¿Cómo lograste un equilibrio entre honrar sus composiciones originales y al mismo tiempo infundirles una nueva energía teatral?

En cierto modo, es un desafío producir una pieza basada en personas reales, pero también te brinda mucho material del que dibujar. Aunque las canciones pueden resultar familiares para muchos, verlas en orden histórico y darse cuenta de cuántas canciones populares y grupos musicales fueron influenciados por Carole King como compositora es sorprendente y luego alinearlo con lo que ella estaba experimentando como mujer en ese período de tiempo. le da a la audiencia mucho para considerar y disfrutar.

¿Puedes hablarnos del proceso creativo detrás de traducir su historia en un espectáculo visual?

Uno de los mayores desafíos de lo que es básicamente un Jukebox Musical (un musical Jukebox es un musical escénico o una película musical en la que la mayoría de las canciones son canciones populares conocidas, en lugar de música original) es que, en muchos sentidos, Es más bien una serie de conciertos. El decorado de Broadway tenía un aspecto muy específico y muchas producciones regionales hicieron algo similar. Sé que este es un espectáculo que muchos de nuestros clientes pueden haber visto en Broadway o en una gira nacional, así que quería que nuestra producción se viera diferente desde el momento en que se levanta el telón. Nuestro diseñador escénico invitado Seth Howard (sethhowarddesigns.com) había diseñado el espectáculo para otra empresa a principios de año y estaba emocionado de adoptar un nuevo enfoque. Jugamos con múltiples looks, pero nos decidimos por el edificio de oficinas inspirado en “Mad Men” como imagen principal. El espectáculo pasa de salas de escritores en 1650 Broadway a presentaciones televisivas completas o conciertos en vivo sin tiempo entre ellos. Nuestro diseñador de iluminación residente Caleb S. Garner (calebsgarner.com) se apresuró a ayudar a encontrar muchas maneras de que el diseño de iluminación nos llevara dentro y fuera de las escenas de los libros hasta las actuaciones musicales.

¿Qué crees que hay en la historia de Carole King que trasciende generaciones y culturas?

Creo que la familiaridad es un tema con el que el público siempre se identifica. Si nunca has escuchado una sola canción que cantó o escribió Carole King, me sorprendería mucho PERO quién no puede identificarse con un joven que intenta seguir su sueño o alguien que lucha en el amor, el matrimonio o la paternidad. Su historia incluye fuertes amistades, familia y carrera. Se nos recuerdan varias partes de nuestra propia vida.

¿Qué cualidades buscabas en el actor que interpreta a Carole King para asegurarte de que pudiera capturar la esencia de su homólogo de la vida real?

Como todo musical necesitas un actor bien formado y con una bonita voz. Retratar a una persona real no se trata de hacer una personificación sino de buscar las verdades compartidas con el personaje. Eliza Knode ha estado en Charleston Stage durante dos años como actriz residente. Sabía que en su primer año con nosotros sería una gran Carole y ella es una de las razones por las que agregamos el programa para su segunda temporada. Ha leído mucho sobre Carole King y ha visto entrevistas y actuaciones, pero al final creó un personaje que es un placer ver y escuchar.

¿Qué aspectos del espectáculo resonaron contigo personal o artísticamente?

Me encanta un momento en la escena inicial cuando Carole habla con el público del Carnegie Hall sobre su carrera:

“¿Y sabes qué tiene de divertido la vida? A veces sale como quieres y otras no. Y a veces, cuando no es así, encuentras algo hermoso”

Creo que eso es cierto en la vida y en ser director artístico.

¿Cómo trabajaste con el elenco y el equipo creativo para asegurar que las actuaciones musicales capturaran la esencia de su música??

Charleston Stage se ha comprometido a brindarles a muchos artistas puestos asalariados de tiempo completo con nosotros. Esto incluye al director musical Sam Henderson. Sam ha forjado relaciones maravillosas con muchos de los mejores músicos de Charleston, por lo que nuestra orquesta en vivo es algo que muchos teatros no tienen. También trabaja incansablemente con el elenco no solo para enseñar la música sino también los estilos y la delicadeza que hacen que cada grupo se destaque.

HERMOSO: EL MUSICAL DE CAROLE KING se presentará en el Historic Dock Street Theatre del 10 al 28 de abril de 2024. Haga clic AQUÍ para reservar tus asientos.

MARYBETH CLARK (Directora Artística y Directora de Hermosa: El Rey de Carole Musical)

Marybeth está en su vigésima quinta temporada con Charleston Stage. Nació en Pittsburgh, PA y creció en Tolland, CT. Marybeth tiene una licenciatura en teatro/actuación de la Universidad del Sur de Florida y participó en su primer espectáculo en un teatro Equity a los 18 años de edad en Tampa. Trabajó como actriz en teatros profesionales de todo el sudeste durante diez años antes de establecerse en Charleston en 1994 con su marido, el actor Victor Clark. Fue miembro de la facultad de teatro de la Escuela de Artes del condado de Charleston para estudiantes de secundaria y preparatoria. Aunque se mudó a Charleston con la intención de "retirarse" del teatro y formar una familia, enseñó y dirigió para Charleston Stage a tiempo parcial a partir de 1997, antes de unirse a la compañía a tiempo completo el año siguiente.

Ella y Vic son los orgullosos padres de dos hijas, Lila y Prentice. Lila se graduó recientemente de la Universidad Drew y se está preparando para el programa de doctorado en MUSC y Prentice enseña a estudiantes con necesidades especiales en el Washington Center en Greenville, Carolina del Sur. Marybeth y Vic no tienen un nido vacío pero comparten su hogar con la madre de Marybeth y muchos perros y gatos adoptados.

Durante su estancia en Charleston Stage, ha dirigido más de 70 espectáculos, entre los que se incluyen: Botas pervertidas, de ratones y hombres, ¡Mamma Mia! y Elf el musical. Comenzó el programa de actuación profesional residente en su segundo año en la empresa y continúa contratando, capacitando y supervisando a nuestros jóvenes actores profesionales.

Como actor de Charleston Stage, Marybeth ha aparecido en Shakespeare enamorado, Helio, No puedes llevarlo contigo, El matrimonio de Bette y Boo, Magnolias de acero, Un cuento de Navidad y más recientemente como Madame Arcati en Un espíritu burlón.

¿Cómo abordaste el diseño del decorado de “Beautiful: The Carole King Musical” para capturar la esencia de la época y la vida de Carole King?

Esta es la segunda vez que diseño este espectáculo el año pasado, así que estoy muy familiarizado con el material. Para esta versión, realmente quería concentrarme en crear un ambiente general en el que Carole y los otros personajes se hubieran sentido cómodos. El escenario del Dock Street Theatre es pequeño, con poco espacio en las alas. Entonces, la creación de un entorno que pueda transformarse rápidamente fue lo que realmente impulsó el diseño más que cualquier otra cosa.

¿Qué investigación realizó para garantizar que el diseño del escenario refleje con precisión el período de tiempo y los lugares representados en el musical?

Comencé con toneladas de investigación visual. Revisar libros de diseño para precisar el período y luego pasar a la investigación en línea. Saqué imágenes que apoyaban las imágenes que veía en mi cabeza y comencé a construir el mundo a partir de ahí. Afortunadamente, el período moderno de mediados de siglo es fácil de investigar, ya que todavía es un estilo común que se utiliza en la actualidad. 

La historia de Carole King involucra varios lugares emblemáticos, desde estudios de grabación hasta salas de conciertos. ¿Cómo recreaste estos espacios en el escenario manteniendo un estilo visual coherente?

¡Este es un gran espectáculo para este lugar! Vamos a muchos lugares a lo largo y en rápida sucesión. Así que mi trabajo como diseñador es siempre asegurarme de que todo fluya sin problemas de una escena a otra. Después de conocer todas las ubicaciones, comencé a pensar y planificar todos los elementos escénicos necesarios para cada escena. Luego tomé toda esa información y comencé a jugar con cómo funciona todo dentro del marco escénico que establecí anteriormente. Para este diseño, la iluminación juega un papel muy crucial al ayudarnos a establecer cambios en las ubicaciones. Hay columnas revestidas de LED que nos pueden ayudar a cambiar el color del conjunto rápidamente. Junto con algunas transiciones de escenas adicionales, pudimos movernos a diferentes ubicaciones con facilidad. Por supuesto, todo tiene que estar “coreografiado” de alguna manera. ¡Y eso es lo que resolvimos durante la tecnología! Este diseño también presenta muchos paisajes voladores y señales que nos ayudan a indicar la ubicación.

