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Tuvimos el placer de ponernos al día con Aline Toloto, la mente brillante detrás de nuestro diseño de utilería para CLUE: ON STAGE. Una vez más, ha aportado sus habilidades excepcionales al Dock Street Theatre y lo invitamos a echar un vistazo detrás de escena a su proceso creativo en la elaboración de los accesorios para esta escandalosa producción.

1) CLUE: ON STAGE presenta una variedad de accesorios icónicos, como armas, pasajes secretos y objetos con los que interactúan los personajes. ¿Cómo planeaste diseñar y conseguir estos accesorios para garantizar que sean funcionales y visualmente atractivos?

Diseñar un accesorio, como cualquier otro objeto, es siempre una combinación de belleza y función. Si bien el mundo de la utilería teatral no es tan vasto como la industria cinematográfica, ha ido creciendo en las últimas décadas. Hay excelentes libros de expertos como Eric Hart (uno de mis favoritos) que brindan orientación sobre la creación de diversos proyectos. Siempre que es posible, utilizo este tipo de referencias. El verdadero desafío surge cuando tienes que crear accesorios únicos para los cuales no hay muchas referencias para investigar. En estos casos, hay mucho ensayo y error involucrado, y el período de ensayo se vuelve vital para probar los aspectos funcionales de los accesorios. En última instancia, la experiencia juega un papel importante en la fabricación de accesorios. Cuanto más creas, mejor te vuelves con cada proyecto.

2) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física e intercambios rápidos de accesorios. ¿Cómo creaste accesorios que pudieran resistir las exigencias de la actuación manteniendo su autenticidad y humor?

Me encanta crear accesorios para comedias, ya que permiten una mayor creatividad. Puedes ser más atrevido con los colores, jugar con las escalas y abrazar lo extraño. Por ejemplo, tener una llave inglesa de gran tamaño puede parecer fuera de lugar en un drama histórico, pero en CLUE: ON STAGE solo añade humor. Además, en las comedias, si un accesorio se rompe, es mucho más fácil interpretarlo como parte del acto. Es importante recordar que un accesorio es sólo un objeto; su autenticidad y vitalidad dependen en gran medida de cómo la utilicen los actores y el director. Mi función es garantizar que tengan un objeto bien diseñado con el que trabajar.

¡Mira el tráiler del programa CLUE: ON STAGE a continuación!

3) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el director, el escenógrafo, el diseñador de vestuario y el diseñador de iluminación para garantizar que los accesorios se integraran perfectamente en la visión general de la producción?

Este espectáculo es como un gran lienzo, pintado por muchos artistas, y los accesorios son un elemento que puede agregar profundidad, contraste o servir como punto focal si ese es el objetivo. Como supervisor de propiedades, participo en todas las reuniones de diseño para comprender el concepto de diseño y garantizar que los accesorios sean una parte integral del mundo de la producción. Existe una gran comunicación entre las diferentes tiendas, incluido el intercambio de muestras de colores y telas y la realización de pruebas de iluminación para garantizar que todos estén alineados. Al principio del proceso, el equipo creativo decidió inspirarse en el juego de mesa CLUE para el diseño. Basándome en esa elección, propuse hacer que todas las armas fueran doradas, una decisión de diseño teatral que no sólo hacía que las armas resaltaran sino que también creaba un sorprendente contraste con el vestuario y el decorado.

4) ¿Qué investigación y preparación suele realizar al diseñar y conseguir accesorios para una producción como CLUE: ON STAGE? ¿Cómo se aseguró de que los accesorios fueran históricamente precisos y apropiados para el período y los personajes?

Es una parte esencial de mi proceso investigar el período histórico antes de comenzar a trabajar en la utilería. Dado que la obra está ambientada en la década de 1950, encontrar imágenes históricas precisas de objetos es relativamente fácil, a diferencia de una obra ambientada en el siglo XIX. Sin embargo, una precisión estricta no siempre es un requisito. A veces utilizo una fotografía histórica como inspiración para crear algo similar. El público tiende a conectar la silueta del objeto con algo “vintage”, del pasado, y la mayoría de las veces eso es suficiente. Como artista de teatro, es importante reconocer que los detalles en primer plano no son tan cruciales ya que el público normalmente está sentado a cierta distancia.  

5) Como diseñador de accesorios, ¿cómo se asegura de que los accesorios sean seguros para que los actores los utilicen durante las actuaciones, especialmente cuando implican comedia física o cambios rápidos?

Existen pautas de seguridad que son parte integral de nuestro protocolo, como garantizar que los cuchillos estén desafilados, que las armas sean réplicas que no disparen y evitar el uso de vidrio en el escenario siempre que sea posible. La elección de los materiales también es crucial para crear accesorios seguros. Por ejemplo, optar por materiales blandos como espuma o goma para cuchillos y espadas puede mejorar significativamente la seguridad durante las actuaciones.

6) Finalmente, ¿qué es lo que más le entusiasma de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea el diseño de sus propiedades?

¡Lo que más me emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea el diseño de mis propiedades es la oportunidad de transportarlos a un mundo de misterio, comedia y nostalgia! ¡Espero que podamos reírnos mucho! 

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 2 al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Originaria de Brasil, Aline tiene una Maestría en Bellas Artes en Teatro y Tecnología con énfasis en Diseño Escénico de la Universidad del Sur de Mississippi. Con amplia experiencia como directora de utilería, diseñadora escénica y decoradora de escenarios, los aspectos más destacados de la carrera de Aline incluyen su papel como supervisora ​​de propiedades para la temporada 45 de Charleston Stage, supervisando ocho espectáculos cautivadores que incluyen La familia Addams, Cuento de Navidad, y Una vez en esta isla. Está encantada de continuar en la empresa durante el próximo año.

Recientemente tuvimos el placer de entrevistar a Colin Waters, quien se embarcó en su debut como director en MainStage con CLUE: ON STAGE. ¡Lea más a continuación para descubrir información sobre su proceso creativo mientras dirige este escandaloso juego de misterio y asesinato!

1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y farsa. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te resultaron más emocionantes o desafiantes como director?

PISTA: ON STAGE siempre ha ocupado un lugar muy especial en mi vida. Tanto el juego de mesa como la película fueron elementos básicos de mi infancia que me dejaron recuerdos bastante formativos. En el momento en que escuché que Charleston Stage produciría CLUE: ON STAGE esta temporada, estaba compitiendo por la oportunidad de dirigirla. Sabía que este espectáculo sería una bestia de abordar. Con un espectáculo que tiene tanta cultura a su alrededor, hay muchas referencias y expectativas que lo acompañan. Si bien es un desafío increíblemente emocionante, también fue un poco desalentador. Sabía que necesitaba abordar mi dirección muy meticulosamente. El texto de este programa sigue bastante de cerca la historia de la película con innumerables líneas icónicas salpicadas en el programa palabra por palabra de la película. Como director, tuve que oscilar entre rendir homenaje a la película de culto y al mismo tiempo adoptar mi propio enfoque en el programa. Para ayudar a convertir nuestra producción en algo nostálgico pero también original en sí mismo, quería que el público sintiera las influencias de la película y el juego de mesa. Quería recrear la sensación de estar sentado alrededor de la mesa jugando al “Clue” con tus seres queridos: la competencia, la estrategia, el misterio.

Alejándonos de los desafíos conceptuales que tenemos entre manos, el mayor desafío físico que tenemos entre manos es la rapidez con la que se mueve este espectáculo. No sólo el ritmo de este espectáculo es vital para su éxito, sino que el público recibe tanta información a lo largo de la noche que conducirá a resolver el misterio al final de la obra. Tuvimos que encontrar el equilibrio para mantener el ritmo sin sacrificar toda la información que se nos presentó. Si a eso le sumamos que esta obra se desarrolla en una mansión con más de 8 ubicaciones distintas, a veces en varias habitaciones al mismo tiempo, tendrás un montón de desafíos de dirección por delante. Dicho esto, dirijo con un estilo muy innovador impulsado por el conjunto. Utilicé ese estilo de dirección para mantener el espectáculo en movimiento, sin permitir nunca que la audiencia se alejara ni un segundo del mundo que estamos creando ante sus ojos.

2) CLUE: ON STAGE presenta un conjunto diverso de personajes, cada uno con personalidades y peculiaridades distintas. ¿Cómo trabajaste con los actores para resaltar la individualidad de cada personaje y al mismo tiempo retratar los momentos icónicos que los entusiastas leales del cine y los juegos de mesa han llegado a amar?

