Depuis les quarante-cinq premières années du stade de Charleston
souvenirs personnels du fondateur julian wiles

 
Charleston Stage a produit 320 spectacles au cours de nos 45 premières saisons. Il y a tellement de spectacles incroyables et de moments imaginatifs qui sont mémorables dans l'histoire de notre entreprise. Il a été difficile de n'en citer que quelques-uns dans cette rétrospective. De nombreux spectacles non mentionnés ici sont tout aussi affectueusement rappelés par nos artistes et mécènes. Mais les spectacles sélectionnés suivants ont fait une différence d'une certaine manière dans l'évolution de Charleston Stage, étaient particulièrement imaginatifs et importants pour nous en tant qu'artistes, ou ont été des pierres de touche spéciales dans l'histoire de quarante-cinq ans de Charleston Stage.

 

A Christmas Carol 
 
Le casting de notre première production de
A Christmas Carol (1978).

 
A Christmas Carol (1978)

Le tout premier spectacle de Charleston Stage.

Nous avons ouvert notre tout premier spectacle en décembre 1978 avec une adaptation du classique de Charles Dickens A Christmas Carol par la Minneapolis Children's Theatre Company. Ma famille et mes amis ont aidé à confectionner les premiers costumes, y compris ma future épouse, Jenny. Si je me souviens bien, ils cousaient jusqu'à la dernière répétition. Nous avions un ensemble minimal d'une scène de rue londonienne représentée uniquement par quelques panneaux de signalisation, et la plupart des meubles, lits et tables provenaient en fait de mon appartement ! La musique, accompagnée d'un seul piano, a été composée par le regretté Ben Hutto, un instructeur de chœur à Porter Gaud qui deviendra plus tard le directeur musical de la cathédrale nationale de Washington. Grâce à Ben, nous avons eu quelques chants glorieux.

Les esprits étaient joués par des enfants - un choix de casting plutôt étrange, mais j'avais lancé la compagnie en tant que théâtre pour jeunes (nous étions alors connus sous le nom de Young Charleston Theatre Company, sur le modèle du Young Vic de Londres). Je me souviens que "Christmas Past" était joué par un petit garçon caché dans le dais du lit de Scrooge qui s'est laissé tomber pour effrayer le pauvre vieux Ebenezer ! Quelques jours avant l'ouverture du spectacle, ma mère, mon père et quelques amis de la famille, Doraine et Luther Wannamaker, sont arrivés de la ferme où j'avais grandi avec un énorme camion de légumes verts. Doraine et ma mère ont façonné plus de 30 couronnes vivantes accrochées aux appliques du théâtre, et mon père et Luther ont aidé à installer deux arbres vivants de 12 pieds dans le hall. J'ai réussi à attirer le légendaire Bill Bender, alors au début des années 70 et peut-être l'acteur le plus connu de la communauté de Charleston, pour jouer Scrooge.

Bien que nous ayons produit plus de 20 productions de A Christmas Carol au fil des années, chacun devenant de plus en plus élaboré avec des esprits volant dans les airs et maintenant un orchestre en direct, cette première production avait sa propre magie. Et quand la neige est tombée à la fin du spectacle, ce fut (comme toujours) un moment magique : Scrooge avait renaît et une nouvelle compagnie de théâtre avait pris son envol.

 

 

CaroliniAntics et le lapin de campagne 
 
Jerry Lee Rhodan comme Foxxy Fox et Evie McGee (plus tard épouse de Steven Colbert) comme Ramblin Rabbit dans
CaroliniAntiques (1979). Rosa Lampin dans le rôle du lapin de la campagne Le lapin de la campagne (1982).

 
CAROLINIANTICS (1979) ET LE COUNTRY BUNNY (1982)
Ces deux adaptations ont commencé la longue tradition de Charleston Stage de produire des œuvres qui célèbrent le riche héritage du Lowcountry de Caroline du Sud.

j'ai basé CaroliniAntiques (que personne ne pouvait prononcer) sur les contes folkloriques et les chansons afro-américaines répandus dans toute la Caroline du Sud. Beaucoup de ces contes folkloriques de Gullah ont été collectés avec le projet de l'écrivain WPA des années 1930, et des chansons ont été collectées par le Freedman's Bureau sur l'île de Sainte-Hélène pendant la période de reconstruction. Ma femme, Jenny, avait appris un certain nombre de jeux afro-américains de Sea Island, qu'elle utilisait dans sa classe de maternelle. Dans le hall du Garden Theatre sur King Street où cette production a eu lieu, Jenny a organisé des démonstrations de fabrication de paniers de foin d'odeur et de tissage de filets à crevettes par des artisans professionnels locaux, et la ferronnerie de Philips Simmons. CaroliniAntiques a ensuite été renommé Sous la Lune de Sweetgrass et produit en 2003 et 2017.

j'ai adapté Le lapin de la campagne du livre pour enfants que DuBose Heyward a écrit pour sa fille, Jennifer. Le lapin de la campagne et les petits souliers dorés a été publié en 1939 et présentait l'œuvre de Marjorie Wise Brown, mieux connue pour ses illustrations classiques dans Goodnight Moon. Les dessins originaux du livre de Heyward et Brown sont conservés au Gibbes Museum of Art. Le spectacle présentait également des spirituals traditionnels du Lowcountry et la belle soprano Rosa Lampkin dans le rôle principal.

 

 

le garçon qui a volé les étoiles   
Will Applegate et Bill Bender dans la production de 1981. Bill Bender était également dans la production originale de 1979 tandis que Colin Somers jouait le personnage du garçon dans la production originale.

 
le garçon qui a volé les étoiles (1981)

Ma première pièce originale.

J'ai travaillé sur le garçon qui a volé les étoiles quand j'étais au début de la vingtaine. Il est né d'une obsession d'enfance pour l'astronomie - j'ai grandi à l'ère spatiale. La pièce a ensuite évolué pour devenir l'histoire d'un garçon et de son grand-père bien-aimé qui se retire soudainement parce que, comme nous l'apprendrons plus tard, le grand-père est en train de mourir. La pièce tourne autour d'une légende que le grand-père raconte à son petit-fils selon laquelle si vous pouviez voler les étoiles et les amener sur terre, il n'y aurait ni maladie ni mort. Ainsi, avec le véritable amour que les enfants sont susceptibles d'afficher, le garçon entreprend de voler les étoiles. En cours de route, il combat "Draco le Dragon" (c'est une constellation, si vous vous demandez).

C'est un conte naïf et fantastique, et je me demandais à l'époque si le public accepterait une histoire pour enfants sur la mort. À l'époque, la plupart des pièces de théâtre pour les jeunes ressemblaient à des contes de fées, de sorte que le spectacle était assez avancé pour son époque. Il y avait des projections (utilisant des projecteurs de diapositives - vous vous en souvenez?) Et une partition de percussion éblouissante de David Maves du College of Charleston, avec des tympans, des xylophones et même des gongs. J'avais un excellent casting : Bill et Lenore Bender, septuagénaires, et Colin Somers et Jenny Presti, 10 ans.

Mais je m'inquiétais toujours de la façon dont une pièce sur un petit garçon qui perd son grand-père serait reçue. Bien sûr, malgré le thème, la pièce n'était pas censée être déprimante, et j'espérais qu'elle était remplie de suffisamment de pathos et d'humour pour que le public puisse en profiter. Je me souviens d'être resté à l'arrière de la maison, faisant les cent pas derrière la dernière rangée, me demandant ce qui allait arriver. Ensuite, il y a eu un rire, peut-être deux, puis quelques autres, et le rire était contagieux. Cette magie du théâtre en direct a pris le dessus et a enchanté le public. À la fin du spectacle est venu l'un de ces moments pour lesquels les dramaturges vivent : le silence. Le personnage central, "Nicholas", venait de terminer ses dernières lignes :

Je pense que je vois mon grand-père en moi parfois
Dans la façon dont je parle ou tourne la tête
Et parfois je pense que je vois tout le monde que j'ai jamais connu
Marcher dans mon ombre.

Les lumières se sont estompées, le rideau est tombé et j'ai pensé que le silence durerait une éternité, mais cela n'aurait pu durer que quelques instants. Et puis il y a eu des applaudissements, des tonnerres d'applaudissements. J'ai réalisé pour la première fois de ma vie que quelque chose qui comptait tant pour moi pouvait signifier tant pour les autres aussi. J'étais accro et, à bien des égards, j'ai passé ma carrière d'écrivain à essayer de retrouver ce moment le plus merveilleux.

