presenta una variedad de accesorios icónicos, como armas, pasajes secretos y objetos con los que interactúan los personajes. ¿Cómo planeaste diseñar y conseguir estos accesorios para garantizar que sean funcionales y visualmente atractivos?

Diseñar un accesorio, como cualquier otro objeto, es siempre una combinación de belleza y función. Si bien el mundo de la utilería teatral no es tan vasto como la industria cinematográfica, ha ido creciendo en las últimas décadas. Hay excelentes libros de expertos como Eric Hart (uno de mis favoritos) que brindan orientación sobre la creación de diversos proyectos. Siempre que es posible, utilizo este tipo de referencias. El verdadero desafío surge cuando tienes que crear accesorios únicos para los cuales no hay muchas referencias para investigar. En estos casos, hay mucho ensayo y error involucrado, y el período de ensayo se vuelve vital para probar los aspectos funcionales de los accesorios. En última instancia, la experiencia juega un papel importante en la fabricación de accesorios. Cuanto más creas, mejor te vuelves con cada proyecto.

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2) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física e intercambios rápidos de accesorios. ¿Cómo creaste accesorios que pudieran resistir las exigencias de la actuación manteniendo su autenticidad y humor?

Me encanta crear accesorios para comedias, ya que permiten una mayor creatividad. Puedes ser más atrevido con los colores, jugar con las escalas y abrazar lo extraño. Por ejemplo, tener una llave inglesa de gran tamaño puede parecer fuera de lugar en un drama histórico, pero en CLUE: ON STAGE solo añade humor. Además, en las comedias, si un accesorio se rompe, es mucho más fácil interpretarlo como parte del acto. Es importante recordar que un accesorio es sólo un objeto; su autenticidad y vitalidad dependen en gran medida de cómo la utilicen los actores y el director. Mi función es garantizar que tengan un objeto bien diseñado con el que trabajar.


¡Mira el tráiler del programa CLUE: ON STAGE a continuación!



3) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el director, el escenógrafo, el diseñador de vestuario y el diseñador de iluminación para garantizar que los accesorios se integraran perfectamente en la visión general de la producción?

Este espectáculo es como un gran lienzo, pintado por muchos artistas, y los accesorios son un elemento que puede agregar profundidad, contraste o servir como punto focal si ese es el objetivo. Como supervisor de propiedades, participo en todas las reuniones de diseño para comprender el concepto de diseño y garantizar que los accesorios sean una parte integral del mundo de la producción. Existe una gran comunicación entre las diferentes tiendas, incluido el intercambio de muestras de colores y telas y la realización de pruebas de iluminación para garantizar que todos estén alineados. Al principio del proceso, el equipo creativo decidió inspirarse en el juego de mesa CLUE para el diseño. Basándome en esa elección, propuse hacer que todas las armas fueran doradas, una decisión de diseño teatral que no sólo hacía que las armas resaltaran sino que también creaba un sorprendente contraste con el vestuario y el decorado.

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4) ¿Qué investigación y preparación suele realizar al diseñar y conseguir accesorios para una producción como CLUE: ON STAGE? ¿Cómo se aseguró de que los accesorios fueran históricamente precisos y apropiados para el período y los personajes?

Es una parte esencial de mi proceso investigar el período histórico antes de comenzar a trabajar en la utilería. Dado que la obra está ambientada en la década de 1950, encontrar imágenes históricas precisas de objetos es relativamente fácil, a diferencia de una obra ambientada en el siglo XIX. Sin embargo, una precisión estricta no siempre es un requisito. A veces utilizo una fotografía histórica como inspiración para crear algo similar. El público tiende a conectar la silueta del objeto con algo “vintage”, del pasado, y la mayoría de las veces eso es suficiente. Como artista de teatro, es importante reconocer que los detalles en primer plano no son tan cruciales ya que el público normalmente está sentado a cierta distancia.  


5) Como diseñador de accesorios, ¿cómo se asegura de que los accesorios sean seguros para que los actores los utilicen durante las actuaciones, especialmente cuando implican comedia física o cambios rápidos?

Existen pautas de seguridad que son parte integral de nuestro protocolo, como garantizar que los cuchillos estén desafilados, que las armas sean réplicas que no disparen y evitar el uso de vidrio en el escenario siempre que sea posible. La elección de los materiales también es crucial para crear accesorios seguros. Por ejemplo, optar por materiales blandos como espuma o goma para cuchillos y espadas puede mejorar significativamente la seguridad durante las actuaciones.

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6) Finalmente, ¿qué es lo que más le entusiasma de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea el diseño de sus propiedades?

¡Lo que más me emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea el diseño de mis propiedades es la oportunidad de transportarlos a un mundo de misterio, comedia y nostalgia! ¡Espero que podamos reírnos mucho! 


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 2 al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Originaria de Brasil, Aline tiene una Maestría en Bellas Artes en Teatro y Tecnología con énfasis en Diseño Escénico de la Universidad del Sur de Mississippi. Con amplia experiencia como directora de utilería, diseñadora escénica y decoradora de escenarios, los aspectos más destacados de la carrera de Aline incluyen su papel como supervisora ​​de propiedades para la temporada 45 de Charleston Stage, supervisando ocho espectáculos cautivadores que incluyen La familia Addams, Cuento de Navidad, y Una vez en esta isla. Está encantada de continuar en la empresa durante el próximo año.

Detrás del telón: Colin Waters, director de “CLUE: ON STAGE”

Recientemente tuvimos el placer de entrevistar a Colin Waters, quien se embarcó en su debut como director en MainStage con CLUE: ON STAGE. ¡Lea más a continuación para descubrir información sobre su proceso creativo mientras dirige este escandaloso juego de misterio y asesinato!


1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y farsa. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te resultaron más emocionantes o desafiantes como director?

PISTA: ON STAGE siempre ha ocupado un lugar muy especial en mi vida. Tanto el juego de mesa como la película fueron elementos básicos de mi infancia que me dejaron recuerdos bastante formativos. En el momento en que escuché que Charleston Stage produciría CLUE: ON STAGE esta temporada, estaba compitiendo por la oportunidad de dirigirla. Sabía que este espectáculo sería una bestia de abordar. Con un espectáculo que tiene tanta cultura a su alrededor, hay muchas referencias y expectativas que lo acompañan. Si bien es un desafío increíblemente emocionante, también fue un poco desalentador. Sabía que necesitaba abordar mi dirección muy meticulosamente. El texto de este programa sigue bastante de cerca la historia de la película con innumerables líneas icónicas salpicadas en el programa palabra por palabra de la película. Como director, tuve que oscilar entre rendir homenaje a la película de culto y al mismo tiempo adoptar mi propio enfoque en el programa. Para ayudar a convertir nuestra producción en algo nostálgico pero también original en sí mismo, quería que el público sintiera las influencias de la película y el juego de mesa. Quería recrear la sensación de estar sentado alrededor de la mesa jugando al “Clue” con tus seres queridos: la competencia, la estrategia, el misterio.