¿Puedes hablarnos de algún desafío específico que enfrentaste al diseñar el set de “Beautiful” y cómo los superaste?

Sí, este es un gran espectáculo para el escenario de Dock Street. Y no tenemos los lujos de la automatización escénica, que es algo en lo que se basó y utilizó mucho el diseño de Broadway. El mayor desafío fue cómo hacer que todo encajara, manteniendo al mismo tiempo suficiente espacio detrás del escenario para que todas las escenas vivieran. Básicamente era un rompecabezas muy grande. Pasé muchas horas sentado y trabajando con el plano, simplemente moviendo y cambiando el tamaño de los elementos hasta que todo lo que necesitábamos encajaba. Fue un desafío, ¡pero lo hicimos funcionar!

La música de Carole King tiene una cualidad profundamente personal. ¿Cómo incorporaste elementos de su personalidad y viaje en la escenografía?

El conjunto se centra en el lugar donde Carole se inició en la industria, 1650 Broadway. Mi esperanza es que podamos amplificar aún más su estado de ánimo y su amor por la música mediante el uso del color. Hay momentos en los que sus canciones están llenas de alegría y la iluminación es brillante y divertida. Por otro lado, hay momentos en los que sus canciones son más sentidas y podemos reducir la saturación e intensidad de la iluminación a la altura.

El decorado sirve a menudo de telón de fondo para las actuaciones musicales. ¿Cómo se aseguró de que la escenografía complementara y realzara los números musicales?

Para estos momentos, hay escenas adicionales que nos ayudan a crear esas imágenes. Ciertas partes del set siempre están en uso, pero tienen pequeños trucos y cosas ocultas que nos permiten transformar esas piezas y agregar un poco de brillo a las escenas que lo requieren. 

¿Qué espera que se lleve el público después de ver la producción de “Beautiful” de Charleston Stage y experimentar sus maravillosos diseños en el escenario?

¡Espero que el público se vaya sintiendo toda la alegría, el amor y la pasión que Carole tenía por la música y la narración a través de la canción! Como ocurre con cualquier diseño, mi objetivo principal era simplemente respaldar la historia. Si el público se marcha con una sonrisa y tarareando su canción favorita, entonces lo considero un trabajo bien hecho.

HERMOSO: EL MUSICAL DE CAROLE KING se presentará en el Historic Dock Street Theatre del 10 al 28 de abril de 2024. Haga clic AQUÍ para reservar tus asientos.

SETH HOWARD (Diseñador escénico invitado)
Seth es un diseñador escénico independiente que vive en St. Louis, MO. Ha diseñado numerosas producciones regionales y experiencias temáticas en todo el país. Algunos de sus créditos de diseño incluyen Escuela de Rock y Rag-time (Teatro Infantil de Colón); La cima de la montaña y Trampa de muerte (Escenario y pantalla Constellation); Jersey Boys y Vienen de lejos (Teatro Aspen); Una vez en esta isla (Escenario Charleston); Cenicienta y El mago jr. (El Teatro Infantil de Cincinnati); El mejor/el menos favorecido (Obras dramáticas de Palm Beach); La Familia Addams y Hermoso: El musical de Carole King (Teatro Liceo Arrow Rock). Echa un vistazo a @sethhowarddesigns en las redes sociales. www.sethhowarddesigns.com

Un recuerdo de la infancia escondido en el set de Regreso a Bountiful
Por Julian Wiles, director y diseñador coescénico

Dirigiendo Regreso a Bountiful Me trajo muchos recuerdos. Al igual que la señora Watts, de 87 años, el personaje central de la obra, yo también vengo de una larga línea de agricultores. Mis abuelos eran agricultores y, al igual que la casa de la infancia de la Sra. Watt, su casa cayó en mal estado y finalmente en ruinas cuando la abuela y el abuelo se mudaron a una casa nueva que mis padres les construyeron cuando tenían 80 años. Estaba justo al final de la calle de la casa de madera de dos habitaciones donde habían criado a cinco hijos, incluida mi mamá. Lo hicieron en medio de la gran depresión y, aunque vivieron en circunstancias humildes, mi madre dijo que nunca estuvieron necesitados. Como agricultores, tenían leche fresca de sus vacas, verduras de su enorme jardín y la calidez y el amor mutuos para sustentarse.
 
Mi madre y mi padre también eran agricultores. Compraron su granja y su casa de campo de 1913 en el condado rural de Calhoun, donde crecí el día que me trajeron a casa desde el hospital. Cuando era granjero, uno de mis primeros juguetes fue un tractor John Deere de hierro fundido de color amarillo brillante y verde que mi padre me compró. Aré muchos acres imaginarios con este pequeño tractor y recuerdo llevar a mis perros y gatos a pasear por los corrales, en el pequeño carro que arrastraba detrás de mi tractor.
 
Cuando Adam Jehle y yo empezamos a trabajar en los decorados de Regreso a BountifulEn particular, en la casa de la Sra. Watt, estaba buscando una manera de sacudir la memoria de Ludie, el hijo de la Sra. Watt, y recordarle su infancia hace mucho tiempo jugando afuera de la antigua granja de sus abuelos. Y así, cuando visité nuestra granja familiar hace unas semanas, me encontré con mi tractor John Deere de juguete. Lo encontré polvoriento y abandonado en un viejo cobertizo y pensé que los recuerdos que me trae podrían ser similares a los que Ludie sentiría si se encontrara con su propio juguete de la infancia. Llevé mi pequeño tractor a Dock Street y lo coloqué en el escenario en la escena final. Si bien esta muestra especial de mi propia infancia es sólo un pequeño elemento del diseño general del escenario, representa el tipo de elementos mágicos especiales que los diseñadores de escena buscan para ayudar a contar una historia y darle un significado especial. Puedes ver mi tractor en la escena final de El viaje a Bountiful. Al igual que la señora Watts y su hijo Ludie, mi pequeño tractor ha encontrado el camino a casa.

Actuaciones de Regreso a Bountiful Continúe del 7 al 17 de marzo en el Historic Dock Street Theatre. Para boletos, visite charlestonstage.com.

El dramaturgo, director, diseñador y educador, Julian Wiles, fundó Charleston Stage en 1978 y dirigió la compañía durante 45 temporadas hasta su jubilación en 2023.
 
Wiles creció en una granja en Fort Motte, SC, y estudió historia y teatro en el College of Charleston (BA 1974). Se mudó a Carolina del Norte para realizar trabajos de posgrado en diseño teatral y recibió una maestría en Arte Dramático de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill en 1976. Regresó a Charleston y en 1978 fundó Charleston Stage, la compañía residente del Historic Dock Street Theatre. , el primer teatro de Estados Unidos. Bajo el liderazgo de Wiles, Charleston Stage se ha convertido en una de las instituciones de artes escénicas más grandes y respetadas de la región, produciendo más de 120 actuaciones profesionales al año e incluyendo un amplio programa educativo que llega a más de 25,000 jóvenes cada año.
 
Durante sus 45 años como fundador y director artístico de producción, Wiles diseñó, dirigió y produjo más de 300 obras de teatro y musicales para Charleston Stage. Ha escrito 34 obras de teatro originales, musicales y adaptaciones teatrales, ocho de las cuales son publicadas por The Dramatic Publishing Company. Muchas de sus obras originales, como El asiento de la justicia, Gershwin en Folly, Bajo la luna de hierba dulce, Dinamarca Vesey, Insurreccióny JFK e Inga Binga celebre la rica herencia cultural y la historia de Lowcountry. Se han realizado más de 100 producciones de las obras publicadas de Wiles en los Estados Unidos e internacionalmente.
 
Wiles recibió el Premio Nacional de Director de Teatro Juvenil en 1988, el Premio de Reconocimiento Especial NAACP de Charleston en 2004, el Premio de las Artes del Gobernador de Carolina del Sur en 2010 y fue incluido en el Salón de la Fama de la Asociación de Teatro de SC en 2018. En 2021, fue galardonado Premio al alumno distinguido de la Universidad de Carolina del Norte.
 
