Mois: Octobre 2008

(L'interview suivante était entre le dramaturge Julian Wiles et Katie Ekozar, une senior au College of Charleston qui se spécialise en communications et mineure en histoire) 

KE: Qu'est-ce qui vous a inspiré pour créer cette adaptation? 

JW: Nous avions fait une version de Frankenstein il y a 10 ans dont je n'étais pas satisfait et nous avons commencé à chercher d'autres adaptations,  Aucun qui J'ai trouvé vraiment bien reflété le roman, und ils surtout semblait manquer la créature de Shelley.  Alors, en mai dernier, j'ai lancé ma propre version.

KE: Pourriez-vous s'il vous plaît expliquer un peu votre processus de création et quels choix vous avez faits lors de la création de ce projet particulier?

JW: J'ai lu 5 stage adaptations, The original roman, plusieurs livres sur l'histoire de Frankenstein, ses adaptations, regardé les films classiques de James Whale et Young Frankenstein de Mel Brooket puis je me suis mis au travail.  J'avais une excellente version annotée du livre qui m'a vraiment aidé.  In dans ce cas, j'ai d'abord écrit un scénario ou un traitement (je ne le fais pas toujours, mais comme cela s'appuyait sur un texte original, je l'ai trouvé utile).  Je me suis fixé un objectif, 5 à 7 pages par jour.

Quand j'ai un brouillon ensemble, J'ai rassemblé le casting (je savais que j'écrivais spécifiquement pour notre compagnie d'acteur résidente qui a aidé) et nous lire it à voix haute.  Il y a eu des discussions, j'ai pris BEAUCOUP de notes et j'ai commencé à réécrire.

Quelques semaines plus tard, J'avais un autre brouillon et nous avons lu celui-là too.  C'est dans ces lectures que l'idée de plusieurs narrateurs est née et aussi l'utilisation de plus théâtre d'ombres.

Vers cette époque, l'ensemble était également conçu, ce qui a conduit à des changements structurels pour faire passer les scènes facilement de l'une à l'autre.  Une fois que nous avons décidé d'avoir un rideau pour le laboratoire, I élargit encore le travail d'ombre.

KE: Au début de la Projet, quel était votre principal objectif ou «colonne vertébrale» du projet?

JW: Quelques scènes que je savais que je voulais très tôt.  Je savais que je voulais expliquer ce qui a poussé Victor à créer son monstre. . . du livre vient comment il a été secoué bla mort de sa mère, le puissance de la foudre.  Celles-ci ont conduit aux premières scènes de la pièce.  I ont également toujours aimé la science et l'histoire de la science et ont utilisé cet intérêt pour construire les expériences de Victor (qui sont basées sur de vraies expériences).

La colonne vertébrale est cependant la créature.  Lorsque vous lisez le roman après avoir vu d'autres adaptations, vous voyez que la créature de Mary Shelley est beaucoup plus complexe, intelligente et intéressante et, plus que tout, c'est ce que je voulais apporter sur scène, surtout comment il grandit et se développe le cours de l'histoire.

KE: Qu'est-ce qui vous a poussé à sélectionner le casting que vous avez fait?  Quelles influences ont-ils contribué au projet?

JW: Le casting was encouragé à faire des suggestionsdes ions, parler de leurs personnages, faire des suggestions en changements de ligne.  Nous avons fait un nombre ÉNORME de changements de lignes, souvent un mot ou deux, des formulations différentes, etc. pendant les premières semaines de répétition.  Les pièces sont écrites pour "la écouter" et il est essentiel de faire des ajustements lorsque vous l'entendez à haute voix.

KE: Qu'est-ce qui vous a inspiré à utiliser l'ensemble que vous avez fait?  Qu'est-ce qui vous a poussé à choisir le format d'étage de poussée?

JW: Nous savions que nous serions dans ce nouvel espace et la configuration de poussée (que j'ai toujours voulu utiliser, so l'ensemble était basé sur l'espace vraiment).  La jeux et sport était structuré pour l'adapter.   Nous savions que le laboratoire serait central et qu'il lui fallait aussi un moyen de disparaître.  La fin originale était dans le laboratoire mais je voulais vraiment aller dans l'Arctique comme Mary Shelley l'avait fait.