Alejándonos de los desafíos conceptuales que tenemos entre manos, el mayor desafío físico que tenemos entre manos es la rapidez con la que se mueve este espectáculo. No sólo el ritmo de este espectáculo es vital para su éxito, sino que el público recibe tanta información a lo largo de la noche que conducirá a resolver el misterio al final de la obra. Tuvimos que encontrar el equilibrio para mantener el ritmo sin sacrificar toda la información que se nos presentó. Si a eso le sumamos que esta obra se desarrolla en una mansión con más de 8 ubicaciones distintas, a veces en varias habitaciones al mismo tiempo, tendrás un montón de desafíos de dirección por delante. Dicho esto, dirijo con un estilo muy innovador impulsado por el conjunto. Utilicé ese estilo de dirección para mantener el espectáculo en movimiento, sin permitir nunca que la audiencia se alejara ni un segundo del mundo que estamos creando ante sus ojos.

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2) CLUE: ON STAGE presenta un conjunto diverso de personajes, cada uno con personalidades y peculiaridades distintas. ¿Cómo trabajaste con los actores para resaltar la individualidad de cada personaje y al mismo tiempo retratar los momentos icónicos que los entusiastas leales del cine y los juegos de mesa han llegado a amar?

Esta fue una de las primeras cosas que hablé con los actores. Comencé este proceso con una pregunta. ¿Cómo honramos nosotros, como artistas, a los personajes increíblemente reconocibles y únicos que se hicieron famosos gracias a la película, y al mismo tiempo llevamos nuestro propio arte al escenario? Dado que este programa trata sobre los juegos que jugamos, animé a los actores a explorar cómo su personaje juega "el juego". Para mantener su longevidad en la historia, ¿utilizan el coqueteo como táctica, minimizan su nivel de amenaza en torno a personajes más explosivos, exageran demasiado su personalidad para atraer a los demás? Una vez que cada actor descubrió su modo de juego, introduje el concepto de que este programa es muy meta. El programa sigue un juego, dentro de un juego, dentro de un juego, dentro de un juego. En esencia, tenemos 6 personalidades extremadamente diversas: Verde, Escarlata, Ciruela, Mostaza, Blanco y Pavo Real. Estos son los personajes que menos saben sobre el juego que están jugando. Su objetivo es descubrir quién los chantajea y, finalmente, quién comete los asesinatos en la casa. Como están en el centro de este universo, tienen las personalidades más amplificadas. La siguiente capa fuera de estos personajes es cualquiera de los personajes que tenían conocimiento previo del juego que se estaba jugando esa noche: Wadsworth, Yvette, Mr. Boddy, The Cook, etc. Estos personajes tuvieron algún tipo de participación en las festividades de esta noche, ya sea que planificaron la noche, ayudaron a ejecutar la visión o fueron simplemente uno de los informantes que dieron pistas al chantajista. Sus personajes son más moderados que los 6 principales, pero aún tienen sus propias características exageradas y una visión clara de su estilo de "juego". Finalmente, nuestro conjunto representa a nuestra audiencia, los que juegan el juego de “Clue”. Tienen las personalidades menos intensas porque son los más alejados de lo que está en juego. En cambio, están afuera mirando hacia adentro. Ven lo que los otros personajes no notan.


¡Mira el tráiler del programa CLUE: ON STAGE a continuación!



3) La obra normalmente se desarrolla en una mansión con múltiples habitaciones y secretos ocultos. ¿Cuál fue su visión al darle vida a la mansión en el escenario y cómo creó una sensación de espacio y atmósfera que realza la narración?

Como mencioné anteriormente, este fue uno de los mayores desafíos físicos que presenta este programa. ¿Cómo puedes moverte con éxito por 8 habitaciones diferentes de una casa, dándole a cada habitación sus propias características distintivas, sin que todo el escenario parezca abarrotado? Después de muchas sesiones de lluvia de ideas creativas con Adam, el diseñador escénico, llegamos a un concepto que establecía las complejidades de la mansión y al mismo tiempo permitía libertad para moverse de una habitación a otra. Sabía que quería incorporar una representación física del juego de mesa en algún lugar del set, y Adam conceptualizó la idea de que el set estaba lleno de puertas que conducían a diferentes habitaciones de la casa. Cuando entramos en una habitación, las puertas se mueven por el espacio abriéndonos a la habitación. Al mismo tiempo, dio vida a la visión del juego de mesa al permitir que el público viera el mapa de la casa en todo momento, lo que indica en qué parte del juego de mesa se encuentran nuestros personajes.

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4) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física, entradas y salidas rápidas y momentos de humor slapstick. ¿Cómo coreografiaste y escenificaste estos elementos cómicos para maximizar su impacto cómico?

Sabía que para capturar completamente el ritmo de este espectáculo, el bloqueo y la coreografía tenían que estar al mismo nivel. Este espectáculo está plagado de una historia compleja, quería que el movimiento de este espectáculo reflejara esa complejidad sin dejar de ser controlado y hermoso. El público puede esperar transiciones que fluyan de una habitación a la siguiente. A medida que los personajes se mueven por la casa, obtenemos una perspectiva interna de lo que podrían estar pensando. El programa se basa profundamente en la comedia física y el elemento sorpresa, quiero decir, se revelan varios asesinatos a lo largo del programa. Eliza Knode, actriz residente, asumió el desafío de dirigir este programa. Su experiencia elevó el aspecto físico de este espectáculo a otra dimensión que sólo podría haber soñado.  


5) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el escenógrafo, el diseñador de vestuario y el diseñador de iluminación para garantizar que la visión general de la producción fuera coherente?

No puedo alabar lo suficiente a nuestro equipo de producción. Todos los que trabajaron en este programa pusieron su corazón en él y se nota absolutamente. Cada diseñador incorporó diferentes elementos que se inspiraron en la propia obra, la película y el juego de mesa. Una gran parte del éxito de esta exposición radica en la armonía con la que cada elemento de diseño funciona entre sí. Cada diseño puede ser independiente pero también mejora los demás diseños que lo rodean. Nuestro diseño escénico, aportado por Adam Jehle, nos sumerge en una mansión de estilo victoriano con una representación física del juego de mesa pegada en la pared trasera. Este mapa del juego de mesa también funciona como un mapa de la casa, y a menudo ayuda a indicar exactamente en qué parte de la casa tiene lugar cada escena. Nuestra diseñadora de vestuario, Hayley O'Brien, destacó las siluetas de la ropa de la época de los años 50, al tiempo que combinó los colores icónicos de las piezas originales del juego en su diseño de vestuario. Aline Toloto, nuestra diseñadora de propiedades, incorporó muchos accesorios históricamente precisos para ayudar a construir el mundo del espectáculo; sin embargo, también entró en la teatralidad del juego de mesa y asintió con la cabeza a algunas de las piezas clásicas del juego de mesa. El diseño de iluminación de Caleb Garner es magnífico. Usó iluminación para ayudar a enfatizar la teatralidad de la película y la yuxtapuso con iluminación ambiental para ayudar a crear un aire de misterio. Finalmente, Luke Walchuk, nuestro diseñador de sonido, compuso una partitura original que es tan grandiosa como llena de matices. Cada elemento de diseño actúa como un personaje más que trabaja dentro del conjunto de este espectáculo. Todo nuestro increíble personal en las tiendas de disfraces y escenas ayudó a darle vida a estos hermosos diseños y no podría estar más orgulloso e impresionado con el resultado.