En abril de 2024, Wiles será admitido como miembro del College of Fellows of the American Theatre. La investidura de nuevos miembros está auspiciada por el Departamento de Educación del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington, DC La membresía en el College of Fellows of the American Theatre es uno de los más altos honores que se otorga a educadores y profesionales del teatro. La comunidad educativa y teatral de Estados Unidos.
 
Para más información sobre sus obras originales visita julianwiles.com.

Queridos amigos,

Estoy emocionado de regresar a Charleton Stage como director invitado para El viaje a Bountiful, una de mis obras favoritas. Aunque creo que todo el mundo conoce dramas tan conocidos y conmovedores como Matar a un ruiseñor, el hacedor de milagros, y El sonido de la música, el Teatro Americano está lleno de joyas escondidas, obras asombrosas cuyos títulos no son tan conocidos. Regreso a Bountiful es sin duda una de estas maravillosas joyas escondidas, a pesar de haber ganado numerosos premios Tony, Emmy y de la Academia a lo largo de los años. La Viaje a Abundancia Sin duda es un espectáculo que no debe perderse.

Y la luchadora protagonista de 80 y tantos años, la Sra. Carrie Watts, es uno de los grandes papeles del teatro americano. Actores galardonados como Geraldine Page y Cecily Tyson fueron aclamados por este papel y aquí en Charleston Stage tenemos a la maravillosa actriz veterana de 84 años, Samille Basler, en este papel principal. Recordarás a Samille por papeles tan memorables en mis obras. helio y Gershwin at Locura, llevando risas desgarradoras a comedias memorables como No puedes llevarlo contigo y Espíritu alegre, y conmoviendo al público con sus poderosas actuaciones. El zoo de cristal y Matar a un ruiseñor. La interpretación de Samille de la señora Carrie Watts en Regreso a Bountiful es uno que no debe perderse.

Les insto a que consigan sus entradas hoy para ver esta maravillosa obra del dramaturgo ganador del premio Pulitzer, Horton Foote, mejor conocido por sus guiones ganadores del Oscar por Matar a un ruiseñor y Tiernas Misericordias.

Es un placer volver a ocupar mi puesto de directora una vez más, uniéndome a Samille y sus fantásticas compañeras de casa mientras traen esta galardonada joya escondida al escenario del Dock Street Theatre por primera vez.

¡Consigue esos boletos hoy!

Espero verte en el teatro!

Julian Wiles, fundador y director emérito

By PIE DE HORTON
Dirección por JULIÁN WILES 

Patrocinadores asociados:
Fondo Familiar Hewitt de la Fundación de la Comunidad Costera de Carolina del Sur
Dr. Del y Linda Schutte

Siga a Mama Watts, de 80 años, mientras se embarca en la aventura de su vida, decidida a huir del estrecho apartamento de su hijo en la ciudad y de su controladora nuera y regresar a su ciudad natal de Bountiful, TX por última vez. Pero, ¿qué hará cuando se quede atrapada en una estación de tren en medio de la noche y descubra que el último residente de Bountiful, TX, murió hace dos días? Observe cómo la Sra. Watts se apoya en nuevos amigos, buenos recuerdos y su fe inquebrantable para cantar y bailar en tiempos difíciles. Este sincero clásico ganador del premio Tony de Horton Foote, autor del guión galardonado. Matar a un ruiseñor, hace las viejas preguntas; ¿Qué es el hogar? ¿Podrás realmente volver a casa alguna vez?

Las funciones se realizarán del 28 de febrero al 17 de marzo. Para boletos, visite charlestonstage.com.

Por Heather Rose Artushin • Padre de Lowcountry

Al caminar por el histórico Dock Street Theatre en el centro de Charleston, no es ningún secreto que las paredes de 215 años de antigüedad guardan recuerdos de actuaciones con entradas agotadas de años pasados, muchas de ellas realizadas por los propios actores residentes del Charleston Stage.

Pero lo que el teatro no puede ofrecer es la programación educativa comunitaria que Charleston Stage se enorgullece de ofrecer a los niños de Lowcountry.

Marybeth Clark, directora artística de Charleston Stage, comenzó su trabajo en la organización hace 25 años como directora de educación. “Realmente vine para desarrollar el programa educativo”, dijo. "Creo que el mayor impacto que tuve fue lo que ahora es nuestro programa de actores residentes".

Charleston Stage contrata actores jóvenes de entre 22 y 28 años que tienen títulos en teatro de universidades de todo el país. Los 10 residentes seleccionados pasan un año viviendo en Charleston y trabajando con Charleston Stage a tiempo completo, actuando y enseñando a los jóvenes locales. Los residentes reciben capacitación docente y reciben planes de lecciones estructurados para ofrecer las mejores oportunidades educativas para los niños de la comunidad.

"Especialmente durante el año escolar, estamos muy orientados a los procesos", dijo Clark. “Nos concentramos más en las habilidades en la primavera, y hay un día en el que todos rinden. Si estás tomando clases con nosotros, tenemos clases de nivel superior llamadas troupe, y esos son los niños a los que permitimos audicionar para espectáculos cuando es apropiado. Tienen que funcionar como un adulto en un espectáculo”.

No todos los niños aspiran a ser actores y, sin importar a dónde los lleve la vida, las habilidades que aprenden de su experiencia con Charleston Stage son invaluables.

"Se trata de que los niños tengan un espacio seguro donde puedan aprender a compartir sus pensamientos, sus emociones y sus historias", compartió Clark. “También aprenden a recibir los pensamientos, emociones e historias de otra persona, incluso si son diferentes a ellos. Y eso es el arte: comunicar ideas y sentimientos y poder recibirlos”.

Las habilidades interpersonales, la autoconciencia y las habilidades organizativas encabezan la lista de lecciones de vida que los estudiantes han aprendido de los programas educativos de Charleston Stage.

La inscripción para las clases de verano de Charleston Stage se abre en febrero y seguramente se llenará rápidamente. “Tengo más de 200 niños por semana en clases aquí durante el año escolar regular”, explicó Clark. "Tenemos unas hermosas instalaciones en West Ashley, el mismo estudio donde ensayamos nuestros espectáculos en el escenario principal, donde impartimos las clases".

Los estudiantes pasan los últimos dos días del campamento de una semana experimentando ensayos en el escenario y una actuación final en Pearl, un teatro con capacidad para 130 personas en West Ashley.

Durante la pandemia, Clark y su equipo aprovecharon la oportunidad para reflexionar sobre su programación educativa y cómo llegar a más niños de la comunidad.

“Siempre hemos tenido becas para que las finanzas no sean un obstáculo”, dijo. “Eso fue un tanto privilegiado por mi parte. El obstáculo es el tiempo, el transporte y el compromiso familiar. Puede que ni siquiera tengan coche y no pueden salir del trabajo para llevar a sus hijos a una clase de las cuatro, aunque sea gratis”.

Entonces, Charleston Stage comenzó a colocar maestros en algunas de las escuelas de Título I del Distrito Escolar del Condado de Charleston para ofrecer las mismas clases durante los programas extracurriculares que ya existen. Cuando algunos de los niños expresaron curiosidad sobre el estudio en West Ashley, Charleston Stage reunió fondos para proporcionar un autobús que llevara a los niños a las clases de fin de semana en el estudio y de regreso a una ubicación central.

Clark dijo que en ciertas situaciones, los maestros y los padres reciben boletos para tomar el autobús al teatro para ver una producción y sus hijos actuar en el escenario.

El grupo de teatro local tiene la intención de asegurarse de incorporar un elenco diverso de actores residentes para representar a todos los niños de la audiencia y del aula.

"Cuando elegimos el casting, soy muy consciente de encontrar actores que reflejen algunos de los niños a los que enseñarán", dijo Clark. “Uno de nuestros profesores varones fue a una escuela, era afroamericano, y un niño dijo: '¡Nuestro cabello combina!' No sabían de qué se trataba el teatro, pero empezaron a trabajar juntos y se enamoraron de él”.

Cuando vea el Dock Street Theatre en su próximo paseo por el centro, no olvide que es más que un edificio histórico: alberga una organización comprometida con el fomento de los niños de Charleston a través de las artes.