Tout n'était pourtant pas parfait. Entre les scènes, un personnage de poète apparaîtrait; un petit garçon grandi réfléchissant sur les choses des années plus tard à travers des poèmes qu'il avait écrits. À chaque apparition, cela semblait arrêter le spectacle net. Il a été joué par Thomas Gibson qui est devenu célèbre au cinéma et à la télévision (Dharma et Greg, Chicago Hope, Esprits criminels). Les critiques ont détesté ce personnage et ont dit que c'était inutile (ils avaient raison). Un critique a qualifié le personnage de Thomas de "crétin qui jaillit de la poésie", alors nous avons fait faire un T-shirt pour Thomas avec cette citation dessus. Heureusement, mon trébuchement de dramaturge recrue n'a pas semblé gâcher la carrière de Thomas. Plus tard, lorsque j'ai relancé la pièce et que le spectacle a été publié, j'ai sagement laissé tomber ce personnage.

La production originale, produite lors du premier festival Piccolo Spoleto en 1979, était une vente totale avec un spectacle supplémentaire qui devait être ajouté. Le meilleur moment pour moi a été lorsque je suis sortie du théâtre derrière Dottie D'Anna et sa compagne Kitt Lyons. Dottie et moi avions frappé des têtes l'année précédente lorsque nous travaillions tous les deux pour les Footlight Players. Elle était la réalisatrice professionnelle chevronnée alors que j'étais l'enfant impétueux et parvenu, si souvent nous n'avions pas été d'accord. J'avais quitté les Footlight Players seulement un an avant de commencer The Jeune compagnie de théâtre de Charleston. Alors que Dottie et Kitt quittaient le théâtre, Dottie m'a remarqué derrière elle et s'est retournée pour dire: "C'était merveilleux - émouvant - tu devrais en être très fier." Et j'étais. Je suis toujours.

 

 

Saisir la rue  
 
Le casting de la production originale de 1979 de Saisissez la rue! au sommet du garage de stationnement de la rue George. Des productions ultérieures sont apparues au sommet des garages de Cumberland et Concord Street.


Saisissez la rue! (1979, 1982, 1983 tournée en angleterre et 1994)

Du haut d'un parking de Charleston aux rues de Londres.

La production originale de Saisir la rue était la finale de notre première saison (1979) et était une comédie musicale festive et créative. Il a été produit au sommet du George Street Parking Garage. À bien des égards, cela nous a mis sur la carte de la scène artistique de Charleston avec son cadre imaginatif et une rampe de skateboard géante en demi-lune qui est apparue dans la finale. C'était des années avant les jeux X ou les parcs de skateboard, et notre ensemble de rampes de skateboard était probablement l'un des premiers jamais créés à Charleston ! Le spectacle présentait une partition originale de Thomas Cabaniss, alors âgé de 17 ans, qui irait à Yale et deviendrait un compositeur et un éducateur musical de premier plan travaillant avec le Lincoln Center et les orchestres de New York et de Philadelphie. Aujourd'hui, il enseigne à la Juilliard School.

L'émission raconte l'histoire d'un quartier où les gens ne s'entendent pas si bien : des vieux agacés par les jeunes skateurs et un quartier un peu ségrégué où les gens ne se connaissent pas. Lorsqu'un projet d'autoroute est prévu pour détruire leur quartier, les voisins disparates se rassemblent pour "s'emparer de la rue", manifestant ensemble pour préserver leurs maisons.

Nous avons relancé le spectacle avec un grand succès en 1982 et dans notre public un soir se trouvait un acteur anglais, Charles Lewsen, en ville pour jouer dans un spectacle de Spoleto au Dock Street Theatre. Il a été émerveillé par notre comédie musicale et nous a demandé si nous envisageons de la faire tourner en Grande-Bretagne. Il pensait que ce serait un grand succès, d'autant plus qu'à cette époque, les spectacles pour les jeunes faisaient fureur outre-Atlantique. L'idée d'une tournée semblait farfelue et, très franchement, je l'ai oubliée. Des mois plus tard, Charles a appelé de Londres (un très gros problème à l'époque) et a dit qu'il avait parlé à la British Youth Theatre Association qui avait accepté d'organiser notre transport terrestre et notre hébergement pendant que nous visitions des théâtres pour jeunes en Angleterre, si nous pouvions collecter l'argent à survoler. Malheureusement, une fois que nous avons additionné les coûts, le transport à lui seul s'élevait à 60,000 XNUMX $. Pourtant, certains parents sont intervenus, notamment Flori Fair, dont la fille Bernie était dans l'émission, et nous avons organisé des mois de ventes de pâtisseries, de ventes de barres de chocolat, etc. Une collecte de fonds réussie a suivi et bientôt nous avons commencé à nous rapprocher des frais de voyage.

Nous avons annoncé notre intention de remonter le spectacle au prochain festival Piccolo Spoleto pour lever les fonds restants. Cette fois, le spectacle a été mis en scène au sommet du garage de stationnement de la rue Cumberland récemment achevé. Le spectacle s'est ouvert à d'excellentes critiques et à un public emballé. Dans les productions précédentes, nous avions eu de la chance et n'avions pas eu besoin d'annuler une seule représentation à cause de la pluie, mais cette fois nous n'avons pas été aussi chanceux. Un énorme orage s'est abattu sur Charleston avec des vents violents - si violents qu'ils ont détruit tous nos paysages au-dessus du parking ! Cependant, il se trouve que nous avions un ensemble en double et plus petit conçu pour aller en Angleterre avec nous, nous avons donc déplacé nos performances finales vers l'auditorium Memminger alors non restauré où il était hébergé.

Ensuite, nous sommes partis pour Atlanta avec une douzaine d'acteurs adolescents, des membres d'équipage et une rampe de skateboard géante qui avait été démontée et emballée dans trois énormes caisses en bois. Nous avions vérifié auprès de Delta la taille des caisses, mais lorsque nous sommes arrivés à Atlanta, nous avons découvert qu'elles étaient trop grandes pour passer par les portes de l'avion. Heureusement, c'était avant l'ère de la TSA et d'une meilleure sécurité, alors le pilote nous a permis de prendre les outils que nous avions apportés avec nous pour remonter l'ensemble, et de démonter les caisses pour alimenter la rampe de skateboard démontée pièce par pièce dans le ventre du 707 !

Nous sommes arrivés à Londres avec un casting de 30 enfants, adultes, danseurs, skateurs et un groupe live de cinq musiciens. Notre première représentation a eu lieu dans une école de l'East End de Londres, suivie de divers spectacles dans des théâtres pour jeunes et des communautés de Reading à York, se terminant par notre dernier rideau dans un pensionnat chic du Pays de Galles. L'émission de télévision américaine "Fame" venait de devenir un succès en Angleterre et de nombreux enfants britanniques étaient convaincus que nous faisions partie de cette émission. Cela ne nous dérangeait pas et j'ai été stupéfait de voir qu'une émission sur des voisins se réunissant à Charleston, en Caroline du Sud, avait un attrait international. Le public a tout simplement adoré nos jeunes interprètes.

Ironiquement, j'avais eu l'idée de ce spectacle plusieurs années auparavant lorsque j'avais fait du sac à dos en tant qu'étudiant diplômé à Londres. Le National Theatre de Grande-Bretagne venait d'ouvrir ses portes sur les rives de la Tamise, et en dessous se trouvait un immense parking (ce que les Britanniques appellent un « parking »). Quand je suis allé voir un spectacle là-bas, j'ai trouvé des dizaines d'enfants qui patinaient sur les rampes du parking - l'idée de Saisir la rue est né. Ainsi, le ramener en Grande-Bretagne a bouclé la boucle du spectacle. Bien que ce soit la seule et unique tournée internationale de Charleston Stage, nous avons vécu une très belle aventure.

 

 

L'équipe A

Bob Nicolai, Alison Kennedy, Julie Mathis et Clay Young – la première A-Team, notre programme Teen Tech Theatre Apprentice, maintenant connu sous le nom de TheatreWings.


l'équipe tous risques (1986)

Le début du programme d'apprentissage du lycée TheatreWings de Charleston Stage.