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6) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE?

Me emociona tener un conglomerado de audiencias diferente. Algunas audiencias serán fanáticos acérrimos de las películas CLUE. Unos que conocen cada línea del programa y la relevancia cultural que sigue dejando en la sociedad. Algunos miembros de la audiencia serán súper fanáticos de los juegos de mesa. Pueden ser estrategas, jugadores, personas a las que les encanta la emoción de intentar resolver el misterio antes que nadie. Algunos miembros del público serán amantes del teatro. Personas que tal vez no tengan una conexión previa con la película o el juego de mesa, pero que se sienten atraídas por este programa únicamente por su amor por el teatro. Como alguien que comparte un poco de estas tres personalidades de la audiencia, quería asegurarme de que todos salieran de esta producción hablando de su amor específico por este programa. Creo que este espectáculo significará algo diferente para cada miembro de la audiencia que lo vea, y no puedo esperar a estar rodeado de cientos de personas cada noche mientras experimentamos este espectáculo juntos.


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 27 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Colin Waters está encantado de hacer su debut como director en Mainstage con Charleston Stage. Originario del norte de Kentucky, Colin obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en Actuación y una doble especialización en Teatro Musical y Administración de Artes de la Universidad de Western Kentucky. Pista: en el escenario Marca la producción número 25 de Colin con Charleston Stage, actuando y dirigiendo. Los créditos anteriores de Colin como director de Charleston Stage incluyen: La telaraña de Charlotte (Temporada 45), Bright Star (Subdirector), Isla del tesoro (Temporada 45), El Best Christmas Pageant Alguna vez (Temporada 42). Algunos de los créditos actorales favoritos de Colin en Charleston Stage incluyen: La Familia Addams (Tío Fester), La obra que va mal (Roberto/Thomas Colleymore), De ratones y hombres (Lennie), Footloose (Willard), Bright Star (Alcalde Josiah Dobbs), La bella y la bestia (Le Fou), El curioso incidente del perro a medianoche-Time (Voz 4), Shear Madness (Mikey) y Duende (Papá Noel). Colin fue nombrado recientemente Mejor Actor en los premios Best of Charleston City Paper Awards de 2023. Puedes encontrar a Colin en Instagram: @thepapacolin

Hogan: el público de Charleston recibe una 'pista' con vitalidad, vigor y velas


Por Maura Hogan mhogan@postandcourier.com
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Ya sea que siempre hayas desconfiado de la pomposidad tweedy del profesor Plum o hayas juzgado las maneras descaradas y sin disculpas de la señorita Scarlet, hay abundantes pistas entre la galería de sospechosos del pícaro en “Clue” que ofrecen material para señalar con el dedo.

Durante décadas, el juego de mesa convertido en película y en farsa ha cautivado a quienes se deleitan con una buena novela policíaca a la antigua, una partícula fijada en el dónde y con qué.

Reuniendo a un elenco cargado que está más que dispuesto a mutilar con la ayuda de un candelabro, una cuerda o una llave inglesa, Charleston Stage ahora ofrece lo último, “Clue: On Stage”. La interpretación teatral de la película de 1985, que se estrenó en 2022 en Paper Mill Playhouse en Nueva Jersey, tendrá su primera presentación en el Dock Street Theatre y se extenderá hasta el 5 de noviembre.

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Para la versión teatral, Sandy Rustin escribió y adaptó el guión del guionista Jonathan Lynn, incorporando nuevos fragmentos y bromas creadas por Hunter Foster y Eric Price. La producción de Charleston Stage también marca el debut como director de escena principal del miembro del repertorio de la compañía, Colin Waters.

En los últimos años, Waters ha tenido una presencia omnipresente en el escenario de Charleston con una trayectoria impresionantemente amplia como intérprete en el escenario de Dock Street. Para esta producción, aprovecha sus habilidades cómicas para aprovechar al elenco en una serie de percances y asesinatos que intensifican cada vez más las travesuras en el escenario.

Al igual que la película de la que está adaptada, esta notable desviación del famoso juego de mesa de los hermanos Parker profundiza en la política estadounidense de la Guerra Fría que informa la trama. Esta “Pista” está ambientada en la década de 1950, en el apogeo del macartismo, con el Terror Rojo de alguna manera involucrado en los acontecimientos.

Antes de analizar esas actuaciones, hay que dar el debido crédito a un agente clave de la producción: el decorado. Para esta producción, el escenógrafo Adam Jehle ha ideado una belleza. Si bien la madera bruñida y las pinturas al óleo están adecuadamente decoradas, acordes con la lujosa casa del acomodado Sr. Boddy, también da vida al juego de mesa de manera creativa.

Las incursiones ridículas se desarrollan en las múltiples puertas del género. A través de ellos, los personajes entran y salen para entrar y salir de los espacios característicos del juego (la biblioteca, la sala de billar, el invernadero, etc.) con pinturas en una pared detrás del escenario que se voltean para revelar cada uno de ellos. Pero a diferencia de las estructuras estáticas de la mayoría de las farsas, estas puertas tienen patas, y los actores las mueven de un lado a otro por el escenario para lograr un efecto cómico y divertido.

Al mismo tiempo, se despliega un uso efectivo del color en todas partes, con cada sospechoso envuelto en el tono que indica su nombre, cortesía de la diseñadora de vestuario Hayley O'Brien. Piense en un verde azulado con corona de plumas para la señora Peacock, un camión de bomberos rojo audazmente deslumbrante para la señorita Scarlet, un magnífico traje esmeralda para el señor Green.

Ahora, sobre esos personajes. Esta obra funciona mejor cuando los intérpretes buscan la gloria en su interpretación y el gusto por la comedia física. Como el mayordomo Wadsworth, Justin Von Stein hace su debut en el escenario de Charleston con gran y ágil forma, suavizando todo el caos con un melifluo acento británico mientras navega ágilmente por obstáculos y cosas similares con engañosa facilidad.

Otros sospechosos famosos también se mantienen firmes, entre ellos Kathy Summer, quien hace un trabajo impresionante con la parlanchina y santurrona Sra. Peacock; Dominick Ventrella como el Sr. Green, peculiarmente nervioso; y Mike Hornacek, que se divierte con platos fritos sureños con el coronel Mustard. En general, el elenco ofrece una potencia encomiable mientras se apresuran y corretean, entran y salen, se debilitan y se marchitan, empuñando algunas armas mientras desvían otras.

Pero en esta obra la clave está en el humor. Este no es un asesinato misterioso que comercia con suspenso. En cambio, su motivación es la comedia negra, de la variedad agradable que provoca risas más que carcajadas desgarradoras. Y también es lo suficientemente agradable para toda la familia.