“Nuestro fundador, que se jubiló el año pasado, inició la compañía como un teatro para jóvenes, sobre educación, y nunca hemos abandonado esa misión”, concluyó Clark.

Visite charlestonstage.com para obtener más información sobre los programas educativos de Charleston Stage.

Para ver el artículo sobre Padre de Lowcountry, HAGA CLICK AQUÍ.

Encantado de volver a conectar con Aline Toloto, el genio creativo detrás de los encantadores accesorios de nuestra producción de UN CUENTO DE NAVIDAD. Sus habilidades excepcionales brillan una vez más en el Dock Street Theatre, ofreciéndole una mirada exclusiva al arte detrás de los accesorios de este clásico atemporal de Dickens.

1) ¿Qué te inspiró a trabajar en el diseño de utilería de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y la atmósfera de esta historia clásica?

El colorido y rico diseño del decorado y del vestuario fue una importante inspiración para el mundo de la utilería. ¡Me encanta UN CUENTO DE NAVIDAD! Mi primer encuentro con la historia fue a través de la película cuando era niño. El recordatorio de que la vida es demasiado corta y que, al final del día, lo que realmente importa son las personas y las relaciones que pudiste cultivar a lo largo de la vida es un mensaje que nunca envejecerá.

2) Los accesorios son esenciales para crear un mundo creíble en el escenario. ¿Cómo abordaste la investigación y reuniste inspiración para asegurarte de que los accesorios de A CHRISTMAS CAROL fueran auténticos para la época y el entorno?

Afortunadamente, hoy en día, la investigación es mucho más accesible que antes, lo que ayuda con los ocasionales problemas de tiempo que encontramos al realizar muchas producciones simultáneamente en el taller. Mi proceso de investigación consta de tres pasos. Inicialmente, profundizo en la investigación histórica, que normalmente abarca no sólo el año objetivo sino también las décadas anteriores. Mi segundo paso consiste en examinar el atrezo de la película y el atrezo de otras producciones. Esto me parece valioso porque permite a la audiencia conectarse con la historia en un nivel diferente, aprovechando experiencias que puedan haber tenido antes. El paso final es emplear mi intuición de diseño para lograr un equilibrio entre la precisión histórica y lo que complementará estéticamente la producción general.

¡Mira el avance del programa A CHRISTMAS CAROL a continuación!

3) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puede compartir información sobre cómo colaboró ​​con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que los accesorios se alineen con la visión general de la producción?

Por supuesto, la colaboración es la clave para una producción teatral exitosa. Tuve una gran colaboración con el escenógrafo, por ejemplo, para mejorar la conexión entre el fondo del dormitorio de Scrooge y los muebles que ocuparían ese espacio: la cama y el sillón. Discutimos la paleta de colores, seleccionamos muestras de telas y participamos en numerosos intercambios, incorporando disfraces e iluminación a la discusión para garantizar que cada elemento de diseño fuera coherente.

4) Dado que UN CUENTO DE NAVIDAD es un clásico navideño, ¿incorporó algún accesorio con temas navideños para realzar el ambiente festivo de la producción? ¿Puedes dar ejemplos?

En nuestro enfoque de la producción, infundimos magia navideña en varios muebles y accesorios para las manos. Si bien no son estrictamente históricos, estos detalles tenían como objetivo capturar la esencia de la Navidad que resuena en el público. Aprovechamos cada oportunidad para adornar espacios con elementos festivos, ya sea agregando un toque de lazos rojos y dorados o incorporando luces navideñas. Se utilizó cada rincón disponible para infundir un tema navideño en toda la producción.  

5) La atención al detalle es crucial en el diseño de utilería. ¿Hubo accesorios específicos en UN CUENTO DE NAVIDAD que requirieron atención adicional al detalle para garantizar la precisión histórica o la importancia temática?

¡Absolutamente! Un ejemplo notable es el sillón utilizado en el dormitorio de Scrooge. La utilería exigió una gran dedicación por parte del equipo, lo que requirió días de ajustes para garantizar que funcionara a la perfección. Si bien no quiero revelar demasiado para preservar la magia, puedo asegurarles que una vez que el público lo vea, comprenderá el significado especial de este accesorio. Subraya la creencia de que siempre vale la pena dedicar tiempo y atención incluso a los momentos más breves en el escenario.

6) ¿Tiene alguna creación de utilería favorita en UN CUENTO DE NAVIDAD de la que esté particularmente orgulloso o que se destaque como memorable?

Mi accesorio favorito es el caballo moteado que acompaña al carrito de juguete. El proceso de creación fue bastante desafiante y colaboré estrechamente con Prop Artisan, 
Hailee Selby. El resultado final fue increíblemente gratificante: tener un caballo moteado hermoso y atemporal que realmente destaca.

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 14 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Originaria de Brasil, Aline tiene una Maestría en Bellas Artes en Teatro y Tecnología con énfasis en Diseño Escénico de la Universidad del Sur de Mississippi. Con amplia experiencia como directora de utilería, diseñadora escénica y decoradora de escenarios, los aspectos más destacados de la carrera de Aline incluyen su papel como supervisora ​​de propiedades para la temporada 45 de Charleston Stage, supervisando ocho espectáculos cautivadores que incluyen La familia Addams, Cuento de Navidad, y Una vez en esta isla. Está encantada de continuar en la empresa durante el próximo año.

En una entrevista exclusiva, nos reunimos con Caleb S. Garner, el cerebro detrás del cautivador diseño de iluminación en Dock Street Theatre para nuestra última interpretación de A CHRISTMAS CAROL. ¡Explore las complejidades de su enfoque artístico mientras ilumina la magia de este clásico navideño atemporal!

1) ¿Qué te atrajo a trabajar en el diseño de iluminación de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y la atmósfera de esta historia clásica?

UN VILLANCICO Ha sido parte de mi vida desde que tengo uso de razón. Era una tradición navideña para mi familia, como lo es para tantas otras. Mi adaptación cinematográfica favorita es en realidad la versión de 1984 de George C. Scott como Scrooge. Me encanta cómo esa adaptación utiliza la luz para intercambiar lo natural y lo sobrenatural con el pasado, el presente y el futuro. Christmas Past tenía una cualidad confusa y onírica. Christmas Present fue a veces brillante y alegre, y a veces austero y serio. Christmas Future era oscuro y lleno de humo. Todavía estoy cautivado por la capacidad de esa adaptación de contar una gran historia a través de la luz, y estoy muy emocionado de darle mi propio toque a esa gran narración. 

Como músico de iglesia, he pasado mucho tiempo leyendo textos sobre el tiempo de Adviento y Navidad. Una lección que siempre me llamó la atención es que esta temporada no se trata solo de nacimiento, sino también de redención. Es fácil olvidar que UN CUENTO DE NAVIDAD no es simplemente “un viejo malhumorado que está asustado por los fantasmas y ahora ama la Navidad”. Scrooge es un personaje complejo. Creo que nuestra producción hace un gran trabajo al mostrar cómo se adaptó a lo largo de su vida y cómo reconectarse con su pasado le permite reclamar su futuro. La historia me recuerda un poema del teólogo y líder de derechos civiles estadounidense Howard Thurman, llamado "La obra de Navidad". Su idea del “trabajo” de la Navidad son las lecciones que Scrooge vuelve a aprender para abrir su corazón y amar nuevamente.

Cuando la canción de los ángeles se calma,

Cuando la estrella en el cielo se va,

Cuando los reyes y los príncipes estén en casa,

Cuando los pastores vuelvan con sus rebaños,

Comienza la obra de Navidad:

      Para encontrar a los perdidos,

      Para sanar a los quebrantados

      Para alimentar a los hambrientos,

      Para liberar al prisionero,

      Para reconstruir las naciones,

      Para traer la paz entre la gente,

      Hacer música en el corazón.

Así es esta producción de UN CUENTO DE NAVIDAD: haciendo música en el corazón. Estoy muy emocionado de compartir este regalo de Navidad con todos ustedes. 

2) La iluminación juega un papel crucial a la hora de crear el ambiente de una producción. ¿Cómo abordaste la creación de un diseño de iluminación que complemente la narrativa y realce el impacto emocional de un villancico?