Alors que des bénévoles, y compris des adolescents, ont participé à la construction de nombreux décors et costumes de Charleston Stage au début, en 1986, nous avons lancé une entreprise formelle d'apprentis adolescents qui se concentrait sur la construction de décors. Bob, Alison, Julie et Clay ont été les premiers membres. Ils me rencontraient chaque mardi après-midi à l'auditorium Memminger alors délabré et pendant trois heures chaque semaine, nous construisions des décors - en fait, presque tous les décors de cette saison. Au fil du temps, l'A-Team a continué d'évoluer et de grandir. Pendant deux étés, nous avons eu un camp d'entraînement d'été gratuit de 3 semaines dirigé par mon ami Larry Deckel, alors coordinateur des apprentis du Collège et metteur en scène à l'Actors Theatre de Louisville. Au fur et à mesure que le programme s'est développé pour inclure des cours de maître sur les décors, les costumes, le son, l'éclairage et la gestion de scène, nous l'avons renommé notre programme d'apprentissage TheatreWings High School. Aujourd'hui, il compte près de cinquante membres qui continuent de construire des décors, des accessoires, des costumes et de travailler dans les coulisses des équipes d'exécution de nos spectacles, tout en apprenant les tenants et les aboutissants de tout ce que vous ne voyez pas sur scène qu'il faut pour faire un spectacle. .

 

 

Fanfare pour les 10 ans  
 
Compositeur primé aux Oscars John Williams.


fanfare pour les dix ans (1988)

Légendaire Star Wars le compositeur John Williams a écrit une fanfare pour l'ouverture de notre 10e saison.

Pour fêter nos 10th anniversaire, sur un coup de tête, j'ai écrit une lettre au compositeur John Williams, célèbre pour son Guerres des étoiles, Jurassic Park et les thèmes olympiques, lui demandant s'il écrirait une fanfare pour ouvrir notre saison. Étonnamment, j'ai reçu un appel de son assistant disant qu'il adorait l'idée et qu'il y travaillerait pour nous. Le plan était qu'il vienne à Charleston et dirige, mais Williams est tombé gravement malade cette année-là et a dû reporter même son 100th tournée anniversaire des Boston Pops, dont il était le directeur musical. La Fanfare a également été retardée, mais à la fin de ces 10th Saison anniversaire, le Charleston Symphony a été rejoint par une chorale de clochettes de l'église locale pour jouer la première sur scène. Malheureusement, M. Williams lui-même n'a pas pu y assister, mais c'était quand même un événement spécial et nous avons eu le privilège d'utiliser la Fanfare pour nos rétrospectives vidéo et d'autres occasions spéciales.

 

 

Le Peter Pan original  
 
Jeff Johnson dans le rôle de Peter Pan dans notre Peter Pan pièce originale (1989).


le premier peter pan (1989)

Les bénévoles envoient un classique acclamé.

Un moment fort de nos 11th saison était une production majeure de notre version originale de Peter Pan. Ce spectacle présentait Flying by Foy (la première fois que nous utilisions le vol sur scène), un casting énorme et cinq décors (dont un bateau pirate à grande échelle). Les Foy étaient responsables du vol dans la production originale de Broadway de Peter Pan avec Mary Martin, que j'avais vu maintes et maintes fois à la télévision quand j'étais enfant. Ce spectacle était une entreprise massive créée par une équipe de décors et de costumes principalement composée de bénévoles, ainsi que par nos apprentis du secondaire A-Team. Bien que nous apprécions toujours les contributions des bénévoles pour compléter notre personnel de 37 professionnels à temps plein, au début de l'entreprise, c'étaient presque tous les bénévoles qui créaient le travail remarquable.

 

 

Monologues d'Hugo  
 
L'ouragan Hugo a frappé Charleston sur le mur de la batterie haute d'East Bay Street (1990).

 
Les monologues d'Hugo (1990)

En septembre 1989, Charleston a été frappé par l'ouragan Hugo, un ouragan proche de la catégorie cinq. L'électricité a été coupée pendant plus de 3 semaines, les écoles ont été fermées pendant un mois et la ville était sous couvre-feu. Quand je suis rentré chez moi à Mt. Pleasant, avec 12 arbres abattus et 3 sur le toit, j'ai dû marcher dans mon quartier car les routes étaient fermées par des arbres abattus. La farce Scapino était en répétition, et heureusement le décor était terminé et attendait dans notre magasin de scène qui, avec le Dock Street Theatre, a échappé indemne à la tempête. Mais nous étions déterminés à ce que le spectacle continue ; l'ouverture pour Scapino était dans 2 semaines. Le plus grand défi était de trouver les acteurs qui avaient été dispersés dans 5 États à une époque sans téléphones portables. Il a fallu du temps pour retrouver tout le monde mais, enfin, le casting est revenu en ville. Sans électricité et avec un couvre-feu en place, nous avons dû répéter pendant la journée et ouvrir la porte de chargement du magasin de scène pour avoir de la lumière. Scapino a ouvert à l'heure désormais qualifiée de «soulagement comique», et les performances ont été proposées sur une base de paiement à la carte et le public a adoré.

Mais le spectacle d'Hugo dont je me souviens était différent. À l'époque, j'enseignais une classe de maître pour nos apprentis TheatreWings du secondaire. Lorsque nous sommes revenus de la tempête, réunis pour la première fois, je leur ai donné pour mission d'écrire et d'interpréter un monologue sur leurs expériences avec Hugo. Leurs histoires allaient des quelques personnes qui sont restées et ont résisté à la tempête et à sa terreur, aux évacuations de loin et à la récupération - manger de la nourriture dans des congélateurs avant qu'elle ne se gâte, des barbecues de quartier, etc. Leurs monologues étaient puissants et sincères parce que c'étaient des événements qu'ils avaient vécu, pas seulement des scripts qu'ils avaient ramassés. Je savais que ces monologues devaient être partagés, alors nous avons organisé une représentation pour la famille et les amis.

Le printemps suivant, les écoles du comté de Charleston ont organisé une soirée de spectacles avec des élèves du secondaire de différents programmes artistiques de la région. Parmi les groupes musicaux et choraux, nos élèves de TheatreWings ont été invités à se produire. Le lieu, cependant, était le théâtre Sottile de 800 places, des années avant que nous disposions de la technologie moderne d'amplification du son. J'avais peur que leurs performances intimes soient perdues dans ce grand théâtre, mais nous nous sommes quand même présentés pour jouer. Nous étions en retard dans le programme, le public commençait à s'agiter et juste avant notre représentation, une chorale est montée sur scène et a chanté quelque chose en latin. C'était charmant, mais je craignais que le public ne s'endorme. Je me suis vraiment senti désolé pour nos jeunes interprètes car je pensais que le public ne voudrait pas rester assis pour un autre groupe de performances. Nous avons été annoncés et le public était évidemment agité – je pensais que la nuit serait un désastre. Mais ensuite, il y avait la magie, la magie du théâtre en direct.

Au fur et à mesure que chaque histoire se déroulait, vous pouviez entendre une mouche tomber. Parce que notre public avait vécu Hugo et ses conséquences, ils nous correspondaient parfaitement. Malheureusement, la performance n'a pas été enregistrée, et le plus tristement, je n'ai pas conservé de copies des monologues que ces étudiants imaginatifs avaient écrits. Mais le monologue dont je me souviens le plus était celui qui se terminait par quelque chose comme ça :

«Pas d'électricité, des écoles fermées, des milliers d'arbres abattus, des hélicoptères de la Garde nationale au-dessus de nos têtes, des milliers de bénévoles affluent dans notre quartier pour nettoyer les routes, abattre des arbres, aider à réparer nos maisons et jour après jour, le bruit des tronçonneuses bourdonne dans mes oreilles. Et maintenant, trois semaines plus tard, je retourne à l'école et j'ai réalisé, putain, c'est fini !

Avec ces derniers mots, le public a éclaté en acclamations et en applaudissements et, à une époque où il y a trop d'ovations debout, je savais que celle-ci était vraiment sincère. Je ne sais pas si j'ai jamais autant apprécié une ovation. Car ici, il y avait des histoires simples et sincères - pas de décors, pas de costumes, pas de micros, pas d'effets spéciaux - touchant un public d'une manière spéciale - ce beau moment, trop rare quand un public et des interprètes partagent une connexion spéciale ensemble. Il n'y a certainement pas mieux que ça !

 

 

Hélium  
 
Le casting de la troisième production de Hélium (2011).