Aparte de un poco de cortesía de la dueña Miss Scarlet interpretada por Brietta Goodman, “Clue” ofrece tanto la nostalgia necesaria como una réplica vertiginosa para los padres, así como algunas travesuras amplificadas que seguramente entretendrán al experto visual de TikTok. generación.

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Es decir, mi hija Beatrice, de 10 años, y su amiga Vivienne estaban más que encantadas con el espectáculo: un sólido testimonio de un raro derroche entre semana que probablemente se abrirá paso en sus bromas preadolescentes en las próximas semanas.

Considerándolo todo, “Clue: On Stage” avanza amablemente, aun cuando su rigor físico requerido es ciertamente un ejercicio más extenuante de lo que sus enérgicos actores dejan entrever. En Charleston Stage, están dispuestos a pasar una velada divertida y sin colmillos en el teatro, una velada que seguramente será tan fácil de tomar como el vino en las copas de cristal del Sr. Boddy.

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Detrás del telón: Adam Jehle, diseñador escénico de “CLUE: ON STAGE”

En nuestra última producción de CLUE: ON STAGE, nos reunimos con Adam Jehle, nuestro talentoso diseñador escénico que una vez más adorna el Dock Street Theatre con sus habilidades. Explora a continuación para profundizar en su proceso creativo para crear los decorados de esta escandalosa novela policíaca.


1) PISTA: ON STAGE se desarrolla en una mansión y el escenario juega un papel crucial en la historia. ¿Qué elementos del diseño y la atmósfera de la mansión le resultaron más intrigantes y desafiantes desde una perspectiva de diseño escénico?

Me encanta la película original y también me encanta el juego de mesa. Así que desde el principio quise incorporar ambas ideas en el diseño del decorado. Lo que resultó desafiante fue intentar colocar los elementos de diseño del juego de mesa, que no son muy realistas, y fusionarlos con el mundo de la mansión.


2) La obra normalmente se desarrolla en varias habitaciones dentro de la mansión. ¿Cómo planeaste crear espacios distintos para cada una de estas habitaciones manteniendo al mismo tiempo un diseño general cohesivo?

Hoy en día, muchos programas están escritos como películas. Por lo tanto, se necesitan muchas ubicaciones y escenarios diferentes para contar la historia completa. Pero cuando intento diseñar programas como ese, me gusta pensar cómo podría descomponerse en su forma más básica y expandirse a partir de ahí. Para CLUE: ON STAGE, el aspecto más intrigante y desafiante fue llegar a todas estas diferentes habitaciones de la mansión. Así que decidí que deberíamos centrarnos en las puertas y hacer que se movieran alrededor de la mansión como un laberinto, y para ayudar a la audiencia a mantenerse al tanto de en qué habitación estamos, habría una gran pared que parecía un juego de mesa para darle la vuelta. y dinos en qué habitación estamos. También utilizamos solo algunos muebles "clave" que serían reconocibles para cada habitación.

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3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física, entradas y salidas rápidas e incluso algo de humor bufonesco. ¿Cómo pretendías diseñar el decorado para dar cabida a estos elementos cómicos y maximizar su impacto cómico?

Al igual que la idea de la comedia “física”, decidí hacer el set también “físico”. Es decir, los actores mueven las paredes, las puertas y los muebles y los hacen ser parte de la comedia que están haciendo. Cuando corren por sus vidas alrededor de la casa, la casa corre justo detrás de ellos.

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4) La obra es conocida por sus pasadizos secretos, compartimentos ocultos y elementos sorpresa. ¿Cómo imaginaste incorporar estos elementos en la escenografía para crear momentos de sorpresa y emoción para el público?

Nuestro director Colin Waters tuvo mucho más que ver con eso que yo. Ha decidido esconder los cuerpos detrás de puertas y muebles y hacerlos aparecer de la nada. Simplemente hice que el conjunto fuera muy móvil para ayudarlo con esa visión.

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5) ¿De qué investigación e inspiración sacaste el diseño del interior de la mansión?

El juego de mesa me inspiró mucho. Quería que todos los espectadores sintieran que, incluso si no habían visto la película, había pequeñas piezas del juego de mesa que reconocían y podían señalar.


6) ¿Hubo algún desafío técnico específico que anticipaste al diseñar el set de CLUE: ON STAGE, como efectos especiales, cambios de escena o piezas en movimiento?

Sinceramente, una de las partes más desafiantes fue diseñar este espectáculo en representación de El ladrón del rayo. Tienes que recordar que todo lo que ves en el escenario tiene que desaparecer y que todo otro decorado tiene que desaparecer allí. Las luces y las cortinas no pueden moverse en cada espectáculo, lo que significa que sólo puedo colocar cosas en ciertos lugares. Se tuvo que planificar mucho hasta el último detalle, incluso hasta el acabado y cómo se puede quitar rápidamente y guardar de manera eficiente.

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7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea tus diseños escénicos?

Prometo que esta no será como ninguna otra PISTA que nadie haya visto antes. Es fresco, nuevo y divertido en formas antiguas y nuevas. Estoy emocionado de que la gente vea todo el arduo trabajo que todos han hecho para lograrlo.


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 26 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Adán Jehle, Originario de Nixa, MO, es diseñador escénico/de proyecciones residente y director técnico adjunto de Charleston Stage. Sus créditos incluyen Diseño de Proyección para Asesinato en el Orient Express y El Best Christmas Pageant Alguna vez, Diseños Escénicos para La familia Addams – Un nuevo musical, ¡Jardines nativos, la telaraña de Charlotte, Black Pearl Sings! y Pisando fuerte para Charleston Stage y dirección técnica para toda la temporada 45 de Charleston Stages. Otros créditos son espectáculos de diseño escénico como Cenicienta y Mamma Mia! en el Crane River Theatre de Nebraska, y titanic, cabaret, y Día de la Marmota en Stagedoor Manor en el norte del estado de Nueva York. Recibió su BFA en Diseño, Tecnología y Dirección Escénica de la Universidad Estatal de Missouri en 2020. Adam está emocionado de diseñar otros espectáculos para Charleston Stage esta temporada, incluido El baile de graduación, Pista: En el escenario, Un cuento de Navidad, y El viaje a Bountiful.

Detrás del telón: Hayley O'Brien, diseñadora de vestuario de “CLUE: ON STAGE”

Hablamos con Hayley O'Brien, nuestra diseñadora de vestuario, llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo aquí¡Y sigue leyendo para aprender más sobre su proceso artístico en el diseño del vestuario para esta alocada adaptación teatral!


1) ¿Qué te atrajo del proyecto CLUE: ON STAGE y qué aspectos de los personajes y el escenario de la obra te parecieron más interesantes desde la perspectiva del diseño de vestuario?