Esta fue una de las primeras cosas que hablé con los actores. Comencé este proceso con una pregunta. ¿Cómo honramos nosotros, como artistas, a los personajes increíblemente reconocibles y únicos que se hicieron famosos gracias a la película, y al mismo tiempo llevamos nuestro propio arte al escenario? Dado que este programa trata sobre los juegos que jugamos, animé a los actores a explorar cómo su personaje juega "el juego". Para mantener su longevidad en la historia, ¿utilizan el coqueteo como táctica, minimizan su nivel de amenaza en torno a personajes más explosivos, exageran demasiado su personalidad para atraer a los demás? Una vez que cada actor descubrió su modo de juego, introduje el concepto de que este programa es muy meta. El programa sigue un juego, dentro de un juego, dentro de un juego, dentro de un juego. En esencia, tenemos 6 personalidades extremadamente diversas: Verde, Escarlata, Ciruela, Mostaza, Blanco y Pavo Real. Estos son los personajes que menos saben sobre el juego que están jugando. Su objetivo es descubrir quién los chantajea y, finalmente, quién comete los asesinatos en la casa. Como están en el centro de este universo, tienen las personalidades más amplificadas. La siguiente capa fuera de estos personajes es cualquiera de los personajes que tenían conocimiento previo del juego que se estaba jugando esa noche: Wadsworth, Yvette, Mr. Boddy, The Cook, etc. Estos personajes tuvieron algún tipo de participación en las festividades de esta noche, ya sea que planificaron la noche, ayudaron a ejecutar la visión o fueron simplemente uno de los informantes que dieron pistas al chantajista. Sus personajes son más moderados que los 6 principales, pero aún tienen sus propias características exageradas y una visión clara de su estilo de "juego". Finalmente, nuestro conjunto representa a nuestra audiencia, los que juegan el juego de “Clue”. Tienen las personalidades menos intensas porque son los más alejados de lo que está en juego. En cambio, están afuera mirando hacia adentro. Ven lo que los otros personajes no notan.

¡Mira el tráiler del programa CLUE: ON STAGE a continuación!

3) La obra normalmente se desarrolla en una mansión con múltiples habitaciones y secretos ocultos. ¿Cuál fue su visión al darle vida a la mansión en el escenario y cómo creó una sensación de espacio y atmósfera que realza la narración?

Como mencioné anteriormente, este fue uno de los mayores desafíos físicos que presenta este programa. ¿Cómo puedes moverte con éxito por 8 habitaciones diferentes de una casa, dándole a cada habitación sus propias características distintivas, sin que todo el escenario parezca abarrotado? Después de muchas sesiones de lluvia de ideas creativas con Adam, el diseñador escénico, llegamos a un concepto que establecía las complejidades de la mansión y al mismo tiempo permitía libertad para moverse de una habitación a otra. Sabía que quería incorporar una representación física del juego de mesa en algún lugar del set, y Adam conceptualizó la idea de que el set estaba lleno de puertas que conducían a diferentes habitaciones de la casa. Cuando entramos en una habitación, las puertas se mueven por el espacio abriéndonos a la habitación. Al mismo tiempo, dio vida a la visión del juego de mesa al permitir que el público viera el mapa de la casa en todo momento, lo que indica en qué parte del juego de mesa se encuentran nuestros personajes.

4) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física, entradas y salidas rápidas y momentos de humor slapstick. ¿Cómo coreografiaste y escenificaste estos elementos cómicos para maximizar su impacto cómico?

Sabía que para capturar completamente el ritmo de este espectáculo, el bloqueo y la coreografía tenían que estar al mismo nivel. Este espectáculo está plagado de una historia compleja, quería que el movimiento de este espectáculo reflejara esa complejidad sin dejar de ser controlado y hermoso. El público puede esperar transiciones que fluyan de una habitación a la siguiente. A medida que los personajes se mueven por la casa, obtenemos una perspectiva interna de lo que podrían estar pensando. El programa se basa profundamente en la comedia física y el elemento sorpresa, quiero decir, se revelan varios asesinatos a lo largo del programa. Eliza Knode, actriz residente, asumió el desafío de dirigir este programa. Su experiencia elevó el aspecto físico de este espectáculo a otra dimensión que sólo podría haber soñado.  

5) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el escenógrafo, el diseñador de vestuario y el diseñador de iluminación para garantizar que la visión general de la producción fuera coherente?

No puedo alabar lo suficiente a nuestro equipo de producción. Todos los que trabajaron en este programa pusieron su corazón en él y se nota absolutamente. Cada diseñador incorporó diferentes elementos que se inspiraron en la propia obra, la película y el juego de mesa. Una gran parte del éxito de esta exposición radica en la armonía con la que cada elemento de diseño funciona entre sí. Cada diseño puede ser independiente pero también mejora los demás diseños que lo rodean. Nuestro diseño escénico, aportado por Adam Jehle, nos sumerge en una mansión de estilo victoriano con una representación física del juego de mesa pegada en la pared trasera. Este mapa del juego de mesa también funciona como un mapa de la casa, y a menudo ayuda a indicar exactamente en qué parte de la casa tiene lugar cada escena. Nuestra diseñadora de vestuario, Hayley O'Brien, destacó las siluetas de la ropa de la época de los años 50, al tiempo que combinó los colores icónicos de las piezas originales del juego en su diseño de vestuario. Aline Toloto, nuestra diseñadora de propiedades, incorporó muchos accesorios históricamente precisos para ayudar a construir el mundo del espectáculo; sin embargo, también entró en la teatralidad del juego de mesa y asintió con la cabeza a algunas de las piezas clásicas del juego de mesa. El diseño de iluminación de Caleb Garner es magnífico. Usó iluminación para ayudar a enfatizar la teatralidad de la película y la yuxtapuso con iluminación ambiental para ayudar a crear un aire de misterio. Finalmente, Luke Walchuk, nuestro diseñador de sonido, compuso una partitura original que es tan grandiosa como llena de matices. Cada elemento de diseño actúa como un personaje más que trabaja dentro del conjunto de este espectáculo. Todo nuestro increíble personal en las tiendas de disfraces y escenas ayudó a darle vida a estos hermosos diseños y no podría estar más orgulloso e impresionado con el resultado.

6) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE?

Me emociona tener un conglomerado de audiencias diferente. Algunas audiencias serán fanáticos acérrimos de las películas CLUE. Unos que conocen cada línea del programa y la relevancia cultural que sigue dejando en la sociedad. Algunos miembros de la audiencia serán súper fanáticos de los juegos de mesa. Pueden ser estrategas, jugadores, personas a las que les encanta la emoción de intentar resolver el misterio antes que nadie. Algunos miembros del público serán amantes del teatro. Personas que tal vez no tengan una conexión previa con la película o el juego de mesa, pero que se sienten atraídas por este programa únicamente por su amor por el teatro. Como alguien que comparte un poco de estas tres personalidades de la audiencia, quería asegurarme de que todos salieran de esta producción hablando de su amor específico por este programa. Creo que este espectáculo significará algo diferente para cada miembro de la audiencia que lo vea, y no puedo esperar a estar rodeado de cientos de personas cada noche mientras experimentamos este espectáculo juntos.

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 27 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Colin Waters está encantado de hacer su debut como director en Mainstage con Charleston Stage. Originario del norte de Kentucky, Colin obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en Actuación y una doble especialización en Teatro Musical y Administración de Artes de la Universidad de Western Kentucky. Pista: en el escenario Marca la producción número 25 de Colin con Charleston Stage, actuando y dirigiendo. Los créditos anteriores de Colin como director de Charleston Stage incluyen: La telaraña de Charlotte (Temporada 45), Bright Star (Subdirector), Isla del tesoro (Temporada 45), El Best Christmas Pageant Alguna vez (Temporada 42). Algunos de los créditos actorales favoritos de Colin en Charleston Stage incluyen: La Familia Addams (Tío Fester), La obra que va mal (Roberto/Thomas Colleymore), De ratones y hombres (Lennie), Footloose (Willard), Bright Star (Alcalde Josiah Dobbs), La bella y la bestia (Le Fou), El curioso incidente del perro a medianoche-Time (Voz 4), Shear Madness (Mikey) y Duende (Papá Noel). Colin fue nombrado recientemente Mejor Actor en los premios Best of Charleston City Paper Awards de 2023. Puedes encontrar a Colin en Instagram: @thepapacolin

Por Maura Hogan mhogan@postandcourier.com
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Ya sea que siempre hayas desconfiado de la pomposidad tweedy del profesor Plum o hayas juzgado las maneras descaradas y sin disculpas de la señorita Scarlet, hay abundantes pistas entre la galería de sospechosos del pícaro en “Clue” que ofrecen material para señalar con el dedo.

Durante décadas, el juego de mesa convertido en película y en farsa ha cautivado a quienes se deleitan con una buena novela policíaca a la antigua, una partícula fijada en el dónde y con qué.

Reuniendo a un elenco cargado que está más que dispuesto a mutilar con la ayuda de un candelabro, una cuerda o una llave inglesa, Charleston Stage ahora ofrece lo último, “Clue: On Stage”. La interpretación teatral de la película de 1985, que se estrenó en 2022 en Paper Mill Playhouse en Nueva Jersey, tendrá su primera presentación en el Dock Street Theatre y se extenderá hasta el 5 de noviembre.

Para la versión teatral, Sandy Rustin escribió y adaptó el guión del guionista Jonathan Lynn, incorporando nuevos fragmentos y bromas creadas por Hunter Foster y Eric Price. La producción de Charleston Stage también marca el debut como director de escena principal del miembro del repertorio de la compañía, Colin Waters.

En los últimos años, Waters ha tenido una presencia omnipresente en el escenario de Charleston con una trayectoria impresionantemente amplia como intérprete en el escenario de Dock Street. Para esta producción, aprovecha sus habilidades cómicas para aprovechar al elenco en una serie de percances y asesinatos que intensifican cada vez más las travesuras en el escenario.