HÉLIUM (1989, 1999, 2011, 2018)
Perdre la tête et se retrouver. Ma pièce originale préférée que j'ai écrite.

C'est ma pièce préférée que j'ai jamais écrite. j'ai écrit à l'origine Hélium en 1990 après avoir lu un mémoire du chroniqueur humoristique du New York Times Russell Baker, intitulé Grandir. M. Baker a ouvert ce mémoire lauréat du prix Pulitzer en observant que l'esprit de sa mère de 80 ans « pouvait errer librement dans l'espace et le temps. Certains jours, elle est allée à des mariages et à des funérailles qui avaient eu lieu un demi-siècle plus tôt… elle a traversé le temps… avec un discours et une aisance au-delà du don de la science physique. Alors que M. Naker a certainement vu la tristesse de l'affliction de sa mère, il a également vu qu'il y avait aussi de la liberté en elle. De cette pensée, la première production de Hélium est né.

Au cours des années suivantes, j'ai pu faire l'expérience directe du vieillissement et de la démence. Ma charmante grand-mère, ayant atteint l'âge de 100 ans, est décédée toujours avec l'œil pétillant et sa bonne humeur presque intacte. J'ai vu ma mère et sa sœur, ses principales dispensatrices de soins, trouver leur chemin à travers les dernières années difficiles de ma grand-mère.

Quelques années plus tard, ma merveilleuse belle-mère s'est perdue plusieurs jours dans le brouillard de la démence. Ce fut une période difficile pour notre famille, en particulier pour ma femme Jenny, qui est devenue sa principale soignante. Nos enfants étaient petits et ils s'émerveillaient de l'esprit de leur grand-mère et de ses envolées. Parfois, nous avions envie de pleurer mais souvent nous devions simplement rire des choses qu'elle nous disait. Et, comme la mère de Russell Baker, elle a passé une grande partie de son temps à voyager, car comme pour de nombreux patients atteints de démence, une grande partie de sa mémoire à long terme est restée intacte.

Après le décès de ma grand-mère et après avoir été témoin de la démence, j'ai décidé de revisiter Hélium. La pièce a subi une révision majeure en 1997 et a été produite l'année suivante au Dock Street Theatre. Cela a touché une corde sensible chez beaucoup de gens qui me disaient : « Laisse-moi te parler de ma tante, ma mère, mon oncle, mon cousin. Ils me racontaient les épreuves, mais aussi les joies qu'ils trouvaient en tant que soignants, et les envolées que leurs propres proches avaient prises.

Le monde est devenu beaucoup plus conscient de la maladie d'Alzheimer et de la démence depuis 1990, mais beaucoup de choses sont encore inconnues. Les patients et leurs soignants ont encore du mal à trouver leur propre chemin, et chaque chemin est différent - personne n'a toutes les réponses. Dans Hélium, je voulais simplement partager le parcours, les joies et les peines d'une famille, et inviter le public à s'émerveiller et à célébrer comment un esprit humain peut prendre son envol.

 

 

Plus jamais
 
Jennifer Claggett Metts comme Annabel Lee et Ian Walker comme Edgar Allen Poe dans
Plus jamais ! Le dernier mystère (1994).

 
Jamais plus (1994, 2006, 2012, 2019)
Les débuts d'Edgar Allan Poe à Charleston et le mystère de sa mort prennent le devant de la scène.

Alors qu'Edgar Allan Poe est probablement mieux connu pour ses contes sauvages et fantastiques, c'est l'un de ses poèmes qui a d'abord attiré mon attention. Je me souviens encore d'avoir rêvé dans mon cours d'anglais au lycée, ennuyé par mon professeur et feuilleté l'anthologie qui était notre manuel, quand mes yeux sont tombés sur le poème de Poe, Les cloches. Avec ses allitérations et ses répétitions martelées (parfois Poe répète sept fois de suite le mot "cloches"), j'étais accro. J'ai adoré son utilisation de mots inhabituels comme la sonnerie "tintinnabulation". Mon professeur d'anglais aurait appelé cette onomatopée – je l'ai appelée cool ! Bientôt je lisais seul les autres poèmes de Poe, Un rêve dans un rêve, Annabel Lee, et j'ai acheté mes propres œuvres complètes (je les ai toujours) et j'ai parcouru ses histoires : Tell Tale Heart, la boîte oblongue, la mort rouge, la fosse et le pendule et plus. J'ai découvert que Poe était l'un de mes préférés et de celui de beaucoup de mes camarades de classe, comme un Stephen King de la vieille école.

Avance rapide jusqu'en 1994 : je cherchais une nouvelle pièce d'Halloween et je me suis souvenu des contes macabres de Poe. Depuis que j'ai déménagé à Charleston, j'avais appris que Poe avait vécu sur l'île de Sullivan pendant un moment où, en tant que jeune soldat, il était stationné à Fort Moultrie. J'ai pensé que cela pourrait être la réalisation d'une grande pièce de théâtre et je me suis dirigé vers la bibliothèque pour une biographie de Poe. J'ai vite appris que nous savions peu de choses sur le séjour de Poe chez Sullivan, certainement pas assez pour une pièce complète. Cependant, au fur et à mesure de ma lecture, j'ai été intrigué par les circonstances de la mort mystérieuse de Poe et par l'étincelle qui allait devenir Plus jamais a été enflammé.

Je me suis précipité sur les premières scènes, la plupart impliquant Poe se réveillant d'un rêve et se retrouvant dans ses propres histoires. Avec l'arrogance et la confiance de la jeunesse, j'ai annoncé la première de Plus jamais pour l'automne 1994. Et puis, j'ai couru dans le plus raide des murs - le bloc de l'écrivain redouté. Rien ne viendrait, et j'ai pensé que je devrais annuler la production. En désespoir de cause, j'ai pensé que j'écrirais une scène sur le bloc de l'écrivain lui-même mais, à mon plus grand plaisir, cette scène a fourni un chemin pour l'intrigue de la descente de Poe dans les ténèbres et ma sortie du maelström du bloc de mon écrivain!

Pourtant, après les premières répétitions, j'étais prêt à jeter l'éponge et à remplacer par un autre spectacle, mais Barbara Young, notre costumière, m'a encouragé à continuer. Alors j'ai continué d'écrire, d'ouvrir de nouvelles pages au casting jusqu'à la dernière répétition générale. Je suis rentré chez moi après la dernière répétition générale convaincu que le public serait perdu, mais Plus jamais créé avec un grand succès. Quelques années plus tard, il a été publié par Dramatic Publishing et a été produit dans tout le pays.

 

 

My Fair Lady
 
Celeste Hardin comme Eliza Dolittle et Sid Katz comme M. Dolittle dans
My Fair Lady (1996).

 
Ma belle dame (1996)

La soirée d'ouverture de l'enfer.

C'est celui que je préférerais complètement oublier ! Lors de la dernière répétition générale, les bénévoles ont préparé un délicieux repas pour tous les acteurs et l'équipe. Comme nous étions un théâtre entièrement bénévole à l'époque, c'était formidable d'avoir un repas pour les gens qui couraient du travail aux répétitions du soir.

Le lendemain, c'était la soirée d'ouverture. Nous avions prévu un gala avec une réception pour les donateurs avant le spectacle et au début de la journée, mon téléphone n'arrêtait pas de sonner. Un, puis deux, puis trois membres de la distribution ont appelé pour dire qu'ils avaient une intoxication alimentaire ou un mauvais virus de l'estomac. Ils étaient si violemment malades qu'il était clair qu'ils ne pouvaient pas jouer. Une heure avant l'ouverture, plus d'un quart de la distribution était malade. Heureusement, les acteurs jouant Eliza et Henry Higgins étaient vigoureux et chaleureux, et nous espérions pouvoir organiser une performance avec une distribution réduite. Mais à l'heure du rideau, 10 autres acteurs étaient malades, et il était clair qu'il n'y avait aucun moyen que nous puissions jouer le spectacle !

J'ai rassemblé les acteurs restants, y compris nos Eliza et Higgins, et j'ai expliqué que nous jouerions tous les numéros musicaux que nous pourrions. Je suis monté sur scène pour expliquer la situation au public cravate noire et nous avons présenté la version la plus courte de My Fair Lady déjà. Notre public de donateurs a été très aimable et nous leur avons offert des billets pour des représentations ultérieures. Heureusement, la plupart des acteurs étaient de retour le lendemain soir et le spectacle s'est déroulé comme prévu.