KE: Y a-t-il eu des obstacles majeurs que vous avez rencontrés dans le projet?  Si oui, quels étaient-ils et comment les avez-vous surmontés?

JW: Le plus grand obstacle était de ne pas laisser les effets spéciaux, le son élaboré et la conception d'éclairage prendre le dessus sur la pièce.  Ils sont importants et ajoutent tellement, mais ils ont pris énormément de temps.  Nous avons travaillé très dur pour que le jeu soit prêt avant d'ajouter les effets et cela a semblé porter ses fruits.  Dans l'écriture, le défi était d'utiliser autant de l'histoire originale mais aussi de faire référence aux films célèbres (principalement à travers la Création de la créature à travers des appareils électriques - Shelley ne nous dit pas comment Victor l'a fait) et de condenser la divagation parcelle.

KE: Quel était le message principal que vous vouliez que le public reçoive
du projet?

JW: Je n'ai pas vraiment commencé avec un message, mais j'ai fini avec un.  It évolué dans l'écriture elle-même.  Pour moi, le message est que les monstres sont créés de la manière dont nous les traitons.  Cela peut ne pas toujours être le cas, mais c'est souvent le cas.  La créature pour moi est un réflexion de l'humanité avec sa capacité et envie d'apprendre à la fois les bonnes et les mauvaises choses.

KE: Êtes-vous satisfait du résultat final de votre projet?  Pourquoi ou pourquoi pas?  Et pensez-vous que le résultat final reflète fidèlement votre objectif initial?

JW: je'm très satisfait du résultat.   Je voulais éclairer l'histoire d'une nouvelle manière, amener les gens à regarder cette créature et à se voir, nous tous reflétés dans ses défauts.  Le public semble partir pour discuter de la créature et how différent il était de ce à quoi ils s'attendaient et à mC'est la meilleure critique.  As J'ai dit plus tôt, ce que la pièce signifie et est devenu arrivé dans le processus et ne vient pas nécessairement de notions ou de thèmes préconçus.  Ecrire pour moi, c'est découvrir, explorer et Abonnement De cette exploration mène.

J'ai une chance incroyable de jouer le rôle de Victor Frankenstein.  À ce stade des premiers stades de ma carrière professionnelle d'acteur, ce rôle a été un rêve.  En préparation, j'ai lu diverses publications sur le développement du personnage.  J'ai regardé Frankenstein: Un culturel Histoire par Susan Tyler Hancock.  De ce livre, J'ai tout appris de la mythes entourant les expérimentations dans le livre, à la problèmes en publiant le roman aux symboles politiques concernant le monstre

            En regardant De Robert Barton, Style pour les acteurs, J'étais guidé à travers le mouvement d'époque et les croyances culturelles des années 1820-1830, aka Romantisme.  Le thème principal que j'ai emprunté M. Barton était: «Un vrai héros est souvent forcé se tenir en dehors de la société pour vivre la vie avec autant de passion et de plénitude qu’elle devrait être vécue. » Cela résume assez bien Victor Frankenstein pour moi.  Frankenstein a tenté de montrer au monde sa grande idée de créer une nouvelle vie à partir de l'ancien; cependant, à la fin, son expérience va horriblement mal.

moi aussi est tombé sur les journaux intimes fictifs de Victor Frankenstein. Ces journaux contenu vrais faits historiques de ce qui aurait inspiré la quête de Victor Frankenstein pour réveiller la vie elle-même.  je lis à propos de ancien médicament, tla méthode scientifique, tla théorie de la vie, tles débuts de l'électricité, de la science et de Dieu, ainsi que de l'équipement et du matériel scientifiques utilisés pendant la période.  J'étais surchargée d'informations que cela me rendait folle! … Si ce n'est pas mélodramatique pour vous, je ne sais pas quoi faire d'autre.