Al igual que la película de la que está adaptada, esta notable desviación del famoso juego de mesa de los hermanos Parker profundiza en la política estadounidense de la Guerra Fría que informa la trama. Esta “Pista” está ambientada en la década de 1950, en el apogeo del macartismo, con el Terror Rojo de alguna manera involucrado en los acontecimientos.

Antes de analizar esas actuaciones, hay que dar el debido crédito a un agente clave de la producción: el decorado. Para esta producción, el escenógrafo Adam Jehle ha ideado una belleza. Si bien la madera bruñida y las pinturas al óleo están adecuadamente decoradas, acordes con la lujosa casa del acomodado Sr. Boddy, también da vida al juego de mesa de manera creativa.

Las incursiones ridículas se desarrollan en las múltiples puertas del género. A través de ellos, los personajes entran y salen para entrar y salir de los espacios característicos del juego (la biblioteca, la sala de billar, el invernadero, etc.) con pinturas en una pared detrás del escenario que se voltean para revelar cada uno de ellos. Pero a diferencia de las estructuras estáticas de la mayoría de las farsas, estas puertas tienen patas, y los actores las mueven de un lado a otro por el escenario para lograr un efecto cómico y divertido.

Al mismo tiempo, se despliega un uso efectivo del color en todas partes, con cada sospechoso envuelto en el tono que indica su nombre, cortesía de la diseñadora de vestuario Hayley O'Brien. Piense en un verde azulado con corona de plumas para la señora Peacock, un camión de bomberos rojo audazmente deslumbrante para la señorita Scarlet, un magnífico traje esmeralda para el señor Green.

Ahora, sobre esos personajes. Esta obra funciona mejor cuando los intérpretes buscan la gloria en su interpretación y el gusto por la comedia física. Como el mayordomo Wadsworth, Justin Von Stein hace su debut en el escenario de Charleston con gran y ágil forma, suavizando todo el caos con un melifluo acento británico mientras navega ágilmente por obstáculos y cosas similares con engañosa facilidad.

Otros sospechosos famosos también se mantienen firmes, entre ellos Kathy Summer, quien hace un trabajo impresionante con la parlanchina y santurrona Sra. Peacock; Dominick Ventrella como el Sr. Green, peculiarmente nervioso; y Mike Hornacek, que se divierte con platos fritos sureños con el coronel Mustard. En general, el elenco ofrece una potencia encomiable mientras se apresuran y corretean, entran y salen, se debilitan y se marchitan, empuñando algunas armas mientras desvían otras.

Pero en esta obra la clave está en el humor. Este no es un asesinato misterioso que comercia con suspenso. En cambio, su motivación es la comedia negra, de la variedad agradable que provoca risas más que carcajadas desgarradoras. Y también es lo suficientemente agradable para toda la familia.

Aparte de un poco de cortesía de la dueña Miss Scarlet interpretada por Brietta Goodman, “Clue” ofrece tanto la nostalgia necesaria como una réplica vertiginosa para los padres, así como algunas travesuras amplificadas que seguramente entretendrán al experto visual de TikTok. generación.

Es decir, mi hija Beatrice, de 10 años, y su amiga Vivienne estaban más que encantadas con el espectáculo: un sólido testimonio de un raro derroche entre semana que probablemente se abrirá paso en sus bromas preadolescentes en las próximas semanas.

Considerándolo todo, “Clue: On Stage” avanza amablemente, aun cuando su rigor físico requerido es ciertamente un ejercicio más extenuante de lo que sus enérgicos actores dejan entrever. En Charleston Stage, están dispuestos a pasar una velada divertida y sin colmillos en el teatro, una velada que seguramente será tan fácil de tomar como el vino en las copas de cristal del Sr. Boddy.

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En nuestra última producción de CLUE: ON STAGE, nos reunimos con Adam Jehle, nuestro talentoso diseñador escénico que una vez más adorna el Dock Street Theatre con sus habilidades. Explora a continuación para profundizar en su proceso creativo para crear los decorados de esta escandalosa novela policíaca.

1) PISTA: ON STAGE se desarrolla en una mansión y el escenario juega un papel crucial en la historia. ¿Qué elementos del diseño y la atmósfera de la mansión le resultaron más intrigantes y desafiantes desde una perspectiva de diseño escénico?

Me encanta la película original y también me encanta el juego de mesa. Así que desde el principio quise incorporar ambas ideas en el diseño del decorado. Lo que resultó desafiante fue intentar colocar los elementos de diseño del juego de mesa, que no son muy realistas, y fusionarlos con el mundo de la mansión.

2) La obra normalmente se desarrolla en varias habitaciones dentro de la mansión. ¿Cómo planeaste crear espacios distintos para cada una de estas habitaciones manteniendo al mismo tiempo un diseño general cohesivo?

Hoy en día, muchos programas están escritos como películas. Por lo tanto, se necesitan muchas ubicaciones y escenarios diferentes para contar la historia completa. Pero cuando intento diseñar programas como ese, me gusta pensar cómo podría descomponerse en su forma más básica y expandirse a partir de ahí. Para CLUE: ON STAGE, el aspecto más intrigante y desafiante fue llegar a todas estas diferentes habitaciones de la mansión. Así que decidí que deberíamos centrarnos en las puertas y hacer que se movieran alrededor de la mansión como un laberinto, y para ayudar a la audiencia a mantenerse al tanto de en qué habitación estamos, habría una gran pared que parecía un juego de mesa para darle la vuelta. y dinos en qué habitación estamos. También utilizamos solo algunos muebles "clave" que serían reconocibles para cada habitación.

3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica comedia física, entradas y salidas rápidas e incluso algo de humor bufonesco. ¿Cómo pretendías diseñar el decorado para dar cabida a estos elementos cómicos y maximizar su impacto cómico?

Al igual que la idea de la comedia “física”, decidí hacer el set también “físico”. Es decir, los actores mueven las paredes, las puertas y los muebles y los hacen ser parte de la comedia que están haciendo. Cuando corren por sus vidas alrededor de la casa, la casa corre justo detrás de ellos.

4) La obra es conocida por sus pasadizos secretos, compartimentos ocultos y elementos sorpresa. ¿Cómo imaginaste incorporar estos elementos en la escenografía para crear momentos de sorpresa y emoción para el público?

Nuestro director Colin Waters tuvo mucho más que ver con eso que yo. Ha decidido esconder los cuerpos detrás de puertas y muebles y hacerlos aparecer de la nada. Simplemente hice que el conjunto fuera muy móvil para ayudarlo con esa visión.

5) ¿De qué investigación e inspiración sacaste el diseño del interior de la mansión?

El juego de mesa me inspiró mucho. Quería que todos los espectadores sintieran que, incluso si no habían visto la película, había pequeñas piezas del juego de mesa que reconocían y podían señalar.

6) ¿Hubo algún desafío técnico específico que anticipaste al diseñar el set de CLUE: ON STAGE, como efectos especiales, cambios de escena o piezas en movimiento?

Sinceramente, una de las partes más desafiantes fue diseñar este espectáculo en representación de El ladrón del rayo. Tienes que recordar que todo lo que ves en el escenario tiene que desaparecer y que todo otro decorado tiene que desaparecer allí. Las luces y las cortinas no pueden moverse en cada espectáculo, lo que significa que sólo puedo colocar cosas en ciertos lugares. Se tuvo que planificar mucho hasta el último detalle, incluso hasta el acabado y cómo se puede quitar rápidamente y guardar de manera eficiente.

7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea tus diseños escénicos?

Prometo que esta no será como ninguna otra PISTA que nadie haya visto antes. Es fresco, nuevo y divertido en formas antiguas y nuevas. Estoy emocionado de que la gente vea todo el arduo trabajo que todos han hecho para lograrlo.

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 26 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Adán Jehle, Originario de Nixa, MO, es diseñador escénico/de proyecciones residente y director técnico adjunto de Charleston Stage. Sus créditos incluyen Diseño de Proyección para Asesinato en el Orient Express y El Best Christmas Pageant Alguna vez, Diseños Escénicos para La familia Addams – Un nuevo musical, ¡Jardines nativos, la telaraña de Charlotte, Black Pearl Sings! y Pisando fuerte para Charleston Stage y dirección técnica para toda la temporada 45 de Charleston Stages. Otros créditos son espectáculos de diseño escénico como Cenicienta y Mamma Mia! en el Crane River Theatre de Nebraska, y titanic, cabaret, y Día de la Marmota en Stagedoor Manor en el norte del estado de Nueva York. Recibió su BFA en Diseño, Tecnología y Dirección Escénica de la Universidad Estatal de Missouri en 2020. Adam está emocionado de diseñar otros espectáculos para Charleston Stage esta temporada, incluido El baile de graduación, Pista: En el escenario, Un cuento de Navidad, y El viaje a Bountiful.

Hablamos con Hayley O'Brien, nuestra diseñadora de vestuario, llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo esta página¡Y sigue leyendo para aprender más sobre su proceso artístico en el diseño del vestuario para esta alocada adaptación teatral!

1) ¿Qué te atrajo del proyecto CLUE: ON STAGE y qué aspectos de los personajes y el escenario de la obra te parecieron más interesantes desde la perspectiva del diseño de vestuario?