Cuando nos reunimos por primera vez en 2022 para discutir esta importante reinvención de la producción, el dramaturgo Julian Wiles habló sobre la necesidad de vitalidad, color y diversión. No queríamos tener una producción que dijera: "este es el mundo de Scrooge y todo es triste, oscuro y vacío". Queríamos una producción que mostrara al público toda la alegría, la compasión y el amor que le faltaba a Scrooge. 

Es muy fácil centrarse en Scrooge y los fantasmas y hacer una producción oscura y aterradora. Y uso iluminación oscura con azules intensos y sombras profundas para hacer que los fantasmas sean intensos e impactantes, pero también trato de mantener el espíritu colorido de la producción usando turquesas, magentas profundos y lavandas para darles a los fantasmas una sensación de misterio sin siendo sombrío y deprimente. Realmente me encantó esta pintura llamada “Energías Púrpuras” del pintor suizo Fabien Bruttin como inspiración para los fantasmas, particularmente Marley y Christmas Future.

También era importante mantener el sentimiento de celebración durante toda la obra. No quería que cada escena pareciera "Londres de noche". Quería algo de variedad y colores más vibrantes, así que elegí rosa lavanda, azul claro, naranja y verde para que el mundo pareciera festivo y nuevo. Para Julian, Sam y para mí era importante evitar que la producción pareciera una tarjeta navideña victoriana. Si bien tienen muchos colores, a menudo estaban descoloridos, de color rojo intenso y un poco pasados ​​de moda. Queríamos fantasía y una amplia gama de colores. Me inspiré en esta imagen de Covent Garden. ¡Mira si puedes detectar algunos de estos colores provenientes de las luces mientras miras! 

3) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puede compartir información sobre cómo colaboró ​​con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que el diseño de iluminación se alinee con la visión general de la producción?

Todo el equipo de diseño se reúne con meses de anticipación para establecer y perfeccionar nuestro mundo de la obra para que la audiencia obtenga un producto final unificado. Pasamos mucho tiempo hablando, investigando, dibujando y compartiendo para que todos estemos en sintonía sobre la visión de la producción. lo hicimos Un villancico la temporada pasada, pero no fue tan sencillo como sacarlo de una caja y volver a ponerlo en escena. La producción de la temporada 45 fue fantástica, pero cada área de diseño tenía varias cosas que podíamos mejorar. Esto incluyó cosas como la ubicación de los fondos, nuevos muebles y accesorios, nuevos elementos de vestuario y nuevos trucos de magia.

Una nueva temporada también brinda nuevos actores a Charleston Stage, lo que significa que personas con diferentes tipos de cuerpo, complexiones y tonos de piel necesitaban modificaciones para los trajes existentes y nuevos colores de iluminación que realzaran mejor su piel. Si bien muchas cosas son similares este año, muchas también son bastante diferentes. Mi mentor de iluminación, Craig Dettman, diría "la misma canción, verso diferente".

Esta producción tiene muchos “trucos” asociados con los Fantasmas y su magia, y todos requieren una cuidadosa coordinación con los demás elementos de diseño y dirección para realizarse correctamente. La lápida de Scrooge en la secuencia del cementerio es uno de mis ejemplos favoritos. Cuando Scrooge llega por primera vez al cementerio, no se da cuenta de que está sobre su propia tumba; la lápida que tiene ante él está en blanco. Una cuidadosa coordinación entre la dirección, el paisaje y las luces nos permitió revelar mágicamente la palabra "SCROOGE" en la piedra. Los sonidos añadidos, la niebla y la magnífica combinación de colores del vestuario ayudan a crear la imagen increíblemente poderosa de Scrooge dándose cuenta de su destino. 

Ahora que he estado en Charleston Stage durante varios años, he desarrollado una excelente relación y una especie de lenguaje abreviado con el resto del personal. Estamos regularmente en la misma página y realmente disfruto nuestras discusiones y colaboraciones. 

4) UN CUENTO DE NAVIDAD tiene momentos tanto de oscuridad como de luz. ¿Cómo equilibraste el uso de luces y sombras para transmitir los distintos estados de ánimo y temas a lo largo de la producción?

Siempre me aseguro de que la iluminación cumpla con varios factores diferentes en cada escena: visibilidad, estado de ánimo, revelación de la forma, puntuación y narración. 

La visibilidad es simplemente poner luz donde la quieres y quitarla donde no la necesitas. El estado de ánimo es la forma en que la luz utiliza los colores, los ángulos y las texturas para mostrar emociones o atmósferas. Siempre hay un delicado equilibrio entre el estado de ánimo y la visibilidad, porque a menudo demasiado de uno puede dañar al otro. Si la luz es demasiado oscura, el público lucha por comprender la acción en el escenario, pero si el público puede ver todo lo que hay en el escenario, la atmósfera de la escena se ve comprometida.

La revelación de la forma es cómo iluminamos figuras y objetos en el escenario, dándonos dimensionalidad. La forma en que revelamos figuras en el escenario también nos ayuda a establecer visibilidad y estado de ánimo. Por ejemplo, enciendo el conjunto que canta “Joy To The World” de una manera totalmente diferente a como enciendo el Fantasma de la Navidad Futura. 

Cada oración tiene algún tipo de puntuación. La forma en que iluminamos el final de una frase en el escenario es tan importante como la forma en que termina la frase en el papel. Cuando Marley deja a Scrooge, la última línea de la escena termina con un signo de exclamación: la iluminación debería hacer absolutamente lo mismo. No queremos un desvanecimiento lento hacia el negro aquí; ¡Queremos un apagón de conteo cero para terminar la escena con fuerza!  

Contar historias es hacer avanzar la narrativa mediante el uso de las propiedades de la luz que podemos controlar. Estas propiedades son intensidad, distribución, ángulo, color, cambio y movimiento. 

La cuidadosa consideración y combinación de estos elementos nos ayudan a crear “looks” individuales para distinguir los distintos momentos del espectáculo. Gran parte del equilibrio proviene de la experiencia y la intuición. ¡Y una gran relación con el equipo de producción!

5) ¿Hubo escenas o momentos específicos en UN CUENTO DE NAVIDAD en los que usaste intencionalmente la iluminación para resaltar elementos o emociones clave? ¿Puedes compartir ejemplos de cómo la iluminación mejora la narración?

Uno de mis momentos favoritos del programa es cuando escuchamos la canción “A New Day Dawns”. Esto sucede dos veces dentro del programa y cada una es un punto importante en la vida de Scrooge. 

La primera vez que escuchamos la canción, un joven Scrooge ve a su futura prometida, Belle, por primera vez. Quería que el resto del mundo desapareciera para que pudiéramos ver a Scrooge enamorarse instantáneamente. Las luces bajan hacia el joven Scrooge y Bella mientras ella canta la canción. La presencia de los otros invitados a la fiesta aún se siente porque están bajo una luz de color más oscuro, con un fuerte resaltado alrededor de sus siluetas. Esto muestra las figuras generales, pero limita la visibilidad de los rostros para que la audiencia pueda concentrarse en el momento del amor a primera vista que ocurre detrás del escenario. El viejo Scrooge y el fantasma de las Navidades pasadas todavía están tenuemente iluminados, por lo que el público también puede ver a Scrooge volver a familiarizarse con su humanidad. 

Esto sucede por segunda vez en la última parte del segundo acto. Scrooge va a la casa de su sobrino Fred para hacer las paces y conoce a la esposa de Fred, Caroline. Caroline está cantando "A New Day Dawns" y está en la misma posición que Belle. Scrooge y Caroline recrean el momento en que los jóvenes Scrooge y Bella se conocen por primera vez. La iluminación tiene un encantador menú desplegable de la misma manera que antes. Es un momento realmente conmovedor que muestra a Scrooge dejándose amar de nuevo. 

Espero que la iluminación muestre los momentos profundamente personales con los jóvenes Scrooge y Belle, y luego con Caroline y Scrooge con los apretados pulldowns. Luego, las luces se abren para revelar a los otros personajes, mostrando que estaban allí para ver el arco del personaje de Scrooge. 

6) La historia de UN CUENTO DE NAVIDAD abarca diferentes escenarios, desde la oficina de Scrooge hasta la casa Cratchit. ¿Cómo adaptaste el diseño de iluminación para crear atmósferas distintas para cada lugar?