Cuando era niño, era un gran admirador del juego de mesa CLUE, ¡y siempre lo jugaba con mis amigos! Vi la película CLUE por primera vez cuando estaba en quinto o sexto grado y rápidamente se convirtió en una de mis películas favoritas. ¡He visto la película probablemente cientos de veces y todavía la cito hasta el día de hoy! No hace falta decir que estaba MUY emocionado de diseñar el vestuario para CLUE: ON STAGE. Todo el mundo conoce CLUE y sus personajes icónicos, así que estaba muy emocionado de ayudar a que estos personajes cobraran vida y trabajar con el equipo de producción para incorporar elementos del juego de mesa y al mismo tiempo rendir homenaje a la película.


2) PISTA: EN EL ESCENARIO presenta una variedad de personajes distintos, cada uno con sus propias personalidades y peculiaridades. ¿Cómo abordaste el diseño de estos disfraces que reflejan y realzan a estos personajes icónicos?

Desde el principio, supe que nosotros, como equipo de producción, queríamos aludir al tablero de juego de CLUE. Por lo tanto, miré muchas publicaciones de CLUE, específicamente las tarjetas de personajes, para ver en qué imagen piensa realmente la gente cuando piensa en estos personajes icónicos. Por ejemplo, cuando pensamos en el coronel Mustard, lo imaginamos vestido como un coronel, pero hay muchas representaciones en las que lo vemos vestido más bien como un explorador de safari. Así que realmente quería jugar con los recuerdos que la gente tiene de estos personajes. Dado que el guión de la obra se basa en la película de 1985, también busqué hacer referencia a las siluetas de la película para conectar las dos inspiraciones. 

¡Lo mejor de un programa como CLUE: ON STAGE es que los personajes son muy diferentes entre sí! En el guión, la descripción de cada personaje es muy distinta, casi arquetípica, y te deja una impresión como diseñador hasta el punto de que tienes una imagen ya pintada en tu cabeza. Realmente quería resaltar la singularidad de cada personaje a través de la diferencia en siluetas y texturas de telas. Por ejemplo, se describe a Miss Scarlet vestida con el glamour de “Hollywood”, así que quería que estuviera vestida con telas sedosas que cubrieran con muchos detalles brillantes. Mientras que la Sra. White es descrita como muy morbosa y vestida con ropa funeraria, quería que fuera muy estructurada y angulosa para enfatizar aún más su comportamiento estoico y oscuro. A lo largo de todos los disfraces, cada personaje contrasta entre sí pero se une de una manera cohesiva que creo que los miembros de la audiencia realmente disfrutarán.

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3) ¿Qué investigación y preparación sueles realizar al diseñar vestuario para una producción como CLUE: ON STAGE? ¿Cómo se asegura de que sus diseños sean auténticos y apropiados para la época y los personajes?

Cuando una producción se centra en un tema tan icónico de nuestra cultura, me concentro en los elementos con los que la gente se registra. Todos tienen una idea de cómo es CLUE, ya sea que piensen en el juego o en la película. Por lo tanto, creo que es importante tomar aspectos memorables del original y al mismo tiempo darle mi propio toque. Gran parte de mi investigación para esta producción implicó observar muchas versiones del juego CLUE y al mismo tiempo investigar el período y el escenario. Para asegurarme de que los diseños sean apropiados, trato de encontrar imágenes de prendas reales, patrones antiguos, fotografías y revistas de la época real para que las siluetas y los detalles del diseño ayuden a establecer el ambiente. En esta producción, tienes piezas de vestuario específicas que requieren una investigación más exhaustiva. En particular, la producción cuenta con personajes como el Coronel Mustard y Wadsworth que visten uniformes que tienen una historia específica y vasta. Para diseñar estos disfraces con respeto, creo que es importante profundizar en cada aspecto y detalle para ser lo más auténtico posible.

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4) ¿Hubo algún desafío específico que anticipaste al diseñar el vestuario para esta producción, como efectos especiales o cambios rápidos que debieron adaptarse?

En este programa, suceden MUCHAS a medida que se desarrolla la trama. ¡Tenemos actores que interpretan varios personajes con algunos cambios rápidos! Alerta de spoiler, pero también tuvimos que considerar retratar el asesinato de algunos personajes, como colocar armas en los disfraces o poner sangre falsa. Los personajes también tienen que esconder pruebas y armas en sus cuerpos o en sus bolsos, lo que fue un factor importante a la hora de abordar algunos de los disfraces. Los actores también son muy físicos en el programa, así que realmente tomé en consideración darles suficiente movilidad en sus disfraces.

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5) CLUE: ON STAGE es conocido por su humor y elementos ridículos. ¿Cómo planeaste incorporar elementos cómicos en los diseños de vestuario para realzar la hilaridad general de esta obra?

¡Creo que los colores brillantes y la vitalidad del vestuario realmente contribuyen a la comedia general del espectáculo! La producción aborda el misterio de un asesinato de una manera humorística, por lo que, si bien el programa tiene momentos muy serios y oscuros, los personajes mismos lucen y actúan de manera muy animada y saturada.


6) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo abordaste el trabajo con el director, el escenógrafo y el diseñador de iluminación para garantizar que el vestuario se integrara perfectamente en la visión general de la producción?

Para el diseño inicial, nuestro director Colin Waters presentó su concepto para el espectáculo y expresó ciertos elementos que quería para la producción. El concepto general era incorporar elementos del juego de mesa en toda la producción, ¡lo cual entusiasmó a todos y estuvo de acuerdo! Antes de que cada departamento hiciera su propia investigación, nos sentamos y presentamos imágenes generales que evocaban el estado de ánimo, el sentimiento y la vitalidad generales de lo que pensábamos del programa. A partir de entonces estuvimos todos muy sincronizados en el proceso de colaboración. Pensamos en cómo cada elemento de diseño funcionaría entre sí. Hablamos sobre cómo la saturación del vestuario resaltaría contra los ricos tonos tierra del escenario y cuán dramáticamente iluminadas serían ciertas escenas.

Durante el proceso de diseño, Colin y yo estuvimos de acuerdo en la importancia de que cada personaje estuviera vestido con los colores que representa su nombre para que los personajes se sintieran como las piezas del juego que la gente jugaría como en un juego de CLUE. Siento que esta elección de diseño funciona extremadamente bien ya que Adam Jehle, diseñador escénico, hizo un gran trabajo al hacer que el set realmente hiciera referencia al tablero de juego de CLUE y Aline Toloto, maestra de utilería, elementos integrados como las cartas de CLUE y las armas que se parecen a las piezas de metal reales que pondrías en cada habitación. En general, creo que todos los elementos de diseño funcionan bien juntos para crear el juego de misterio y asesinato que todos conocemos y amamos.

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7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea tus diseños de vestuario?

¡Estoy muy emocionado de que el público vea toda la producción! Creo que todos los involucrados en esta producción trabajaron muy duro y apasionadamente. ¡Estoy muy emocionado de que el público vea a los personajes cobrar vida con sus disfraces y vea todos los elementos de diseño únicos y divertidos!