Cuando era niño, era un gran admirador del juego de mesa CLUE, ¡y siempre lo jugaba con mis amigos! Vi la película CLUE por primera vez cuando estaba en quinto o sexto grado y rápidamente se convirtió en una de mis películas favoritas. ¡He visto la película probablemente cientos de veces y todavía la cito hasta el día de hoy! No hace falta decir que estaba MUY emocionado de diseñar el vestuario para CLUE: ON STAGE. Todo el mundo conoce CLUE y sus personajes icónicos, así que estaba muy emocionado de ayudar a que estos personajes cobraran vida y trabajar con el equipo de producción para incorporar elementos del juego de mesa y al mismo tiempo rendir homenaje a la película.

2) PISTA: EN EL ESCENARIO presenta una variedad de personajes distintos, cada uno con sus propias personalidades y peculiaridades. ¿Cómo abordaste el diseño de estos disfraces que reflejan y realzan a estos personajes icónicos?

Desde el principio, supe que nosotros, como equipo de producción, queríamos aludir al tablero de juego de CLUE. Por lo tanto, miré muchas publicaciones de CLUE, específicamente las tarjetas de personajes, para ver en qué imagen piensa realmente la gente cuando piensa en estos personajes icónicos. Por ejemplo, cuando pensamos en el coronel Mustard, lo imaginamos vestido como un coronel, pero hay muchas representaciones en las que lo vemos vestido más bien como un explorador de safari. Así que realmente quería jugar con los recuerdos que la gente tiene de estos personajes. Dado que el guión de la obra se basa en la película de 1985, también busqué hacer referencia a las siluetas de la película para conectar las dos inspiraciones. 

¡Lo mejor de un programa como CLUE: ON STAGE es que los personajes son muy diferentes entre sí! En el guión, la descripción de cada personaje es muy distinta, casi arquetípica, y te deja una impresión como diseñador hasta el punto de que tienes una imagen ya pintada en tu cabeza. Realmente quería resaltar la singularidad de cada personaje a través de la diferencia en siluetas y texturas de telas. Por ejemplo, se describe a Miss Scarlet vestida con el glamour de “Hollywood”, así que quería que estuviera vestida con telas sedosas que cubrieran con muchos detalles brillantes. Mientras que la Sra. White es descrita como muy morbosa y vestida con ropa funeraria, quería que fuera muy estructurada y angulosa para enfatizar aún más su comportamiento estoico y oscuro. A lo largo de todos los disfraces, cada personaje contrasta entre sí pero se une de una manera cohesiva que creo que los miembros de la audiencia realmente disfrutarán.

Fotos de Reese Moore Fotografía

3) ¿Qué investigación y preparación sueles realizar al diseñar vestuario para una producción como CLUE: ON STAGE? ¿Cómo se asegura de que sus diseños sean auténticos y apropiados para la época y los personajes?

Cuando una producción se centra en un tema tan icónico de nuestra cultura, me concentro en los elementos con los que la gente se registra. Todos tienen una idea de cómo es CLUE, ya sea que piensen en el juego o en la película. Por lo tanto, creo que es importante tomar aspectos memorables del original y al mismo tiempo darle mi propio toque. Gran parte de mi investigación para esta producción implicó observar muchas versiones del juego CLUE y al mismo tiempo investigar el período y el escenario. Para asegurarme de que los diseños sean apropiados, trato de encontrar imágenes de prendas reales, patrones antiguos, fotografías y revistas de la época real para que las siluetas y los detalles del diseño ayuden a establecer el ambiente. En esta producción, tienes piezas de vestuario específicas que requieren una investigación más exhaustiva. En particular, la producción cuenta con personajes como el Coronel Mustard y Wadsworth que visten uniformes que tienen una historia específica y vasta. Para diseñar estos disfraces con respeto, creo que es importante profundizar en cada aspecto y detalle para ser lo más auténtico posible.

4) ¿Hubo algún desafío específico que anticipaste al diseñar el vestuario para esta producción, como efectos especiales o cambios rápidos que debieron adaptarse?

En este programa, suceden MUCHAS a medida que se desarrolla la trama. ¡Tenemos actores que interpretan varios personajes con algunos cambios rápidos! Alerta de spoiler, pero también tuvimos que considerar retratar el asesinato de algunos personajes, como colocar armas en los disfraces o poner sangre falsa. Los personajes también tienen que esconder pruebas y armas en sus cuerpos o en sus bolsos, lo que fue un factor importante a la hora de abordar algunos de los disfraces. Los actores también son muy físicos en el programa, así que realmente tomé en consideración darles suficiente movilidad en sus disfraces.

5) CLUE: ON STAGE es conocido por su humor y elementos ridículos. ¿Cómo planeaste incorporar elementos cómicos en los diseños de vestuario para realzar la hilaridad general de esta obra?

¡Creo que los colores brillantes y la vitalidad del vestuario realmente contribuyen a la comedia general del espectáculo! La producción aborda el misterio de un asesinato de una manera humorística, por lo que, si bien el programa tiene momentos muy serios y oscuros, los personajes mismos lucen y actúan de manera muy animada y saturada.

6) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo abordaste el trabajo con el director, el escenógrafo y el diseñador de iluminación para garantizar que el vestuario se integrara perfectamente en la visión general de la producción?

Para el diseño inicial, nuestro director Colin Waters presentó su concepto para el espectáculo y expresó ciertos elementos que quería para la producción. El concepto general era incorporar elementos del juego de mesa en toda la producción, ¡lo cual entusiasmó a todos y estuvo de acuerdo! Antes de que cada departamento hiciera su propia investigación, nos sentamos y presentamos imágenes generales que evocaban el estado de ánimo, el sentimiento y la vitalidad generales de lo que pensábamos del programa. A partir de entonces estuvimos todos muy sincronizados en el proceso de colaboración. Pensamos en cómo cada elemento de diseño funcionaría entre sí. Hablamos sobre cómo la saturación del vestuario resaltaría contra los ricos tonos tierra del escenario y cuán dramáticamente iluminadas serían ciertas escenas.

Durante el proceso de diseño, Colin y yo estuvimos de acuerdo en la importancia de que cada personaje estuviera vestido con los colores que representa su nombre para que los personajes se sintieran como las piezas del juego que la gente jugaría como en un juego de CLUE. Siento que esta elección de diseño funciona extremadamente bien ya que Adam Jehle, diseñador escénico, hizo un gran trabajo al hacer que el set realmente hiciera referencia al tablero de juego de CLUE y Aline Toloto, maestra de utilería, elementos integrados como las cartas de CLUE y las armas que se parecen a las piezas de metal reales que pondrías en cada habitación. En general, creo que todos los elementos de diseño funcionan bien juntos para crear el juego de misterio y asesinato que todos conocemos y amamos.

7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y vea tus diseños de vestuario?

¡Estoy muy emocionado de que el público vea toda la producción! Creo que todos los involucrados en esta producción trabajaron muy duro y apasionadamente. ¡Estoy muy emocionado de que el público vea a los personajes cobrar vida con sus disfraces y vea todos los elementos de diseño únicos y divertidos!

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 26 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

¡Hayley O'Brien está muy emocionada y orgullosa de trabajar en Charleston Stage! Originaria del sur de Florida, Hayley se graduó de la Universidad Estatal de Florida con una Maestría en Bellas Artes en Diseño de Vestuario y una Licenciatura en Teatro. Sus créditos recientes en Charleston Stage incluyen Jardines Nativos, JFK e Inga Binga y La familia Addams: un nuevo musical. Otros créditos incluyen Kinky Boots, James y el melocotón gigante de Roald Dahl, y Un espíritu burlón. Espera con ansias futuras producciones en Charleston Stage y está agradecida de participar en el programa TheatreWings. ¡Hayley quisiera agradecer a su familia y amigos por todo su amor y apoyo!

Hablamos con Luke Walchuk, nuestro diseñador de sonido residente e ingeniero de audio, llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo esta página¡Y sigue leyendo para conocer más sobre su proceso artístico al diseñar el sonido y crear la partitura original para este juego de misterio y asesinato!

1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y suspenso. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te parecieron más emocionantes o desafiantes desde la perspectiva del diseño de sonido?

PISTA: ON STAGE es, sin duda, una comedia, y bastante tonta. Sin embargo, la comedia sólo funciona contra los graves riesgos del asesinato y el peligro. Como diseñador de sonido, mi mayor desafío es ayudar tanto a lo tonto como a lo serio. Es importante tener una atmósfera de suspenso porque necesitamos creer que estos personajes temen por sus vidas. Por otro lado, también contribuyo a que algunos de los chistes lleguen a buen puerto. El desafío es asegurarse de que los sonidos no parezcan caricaturescos. Es este equilibrio lo que encontré realmente interesante al trabajar en este programa.

2) Las obras de misterio a menudo requieren un uso cuidadoso de la música para generar suspenso y mejorar el aspecto de la historia que resuelve el misterio. ¿Cómo abordaste la creación de la música original para esta producción que muestra tanto el misterio como la comedia?

Mi primera prioridad al crear la partitura de CLUE: ON STAGE fue asegurarme de que la música apoyara la amplia variedad de momentos del espectáculo sin dejar de ser una pieza cohesiva de principio a fin. No quería que pareciera una colección de piezas musicales dispares elegidas momento a momento.