Cada conjunto de personajes tiene su propia paleta de colores especial. La diseñadora escénica Susan Crabtree y yo trabajamos estrechamente con la diseñadora de vestuario Janine McCabe para asegurarnos de que cada lugar tuviera su propia identidad de color especial en el vestuario, la escenografía y el diseño de iluminación. 

Un gran ejemplo lo podemos ver en la familia Cratchit y su hogar. Elegimos un esquema de color púrpura/lavanda para darle a los Cratchit sus propios rasgos identificables como unidad familiar. El escenario tiene elementos de colores en el fondo y cada personaje tiene sus colores en el vestuario. Ilumino la escena con azules y lavandas para poder ayudar a que los colores del vestuario y el escenario realmente resalten.

¡Esté atento a los diferentes esquemas de color del programa! ¡Cada lugar y familia tiene su propia colección especial de colores!

7) ¿Tiene algún efecto o técnica de iluminación favorito utilizado en UN VILLANO DE NAVIDAD del que esté particularmente orgulloso o que se destaque como memorable?

Cada año intento incorporar algunos elementos nuevos a la producción para hacerla aún más interesante. Este año debutan dos nuevas máquinas de niebla. ¡Nunca los verás, pero definitivamente verás la niebla! Estos se llaman nebulizadores de niebla ultrasónica y obtienen el mismo efecto que la niebla de hielo seco sin la necesidad de hielo seco y 350 libras de agua. Estos nebulizadores utilizan una membrana ultrasónica que vibra rápidamente a altas velocidades en un tanque de agua. El agua se agita en gotas individuales con un tamaño de aproximadamente 3 a 5 micrones, vaporizándose en el aire para formar una niebla espesa. Es muy científico y es genial. Lo más probable es que ya tengas esta tecnología en tu casa. Si tienes un “humidificador de vapor frío”, ¡tienes la misma tecnología ultrasónica en una escala más pequeña!

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 7 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Caleb S. Garner es un diseñador de iluminación y sonido que vive en Charleston, Carolina del Sur. Originario de Carolina del Norte, Caleb recibió su licenciatura y licenciatura en Bellas Artes de Catawba College en Salisbury, Carolina del Norte, y su maestría en Bellas Artes de la Universidad del Sur de Mississippi. Los diseños de Garner, que van desde conciertos hasta ballets, musicales y obras de teatro, le han valido ocho premios de diseño regionales y nacionales. Caleb ha sido un diseñador destacado desde Nueva York hasta Mississippi, diseñando en el noreste, el medio oeste, la costa este y el sur profundo. A Caleb le gusta convertir grandes trozos de madera en trozos más pequeños (a veces erróneamente llamados muebles), gritar con los estudiantes (a menudo reconocido como enseñanza) y jugar con cosas que chispean y humean. Caleb actualmente se desempeña como diseñador de iluminación residente en Charleston Stage Company y es profesor adjunto en el College of Charleston.

Explore los intrincados detalles del enfoque artístico de K'nique Eichelberger como coreógrafo de UN CUENTO DE NAVIDAD en esta entrevista especial. ¡Prepárate para otra temporada de emoción mientras el excepcional trabajo de K'nique ocupa un lugar central y se convierte una vez más en un punto destacado en la adaptación de este año del clásico atemporal!

1) UN CUENTO DE NAVIDAD es un clásico navideño. ¿Cómo abordaste la infusión de la coreografía con el espíritu festivo de la temporada y al mismo tiempo transmitiste los temas más profundos de la historia?

La Navidad es una festividad en la que las familias se reúnen para expresar amor, bondad y alegría. En mis coreografías verás la alegría o emoción en cada movimiento. Sin embargo, esta no es la coreografía tradicional de UN CUENTO DE NAVIDAD. Si bien honramos el período de tiempo con la forma en que hablamos y caminamos, hay un elemento contemporáneo en los bailes con el que el público más joven y mayor puede identificarse. La danza para mí siempre ha sido una forma de comunicar cosas que no podía verbalizar y me ayudó a expresarme de una manera creativa y personal. Quería que los movimientos hablaran por sí solos sin palabras ni cantos. Hay algunos movimientos lentos que pueden transmitir sentimientos de tristeza o melancolía, mientras que los movimientos bruscos y explosivos pueden expresar fuerza y ​​alegría. A lo largo de todos los números de baile se puede ver cómo se demuestra. Uno de los temas centrales de UN CUENTO DE NAVIDAD es la transformación personal y la redención. Verás que hay muchos cambios de formación en el primer número para transmitir los muchos cambios por los que pasará Scrooge durante el espectáculo. El personaje de Ebenezer Scrooge sufre un cambio profundo, pasando de ser un hombre avaro, insensible y egoísta a una persona generosa, afectuosa y compasiva. Estos son algunos temas de baile que verás al comienzo del espectáculo y que resurgirán con el nuevo y mejorado Scrooge.

2) ¿Hay algún aspecto particular de UN CUENTO DE NAVIDAD que resuena contigo a nivel personal? ¿Cómo influye esta conexión en tu proceso creativo?

La gente puede cambiar pero no se puede cambiar a la gente. Hay que permitir que la gente crezca y vea las cosas por sí misma. El cambio llega cuando la persona comprende cómo se forma su actitud y cómo impacta en su vida. A menudo se trata de reflexionar y sanar mucho del pasado. Las personas pueden cambiar si se cumplen algunos requisitos, incluida la autoconciencia y la fuerza de voluntad. A lo largo de la historia, Scrooge tiene la oportunidad de ver cuándo ha cambiado su vida y explora por qué está tan enojado al pensar en la Navidad. Esto influyó en mi proceso creativo al darme gracia en los demás. En los ensayos siempre estuve ahí para ayudar y ponérselo fácil a los actores porque nunca se sabe por lo que está pasando la gente. Así que presentarse con energía y una sonrisa creará un espacio seguro en el que a todos nos encanta trabajar.

3) Cuéntanos tu proceso creativo al coreografiar una producción. ¿Cómo transformaste la narrativa en movimiento y danza, especialmente para una historia tan icónica como la de Dickens?

Primero me conecto con el director para entender la visión que quieren para este espectáculo. A CHRISTMAS CAROL es una historia antigua, pero nuestra producción le da nueva vida a esta historia más antigua con un toque de hip hop contemporáneo, sin dejar de respetar el período de tiempo. Cuando coreografío me gusta sentarme y escuchar la música para darle emoción. ¿Cómo me hizo sentir esto? Una vez que he decidido qué emoción quiero que surja del baile, comienza a crearse por sí solo. 

4) En la coreografía de UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿tienes algún número o secuencia de baile favorito? ¿Qué los hace especiales para ti, ya sea en términos de expresión artística o resonancia temática?

Esta es una pregunta difícil porque amo todos los bailes. Debo decir que el número de apertura “God Rest Ye Merry Gentlemen” sería uno de mis favoritos. La energía que posee esta canción es inigualable. Yo lo llamo la estampida de alegría cuando el elenco llega corriendo a la cima del número. Prepara bien la historia con plena energía y la audiencia se involucrará de inmediato. A veces hay que sentarse y darse una palmadita en la espalda. Ver este número cobrar vida fue una palmadita en la espalda para mí. Ver a todos disfrutando del baile y la visión que he creado me calienta el corazón.

5) Colaborar con el director y otros miembros del equipo de producción es crucial. ¿Puedes compartir una experiencia de colaboración memorable y cómo mejoró la producción general?

A la hora de coreografiar hay que colaborar con todos, no sólo con el director. Sam, el director, y yo trabajamos muy bien para expresar lo que queremos en un número. El final es un gran número en el que ambos nos ayudamos mutuamente para crear el sentimiento mágico que ambos queríamos. Todo el elenco está en el escenario por primera vez y ahora tenemos que crear este mundo de juguetería que no fue fácil de hacer. Están sucediendo muchas cosas y sin la colaboración de todo el equipo de producción, el final no sería tan hermoso como es.

6) ¿Hay estilos de baile específicos o tradiciones navideñas que le parezcan particularmente inspiradores o que haya incorporado a la coreografía para capturar la atmósfera navideña?

He crecido haciendo danza hip hop, danza moderna, contemporánea y teatro musical. Creo que incorporé los cuatro estilos de baile para brindarte algo nuevo cada vez que ocurre un número de baile. Gran parte es mucha energía para combinar con el espíritu navideño. También obtienes esos momentos de amor y risas.