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 26 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

¡Hayley O'Brien está muy emocionada y orgullosa de trabajar en Charleston Stage! Originaria del sur de Florida, Hayley se graduó de la Universidad Estatal de Florida con una Maestría en Bellas Artes en Diseño de Vestuario y una Licenciatura en Teatro. Sus créditos recientes en Charleston Stage incluyen Jardines Nativos, JFK e Inga Binga y La familia Addams: un nuevo musical. Otros créditos incluyen Kinky Boots, James y el melocotón gigante de Roald Dahl, y Un espíritu burlón. Espera con ansias futuras producciones en Charleston Stage y está agradecida de participar en el programa TheatreWings. ¡Hayley quisiera agradecer a su familia y amigos por todo su amor y apoyo!

Detrás de la cortina: Luke Walchuk, diseñador de sonido y banda sonora original de “CLUE: ON STAGE”

Hablamos con Luke Walchuk, nuestro diseñador de sonido residente e ingeniero de audio, llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo aquí¡Y sigue leyendo para conocer más sobre su proceso artístico al diseñar el sonido y crear la partitura original para este juego de misterio y asesinato!


1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y suspenso. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te parecieron más emocionantes o desafiantes desde la perspectiva del diseño de sonido?

PISTA: ON STAGE es, sin duda, una comedia, y bastante tonta. Sin embargo, la comedia sólo funciona contra los graves riesgos del asesinato y el peligro. Como diseñador de sonido, mi mayor desafío es ayudar tanto a lo tonto como a lo serio. Es importante tener una atmósfera de suspenso porque necesitamos creer que estos personajes temen por sus vidas. Por otro lado, también contribuyo a que algunos de los chistes lleguen a buen puerto. El desafío es asegurarse de que los sonidos no parezcan caricaturescos. Es este equilibrio lo que encontré realmente interesante al trabajar en este programa.


2) Las obras de misterio a menudo requieren un uso cuidadoso de la música para generar suspenso y mejorar el aspecto de la historia que resuelve el misterio. ¿Cómo abordaste la creación de la música original para esta producción que muestra tanto el misterio como la comedia?

Mi primera prioridad al crear la partitura de CLUE: ON STAGE fue asegurarme de que la música apoyara la amplia variedad de momentos del espectáculo sin dejar de ser una pieza cohesiva de principio a fin. No quería que pareciera una colección de piezas musicales dispares elegidas momento a momento.

Me acerqué a este objetivo de dos maneras. Primero, elegí mi instrumentación con anticipación y me limité a usar solo esa paleta sonora en todo momento. Me aseguré de incluir instrumentos que pudieran soportar tanto momentos serios como otros más cómicos. Revisaré algunas de mis opciones con más detalle en un momento.

Mi segunda estrategia para lograr una partitura coherente fue utilizar temas repetidos a lo largo de la partitura. Hay algunas ideas melódicas que surgen una y otra vez. A veces es una repetición nota por nota del mismo tema, otras veces es una reelaboración del mismo, pero las mismas ideas están entrelazadas en todo momento.

La instrumentación realmente me ayudó a marcar el tono de esta producción. En las primeras conversaciones con el director Colin Waters, se estableció que la producción estaría muy inspirada en las películas clásicas de misterio y cine negro, así como en la película CLUE de los años 1980. La obra en sí suele ser interpretada con un pianista en vivo, pero Colin quería un sonido más completo para la partitura. Teniendo esto en cuenta, mi primera elección de instrumentos fue bastante obvia: cuerdas orquestales. 

Con esta idea básica en mente, elegí apoyarme en el melodrama de las películas que nos inspiraron y decidí agregar un theremin a la mezcla. Si no estás familiarizado, un theremin es un instrumento electrónico que se controla mediante dos antenas: una para el volumen y otra para el tono. El intérprete no toca el instrumento en absoluto, sino que mueve sus manos a través de los campos magnéticos que rodean estas dos antenas para manipular el sonido. Los sonidos resultantes son inquietantes, inquietantes y, francamente, un poco cursis. Perfecto para el equilibrio que pretendía lograr en tono.

También sentí que el escenario de CLUE: ON STAGE requería el tipo de drama majestuoso y de mano dura que sólo se puede lograr con un órgano de tubos. El órgano es un instrumento versátil, pero en el contexto de la música espeluznante es más conocido por su bullicio. PISTA: ON STAGE definitivamente se beneficia de los momentos de bullicio.

Finalmente, necesitaba un instrumento solista para algunos de los pasajes más ligeros. Algo con una expresión un poco más vivaz de la que podría lograr con el órgano. A partir de un momento particular que requiere un poco de tango, aterricé en el clarinete. El clarinete es un instrumento versátil que se siente como en casa siendo a la vez sombrío y juguetón. El tono es agradable en todo su rango y resulta que se toca muy bien con el órgano de tubos.

Habiendo reunido esta paleta de sonidos, pude mantener mi partitura unificada pero flexible.


¡Escuche la partitura original de Luke a continuación en el tráiler del programa CLUE: ON STAGE!



3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica señales sonoras rápidas para acentuar momentos cómicos, revelaciones sorpresa o escenas de suspenso. ¿Cómo coreografiaste y ejecutaste estas señales sonoras para maximizar su impacto dramático?

Una de las claves de momentos como este es la elección cuidadosa de los sonidos mismos. Hay mucho ruido exuberante proveniente de los propios actores en esta obra, así que tengo que asegurarme de que los sonidos no se pierdan en el bullicio. Sin duda, es fundamental asegurarse de que sean lo suficientemente fuertes, pero también deben ser lo suficientemente largos para que nadie los pierda. También deben ser lo suficientemente diferentes del ruido que ocurre en el escenario. Usar sonidos más agudos que las voces en el escenario ayuda a que se destaquen. También los acentúo con frecuencia con sonidos contundentes de muy baja frecuencia que el público siente más de lo que escucha. Esto realmente aumenta el dramatismo de cualquier cosa, desde un trueno (obviamente) hasta el impacto de un arma homicida, um, cometer un asesinato. 

Dicho todo esto, debo ejercer cierta moderación. Mis sonidos no deberían ser tan prominentes como para sacar al público de la experiencia. Deben complementar lo que sucede en el escenario, no distraerlo.


4) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el director, el escenógrafo, el diseñador de iluminación y otros miembros del equipo para garantizar que el diseño de sonido se alinee con la visión general de la producción?

La colaboración es absolutamente el aspecto más importante de todo este asunto. Intento, en cada programa en el que trabajo, asegurarme de consultar con frecuencia con el director para asegurarme de que estamos en la misma página. Este programa en particular fue escrito específicamente para ser musicalizado y, por lo tanto, requirió una colaboración aún más estrecha de lo habitual. Tenía la mayor parte de la música escrita, al menos en forma de borrador, cuando comenzaron los ensayos. Los efectos de sonido siguieron poco después. De esta manera, nuestro director Colin Waters y el elenco sabían exactamente qué esperar y pudieron coreografiar sus movimientos con la música. También pudieron comunicarse conmigo y ajustar las cosas a medida que avanzábamos. Con los efectos de sonido, es muy útil para los actores escucharlos tanto como sea posible durante el ensayo. Si se espera que reaccionen, por ejemplo, ante un trueno o un disparo, es mejor que lo tengan disponible con antelación. 