Me acerqué a este objetivo de dos maneras. Primero, elegí mi instrumentación con anticipación y me limité a usar solo esa paleta sonora en todo momento. Me aseguré de incluir instrumentos que pudieran soportar tanto momentos serios como otros más cómicos. Revisaré algunas de mis opciones con más detalle en un momento.

Mi segunda estrategia para lograr una partitura coherente fue utilizar temas repetidos a lo largo de la partitura. Hay algunas ideas melódicas que surgen una y otra vez. A veces es una repetición nota por nota del mismo tema, otras veces es una reelaboración del mismo, pero las mismas ideas están entrelazadas en todo momento.

La instrumentación realmente me ayudó a marcar el tono de esta producción. En las primeras conversaciones con el director Colin Waters, se estableció que la producción estaría muy inspirada en las películas clásicas de misterio y cine negro, así como en la película CLUE de los años 1980. La obra en sí suele ser interpretada con un pianista en vivo, pero Colin quería un sonido más completo para la partitura. Teniendo esto en cuenta, mi primera elección de instrumentos fue bastante obvia: cuerdas orquestales. 

Con esta idea básica en mente, elegí apoyarme en el melodrama de las películas que nos inspiraron y decidí agregar un theremin a la mezcla. Si no estás familiarizado, un theremin es un instrumento electrónico que se controla mediante dos antenas: una para el volumen y otra para el tono. El intérprete no toca el instrumento en absoluto, sino que mueve sus manos a través de los campos magnéticos que rodean estas dos antenas para manipular el sonido. Los sonidos resultantes son inquietantes, inquietantes y, francamente, un poco cursis. Perfecto para el equilibrio que pretendía lograr en tono.

También sentí que el escenario de CLUE: ON STAGE requería el tipo de drama majestuoso y de mano dura que sólo se puede lograr con un órgano de tubos. El órgano es un instrumento versátil, pero en el contexto de la música espeluznante es más conocido por su bullicio. PISTA: ON STAGE definitivamente se beneficia de los momentos de bullicio.

Finalmente, necesitaba un instrumento solista para algunos de los pasajes más ligeros. Algo con una expresión un poco más vivaz de la que podría lograr con el órgano. A partir de un momento particular que requiere un poco de tango, aterricé en el clarinete. El clarinete es un instrumento versátil que se siente como en casa siendo a la vez sombrío y juguetón. El tono es agradable en todo su rango y resulta que se toca muy bien con el órgano de tubos.

Habiendo reunido esta paleta de sonidos, pude mantener mi partitura unificada pero flexible.

¡Escuche la partitura original de Luke a continuación en el tráiler del programa CLUE: ON STAGE!

3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica señales sonoras rápidas para acentuar momentos cómicos, revelaciones sorpresa o escenas de suspenso. ¿Cómo coreografiaste y ejecutaste estas señales sonoras para maximizar su impacto dramático?

Una de las claves de momentos como este es la elección cuidadosa de los sonidos mismos. Hay mucho ruido exuberante proveniente de los propios actores en esta obra, así que tengo que asegurarme de que los sonidos no se pierdan en el bullicio. Sin duda, es fundamental asegurarse de que sean lo suficientemente fuertes, pero también deben ser lo suficientemente largos para que nadie los pierda. También deben ser lo suficientemente diferentes del ruido que ocurre en el escenario. Usar sonidos más agudos que las voces en el escenario ayuda a que se destaquen. También los acentúo con frecuencia con sonidos contundentes de muy baja frecuencia que el público siente más de lo que escucha. Esto realmente aumenta el dramatismo de cualquier cosa, desde un trueno (obviamente) hasta el impacto de un arma homicida, um, cometer un asesinato. 

Dicho todo esto, debo ejercer cierta moderación. Mis sonidos no deberían ser tan prominentes como para sacar al público de la experiencia. Deben complementar lo que sucede en el escenario, no distraerlo.

4) La colaboración con el resto del equipo de producción es crucial en el teatro. ¿Cómo trabajó con el director, el escenógrafo, el diseñador de iluminación y otros miembros del equipo para garantizar que el diseño de sonido se alinee con la visión general de la producción?

La colaboración es absolutamente el aspecto más importante de todo este asunto. Intento, en cada programa en el que trabajo, asegurarme de consultar con frecuencia con el director para asegurarme de que estamos en la misma página. Este programa en particular fue escrito específicamente para ser musicalizado y, por lo tanto, requirió una colaboración aún más estrecha de lo habitual. Tenía la mayor parte de la música escrita, al menos en forma de borrador, cuando comenzaron los ensayos. Los efectos de sonido siguieron poco después. De esta manera, nuestro director Colin Waters y el elenco sabían exactamente qué esperar y pudieron coreografiar sus movimientos con la música. También pudieron comunicarse conmigo y ajustar las cosas a medida que avanzábamos. Con los efectos de sonido, es muy útil para los actores escucharlos tanto como sea posible durante el ensayo. Si se espera que reaccionen, por ejemplo, ante un trueno o un disparo, es mejor que lo tengan disponible con antelación. 

También trabajé en estrecha colaboración con nuestro diseñador de iluminación Caleb Garner. Este espectáculo, como era de esperar, está lleno de truenos. Ésta es la necesidad más obvia de colaboración entre sonido y luces. ¡Pero la cosa no termina ahí! Caleb también necesitaba comprender la sincronización de la música y otros efectos de sonido para poder crear sus hermosas apariencias y efectos. En muchos casos, discutíamos juntos un efecto y, a menudo, incluso nos dábamos ideas durante todo el proceso.

5) ¿Cuál es su enfoque para diseñar y programar efectos de sonido para momentos o escenas específicas que requieren sincronización precisa y coordinación con otros elementos de la producción?

Una vez más, se trata de colaboración. Como mencioné en la pregunta anterior, tener efectos de sonido en el ensayo es muy útil para desarrollar la sincronización. También es fundamental que me comunique estrechamente con el director de escena. Imani Lloyd es responsable de hacer que los efectos de sonido sucedan exactamente cuando sea necesario, así como de coordinar todos los demás aspectos de la producción. Ella sabe, hasta la sílaba, cuándo debe emitirse cada señal y es verdaderamente el sistema nervioso central de la producción. También trato de no ser demasiado preciso acerca de dónde creo que deben ir las señales. Imani y Colin han estado ensayando la obra noche tras noche, es importante que confíe en ellos para saber cuándo funciona mejor las cosas.

6) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestra audiencia experimente CLUE: ON STAGE y escuche tu partitura original y diseño de sonido?

Desde una perspectiva personal, siempre estoy emocionado por un espectáculo que involucra mucha composición. Crear música es mi parte favorita de mi trabajo y me encanta compartir eso con el público. Pero estoy más emocionado porque esta no es una presentación de mi música, es el producto de docenas de personas, cada una poniendo su creatividad y pasión en la producción. Estoy muy entusiasmado con el decorado, los accesorios y el vestuario (diseñados por Adam Jehle, Aline Toloto y Hayley O'Brien respectivamente), pero también estoy infinitamente impresionado por todos los demás que trabajan detrás de escena, desde todo el vestuario y tiendas de escena para nuestros equipos detrás del escenario y también para la gente de la administración. Por eso me encanta hacer teatro: se trata del esfuerzo del grupo y ninguna persona es esencial.

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 18 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Luke Walchuk ha trabajado en la industria del sonido en vivo de una forma u otra desde 2004. Adquirió experiencia en entretenimiento en cruceros, parques de diversiones, música en vivo y audio corporativo antes de decidir que el teatro era el trabajo más creativo y satisfactorio que podía hacer. Luego obtuvo una Maestría en Bellas Artes en Diseño de Sonido y está especialmente feliz de estar aquí en Charleston Stage.

Hablamos con Caleb S. Garner, nuestro diseñador de iluminación., llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en nuestra producción de CLUE: ON STAGE. Consigue tus entradas para el espectáculo esta página¡Y sigue leyendo para conocer su proceso artístico al diseñar la iluminación de esta divertida novela policíaca!

1) CLUE: ON STAGE es conocido por su mezcla de misterio, comedia y suspenso. ¿Qué te atrajo de esta obra en particular y qué aspectos del guión te parecieron más emocionantes o desafiantes desde la perspectiva del diseño de iluminación?

No conocí la película hasta que estaba en la universidad, así que realmente no me acerqué a la producción con el mismo factor de nostalgia que tenían varios de los otros miembros de la producción. Cuando lo vi por primera vez, me atrajeron especialmente los personajes gigantescos en situaciones literales de vida o muerte. Se toman a sí mismos increíblemente en serio y, sin embargo, la mayoría de las cosas que dicen y hacen no son en absoluto serias e irreverentes. Es como si tu grupo de amigos estuviera sentado alrededor de la mesa del comedor jugando juntos y divirtiéndose. Nos empujamos unos a otros, exageramos nuestros personajes, nos tomamos a nosotros mismos demasiado en serio y luego nos reímos. Creo que ese es mi desafío favorito de esta obra: ¿Cómo podemos convertirlo en un misterio de asesinato serio, al estilo noir, que también sea divertido y alocado con mucha comedia física? Ha sido un gran acto de equilibrio. 

2) La obra presenta una variedad de escenas ambientadas en diferentes habitaciones de la mansión, cada una con su propio estado de ánimo y atmósfera. ¿Cómo utilizas la iluminación para crear escenarios distintos y mejorar la narración dentro de estos espacios?