7) Reflexionando sobre tu carrera, ¿hay alguna actuación o producción que tenga un lugar especial en tu corazón? ¿Qué los hizo destacar entre el resto?

¡Tengo dos! Mi primer año como actor residente interpreté a Lola en Pisando fuerte y fue mágico interpretar ese papel soñado. Ese fue un papel en el que trabajé más duro que nunca. Como persona soñadora, ese fue uno de los momentos en los que pude decir que mi sueño se hizo realidad. Estoy viviendo el sueño que me propuse hace años. Tuve la suerte de volver a interpretar este papel más tarde en el Main Street Theatre de Pensilvania. Fue igual de mágico. Ese papel siempre significará mucho para mí. mi segundo seria La obra que va mal. Ese fue el programa más divertido en el que he estado. Interpreté al mayordomo Perkins que no tenía idea de lo que estaba haciendo en el programa. Me permitió ser libre y expresar realmente qué tipo de actor soy. Era un ritmo rápido y siempre me mantenía alerta. El amor que Perkins recibió del público significó mucho para mí. Todo lo que siempre quiero hacer en el escenario es impactar a la audiencia de alguna manera. Con mucho estiramiento podría hacer ese espectáculo durante mucho tiempo. 

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 6 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

K'nique Eichelberger es originario de Columbia, Carolina del Sur, pero se mudó a Brevard, Carolina del Norte, donde obtuvo una licenciatura en Música y Teatro. Está muy emocionado de volver a actuar con Charleston Stage. Él coreografió Un villancico mientras era actor residente y está muy feliz de volver a coreografiar. Sus créditos recientes incluyen: Una vez en esta isla (Daniel), La obra que va mal (Perkin), Pisando fuerte (Lola), Los últimos cinco años (Jamie), Tienda de los horrores (Audrey II), En el bosque (Jacobo), Un tranvía llamado deseo (Stanley) y más. Está muy agradecido por sus amigos y familiares que lo han apoyado a lo largo de los años. ¡K'nique está tan emocionada de cambiar vidas a través de la creación de arte en Charleston Stage! Estén atentos en Instagram @nique_tg3

En nuestra entrevista exclusiva, Janine McCabe, nuestra diseñadora de vestuario original de UN CUENTO DE NAVIDAD, profundiza en los fascinantes detalles de su enfoque artístico la temporada pasada para crear el vestuario de este clásico atemporal. ¡Estamos muy emocionados de que el trabajo de Janine vuelva a ser lo más destacado en el escenario en la adaptación de esta temporada!

1) Para empezar, ¿podrías presentarte y compartir un poco sobre tu experiencia como diseñadora de vestuario, especialmente en el contexto de producciones teatrales?

Hola. Mi nombre es Janine McCabe y he trabajado como diseñadora de vestuario durante más de 25 años. Después de considerar carreras de ingeniería y matemáticas, finalmente encontré mi camino hacia el teatro a través de un trabajo de estudio y costura en la tienda de vestuario del College of Charleston. Después de completar mi licenciatura en teatro con especialización en diseño de vestuario, fui a la Universidad de Virginia para obtener una maestría en diseño de vestuario y luego me mudé a Nueva York, donde trabajé para diseñadores como Martin Pakledinaz, quien fue un diseñador y mentor increíble. En Nueva York pude trabajar en Broadway, Off-Broadway, Ópera, Danza y viajar por todo el país para ayudar a revisar el vestuario al poner a nuevos actores en papeles en giras nacionales como Millie completamente moderna. Nueva York fue una increíble experiencia de trabajo y aprendizaje y definitivamente ha influido en todos los aspectos de mi carrera como diseñadora y profesora de diseño de vestuario..

2) ¿Qué te atrajo a trabajar en el vestuario de UN CUENTO DE NAVIDAD y cómo te conectas personalmente con los temas y personajes de esta historia clásica?

Lo primero que me atrajo del trabajo para A CHRISTMAS CAROL fue la emoción que presentó Julian Wiles cuando me pidió que trabajara en él con él y el equipo. Su idea de aportar color y energía y presentar la historia de una manera que la gente no había visto antes me resultó atractiva. Julian y yo habíamos trabajado juntos antes y él sabía que me encanta trabajar con colores llamativos y salirse de las líneas de lo que se espera. Al tener un hijo pequeño y otra familia que está creciendo, me siento más atraído que nunca por los temas de la generosidad, la compasión y el tiempo con familiares y amigos por encima del trabajo y el dinero. Las luchas que enfrentan los personajes de esta historia clásica existen hoy en día, por lo que hay mucho que aprender y recordar a cualquier edad de esta historia.

3) Cada personaje de UN CUENTO DE NAVIDAD tiene una personalidad distinta. ¿Cómo hiciste para visualizar y crear disfraces que no solo capturaran la esencia de los personajes sino que también contribuyeran a la narración visual general?

Mis asistentes, Molly Belle y Brandon Alston, y yo pasamos mucho tiempo investigando la historia y las representaciones de los personajes a lo largo del tiempo. Analizamos diferentes interpretaciones y presentaciones de la historia y hablamos sobre los deseos, necesidades, creencias y puntos de vista individuales del personaje sobre el mundo en el que se encontraban. Reunimos imágenes para reflejar esas ideas y sus personalidades individuales, primero que eran principalmente de naturaleza abstracta y luego Avanzó hacia la investigación de la ropa real. Sabiendo que conceptualmente queríamos un espectáculo lleno de color, nos inspiramos mucho en los libros e ilustraciones para niños para las líneas y colores atrevidos que finalmente conseguimos. A lo largo del proceso de diseño, verificamos continuamente el desarrollo de las ideas de escenografía, iluminación y sonido para asegurarnos de que todos íbamos en una dirección unificada para crear las imágenes que respaldaban el concepto de dirección para darle vida de la mejor manera posible. mientras apoya la historia y los personajes.

4) Dada la ambientación de época de UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿cómo equilibraste la precisión histórica con la interpretación creativa al diseñar el vestuario? ¿Hubo influencias contemporáneas que inspiraron sus diseños?

Como diseñador, una de las cosas que encuentro desafiante pero extremadamente divertida desde el punto de vista conceptual es analizar la investigación histórica e infundirle influencias contemporáneas para presentar algo que parece de época pero que se ve de una manera nueva. Hubo muchas influencias contemporáneas en colores y patrones y en la forma en que la gente combina cosas en la moda hoy en día que quizás no creas que deberían ir juntas... incluso mi hijo de 8 años fue una influencia en la forma en que combina colores y mezcla y combina conjuntos de ropa para expresarse. A través de la investigación histórica, encontramos muchos ejemplos de ropa brillante, patrones atrevidos y detalles que no esperábamos. Reunimos y creamos paneles de imágenes con todas estas influencias que luego publicamos a nuestro alrededor para que, a medida que dibujamos los diseños de personajes individuales, continuaran inspirando ideas..

5) La colaboración es clave en el proceso de producción. ¿Puedes compartirnos tu opinión sobre cómo colaboraste con el director y otros miembros del equipo creativo para garantizar que el vestuario se alineara con la visión general de la producción?

La colaboración es una de las principales razones por las que me encanta diseñar. Tuve la suerte de tener a Molly y Brandon trabajando en el estudio de diseño conmigo preparándome para este diseño durante varios meses el verano pasado antes de que comenzara el trabajo en las tiendas. Durante ese tiempo, el director y el equipo creativo se reunían a través de Zoom y, a veces, en persona para compartir y presentar nuevas ideas y estas reuniones fueron muy importantes para el proceso. De lo que se trata es de escuchar a otra persona hablar sobre el concepto o una idea de iluminación que luego inspira algo más en el vestuario o el decorado. ¡Es la parte divertida! Julian trabajó muy de cerca con nosotros para comprender la trayectoria de cada actor y exactamente qué se necesitaba momento a momento para lograr la visión general. También nos mantuvimos actualizados mutuamente a través de carpetas en línea para que en los momentos entre reuniones pudiéramos colaborar y estar al tanto de los nuevos desarrollos. Valoro mucho los tiempos de reunirse y compartir ideas… así logramos que todo encaje cuando llegamos a los ensayos técnicos donde finalmente todo está en el mismo lugar en el escenario juntos, meses y meses de trabajo en diferentes áreas y luego se junta... es mucho trabajo duro pero también es mágico.