También trabajé en estrecha colaboración con nuestro diseñador de iluminación Caleb Garner. Este espectáculo, como era de esperar, está lleno de truenos. Ésta es la necesidad más obvia de colaboración entre sonido y luces. ¡Pero la cosa no termina ahí! Caleb también necesitaba comprender la sincronización de la música y otros efectos de sonido para poder crear sus hermosas apariencias y efectos. En muchos casos, discutíamos juntos un efecto y, a menudo, incluso nos dábamos ideas durante todo el proceso.


5) ¿Cuál es su enfoque para diseñar y programar efectos de sonido para momentos o escenas específicas que requieren sincronización precisa y coordinación con otros elementos de la producción?

Una vez más, se trata de colaboración. Como mencioné en la pregunta anterior, tener efectos de sonido en el ensayo es muy útil para desarrollar la sincronización. También es fundamental que me comunique estrechamente con el director de escena. Imani Lloyd es responsable de hacer que los efectos de sonido sucedan exactamente cuando sea necesario, así como de coordinar todos los demás aspectos de la producción. Ella sabe, hasta la sílaba, cuándo debe emitirse cada señal y es verdaderamente el sistema nervioso central de la producción. También trato de no ser demasiado preciso acerca de dónde creo que deben ir las señales. Imani y Colin han estado ensayando la obra noche tras noche, es importante que confíe en ellos para saber cuándo funciona mejor las cosas.


6) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestra audiencia experimente CLUE: ON STAGE y escuche tu partitura original y diseño de sonido?

Desde una perspectiva personal, siempre estoy emocionado por un espectáculo que involucra mucha composición. Crear música es mi parte favorita de mi trabajo y me encanta compartir eso con el público. Pero estoy más emocionado porque esta no es una presentación de mi música, es el producto de docenas de personas, cada una poniendo su creatividad y pasión en la producción. Estoy muy entusiasmado con el decorado, los accesorios y el vestuario (diseñados por Adam Jehle, Aline Toloto y Hayley O'Brien respectivamente), pero también estoy infinitamente impresionado por todos los demás que trabajan detrás de escena, desde todo el vestuario y tiendas de escena para nuestros equipos detrás del escenario y también para la gente de la administración. Por eso me encanta hacer teatro: se trata del esfuerzo del grupo y ninguna persona es esencial.


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 18 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Luke Walchuk ha trabajado en la industria del sonido en vivo de una forma u otra desde 2004. Adquirió experiencia en entretenimiento en cruceros, parques de diversiones, música en vivo y audio corporativo antes de decidir que el teatro era el trabajo más creativo y satisfactorio que podía hacer. Luego obtuvo una Maestría en Bellas Artes en Diseño de Sonido y está especialmente feliz de estar aquí en Charleston Stage.

Detrás del telón: Caleb S. Garner, diseñador de iluminación de “CLUE: ON STAGE”

Hablamos con Caleb S. Garner, nuestro diseñador de iluminación., llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo aquí¡Y sigue leyendo para conocer su proceso artístico al diseñar la iluminación de esta divertida novela policíaca!


1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y suspenso. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te parecieron más emocionantes o desafiantes desde la perspectiva del diseño de iluminación?

No conocí la película hasta que estaba en la universidad, así que realmente no me acerqué a la producción con el mismo factor de nostalgia que tenían varios de los otros miembros de la producción. Cuando lo vi por primera vez, me atrajeron especialmente los personajes gigantescos en situaciones literales de vida o muerte. Se toman a sí mismos increíblemente en serio y, sin embargo, la mayoría de las cosas que dicen y hacen no son en absoluto serias e irreverentes. Es como si tu grupo de amigos estuviera sentado alrededor de la mesa del comedor jugando juntos y divirtiéndose. Nos empujamos unos a otros, exageramos nuestros personajes, nos tomamos a nosotros mismos demasiado en serio y luego nos reímos. Creo que ese es mi desafío favorito de esta obra: ¿Cómo podemos convertirlo en un misterio de asesinato serio, al estilo noir, que también sea divertido y alocado con mucha comedia física? Ha sido un gran acto de equilibrio. 


2) La obra presenta una variedad de escenas ambientadas en diferentes habitaciones de la mansión, cada una con su propio estado de ánimo y atmósfera. ¿Cómo utilizas la iluminación para crear escenarios distintos y mejorar la narración dentro de estos espacios?

Todo el equipo lleva varios meses trabajando duro para dar forma al mundo del juego. Cuando nos reunimos por primera vez como equipo de producción, todos los diseñadores trajeron imágenes que sentimos que reflejaban el tono del guión. Discutimos todas nuestras imágenes y las seleccionamos para crear un collage unificado que representara la identidad visual de la producción. A continuación se muestra un vistazo a lo que decidimos como equipo.


Realmente respondí a los colores de las piezas reales del juego Clue y al uso de colores fuertes y reflejos para crear dramatismo y énfasis. Cada habitación tiene sus propios muebles y formas que le dan un carácter único. Intenté complementarlo incorporando los reflejos y los colores que ves en el collage: un rayo de luz aquí, una ventana allá y algo de diversión con el ángulo y la dirección de la luz. Una de las cosas de las que estoy especialmente orgulloso es el trabajo que el diseñador escénico Adam Jehle y yo hicimos al intentar separar las distintas ubicaciones dentro de la mansión. Tenemos una serie de puertas móviles con ventanas con travesaños que iluminé internamente para que el nivel de luz y el color que sale de la ventana se puedan cambiar individualmente a medida que se mueven por el espacio. También tenemos una divertida serie de retratos en la pared del fondo del escenario que hacen algo especial que no puedo revelar: ¡tendrás que verlo por ti mismo! 


3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica cambios rápidos en la iluminación para acentuar momentos cómicos, revelaciones sorpresa o escenas de suspenso. ¿Cómo coreografiaste y ejecutaste estas señales de iluminación para maximizar su impacto dramático?

La iluminación, como la comedia, tiene que ver con el momento. Una señal luminosa en el momento oportuno podría ser una broma en sí misma, ¡y en varios lugares lo es! Hay varios lugares en los que el diseño de iluminación trabaja junto con el sonido para ayudar a acentuar la comedia en el escenario. En la secuencia inicial del programa varios de los personajes se reconocen al verse en la mansión. Los actores tienen ese gesto exagerado de sorpresa o desdén, pero realmente lo enfatizamos con un cambio de luz y un sonido. Las combinaciones de actuación, luz y sonido ayudan a convertir un pequeño momento en una gran broma. 

Además de las imágenes de nuestro collage, también me inspiraron mucho algunas pinturas de Edward Hopper. Fueron realmente intensos y agudos. Al igual que los personajes en escena, se tomaron a sí mismos muy en serio. Realmente me gustó la idea de que estos momentos divertidos sucedieran dentro de una pintura austera de Hopper, así que intenté incorporar algunos de sus elementos en el espectáculo. Es una situación de vida o muerte, es melodramática y muy, muy divertida. 