Todo el equipo lleva varios meses trabajando duro para dar forma al mundo del juego. Cuando nos reunimos por primera vez como equipo de producción, todos los diseñadores trajeron imágenes que sentimos que reflejaban el tono del guión. Discutimos todas nuestras imágenes y las seleccionamos para crear un collage unificado que representara la identidad visual de la producción. A continuación se muestra un vistazo a lo que decidimos como equipo.

Realmente respondí a los colores de las piezas reales del juego Clue y al uso de colores fuertes y reflejos para crear dramatismo y énfasis. Cada habitación tiene sus propios muebles y formas que le dan un carácter único. Intenté complementarlo incorporando los reflejos y los colores que ves en el collage: un rayo de luz aquí, una ventana allá y algo de diversión con el ángulo y la dirección de la luz. Una de las cosas de las que estoy especialmente orgulloso es el trabajo que el diseñador escénico Adam Jehle y yo hicimos al intentar separar las distintas ubicaciones dentro de la mansión. Tenemos una serie de puertas móviles con ventanas con travesaños que iluminé internamente para que el nivel de luz y el color que sale de la ventana se puedan cambiar individualmente a medida que se mueven por el espacio. También tenemos una divertida serie de retratos en la pared del fondo del escenario que hacen algo especial que no puedo revelar: ¡tendrás que verlo por ti mismo! 

3) PISTA: EN EL ESCENARIO a menudo implica cambios rápidos en la iluminación para acentuar momentos cómicos, revelaciones sorpresa o escenas de suspenso. ¿Cómo coreografiaste y ejecutaste estas señales de iluminación para maximizar su impacto dramático?

La iluminación, como la comedia, tiene que ver con el momento. Una señal luminosa en el momento oportuno podría ser una broma en sí misma, ¡y en varios lugares lo es! Hay varios lugares en los que el diseño de iluminación trabaja junto con el sonido para ayudar a acentuar la comedia en el escenario. En la secuencia inicial del programa varios de los personajes se reconocen al verse en la mansión. Los actores tienen ese gesto exagerado de sorpresa o desdén, pero realmente lo enfatizamos con un cambio de luz y un sonido. Las combinaciones de actuación, luz y sonido ayudan a convertir un pequeño momento en una gran broma. 

Además de las imágenes de nuestro collage, también me inspiraron mucho algunas pinturas de Edward Hopper. Fueron realmente intensos y agudos. Al igual que los personajes en escena, se tomaron a sí mismos muy en serio. Realmente me gustó la idea de que estos momentos divertidos sucedieran dentro de una pintura austera de Hopper, así que intenté incorporar algunos de sus elementos en el espectáculo. Es una situación de vida o muerte, es melodramática y muy, muy divertida. 

Eduardo Hopper, Conferencia de noche

4) Las obras de misterio a menudo requieren un uso cuidadoso de la iluminación para generar suspenso y mejorar el aspecto de la historia que resuelve el misterio. ¿Cómo abordaste la creación y el control de los efectos de iluminación de suspense en la producción?

El vestuario y la escenografía ayudan a dar forma física al mundo de la obra, pero la iluminación y el sonido dan forma a la forma en que el público percibe la obra. Como equipo, también estábamos muy interesados ​​en la forma en que la luz ayudaba a dar forma a los cuerpos y el paisaje en un estilo de “cine negro” con fuertes luces y sombras profundas. Fue una forma genial de contrastar los bordes y líneas afilados del tablero de juego Clue original, el estilo victoriano del diseño escénico y los contornos más suaves y curvos del diseño del vestuario. Ayuda a enmarcar cada momento de suspenso de una manera visualmente interesante y fantasmal. Descubrí que cuanto más me inclino por los ángulos y colores extraños, más intensos se vuelven los momentos de la escena.

Steven Assael, novia con tarjetas

La secuencia inicial de la producción comienza con Yvette, la criada, frente a un televisor escuchando una transmisión del senador McCarthy. Está iluminada principalmente por el televisor, con algo de luz desde arriba y los lados. Intenté capturar el espíritu de la imagen de arriba. novia con tarjetas, al utilizar una fuente primaria de luz desde un ángulo interesante para convertir a Yvette mirando televisión en una imagen fuerte y misteriosa para establecer el tono del programa desde el principio. ¡Unos cuantos relámpagos también ayudan! 

5) ¿Cuál es su enfoque para diseñar y programar efectos de iluminación para momentos o escenas específicas que requieren sincronización precisa y coordinación con otros elementos de la producción?

Al leer el guión, hay varias cosas que están escritas para ti desde el principio. Cosas como apagones, relámpagos y cambios de escena ya están escritos en el guión, pero mi trabajo es mirar más allá de lo escrito y ver qué más necesitamos para contar la historia. Me gusta pensar en esto de tres maneras distintas. Lo primero que hago es pensar en cómo puedo apoyar los demás elementos de diseño en la construcción del mundo de la obra. ¿Cuáles son las cosas literales que necesito reforzar? ¿Cómo puedo iluminar el paisaje de manera que ayude a darle forma a la habitación? ¿Cómo puedo reforzar las elecciones de color del diseñador escénico y de vestuario? ¿Cómo revelo las formas en el escenario y cómo oculto las cosas que no necesitan ser vistas? ¿Cómo trabajo con el sonido para reforzar el estado de ánimo y el tono?

De la construcción del mundo, me gusta pasar al ritmo del texto. Escucho el guión de la obra como música: siempre hay temas, cambios de humor, repeticiones, dinámicas y ritmos. Me gusta escuchar la forma en que los actores dicen las líneas para intentar tener una idea de su sincronización. La forma en que juegan con el texto puede determinar la velocidad de las señales de iluminación, los momentos a resaltar y ayudar a establecer el tono de la iluminación. 

Lo tercero en lo que pienso es en dónde estarán físicamente los actores en el escenario. Parte de mi trabajo es poner luz donde la necesitamos y quitarla de los lugares donde no la necesitamos. Cuando estamos en ensayos técnicos para el espectáculo, me gusta llamarlo "iluminación con pincel grande" e "iluminación con pincel pequeño". A veces, las escenas con un gran número de actores o escenas en las que se utiliza la mayor parte del espacio de juego requieren que use mi "gran pincel" e ilumine grandes secciones del escenario. Piensa en los grandes números de baile de el Prom ó en Una vez en esta isla, donde utilizo “pinceladas” grandes y amplias para asegurarme de que todo el espacio esté iluminado de forma atractiva. Pista Necesito mi “pequeño pincel”. Tenemos escenas concretas y específicas en las que sólo queremos resaltar a un único actor y ocultar muchos secretos en el escenario. Cada espectáculo requiere ambos pinceles, pero se necesita buen ojo y buenos colaboradores para saber cuál usar. 

6) ¿Hubo algún desafío técnico o efecto especial en CLUE: ON STAGE que anticipaste y cómo planeaste abordarlo a través de tu diseño de iluminación?

Uno de los mayores desafíos técnicos para Pista es que está jugando al lado El ladrón del rayo. Es difícil darle a cada espectáculo su propia identidad única con las limitaciones técnicas del espacio. ladrón de rayos tiene varias piezas de escenario volador que deben revelarse a lo largo del espectáculo, pero eso significa que las luces para esas piezas de escenario ya no están disponibles para usar en Pista. Tuve que pensar realmente críticamente sobre las necesidades de cada programa y cómo pasamos de un programa a otro. Siempre hay una gran batalla entre lo que quiero artísticamente y lo que puedo hacer físicamente con las limitaciones de tiempo, equipo y otros espectáculos. 

Otro desafío de esta exposición fue la iluminación de las ventanas de popa en seis puertas móviles. Tuve que encontrar una manera de iluminar, encender, cargar y controlar las ventanas del espejo de popa mientras se mueven por el escenario en una elaborada secuencia de persecución al estilo Scooby-Doo. Tuve que construir a medida varios componentes de las ventanas de las puertas, ¡así que estoy muy entusiasmado con el resultado! Puedes ver las puertas apagadas en las fotos del ensayo reciente.

7) Finalmente, ¿qué es lo que más te emociona de que nuestro público experimente CLUE: ON STAGE y sea testigo de tu diseño de iluminación?

Este espectáculo es muy diferente de los últimos espectáculos que he hecho, así que estoy muy feliz de montar un espectáculo tan ágil que realmente me permite jugar con colores fantásticos, ángulos poco convencionales y una gran colaboración maravillosa con algunas de mis personas favoritas. Estoy emocionado de que los miembros de la audiencia experimenten un estilo de iluminación un poco diferente al que ofrecemos habitualmente y que se presenta de una manera tan divertida. ¡Espero que todos se diviertan tanto viendo el programa como yo diseñándolo!

Consigue tus entradas para ver CLUE: ON STAGE, del 18 de octubre al 5 de noviembre, en charlestonstage.com.