6) ¿Tiene algún disfraz favorito o elemento de diseño específico en UN CUENTO DE NAVIDAD del que esté particularmente orgulloso o que tenga un significado especial? ¿Qué los hace destacar?

Oh, eso es difícil... es difícil elegir un favorito. ¡Me divertí mucho con los fantasmas! Creo que el Fantasma del Futuro se destaca ya que no es la figura negra más típica, sino capas y capas de telas hechas jirones blancas, grises, plateadas y azul hielo que reflejan el frío y la tristeza del futuro potencial de Scrooge. También amo especialmente a las personas sin hogar... Supongo que puede parecer gracioso ya que no ves muchos de sus disfraces, pero si lo hicieras descubrirías que están hechos de montones de suéteres coloridos reutilizados y usados, cortados, desgastados y superpuestos en varias capas. maneras creando mucha textura e interés. Molly y yo nos lo pasamos muy bien creándolos. Las rayas de los sirvientes de Scrooge también... ah, y toda la familia Cratchit... fueron tan únicas y emocionantes de crear con sus capas, patrones y colores. Hmmm... No lo sé, fue un proceso gratificante e inmensamente creativo tener la oportunidad de trabajar estrechamente con mis asistentes y crear una versión tan colorida y recién imaginada de esta historia con Julian y el equipo creativo.

7) De cara al futuro, ¿hay algún proyecto o estilo de diseño de vestuario próximo que le interese explorar en su trabajo futuro?

Bueno, actualmente estoy en el proceso de diseño. Die Fledermaus como parte de la temporada CofC Stages en colaboración con el Programa de Ópera del College of Charleston y creo que el concepto de esa producción permite al equipo jugar mucho con estilo y color, especialmente para la fiesta del Acto II, así que estoy deseando hacia donde eso lleva. Lo bueno de diseñar vestuario es que cada producción ofrece un nuevo desafío en la narración, investigaciones distintas, diferentes colaboradores y mucho que explorar, por lo que la emoción continúa.

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 1 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Janine McCabe es presidenta y profesora de diseño de vestuario del Departamento de Teatro y Danza del College of Charleston, donde regularmente diseña y asesora a estudiantes de diseño de vestuario para la temporada CofC Stages del departamento, de la que también se desempeña como directora artística. Los diseños recientes para CofC Stages incluyen VIOLET y THE MAGIC FLUTE. El trabajo de Janine en Charleston Stage incluye diseños para EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO EN LA NOCHE, PETER Y EL ATRAPAESTRELLAS, NAVIDAD BLANCA, LOS CALZONES y SHERLOCK HOLMES-LA AVENTURA FINAL. También se desempeña como diseñadora residente para PURE Theatre, donde los diseños incluyen MLIMA'S TALE, HONORIA SILENCIOSA SACAN FUERZA DE SU VERDAD, BEN BUTLER, EL BRILLO ABSOLUTO DE LEONARD PELKEY, LOS NIÑOS, LA DURACIÓN DE LA VIDA DE UN HECHO, ÚLTIMOS RITOS, SONIDOS DE BOCA PEQUEÑA, ESTE MUNDO ALEATORIO, CASA DIVERTIDA, EL ROYALE, EL (CURIOSO CASO DE) LA INTELIGENCIA WATSON, UN EVENTO ESPONTÁNEO REPENTINO, MARÍA ANTOINETA, y más. Sus créditos en diseño de vestuario regional incluyen producciones en Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC y Trustus Theatre SC. Los créditos del asistente de diseño de vestuario de Broadway incluyen: THE WEDDING SINGER, WONDERFUL TOWN, TOTALMENTE MODERNO MILLIE, THE LOOK OF LOVE, UN AÑO CON RANA Y SAPO, KISS ME KATE. Otros diseños locales incluyen SALT IN THE SOIL y HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN y DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), el estreno mundial de LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT en el Charleston Music Hall y, más recientemente, el estreno mundial. de DANIEL Y LOS REYES en el North Charleston Performing Arts Center.

Recientemente tuvimos el placer de entrevistar a Sam Henderson, nuestro Director Musical y Director de UN VILLANCICO. ¡Lea más a continuación para descubrir información sobre su proceso creativo mientras dirige este clásico navideño!

1) ¿Qué te atrajo de UN CHRISTMAS CAROL como proyecto y cómo te conectas con los temas de la historia a nivel personal o creativo?

UN CUENTO DE NAVIDAD ha sido uno de mis cuentos favoritos desde que mi maestra de segundo grado, la Sra. Eisenhower, nos lo leyó en voz alta antes de las vacaciones. Quedé cautivado por la magia y las imágenes de la pieza desde el principio.

2) La música juega un papel crucial a la hora de establecer el tono de una producción. ¿Puedes compartir las inspiraciones musicales que guiaron tu composición para A CHRISTMAS CAROL y cómo abordaste su integración en la narrativa?

Darle un toque moderno a la música fue sin duda un desafío. Para mí era importante que mantuviéramos la instrumentación adecuada para el período; usando solo instrumentos que habrían existido/sido populares durante la época de Dickens (¡en su mayoría de todos modos!). Luego tuve que descubrir cómo usar esos instrumentos de una manera que sonara más moderna y divertida. Artistas como Mumford and Sons y Lindsey Stirling y musicales como “Once” entraron en juego en la búsqueda de inspiración para esta nueva versión de estas canciones. También quería algo de contraste con la realidad de la época. Entonces, por ejemplo, cuando estamos en la casa de Fred y los invitados empiezan a cantar para el entretenimiento de la noche, la ambientación que hice para “I Saw Three Ships” es en gran medida de esa época y no intenta ser algo que es no.

3) Colaborar con diferentes mentes creativas es fundamental. ¿Cómo trabajaste con el coreógrafo y otros miembros del equipo de producción para garantizar una experiencia cohesiva e inmersiva para la audiencia?

Crear esta nueva versión de UN CUENTO DE NAVIDAD junto al dramaturgo Julian Wiles y el coreógrafo K'nique Eichelberger fue muy divertido. Pudimos estar todos juntos en la sala probando cosas y descubriendo qué funcionó y qué no. Luego podríamos hacer ajustes a la música, la coreografía o el guión según fuera necesario para que todos estos elementos funcionen juntos para contar la historia de la mejor manera.

4) Al dirigir UN CUENTO DE NAVIDAD, ¿tiene alguna escena o momento favorito que le llame la atención?

Hay dos escenas que me gustan bastante. La primera es en “el pasado” cuando vemos el momento en que terminó la relación de Scrooge con Bella. Es una mirada detenida a una de las razones por las que se ha convertido en lo que es en el presente y tiene una escritura realmente encantadora. El otro está en “el presente” cuando Scrooge visita a los Cratchit en Nochebuena. ¡Nuestros Cratchits de este año tienen tal calidez y alegría que te encuentras realmente envuelto en esta escena y con ganas de ser parte de la familia!

5) ¿Qué esperas que el público se lleve la producción de A CHRISTMAS CAROL?

Espero que el público pueda ver que las personas son capaces de ir más allá de los traumas y tragedias de su pasado, y que nunca es demasiado tarde para reorganizar su forma de pensar y corregir los errores del pasado. Y a veces, es la alegría que nos rodea en esta época del año la que puede provocar ese pequeño cambio.

Obtenga sus boletos para ver UN CUENTO DE NAVIDAD, del 1 al 22 de diciembre, en charlestonstage.com.

Sam Henderson es el director musical residente y director de educación musical de Charleston Stage. Tiene una Licenciatura en Educación Musical en Música Instrumental/Interpretación de Trompeta de la Universidad de Baylor en Waco, TX, así como una Maestría en Teatro Musical/Dirección Musical de Ópera de la Universidad Estatal de Arizona. Sam tiene más de 20 años de experiencia enseñando música profesionalmente y ha trabajado como director musical de teatro desde 2005. Profesionalmente, Sam ha trabajado para The Phoenix Theatre Company, Childsplay, The Broadway Palm West Dinner Theatre, Arizona Broadway Theatre, Lyric Opera. Theatre y Copperstar Repertory Company antes de llegar al Charleston Stage.