Eduardo Hopper, Conferencia de noche


4) Las obras de misterio a menudo requieren un uso cuidadoso de la iluminación para generar suspenso y mejorar el aspecto de la historia que resuelve el misterio. ¿Cómo abordaste la creación y el control de los efectos de iluminación de suspense en la producción?

El vestuario y la escenografía ayudan a dar forma física al mundo de la obra, pero la iluminación y el sonido dan forma a la forma en que el público percibe la obra. Como equipo, también estábamos muy interesados ​​en la forma en que la luz ayudaba a dar forma a los cuerpos y el paisaje en un estilo de “cine negro” con fuertes luces y sombras profundas. Fue una forma genial de contrastar los bordes y líneas afilados del tablero de juego Clue original, el estilo victoriano del diseño escénico y los contornos más suaves y curvos del diseño del vestuario. Ayuda a enmarcar cada momento de suspenso de una manera visualmente interesante y fantasmal. Descubrí que cuanto más me inclino por los ángulos y colores extraños, más intensos se vuelven los momentos de la escena.

Steven Assael, novia con tarjetas


La secuencia inicial de la producción comienza con Yvette, la criada, frente a un televisor escuchando una transmisión del senador McCarthy. Está iluminada principalmente por el televisor, con algo de luz desde arriba y los lados. Intenté capturar el espíritu de la imagen de arriba. novia con tarjetas, al utilizar una fuente primaria de luz desde un ángulo interesante para convertir a Yvette mirando televisión en una imagen fuerte y misteriosa para establecer el tono del programa desde el principio. ¡Unos cuantos relámpagos también ayudan! 


5) ¿Cuál es su enfoque para diseñar y programar efectos de iluminación para momentos o escenas específicas que requieren sincronización precisa y coordinación con otros elementos de la producción?

Al leer el guión, hay varias cosas que están escritas para ti desde el principio. Cosas como apagones, relámpagos y cambios de escena ya están escritos en el guión, pero mi trabajo es mirar más allá de lo escrito y ver qué más necesitamos para contar la historia. Me gusta pensar en esto de tres maneras distintas. Lo primero que hago es pensar en cómo puedo apoyar los demás elementos de diseño en la construcción del mundo de la obra. ¿Cuáles son las cosas literales que necesito reforzar? ¿Cómo puedo iluminar el paisaje de manera que ayude a darle forma a la habitación? ¿Cómo puedo reforzar las elecciones de color del diseñador escénico y de vestuario? ¿Cómo revelo las formas en el escenario y cómo oculto las cosas que no necesitan ser vistas? ¿Cómo trabajo con el sonido para reforzar el estado de ánimo y el tono?

De la construcción del mundo, me gusta pasar al ritmo del texto. Escucho el guión de la obra como música: siempre hay temas, cambios de humor, repeticiones, dinámicas y ritmos. Me gusta escuchar la forma en que los actores dicen las líneas para intentar tener una idea de su sincronización. La forma en que juegan con el texto puede determinar la velocidad de las señales de iluminación, los momentos a resaltar y ayudar a establecer el tono de la iluminación. 

Lo tercero en lo que pienso es en dónde estarán físicamente los actores en el escenario. Parte de mi trabajo es poner luz donde la necesitamos y quitarla de los lugares donde no la necesitamos. Cuando estamos en ensayos técnicos para el espectáculo, me gusta llamarlo "iluminación con pincel grande" e "iluminación con pincel pequeño". A veces, las escenas con un gran número de actores o escenas en las que se utiliza la mayor parte del espacio de juego requieren que use mi "gran pincel" e ilumine grandes secciones del escenario. Piensa en los grandes números de baile de el Prom ó en Una vez en esta isla, donde utilizo “pinceladas” grandes y amplias para asegurarme de que todo el espacio esté iluminado de forma atractiva. Pista Necesito mi “pequeño pincel”. Tenemos escenas concretas y específicas en las que sólo queremos resaltar a un único actor y ocultar muchos secretos en el escenario. Cada espectáculo requiere ambos pinceles, pero se necesita buen ojo y buenos colaboradores para saber cuál usar. 


6) ¿Hubo algún desafío técnico o efecto especial en CLUE: ON STAGE que anticipaste y cómo planeaste abordarlo a través de tu diseño de iluminación?

Uno de los mayores desafíos técnicos para Pista es que está jugando al lado El ladrón del rayo. Es difícil darle a cada espectáculo su propia identidad única con las limitaciones técnicas del espacio. ladrón de rayos tiene varias piezas de escenario volador que deben revelarse a lo largo del espectáculo, pero eso significa que las luces para esas piezas de escenario ya no están disponibles para usar en Pista. Tuve que pensar realmente críticamente sobre las necesidades de cada programa y cómo pasamos de un programa a otro. Siempre hay una gran batalla entre lo que quiero artísticamente y lo que puedo hacer físicamente con las limitaciones de tiempo, equipo y otros espectáculos. 

Otro desafío de esta exposición fue la iluminación de las ventanas de popa en seis puertas móviles. Tuve que encontrar una manera de iluminar, encender, cargar y controlar las ventanas del espejo de popa mientras se mueven por el escenario en una elaborada secuencia de persecución al estilo Scooby-Doo. Tuve que construir a medida varios componentes de las ventanas de las puertas, ¡así que estoy muy entusiasmado con el resultado! Puedes ver las puertas apagadas en las fotos del ensayo reciente.


7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y sea testigo de tu diseño de iluminación?

Este espectáculo es muy diferente de los últimos espectáculos que he hecho, así que estoy muy feliz de montar un espectáculo tan ágil que realmente me permite jugar con colores fantásticos, ángulos poco convencionales y una gran colaboración maravillosa con algunas de mis personas favoritas. Estoy emocionado de que los miembros de la audiencia experimenten un estilo de iluminación un poco diferente al que ofrecemos habitualmente y que se presenta de una manera tan divertida. ¡Espero que todos se diviertan tanto viendo el programa como yo diseñándolo!


Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 18 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Caleb S. Garner es un diseñador de iluminación y sonido que vive en Charleston, Carolina del Sur. Originario de Carolina del Norte, Caleb recibió su licenciatura y licenciatura en Bellas Artes de Catawba College en Salisbury, Carolina del Norte, y su maestría en Bellas Artes de la Universidad del Sur de Mississippi. Los diseños de Garner, que van desde conciertos hasta ballets, musicales y obras de teatro, le han valido ocho premios de diseño regionales y nacionales. Caleb ha sido un diseñador destacado desde Nueva York hasta Mississippi, diseñando en el noreste, el medio oeste, la costa este y el sur profundo. A Caleb le gusta convertir grandes trozos de madera en trozos más pequeños (a veces erróneamente llamados muebles), gritar con los estudiantes (a menudo reconocido como enseñanza) y jugar con cosas que chispean y humean. Caleb actualmente se desempeña como diseñador de iluminación residente en Charleston Stage Company y es profesor adjunto en el College of Charleston.