Caleb S. Garner es un diseñador de iluminación y sonido que vive en Charleston, Carolina del Sur. Originario de Carolina del Norte, Caleb recibió su licenciatura y licenciatura en Bellas Artes de Catawba College en Salisbury, Carolina del Norte, y su maestría en Bellas Artes de la Universidad del Sur de Mississippi. Los diseños de Garner, que van desde conciertos hasta ballets, musicales y obras de teatro, le han valido ocho premios de diseño regionales y nacionales. Caleb ha sido un diseñador destacado desde Nueva York hasta Mississippi, diseñando en el noreste, el medio oeste, la costa este y el sur profundo. A Caleb le gusta convertir grandes trozos de madera en trozos más pequeños (a veces erróneamente llamados muebles), gritar con los estudiantes (a menudo reconocido como enseñanza) y jugar con cosas que chispean y humean. Caleb actualmente se desempeña como diseñador de iluminación residente en Charleston Stage Company y es profesor adjunto en el College of Charleston.

Gracie Brantley, actriz residente de primer año en nuestra temporada número 46, brilló en el personaje de Alyssa Greene en nuestra producción de apertura de temporada de THE PROM. Consigue tus entradas esta página antes de que cierre el 17 de septiembre y siga leyendo para saber cómo se prepara para este papel dinámico.

¡Por favor presentate! ¿Qué esperas con Charleston Stage como actor residente este año?

Soy Gracie Brantley, en el papel de Alyssa Greene en El baile de graduación, ¡Y soy actor residente de primer año aquí en Charleston Stage! Estar aquí ha sido una auténtica maravilla hasta ahora y no puedo esperar a seguir creando magia teatral genial con este increíble grupo de personas. 

¿Qué te gusta del teatro como forma de arte?

Mi amor por el teatro realmente se manifestó durante la cuarentena. Hay algo tan especial en el aspecto comunitario del teatro que me perdí durante el encierro, y ahora que las cosas han vuelto a una relativa normalidad, recuerdo lo increíble que es estar en una sala llena de gente reunida colectivamente. ser conmovido por el art. Es especialmente fantástico cuando la historia que contamos es tan relevante y poderosa como el Prom.

¿Cómo se ha estado preparando para su papel en el Prom?

Jhonika, mi compañera actriz residente en el papel de Emma, ​​la novia de Alyssa, y yo hicimos juntos gran parte de nuestra preparación para este programa. Emma y Alyssa han estado en una relación durante aproximadamente un año y medio, por lo que queríamos definir realmente cómo sería su comunicación entre ellas después de ese período de tiempo. Su relación es una gran parte del programa, por lo que queríamos asegurarnos de hacerlo bien. Pero, sinceramente, el final es lo que requirió la mayor parte de mi preparación. Cantar y bailar al mismo tiempo no es fácil y ¡se requirió mucho ejercicio cardiovascular!  

Cuéntanos más sobre tu personaje. ¿Qué quieres que sepamos de ella?

La canción de Alyssa “Alyssa Greene” explica maravillosamente quién es Alyssa. Es inteligente, popular, trabaja duro para participar en la escuela y, en cierto modo, es muy similar a su madre. Nuestra directora (y directora artística de Charleston Stage), Marybeth Clark, y yo hablamos mucho sobre la necesidad de Alyssa de complacer a su madre simplemente porque para eso ha sido entrenada para hacer toda su vida. Tiene un complejo de “Miss Simpatía” que la obliga a realizar con una sonrisa incluso las cosas que no quiere hacer en absoluto. Esto crea el estrés que vemos experimentar a Alyssa en el programa mientras se debate entre inspirarse en ella misma, como su novia Emma se siente segura de hacerlo, o continuar complaciendo a su madre y mantener la paz en el hogar. Es importante saber que Alyssa no quiere nada más que ser valiente y mostrar abiertamente su verdadero yo, pero deja que su miedo sea más grande que su coraje. Por lo tanto, sin querer arruina la situación antes de darse cuenta de que su vida sería mucho más fácil si fuera honesta consigo misma y con las personas que ama. 

¿Qué ha resultado fácil en la preparación para este espectáculo? ¿Qué ha sido más difícil?

La parte más fácil de prepararse para este programa ha sido construir las relaciones que Alyssa tiene con Emma y su mamá. Trabajar con Jhonika (Emma) y Jenna (Sra. Greene) ha sido un placer absoluto y me siento muy afortunada de contar esta historia con ellas. También hacen que una de las partes más difíciles del espectáculo sea mucho más fácil. Hay algunas secuencias en el espectáculo con dos escenas que suceden simultáneamente en el escenario, y entender bien las pistas con la orquesta y otros actores parecía muy desalentador al principio. ¡Afortunadamente, todos han estado tan preparados y han sido tan profesionales que pudimos juntar las piezas fácilmente!

También tenemos un cambio rápido bastante difícil detrás del escenario durante el final, y descubrir la logística resultó ser un desafío. Afortunadamente, contamos con un equipo fantástico formado por nuestros fenomenales aprendices de TheatreWings y, con su ayuda, ¡lo hemos logrado en todo momento! 

¿Qué espera que el público reciba y se lleve después de ver este programa?

Espero que nuestras audiencias se lleven la importancia de ser abiertos y receptivos con todos; Espero que se den cuenta de lo pacífica que podría ser la vida si todos se sintieran libres de vivir con sinceridad y sin disculpas como son, sin temor a ser juzgados.

¿Cuál es tu programa favorito de todos los tiempos?
Sondheim Domingo en el parque con George - ¡una obra maestra!

¡Gracie Brantley está encantada de unirse a la Compañía de Actuación Residente de Charleston Stage en su 46ª temporada! Originaria de Tennille, GA, Gracie estudió actuación en la Universidad Estatal de Columbus, donde se graduó con una licenciatura en interpretación teatral. Sus producciones anteriores incluyen las producciones del Riverside Theatre de Reineta (Jugador líder) y El sueño de una noche de verano (Puck), por las cuales recibió una nominación a Irene Ryan. Mientras estaba en la escuela, trabajó a menudo en el Teatro Estatal Histórico de Georgia, la Ópera Springer, donde participó en producciones como El guardaespaldas (Chica de karaoke/Swing de cantante de respaldo), La mejor prostíbulo de Texas (Ensemble/ Shy US) y producciones teatrales educativas para niños de Haga clic en Clack Moo (Vaca 1) y El musical del pez arcoíris (Estrella de mar). Recientemente, Gracie ganó la Región 4 del premio Irene Ryan del Kennedy Center American College Theatre Festival por Actuación Clásica. Manténgase al día con Gracie a través de Instagram: @gracierbrantley.

THE PROM de Charleston Stage se llevará a cabo del 23 de agosto al 17 de septiembre en el Historic Dock Street Theatre en el corazón del centro de la ciudad. Consigue tus entradas esta página antes de que se vayan

Jhonika Wright, actriz residente de segundo año en nuestra temporada número 46 y vista por última vez como Ti Moune y Erzulie en UNA VEZ EN ESTA ISLA, ha estado liderando el elenco en el papel de Emma Nolan en nuestra producción de apertura de temporada de THE PROM. Consigue tus entradas esta página antes de que cierre el 17 de septiembre y siga leyendo para saber cómo se está preparando para este papel especial.

¡Por favor presentate! ¿Qué esperas con Charleston Stage como actor residente este año?

¡Aquí Jhonika Wright! Me gradué con mi BFA en Teatro Musical en 2020. Soy de Maryland y este es mi segundo año como actor residente en Charleston Stage. ¡Estoy muy feliz de regresar un año más a Charleston! Mis aspectos favoritos de ser actor residente no solo son conocer a mis compañeros "RA", sino también ver cómo todos crecemos y nos transformamos a través de la tutoría de esta empresa. Llegué a este trabajo pensando que era sólo un “tipo” de intérprete, y mientras trabajaba aquí, ¡me han elegido para desempeñar una amplia gama de roles! Me encanta que me desafíen y confíen en mí para asumir estos personajes, y no puedo esperar a ver lo que esta temporada me depara este año.

¿Qué te gusta del teatro como forma de arte?

El teatro ha seguido siendo una constante salida creativa y una forma de expresión para mí, y me ha convertido en la persona que soy hoy. Descubrí el amor por mí mismo a través de mi amor por la actuación. Como artista, mujer de color y de talla grande, me ha permitido sentirme cómoda conmigo misma y vivir mi verdad de forma auténtica. En el teatro descubrí mi voz y mi deseo de conectar e impactar a quienes me rodean a través de la narración y la representación dentro y fuera del escenario. 

¿Cómo se ha estado preparando para su papel en el Prom?

Comencé mi trabajo de mesa para este espectáculo muy temprano y llevé un cuaderno conmigo para anotar cualquier pensamiento o descubrimiento que haya tenido sobre Emma durante el proceso de ensayo para contribuir a mis pensamientos anteriores. La primera vez que me reuní con Gracie (Alyssa Greene) para hablar sobre la relación de Emma y Alyssa, ¡resultó en una conversación de más de 2 horas! También descubrimos una adaptación del libro de el Prom Fue muy útil leerlo.

Me di tiempo para examinar profundamente quién es Emma como persona a partir de lo que le gusta y lo que no le gusta, cómo me imaginaba que decoraría su habitación, qué tipo de cosas hace en la escuela, cómo fue su experiencia de salir del armario, cómo navegó estando en una relación interracial en un pueblo pequeño, etc. Una vez que sentí que sabía quién era ella por dentro y por fuera, miré las relaciones de Emma con todas las personas con las que interactúa y con las que no interactúa en el escenario, y analicé todas sus canciones. para descubrir los verdaderos significados detrás de ellos. Es muy fácil pasar por alto el mensaje real de estas canciones cuando todas suenan tan optimistas.