 

 

Pomme reinette

 
PEPIN (1998)
Les débuts de la Resident Professional Acting Company de Charleston Stage.

Sous la présidente du conseil Laura Hewitt et un cadeau pour un logement gratuit à l'ancien Sgt. Jasper Apartments de The Beach Company, nous avons eu le plaisir de lancer notre première société résidente par intérim à temps plein (alors appelée Acting Interns). Les quatre premiers étaient Matthew Myers, Brian Bogstad, Virginia Vogel et Laura Patterson, et le premier spectacle à présenter ces acteurs résidents professionnels était Pomme reinette dans notre 23e saison. Au fil des ans, plus de 120 acteurs talentueux sont apparus sur scène dans le cadre de cette compagnie d'acteurs professionnels, menant nos spectacles avec leur talent et fournissant des ressources pédagogiques inestimables pour nos étudiants de l'école de théâtre.

 

 

Le mariage de Bette et Boo 
 
Marybeth Clark comme Bette et Josh Wilhoit comme Boo dans
Le mariage de Bette et Boo (2001).

 
Le mariage de Bette et Boo (2001)

Charleston Stage adopte une production plus lourde (et loufoque).

Alors que j'étais fier du travail que Charleston Stage avait produit sous une bannière de théâtre pour les jeunes, au fur et à mesure que la compagnie grandissait, je voulais que nous nous développions pour produire une plus large gamme de spectacles. Les spectacles pour les jeunes et leurs familles resteraient dans notre mission alors nous avons commencé à expérimenter des spectacles un peu plus décalés. Il n'y a guère d'écrivain plus décalé que Christopher Durang, et Le mariage de Bette et Boo est l'une de ses meilleures pièces. Il raconte l'histoire du mariage rocheux de Bette et Boo et de leur fils Matt (qui était basé sur Durang lui-même). Le rôle de l'alcoolique Boo a été joué par le grand acteur local Josh Wilhoit, et sa femme Bette par une nouvelle venue à Charleston Stage nommée Marybeth Clark. Marybeth allait devenir notre directrice artistique associée et directrice de l'éducation pour Charleston Stage, et bientôt la nouvelle directrice artistique de la compagnie.

Bette et Boo est une pièce difficile à expliquer - une comédie noire qui a même une blague courante autour des bébés mort-nés. Je sais que cela semble horrible mais, entre les mains de Durang, cette triste situation devient à la fois tragique et absurdement hilarante - une partie de l'humour décalé légendaire du dramaturge. Nous savions que nous prenions une chance avec cette émission originale, mais nous étions convaincus que les émissions qui regardent le monde sous des angles très différents font souvent partie des meilleurs scénarios. Nous nous demandions toujours si le public apprécierait ce spectacle, mais ils ont réussi à embrasser sa vision particulière de la vie. Et plus que ça, ça nous a donné le courage de produire d'autres spectacles avec des perspectives un peu déformées...Bat Boy: The Musical, La 45e édition annuelle du concours d'orthographe du comté de Putnam, Picasso au Lapin Agile, et  Avenue Q.

 

 

Joseph et le Amazing Technicolor Dreamcoat
 
Matt Schingeldecker comme Joseph dans
Joseph et le Amazing Technicolor Dreamcoat (2003).

 
Joseph et The Amazing Technicolor Dreamcoat (2003)

Notre première production SummerStage.

SummerStage est notre camp de théâtre musical d'été pour plus de 80 élèves de la maternelle au lycée. Je dois admettre que j'étais sceptique lorsque cette offre d'été était au stade de la planification, surtout lorsque l'idée était de prendre celui qui s'est inscrit sans audition. Mais notre directrice de l'éducation et directrice artistique associée, Marybeth Clark, m'a assuré que cela fonctionnerait, et cela a fonctionné. Grâce à la vision de Marybeth, les enfants cet été-là ont prouvé qu'en trois semaines à peine, ils pouvaient produire une comédie musicale étonnante et entièrement mise en scène. joseph a préparé le terrain pour de nombreuses productions SummerStage qui ont suivi—Seussical the Musical, Disney's Aladdin, Jr, High School the Musical, Jr., etc., illuminant la scène du Dock Street Theatre été après été. Et dans le rôle-titre de ce premier été, Matt Shingledecker, 14 ans, est apparu à Broadway dans Location, réveil printanier, histoire de West Side et  Wicked ainsi que la tournée internationale de Les misérables. Tous les enfants qui ont fait partie de SummerStage ne se sont pas retrouvés à Broadway mais, dans ces performances spéciales chaque été, chaque enfant est en effet une star.

 

 

 

Gershwin Chez Folly 
 
Le casting de la production 2007 de Gershwin Chez Folly au Théâtre Sottile.

 
Gershwin à la folie (2003, 2007, 2013)

Le recueil de chansons américain raconte une histoire vraie dans les années 1930 à Charleston.

de Gershwin Porgy and Bess fait partie du tissu artistique du Lowcountry. Je savais vaguement que Gershwin avait passé des vacances à Folly Beach en 1934, où lui et DuBose Heyward, originaire de Charleston, avaient commencé leur travail sur leur opéra historique. J'ai commencé quelques recherches et j'ai découvert que Gershwin avait passé un bel été, profité de la plage, visité des églises noires et des juke-joints noirs à proximité, et même pris le temps de juger le concours Miss Folly Beach de 1934. Je me demandais si je pouvais transformer cette histoire en une nouvelle comédie musicale de Gershwin.

Tout d'abord, je devais obtenir les droits sur la musique des domaines Gershwin et Heyward. La famille Gershwin était un peu sceptique, mais le petit-neveu de George Gershwin, Adam Gershwin, s'est intéressé et a persuadé la famille d'envisager les possibilités. Le hic, c'est qu'ils voulaient que j'écrive la pièce avant d'envisager d'accorder les droits. Je me suis donc mis au travail et, grâce aux efforts d'Adam, les sept membres de la famille ont non seulement accepté de me permettre d'utiliser la musique de Gershwin, mais m'ont également donné accès à l'une des plus de 200 chansons qu'il avait écrites. Autorisation du domaine Heyward (Heyward a écrit la plupart des paroles de Porgy and Bess, y compris le légendaire Été) a également été accordée. Mon ami Chris Donison, directeur musical du célèbre festival Shaw au Canada, a accepté de faire les orchestrations et la première ébauche du spectacle est entrée en répétition. Bien sûr, l'acteur jouant Gershwin devait non seulement jouer, mais aussi jouer du piano et des claquettes. Je me suis donc rendu à New York pour auditionner des acteurs. Heureusement, Jonathon Brody, qui ressemblait en fait à Gershwin et l'avait joué dans un spécial PBS, était disponible et est venu pour la première production mondiale.

Le cœur de la pièce n'est pas seulement le processus d'écriture de Gerswin et Heyward Porgy and Bess mais comment Gershwin, qui n'était jamais allé à Charleston, fut charmé par le Lowcountry et sa riche culture Gullah. New-yorkais jusqu'au bout des ongles, il aimait découvrir d'autres lieux et cultures, sa Un Américain à Paris et  L'ouverture cubaine en sont deux exemples. Jamais il n'avait autant absorbé la musique et les rythmes d'une autre culture que cet été-là dans les îles de la mer de Caroline du Sud. Aux grands airs de spectacle de Gershwin s'ajoutaient des spirituals traditionnels du Lowcountry -Chut petit bébé, nous prierons tous ensemble et  Tout le monde qui vit doit mourir-des chansons que Gershwin aurait probablement entendues lors de sa visite qui deviendraient les modèles pour Été et d'autres mélodies originales qu'il créerait pour Porgy and Bess. Une intrigue secondaire traditionnelle entre garçon et fille a été ajoutée au légendaire Folly Beach Pavilion avec des beautés baigneuses et une horde de danseurs de claquettes et, ainsi, une nouvelle comédie musicale Gershwin est née. Le spectacle a pris d'assaut la ville, battant tous les records au box-office et remplissant spectacle après spectacle. Relancé et agrandi en 2007 et 2013, Gershwin Chez Folly reste le spectacle le plus vendu de l'histoire de Charleston Stage.

 

 

Le siège de la justice 
 
L'actrice invitée Marjorie Johnson dans le rôle de Ruby Cornwall dans la production originale de Le siège de la justice (2004).