Enfin, j'ai vu James Baleines Film de 1931 de Frankenstein.  Je dois dire que j'ai beaucoup ri tout au long du film, principalement parce que cela était considéré comme l'icône la plus effrayante dans les médias de 1931, et en regardant la créature tenter de parler, je me suis retrouvé en larmes d'amusement. Voir ce film m'a fait vraiment apprécier tout de suite le scénario de M. Julian Wile car la Créature évolue complètement aussi bien que Frankenstein.

Créer ce personnage chaque jour en répétition était un défi, sans aucun doute, mais je suis tellement reconnaissant pour cette merveilleuse opportunité. 

 

(Acteur résident Andy McCain dans le rôle de Victor Frankenstein) 

En tant qu'acteur, je me retrouve constamment dans des situations dans lesquelles je ne serais jamais si j'avais un autre métier. Ces activités comprennent: se maquiller, suivre des cours de danse et, plus récemment, se rendre dans un salon pour obtenir des extensions de cheveux. C'est vrai, juste au moment où je m'habitue à faire des choses étranges, on m'a lancé une balle courbe et j'ai dit que j'avais besoin d'extensions de cheveux pour mon rôle d'Henri dans notre production actuelle de Frankenstein: le Prométhée moderne. Les extensions ont été ajoutées pour souligner un moment dramatique dans une scène clé. L'expérience était très nouvelle et étrange pour moi et en entrant dans le salon, je me suis sentie comme une candidate dans un épisode de l'émission «Queer Eye for the Straight Guy». Ma tête a été lavée, puis de longues extensions de cheveux étranges ont été fusionnées sur le devant de mes cheveux. Les stylistes ont coloré les extensions pour se fondre avec mes cheveux réels et m'ont même mis dans l'une de ces chaises amusantes qui vous assèchent la tête! Ma nouvelle coiffure a fière allure dans la série, mais se promener dans la vraie vie peut être étrange alors… Je porte beaucoup de chapeaux maintenant! Ah, les joies d'être acteur.

 

(L'acteur résident Brian Zane dans le rôle d'Henry. Pouvez-vous voir les extensions?) 

On ne penserait jamais qu'un petit casting de 8 membres aurait besoin d'autant de costumes.  Le nombre de costumes n'était pas aussi intimidant que le fait de s'habiller pour le Memminger pour la première fois - de près et personnel.  Wow, maintenant l'accent est mis sur les détails et plus de détails. La recherche a fourni les idées, les échantillons ont fourni le tissu et Erin Cary (assistante aux costumes) et moi-même, ainsi que les bénévoles Barbara McGarth et les apprentis de TheatreWings ont fourni la main-d'œuvre.  Et mon garçon, nous avons travaillé!  Des heures trop nombreuses pour être comptées ont été consacrées à la création des 72 pièces de costume du spectacle.

Riche ou pauvre, chaque costume devait aider l'acteur à développer son personnage.  Des soies riches et glorieuses pour Elizabeth (jouée par l'acteur résident Sarah Claire Smith), des textures rugueuses terreuses pour Delacey (interprétée par l'acteur local Ross Magoulas) et des cicatrices pour la créature (interprétée par l'acteur résident Michael Lasris).  Il est intéressant de noter que tout ce qu'un acteur porte sur scène est considéré comme un costume, donc même le maquillage et les cheveux de la créature font partie de son costume.

Le décor de la pièce est la Suisse, donc les villageois ont un look bavarois, que nous avons pris des costumes ethniques de la région.  Les Frankenstein aisés ont le look du début du 19^th Siècle.  Les défis sont venus avec comment faire passer le temps sur scène tout en gardant les acteurs en vue.  Des changements majeurs sont arrivés au personnage d'Elizabeth, car elle était le plus souvent hors de la scène et ses changements donnaient l'impression que le passage du temps était réel.

Des magnifiques vêtements d'Elizabeth aux fourrures de l'Arctique, nous avons coupé, piqué et éternué jusqu'à l'arrivée.  Mais en fin de compte, cela en valait la peine; nos costumes donnent vie au scénario et au personnage.  Avec l'aide généreuse de Stuart Lawrence Salon et Michael Christensen, Frankenstein's Creature apporte la touche parfaite à la saison d'Halloween!