Para mí era muy importante entender bien a Emma. Tiene muchas capas, así que quería asegurarme de explorarlas en lugar de jugar con su nivel superficial de lo que la gente podría pensar que saben sobre ella. Quería que ella fuera representada de la mejor manera posible, especialmente para que los adolescentes queer y las personas de color se sintieran vistos a través de sus experiencias.

Cuéntanos más sobre Emma. ¿Qué quieres que sepamos sobre ella?

"Emma Nolan es la persona más valiente y fuerte del planeta, pero no tiene idea".

Emma mantiene la cabeza gacha en un intento de mantener un perfil bajo, haciendo los trámites necesarios para llegar al día de la graduación y finalmente poder salir de Indiana. Ha perdido a sus padres, amigos y ahora al baile de graduación, todo porque quiere ser ella misma. Cuando vemos a Emma rodeada de otros estudiantes y adultos, muestra un exterior duro y una pared para protegerse. Sin embargo, cuando vemos a Emma cerca de Alyssa y el director Hawkins, personas con las que se siente segura, se revela su lado amable: es un cambio drástico.

Emma es extremadamente creativa, inteligente, luchadora y tiene un gran corazón para quienes están cerca de ella. Admiro su coraje para defender lo que quiere y luchar por el cambio, especialmente en un pueblo pequeño rodeado de gente que dice odiarla. Ha sido la aventura de mi vida para un actor poder explorar quién es ella hasta la médula.

¿Qué ha resultado fácil en la preparación para este espectáculo? ¿Qué ha sido más difícil?

Siempre supe que este programa me desafiaría de la mejor manera posible. el Prom Es exigente vocalmente, con el baile y la actuación. Tomé clases de baile adicionales para poder volver a aprender la coreografía rápidamente y desarrollar la resistencia necesaria para cantar y bailar simultáneamente. Mi calentamiento vocal se hizo más extenso para este papel; La forma en que me cuido vocalmente ha cambiado mucho.

Como esta historia tiene un peso más intenso, comencé mi trabajo de mesa y mi proceso de actuación mucho antes que en otros programas. El plan de preparación para afrontar este espectáculo fue fácil, pero a veces fue difícil ejecutar y apegarse a estos nuevos regimientos. Tuve que esforzarme para no rendirme y ceñirme a lo que había planeado para poder darle a este programa lo mejor de mí. ¡Es tan agradable sentir y ver que mi arduo trabajo está dando sus frutos!

¿Qué esperas que el público reciba y reflexione después de ver este programa?

Vivimos en un país donde los derechos de las personas de color y LGBTQIA+ se ven amenazados a diario, y este programa es solo un pequeño vistazo de lo que pasan los adolescentes queer. Quiero el Prom para dejar a nuestras audiencias con una mentalidad más abierta sobre estos temas. Al final del programa vemos cómo se une una comunidad dividida, y solo puedo esperar que esta producción nos dé optimismo para esperar que, a pesar de creencias tan polarizadas en nuestro país, podamos unirnos para aceptar y proteger los derechos de uno. otro.

¿Cuál es tu programa favorito de todos los tiempos?

HADESTOWN! La vi en Broadway por primera vez en 2022 sin saber nada al respecto, pero salí del cine sin palabras y muy conmovido. Es un programa que me da la sensación vertiginosa de escucharlo y verlo por primera vez cada vez que lo escucho.

¡Jhonika Wright está encantada de regresar a Charleston Stage para su segundo año como actriz residente! Originaria de Maryland, Jhonika pasó la mayor parte de su vida en Arkansas, donde se graduó de la Universidad Bautista Ouachita y recibió su Licenciatura en Bellas Artes en Teatro Musical. Sus papeles favoritos incluyen Ti Moune y Erzulie (Una vez en esta isla), Wendla (Despertar de Primavera), El Cairo (Somos los tigres), Grizabella (Gatos) y Yertle la tortuga (Seussical el Musical). Enviando todo el amor a su increíble familia y amigos por su apoyo infinito, "¡Este es para ti!" Para mantenerse al día con todas las cosas de Jhonika, puede visitar su Instagram: @jhonikaaaa

THE PROM se presenta en el Historic Dock Street Theatre hasta el 17 de septiembre. Consigue tus entradas esta página ¡antes de que se agoten!

Hablamos con Adam Jehle, nuestro diseñador escénico y de proyectores residente, llevando sus habilidades al Dock Street Theatre una vez más en el diseño de nuestro set para THE PROM. Consigue tus entradas para el espectáculo esta página¡Y sigue leyendo para conocer su proceso artístico en la creación de los decorados de este musical especial!

Comparte con nosotros tu formación artística. ¿Cómo llegaste al teatro y a la escenografía?

He estado haciendo teatro desde la secundaria, siempre actuando al principio. No fue hasta la universidad que el mundo del diseño escénico se amplió para mí y me enamoré absolutamente de él. La expresión creativa y la cantidad aparentemente infinita de formas de crear un espectáculo de manera diferente fueron increíblemente emocionantes y fascinantes para mí. Siempre he sido un narrador visual, pero el diseño escénico realmente me pareció diferente. Finalmente me gradué de la Universidad Estatal de Missouri con una licenciatura en Diseño, Tecnología y Dirección Escénica e inmediatamente comencé en Charleston Stage a hacer lo que amo. 

¿Qué estilos de teatro te atraen más? ¿Por qué?

Siempre he sido modernista y expresionista en lo que respecta al teatro que disfruto diseñar. Me gusta crear cosas que nunca antes se han visto y que estén basadas en una historia emocional. Quiero que el público se sumerja en el mundo que creo, no sólo porque es hermoso, sino porque quiero que empaticen con los personajes, sientan lo que sienten y se sientan inspirados por el viaje. Es una de las muchas razones por las que es tan satisfactorio si he hecho bien mi trabajo.

¿Qué te ha inspirado al crear tus escenografías para el Prom? ¿Cuáles son sus sueños para la presentación visual de Charleston Stage de este espectáculo especial?

La Graduación, hay dos en los que realmente me lancé. Una era esta idea de “apertura”. Todos los personajes, quieran o no, experimentan o necesitan experimentar una mentalidad abierta para poder crecer. Entonces, para traducir eso visualmente, quería mantener el set muy abierto y espacioso, dejando literalmente espacio para que los personajes crecieran. Es como si los sacaran de su mundo totalmente realista y los colocaran en este espacio abierto abstracto donde se ven obligados a abrirse unos a otros y crecer.

El otro concepto en el que elegimos centrarnos es la idea de "supuestos". Una vez más, casi todos en el programa tienen fuertes suposiciones sobre aquellos que no les resultan familiares. Las estrellas de Broadway piensan que la gente de Indiana son paletos atrasados, y los indios piensan que las estrellas de Broadway son narcisistas. Escénicamente, eso significa hacer que el decorado y la utilería sean casi estereotipados. ¿Cómo se ve Indiana estereotipadamente? Campos de maíz, escuelas desaliñadas y pueblos fantasmas. ¿Cómo es Nueva York? Letreros de Broadway, luces de neón y un ambiente más liberal. Así que traté de hacer reconocibles todas las piezas escénicas, algo que ya habías visto antes y que decías: "Oh, sí, así es exactamente Applebee's".

¿Qué ha resultado fácil al diseñar este espectáculo? ¿Qué aspectos han demostrado ser más desafiantes?

La parte más fácil para mí fue crear la escuela. Hice que pareciera y se sintiera como mi propia escuela secundaria en la que crecí. La parte más difícil para mí, como lo es para cualquier gran musical hoy en día, es la gran cantidad de ubicaciones diferentes. Los musicales hoy en día son como las películas: cada escena tiene lugar en un lugar diferente y muy distinto de los demás. El desafío es crear un escenario que entre y salga para que el público pueda seguir lo que está sucediendo.

¿Cuáles son tus programas favoritos de todos los tiempos?

Mis programas favoritos son Macbeth, M. Mariposa, Titanic, Cabaret y Hamilton.

THE PROM, el musical de apertura de MainStage de Charleston Stage, se presenta del 25 de agosto al 17 de septiembre en el Historic Dock Street Theatre. Para boletos, visite haga clic aquí.

Adam Jehle, originario de Nixa, MO, es el diseñador escénico/de proyecciones residente y el subdirector técnico de Charleston Stage. Sus créditos incluyen Diseño de Proyección para Asesinato en el Orient Express y El Best Christmas Pageant Alguna vez. Diseños escénicos para La familia Addams: ¡un nuevo musical, Native Gardens, Charlotte's Web, Black Pearl Sings! y Pisando fuerte para el escenario de Charleston. Dirección Técnica para toda la Temporada 45 de Charleston Stages. Otros créditos son espectáculos de diseño escénico como Cenicienta y Mamma Mia! en el Crane River Theatre de Nebraska, y titanic, cabaret, y Día de la Marmota en Stagedoor Manor en el norte del estado de Nueva York. Recibió su BFA en Diseño, Tecnología y Dirección Escénica de la Universidad Estatal de Missouri en 2020. Adam está emocionado de diseñar otros espectáculos para Charleston Stage esta temporada, incluido El baile de graduación, Pista: En el escenario, Un cuento de Navidad, y Regreso a Bountiful.