 
Le siège de la justice (2004, 2016)

Une performance spéciale pour les habitants du comté de Clarendon, en Caroline du Sud.

En tant que dramaturge, vous avez rarement l'occasion de raconter une histoire où certains des participants et leurs familles sont encore avec nous. Mais c'est le cas de Le siège de la justice, une de mes pièces de théâtre originales que nous avons produites pour la première fois en 2004 pour honorer le 50e anniversaire de ce monument Brown contre Conseil de l'éducation Décision de la Cour suprême de Topeka - une décision déclenchée par les actions des citoyens du comté rural de Clarendon, en Caroline du Sud.

J'ai été inspiré pour écrire cette pièce à partir de mon lien personnel avec la terre - je suis né dans une ferme de coton juste de l'autre côté de la rivière Santee du comté de Clarendon pendant les mêmes années que les événements de la pièce ont eu lieu. Alors que je commençais à faire des recherches sur cette histoire, j'ai rencontré deux des participants réels - Joe DeLaine, dont le père avait dirigé les efforts de l'organisation à Clarendon Country, et Ruby Cornwell, qui s'était assise au premier rang du premier procès de déségrégation tenu au Palais de justice fédéral. à Charleston. J'ai également pu interviewer Joe Elliott, petit-fils de Roderick Elliott, alors président du conseil scolaire entièrement blanc du comté de Clarendon qui avait non seulement combattu la déségrégation, mais aussi l'égalité scolaire. Et même si je ne connaissais pas les autres participants à l'affaire, je connaissais les types de communautés qui les ont façonnés, car une communauté similaire m'a façonné aussi. Je suis né dans un monde très ségrégué.

Plus que tout, c'est la teneur de cette époque que j'ai voulu capturer dans Le siège de la justice- cette aversion humaine séculaire pour le changement et à quel point il est remarquable que les gens avancent et regardent les choses non pas comme elles sont mais comme elles pourraient être. C'était certainement le cas de la Briggs justiciables : ce ne sont pas des juges ou des avocats, ce sont des mères et des pères qui veulent un monde meilleur et plus juste pour leurs enfants. Ils sont les héros de cette histoire. Bien qu'il y ait certainement eu des joueurs importants tels que le révérend DeLaine, Harry Briggs Jr, Thurgood Marshall, le juge Waties Waring et d'autres, il m'est rapidement apparu clairement que cela devait être une pièce sans acteur central. C'était plutôt une histoire dans laquelle de nombreux individus se sont retrouvés debout devant le Siège de la Justice. J'ai senti que cette histoire oubliée depuis longtemps devait être racontée et je suis donc allé travailler dessus.

Lorsque le spectacle a débuté en 2004, nous avons eu une représentation spéciale pour les descendants de ceux qui avaient été impliqués dans Clarendon Country dans les années 1950 et dont les parents et grands-parents avaient dirigé cet effort monumental, ainsi que les descendants des membres du conseil scolaire qui avaient combattu leurs efforts. Une performance similaire a été offerte aux descendants pour le renouveau de 2016 et, cette année-là, les acteurs se sont rendus à Liberty Hill Church pour adorer dans l'église où tout a commencé. Je suppose que ce qui m'a le plus ému, c'est que les descendants, noirs et blancs, ont eu le sentiment que j'avais raconté toutes leurs histoires de manière juste et véridique. Pour un écrivain, il n'y a pas mieux que ça.

Les communautés de Charleston et de Lowcountry ont répondu chaleureusement au spectacle, remplissant chaque représentation et applaudissant à l'appel du rideau. En 2017 Le siège de la justice a été publié par Dramatic Publishing, mettant le spectacle à la disposition d'autres théâtres à travers le pays.

 

 

La peau de nos dents
 
Norma Lynn Higgins comme Sabina et Terry Davey comme M. Antrobus dans
La peau de nos dents (2005).

 
La peau de nos dents (2005)

La plus détestée de toutes les productions du Charleston Stage.

J'adore Thorton Wilder La peau de nos dents. J'avais vu une production au Sumter, Caroline du Sud Little Theatre quand j'avais 16 ans et j'étais accro. Voici une émission hilarante et décalée sur les idées - ce lauréat du prix Pulitzer montre comment l'humanité a survécu âge après âge grâce à la peau de ses dents. Le premier acte se déroule à l'ère glaciaire, le deuxième acte le déluge (Noé) et le troisième acte à la fin d'une guerre mondiale (le spectacle a été créé en 1942 au milieu de la Seconde Guerre mondiale). Même si j'aimais le spectacle, je savais qu'il avait été problématique. Il a confondu le public et les critiques lors de son ouverture en 1942 - même le renouveau de New York avec John Goodman en 1988 a suscité des critiques très mitigées. Pourtant, je voulais lui donner une chance de se battre à Charleston.

Alors que nous avions un excellent casting, le public était simplement confus par la folie de la série - la famille Antrobus, dans le premier acte, a des dinosaures de compagnie par exemple. Le deuxième acte du spectacle se déroule lors d'une convention à Atlantic City où il y a une grande inondation (à la Noah's Ark) et le troisième acte dans le désert d'une guerre mondiale. Maintenant, je peux admettre que la série n'a jamais vraiment fonctionné. Les membres du public sont partis en masse, et j'ai reçu de nombreuses lettres de colère qui ont renforcé la leçon selon laquelle, bien qu'un spectacle qui puisse sembler être un excellent travail imaginatif sur la page, il ne se traduit pas toujours sur scène. Je suis sûr que quelqu'un, quelque part, trouvera un moyen de le faire fonctionner.

C'est toujours un mystère pour moi comment cela a fonctionné dans cette production de théâtre communautaire à Sumter il y a toutes ces années. Et c'est l'une des réalités du théâtre – même avec une excellente distribution et une excellente production, certains spectacles ne fonctionnent tout simplement pas – cela se produit chaque saison à Broadway. Donc, quand nous avons une émission comme celle-ci qui ne semble pas faire mouche, nous sommes en bonne compagnie. En 2022, il y a eu encore un autre renouveau de La peau de nos dents au Lincoln Center à New York, et il y avait des spectateurs confus qui ont également quitté cette production.

 

 

Ragtime
 
Warnell Berry, Jr. comme Coalhouse Walker et Nakeisha Daniel comme Sara dans Ragtime (2007).

 
rag time (2007)

Notre dernier spectacle avant la rénovation de trois ans du Dock Street Theatre.

Nous avons décidé de le faire exploser avec une énorme production de la première à Charleston du succès de Broadway Ragtime avant que le Dock Street Theatre ne soit rénové pendant des années. Il comportait un casting incroyable de 42 personnes, des décors et des costumes époustouflants, et un modèle T fonctionnel qui montait sur scène. C'était à l'époque la plus grande production de l'histoire de Charleston Stage et plaçait la barre haute pour les spectacles qui suivraient.

 

 

Stephen Colbert

 
la frénésie folle des vacances de stephen colbert (2008)

Un avantage pour Charleston Stage d'un ami d'enfance.

Pendant trois saisons, Charleston Stage s'est produit dans d'autres salles tandis que Dock Street a subi une rénovation de 19 millions de dollars. Certaines productions ont eu lieu au Memminger Auditorium et à l'American Theatre, tandis que nous en avons joué d'autres au Sottile Theatre du College of Charleston. Un point culminant de nos "vacances" de Dock Street comprenait une performance-bénéfice en décembre 2008 par Stephen Colbert de Charleston. Stephen a lu un extrait de son livre Je suis l'Amérique et toi aussi et répondu aux questions du public. Stephen affirme qu'il a déjà auditionné pour moi et que je ne l'ai pas choisi il y a des années quand il était au lycée, mais la vérité est qu'on lui a proposé une partie de chœur et qu'il l'a refusée. Je suppose qu'il avait les yeux rivés sur de plus grandes choses ! Grâce au généreux don de Stephen de son temps et de son talent, l'avantage s'est vendu en heures et a injecté des milliers de dollars pour l'entreprise au milieu de la Grande Récession.