 

 (L'acteur résident Andy McCain dans le rôle de Victor Frankenstein et l'acteur résident Sarah Claire Smith dans le rôle d'Elizabeth)

 

 

(Acteur résident Sarah Claire Smith comme Elizabeth) 

Lors de notre première répétition de Frankenstein, Je me suis porté volontaire pour être chorégraphe de combat et capitaine de combat. Heureusement, M. Julian Wiles a dit OUI! J'ai toujours aimé les combats sur scène, sous toutes leurs formes et formes, allant de l'épée non armée à l'épée à rapière en passant par les objets ménagers de base utilisés pour attaquer ou défendre un personnage. Dans Frankenstein, la scène de combat la plus complexe met en scène la créature (Michael Lasris), moi-même en tant que Victor Frankenstein et Henry (Brian Zane).  D'autres scènes de combat à noter sont entre Justine (Viveka Chandrasekaran) et Stefan (Sonny Kong). Stefan est constamment à la poursuite de Justine de toutes les manières possibles, laissant de côté toutes les formes de gentleman.  Je voulais m'assurer que Justine n'hésiterait pas à se défendre contre le grossier et odieux Stefan. Lorsque je chorégraphie une scène de combat, j'ai tendance à faire ce que font la plupart des réalisateurs de films: créer un storyboard.  J'imagine visuellement chaque partie du combat comme un cadre de film et j'essaie de rendre chaque moment aussi excitant que le suivant.  Lors d'un appel de combat typique, qui se produit environ 30 minutes avant l'ouverture de la maison.  Les acteurs se rassemblent sur scène et nous passons en revue les combats qui contiennent des poussées, des étranglements, des coups de tête, etc.  Toutes les autres formes de lutte dans la production ont été observées et polies, mais certaines ne nécessitent pas d'appel de combat car les signaux de combat ont été gravés dans la pierre.  Habituellement, nous commençons chaque combat à 1/4 de vitesse, ce qui consiste essentiellement à parcourir les mouvements.  Cela comprend normalement l'articulation avec le corps de toutes les poses pendant le combat particulier de l'acteur. Ces poses agissent comme des indices visuels pour l'acteur jouant l'agresseur ou la victime.

Ce que je recherche principalement dans un appel de combat en tant que capitaine de combat: (1) Le contact visuel est toujours établi avec les acteurs et ils sont à l'aise avec ce qu'ils font sur scène et entre eux. (2) S'assurer que les acteurs font la chorégraphie de combat que j'ai bloquée pour eux. (3) Les signaux sont touchés à chaque fois en même temps. Enfin, des réactions claires et projetées sont faites, les réactions de la victime vendent tout dans le combat en scène. Une fois que ceux-ci sont réglés et me semblent sûrs, nous passons à la moitié de la vitesse / vitesse du spectacle.  La plupart des chorégraphes de combat suggèrent que tous les acteurs impliqués dans n'importe quel type de combat sur scène prennent n'importe quel combat à 1/2 vitesse pour la performance en direct.  La raison pour laquelle ils prennent le combat à mi-vitesse / vitesse de spectacle et non à pleine vitesse est à cause de l'adrénaline que les acteurs ont quand ils sont sur scène.  Il y a un public, nous sommes ravis et nous voulons avoir l'air cool pour vous. Quand le bats toi est prise à moitié vitesse les acteurs sont aux commandes et ne se blessent pas, donc, pas d'hôpital!  Après que chaque combat soit pris à la «vitesse du spectacle», je donne aux acteurs des rappels amicaux pour s'assurer qu'ils réagissent davantage, des sons de lutte sont entendus pour que le combat continue de circuler non seulement dans l'esprit du public, mais également dans l'esprit de l'acteur, en gardant la scène frais, vivant et sûr.

Dans l'ensemble, l'expérience a été un honneur. Tous ceux avec qui j'ai travaillé étaient très ouverts à la direction par les pairs, ce qui a rendu les combats sur scène beaucoup plus faciles à créer. Je me suis éclaté! Rendez-vous à Memminger!