 

 

Danemark Vesey: Insurrection
 
Jimmy Hager dans le rôle du capitaine Vesey et Henry Clay Middleton dans le rôle du Danemark Vesey dans la première production mondiale (2008).

 
danemark vesey : insurrection (2008)

Quand je suis arrivé à Charleston pour la première fois en 1976, une peinture de Danemark Vesey avait été placée dans l'Auditorium Gaillard. Considéré comme un héros par beaucoup mais comme un terroriste par d'autres, il s'agissait d'un mémorial controversé et le tableau a été volé mais rendu après qu'une récompense ait été affichée. Au cours de 45 ans, la ville en est venue à reconnaître Vesey comme un combattant courageux pour la liberté avec un héritage digne d'être rappelé. Plus tard, la ville de Charleston a placé un monument à Vesey à Hampton Park, mais malheureusement, il a également été vandalisé à certains moments. 2022 marque le 200e anniversaire de sa mort.

En 2008, j'ai écrit une pièce sur le Danemark Vesey et le capitaine Vesey, l'homme qui a amené Vesey à Charleston et lui a vendu sa liberté quand Vesey a gagné à la loterie. J'ai lu tout ce que j'ai pu trouver, y compris la transcription originale du procès dans les Archives de Caroline du Sud. Nous avons créé le spectacle au Théâtre américain dans le cadre de Piccolo Spoleto.

Le casting mettait en vedette Clay Middleton dans le rôle de Denmark Vesey. Clay a tout joué de Dracula à Thurgood Marshall pendant de nombreuses années avec Charleston Stage, et est également réalisateur de la société. Le capitaine Vesey a été joué par Jimmy Hagar, qui est apparu pour la première fois en tant qu'Atticus dans Tuer un oiseau moqueur et est depuis devenu acteur de cinéma et scénariste.

 

 

Les Producteurs
 
Le casting de
Les producteurs, une nouvelle comédie musicale de Mel Brooks (2009).

 
Les producteurs, Une nouvelle comédie musicale de Mel Brooks (2009)

Faire de la magie dans d'autres lieux.

Dans la maison de 800 personnes du théâtre Sottile, nous n'avions d'autre choix que de continuer à produire des spectacles à grande échelle. Nous avons décroché le directeur musical de la tournée nationale de Les producteurs, une nouvelle comédie musicale de Mel Brooks, Jose Simbulan, et avec notre société d'acteurs professionnels résidents en pleine croissance dans des rôles principaux et d'autres excellents interprètes et musiciens locaux, nous avons décidé de produire l'une des comédies musicales les plus acclamées de tous les temps. C'était une production formidable qui a emballé le théâtre Sottile et assuré à nos spectateurs que nous pouvions produire des œuvres majeures, quel que soit le lieu.

 

 

Cabaret
 
Le casting de
Cabaret (2010). 

 
Cabarets (2010)

Réinventer un classique au milieu du chaos.

Cabaret est l'une des comédies musicales les plus connues et les plus puissantes jamais produites. De la production originale au film et à la renaissance de Broadway en 1998, le spectacle est toujours le même mais toujours nouveau. La réalisatrice Marybeth Clark a poursuivi cette tradition lorsque nous avons décidé de produire ce spectacle emblématique. Brian Porter, qui était autrefois directeur de l'administration de Charleston Stage et est maintenant directeur exécutif du Queen Street Playhouse, s'est joint à nous en tant que maître de cérémonie pour cette production et a apporté sa propre magie spéciale à la pièce. Marybeth a ajouté des touches spéciales d'un boa constrictor vivant qui est apparu avec le maître de cérémonie à la fin du premier acte à l'image puissante des portes d'Auschwitz à la fin du deuxième acte. De nombreuses personnes ont travaillé dur pour contribuer à une vision étonnante, passionnante et fraîche de la série.

Mais la production n'a pas été sans défis. Notre équipe technique de deux personnes à l'époque, Stefanie et Mike Christensen, a dû donner naissance à leur fille tôt, alors je me suis retrouvée rappelée en tant que scénographe. La finition et la peinture des décors se résumaient au fil. Et puis Sarah Claire Smith, notre Sally Bowles, a développé une laryngite la semaine avant l'ouverture du spectacle. Miraculeusement, sa voix est revenue le soir de la première ! Et comme on dit, le reste appartient à l'histoire - le spectacle s'est ouvert aux critiques élogieuses et aux salles combles.

 

 

Fenêtre de Merveille
 
Rideau de spectacle « Window of Wonder » de l'artiste Jonathan Green pour le Dock Street Theatre. Peinture scénique de Colleen Ballance (2010).

 
fenêtre d'émerveillement / fanfare pour une marée montante (2010)

La grande réouverture du Dock Street Theatre rénové.

La rénovation de trois ans et de 20 millions de dollars du Dock Street Theatre par la ville de Charleston a finalement été achevée en 2010 pour notre plus grand plaisir. Nous sommes revenus avec un événement d'ouverture spécial qui a dévoilé un nouveau rideau de spectacle conçu par l'artiste Jonathan Green et la première de Fanfare pour une marée montante par le musicien et compositeur primé aux Grammy Awards Charlton Singleton, tous deux commandés par l'ancienne présidente du conseil Barbara Burgess et son mari John Dinkelspeil.

Jonathan Green et Charlton Singleton
 
L'artiste Jonathan Green (L) et le musicien primé aux Grammy Awards Charlton Singleton (R).

 

 

Love Letters
 
Marybeth Clark interviewant Michael Emerson et Carrie Preston.

 
lettres d'amour (2010)

Le premier spectacle de la compagnie au Dock Street Theatre récemment rénové.

In Lettres d'amour, L'actrice primée aux Emmy Awards Carrie Preston (La bonne épouse / True Blood), qui a joué Ann Frank pour Charleston Stage en 1986 alors qu'elle était étudiante au College of Charleston, est revenue en ville avec son mari, Michael Emerson, qui terminait alors une course primée aux Emmy sur LOST. Ils ont généreusement fait don de leur talent pour aider à rouvrir le Dock Street Theatre avec un avantage pour Charleston Stage. Carrie et Michael ont interprété la pièce émouvante d'AR Gurney Lettres d'amour, et à la fin de la représentation, Marybeth Clark a interviewé ces deux acteurs talentueux et a animé une séance de questions-réponses animée avec le public.

 

 

Inga Binga
 
Phil Mills comme JFK et Gardner Reed comme Inga Arvad dans la production originale de
JFK et Inga Binga (2012).

 
JFK ET Inga Binga (2012)

Une affaire de Charleston pendant la Seconde Guerre mondiale prend le devant de la scène.

J'ai souvent trouvé l'inspiration dans mes œuvres originales à partir de grandes histoires ici dans le Lowcountry, et il ne pourrait y avoir de bien meilleure histoire que la liaison du jeune JFK avec un prétendu espion nazi ici à Charleston pendant la Seconde Guerre mondiale. Il y avait tout - une bombe blonde nommée Inga Arvad (que le jeune Kennedy appelait Inga Binga), des agents du FBI dans la pièce voisine et des journalistes à la poursuite de ces amants maudits. Bien que j'ai transformé l'histoire en farce, elle est basée sur de vrais dossiers du FBI et des lettres d'amour entre Jack et Inga que j'ai découverts à la Kennedy Library de Boston. Les acteurs new-yorkais Phil Mills et Gardner Reed ont joué les rôles principaux et ont été soutenus par une merveilleuse distribution de soutien. Le public a adoré le spectacle - il est devenu la production non musicale la plus vendue de l'histoire de Charleston Stage. Alors que j'espérais que mes écrits y contribueraient, le fait est que le sexe et les Kennedy vendent ! JFK et Inga Binga est devenue ma huitième pièce publiée et est maintenant produite par d'autres théâtres à travers le pays.

 

 

À côté de la normale
 
Le casting de À côté de la normale (2014).

 
À côté de la normale (2014)

Une comédie musicale puissante et contemporaine.

Lauréat du prix Pulitzer et lauréat d'un Tony Award À côté de la normale est l'une des comédies musicales les plus puissantes de ces dernières années. Presque entièrement chanté avec une partition rock de Tom Kitt et des paroles de Brian Yorkey, il a pris d'assaut Broadway et a prouvé que les comédies musicales peuvent aborder des thèmes très sérieux et difficiles. À côté de la normale raconte l'histoire d'une famille aux prises avec le trouble bipolaire sévère de sa mère. L'émission met en lumière comment une telle lutte affecte tous les membres d'une famille et apporte à un public plus large le besoin de comprendre et de défendre les ressources en santé mentale. Bien que les émissions avec messages fonctionnent rarement, À côté de la normale fonctionne parce qu'il n'a pas de réponses. Il présente simplement, comme le font toujours les grands drames, une tranche de vie dans tous ses triomphes et tragédies humaines.

À côté de la normale est une production stimulante à la fois pour son sujet et pour ses parties vocales difficiles. Nous avons fait venir deux acteurs invités, Sean Hayden et Annie Freres, qui ont été rejoints par nos acteurs résidents Aaron Hancock et Joseph Dickey (récemment vu à Broadway dans le rôle-titre de Disney's Aladdin). Pour compléter le casting, Celeste Riddle, une talentueuse étudiante en théâtre au College of Charleston.

C'était un spectacle qui a monté en flèche. C'était émouvant de voir comment cette comédie musicale a eu un impact sur le public et a conduit beaucoup à partager leurs propres histoires. Nous avons eu des "talkbacks" dirigés par des professionnels de la santé mentale du MUSC et modérés par le Dr Lee Lewis, lui-même ancien membre du programme Resident Actor de Charleston Stage, maintenant psychiatre. Ce spectacle a préparé le terrain pour produire d'autres productions sérieuses à l'avenir.

 

 

Attrape-moi si tu peux
 
Le casting de
Attrape-moi si tu peux (2015).

 
Arrête-moi si tu peux (2015)

"Charlestonien" Frank Abagnale, Jr.'s Amazing Story.

Ce n'est pas souvent le sujet d'une vie musicale majeure dans votre ville natale, mais c'est le cas de Frank Abagnale, Jr. qui a adopté Charleston comme sa maison. J'ai contacté Frank une fois que nous avons obtenu les droits de cette grande émission, et il n'aurait pas pu être plus généreux de son temps et de ses idées pour nous aider à en faire un succès. Je l'ai rencontré personnellement et il a assisté à plusieurs répétitions pour parler aux acteurs et partager ses incroyables expériences en tant que charlatan adolescent. Il s'est lié d'amitié et a travaillé en étroite collaboration avec Corbin Williams, qui l'a joué dans la série. La comédie musicale avait une excellente distribution et un décor merveilleusement imaginatif avec des costumes et une chorégraphie magiques - elle s'est avérée être l'une des comédies musicales les plus vendues de l'histoire de la compagnie.

Frank a également assisté aux représentations d'ouverture et de clôture du spectacle, a parlé au public et a répondu aux questions, rendant cette production et cette histoire d'autant plus réelles. Après le spectacle, il m'a envoyé des photos dédicacées, sur lesquelles il a inscrit « A Julian, le meilleur réalisateur du monde ». Je ne sais pas ce que Stephen Spielberg pourrait en penser !

Franck Abagnale, Jr.
 
Franck Abagnale, Jr.

 

 

Peter et le Starcatcher
 
John Black comme Peter et Madeline Glenn Thomas comme Molly dans
Peter et le Starcatcher (2017).

 
Peter et le Starcatcher (2017)

L'imagination prend son envol.

J'inclus ce spectacle parce qu'à bien des égards, c'est la quintessence du grand théâtre. Bien que cela semble simple - une douzaine d'acteurs fabriquent tous les décors et accessoires à partir d'échelles, de cordes et d'autres objets, c'était en fait l'un des spectacles les plus complexes que nous ayons jamais produits. Beaucoup de gens pourraient être surpris d'apprendre que les scripts ne sont pas accompagnés de manuels de construction pour la construction des décors, des accessoires et des costumes pour chaque spectacle, et un spectacle comme Peter et le Starcatcher met chaque théâtre au défi de trouver ses propres solutions de mise en scène. Avant que nous ne le produisions, j'avais vu le spectacle deux fois, la production originale de Broadway primée par un Tony Award ainsi qu'une production ultérieure au célèbre Walnut Street Playhouse de Philadelphie. Bien que les deux aient leurs points forts, je pensais que l'histoire se perdait souvent au milieu de l'intelligence et de l'imagination de leur mise en scène. Je savais qu'il serait important de travailler avec diligence pour être sûr que l'histoire et l'intrigue restent au premier plan.

L'un de nos premiers choix en travaillant avec nos designers a été de simplifier le spectacle. Les ampoules électriques suspendues sont devenues des étoiles scintillantes, les échelles sont devenues les mâts des navires, les cordes sont devenues les portes, les fenêtres et les vagues, et les parapluies sont devenus des arbres. Chaque répétition était un délice car mon casting absolument de premier ordre a utilisé ces éléments simples pour créer un voyage de l'imagination qui a atterri carrément dans Peter Pan. Neverland. Une partie de l'enchantement du spectacle était que le public a mis en jeu sa propre imagination, pensant même qu'un gant en caoutchouc pouvait devenir un oiseau, qu'un morceau de tissu ondulant pouvait devenir une piscine dorée et quelques cordes avec du tissu étincelant et un navire stratégiquement placé. les lumières pourraient devenir un troupeau de sirènes, avec des queues de paille de balai. Le théâtre est vraiment magique.

 

 

Shakespeare in Love
 
Le casting de
Shakespeare in Love (2018).

 
shakespeare amoureux (2018)

La finale de notre saison du 40e anniversaire

Bien qu'une partie du plateau se soit effondrée lors de la soirée d'ouverture (personne n'a été blessé et le spectacle a rapidement continué), Shakespeare in Love est un spectacle qui célèbre la magie du théâtre en regardant le célèbre poète et dramaturge créer son classique Roméo et Juliette au milieu de sa propre romance. Les points forts de la production ont été la partition originale de Luke Walchuk, notre concepteur sonore et ingénieur du son résident, les costumes éblouissants et le jeu d'épée passionnant chorégraphié par Evan Parry du College of Charleston.

 

 

Le curieux incident du chien dans la nuit
  
Jacob Feight, 16 ans, dans le rôle de Christopher dans
Le curieux incident du chien pendant la nuit (2019).

 
le curieux incident du chien dans la nuit (2019)

L'une de nos productions les plus imaginatives.

Incident curieux fait ce que le théâtre fait le mieux - emmène le public dans le monde et l'esprit des autres. Cette pièce voyage dans l'esprit et la perspective incroyables de Christopher Boone, 14 ans, qui vit sur le spectre autistique. Le casting était dirigé par Jacob Feight, 16 ans, l'un de nos apprentis TheatreWings, qui s'est approprié le rôle avec un casting de premier ordre qui a époustouflé le public nuit après nuit. Ce spectacle a également marqué l'un de mes décors préférés qui reflétait de manière inventive l'interfonctionnement de l'esprit de Christopher.

 

 

Bright Star
  
Katelyn Crall (au centre) dans le rôle d'Alice Murphy et le casting de Bright Star (2021).

 
étoile brillante (2021)
 
Le spectacle doit continuer!

Nous étions en répétition pour Bright Star lorsque le COVID a éclaté et que nous avons dû tout annuler le 15 mars 2020. Dix-sept longs mois plus tard, les répétitions ont recommencé. Nous étions tellement excités d'être de retour pour faire un spectacle, pensant que COVID était derrière nous. Tous nos acteurs et notre équipe ont été entièrement vaccinés, mais après la première semaine de répétition, nous avons eu 14 cas de percée. Heureusement, personne n'a été gravement malade, mais nous avons dû reporter l'ouverture d'une semaine. En septembre, nos performances en direct sont finalement revenues au Dock Street Theatre. Bien que les acteurs aient été masqués lors des répétitions et dans les coulisses et que le public ait dû montrer une preuve de vaccination et porter des masques, le spectacle a continué et le public a applaudi cette comédie musicale poignante et émouvante. Ce spectacle a été rendu d'autant plus merveilleux qu'il a marqué notre retour aux performances en personne.

 

 

Kinky Boots
  
K'nique Eichelberger (L) et Jerquinez A. Gipson (R) comme Lola dans Kinky Boots (2022).

 
bottes coquines (2022)
  
Sois juste qui tu veux être. Ne les laissez jamais vous dire qui vous devriez être.

Kinky Boots était la finale parfaite pour notre première saison après notre arrêt COVID. C'était le premier spectacle sans masquage du public et nécessitant une preuve de vaccination, et tout le monde était ravi. Il a présenté les débuts des nouveaux designers Courtni Riddick (costumes), Caleb Garner (lumières) et Adam Jehle (décors), avec une superbe compagnie de joueurs dont non pas un, mais deux Lolas tournant dans le rôle principal. Le final a tout dit : Soyez simplement qui vous voulez être. Avec dignité, célébrez votre vie triomphalement !