 

 (De gauche à droite: l'acteur résident Brian Zane dans le rôle d'Henry et l'acteur résident Andy McCain dans l'expérience de Victor Frankenstein avec l'électricité)

 

 

(L'acteur résident Andy McCain dans le rôle de Victor Frankenstein et l'acteur résident Sarah Claire Smith dans le rôle d'Elizabeth Embrace pendant que le danger se cache en arrière-plan)

Bien que ce spectacle soit difficile à plusieurs niveaux, un aspect particulier s'est avéré beaucoup plus difficile que tout autre: le maquillage. N'ayant jamais eu besoin de maquillage prothétique complet auparavant (à part mon cours de maquillage de scène à l'université), tout ce processus a été une nouvelle expérience pour moi! Voici un programme typique avant le spectacle pour moi dans la création du maquillage pour mon rôle de "The Creature": 5: 45pm: Arrivez à l'Auditorium Memminger.  6: 00pm: Nettoyez le visage et appliquez les pièces prothétiques avec Spirit Gum (un adhésif ressemblant à de la colle) - une couvrant mon front sur ma lèvre supérieure et ma joue, une sur ma lèvre inférieure et une sur mon cou.  6: 20pm: Commencez à mélanger les bords des pièces prothétiques dans ma peau avec un maquillage à base de crème.  6: 30pm: Fight call, où mon maquillage est testé pour la force.  6: 45pm: Réappliquez les pièces qui sont tombées pendant l'appel de combat (parce que QUELQUE CHOSE tombe toujours).  7: 00pm: Terminez de mélanger le maquillage des prothèses dans ma peau. De plus, la maison est ouverte.  7: 15pm: Ajoutez des ecchymoses et des marques de charbon sur le cou, la poitrine et le visage avec le maquillage crème.  7: 30pm: Mettez-vous dans le micro et dans le costume. De plus, le spectacle commence maintenant.  7: 45pm: Ajoutez des ecchymoses sur les mains, vaporisez du scellant de maquillage sur le visage et courez sur scène pour la scène de la création. Cela n'inclut pas la réapplication du maquillage qui tombe ou l'ajout d'une tranche de couteau pendant l'entracte. Heureusement, j'ai l'aide de notre costumière, Barbara Young, et du propsmaster, Mike Christensen, et parfois Andy McCain (Victor Frankenstein) pour rendre le processus plus fluide. Pourtant, même avec quatre personnes, le processus de maquillage prend environ deux heures! Bien qu'il soit long et dur, le produit final en vaut la peine - j'aime ressembler à la créature, quels que soient les dommages que trois semaines de maquillage font à mes pores J 

 

(À droite: l'acteur résident Michael Lasris dans le rôle de «The Creature») 

 

Quand West Side Story fermé il y a quelques semaines, j'étais soulagé, pensant que mon travail deviendrait un peu plus facile avec un casting de seulement 8 par rapport à 32, pas de numéros musicaux, et pas de ballets de rêve - je me suis trompé! Frankenstein s'est avérée être l'une des productions les plus techniquement exigeantes sur lesquelles j'ai jamais travaillé.  Bien que le casting soit petit, il y a neuf membres d'équipage, des dizaines d'accessoires et de meubles, 2 navires, un laboratoire et plus de 100 signaux lumineux et sonores ... oh et brouillard, beaucoup de brouillard.  La préparation de ce spectacle a été épique à cause de tous les accessoires, meubles et quarts de travail qui se produisent. Des listes comprenant tous les accessoires et où ils doivent être placés pour le haut du spectacle ont dû être faites, et une feuille de quart de 7 pages qui comprend non seulement les accessoires et les meubles, mais aussi les machines à brouillard qui doivent être déplacées pendant les quarts de travail, le réglage voiles, et faire de la neige.  Avec l'aide des apprentis Wings, ce processus technologique s'est déroulé plus facilement que je n'aurais jamais pu l'imaginer pour un spectacle qui en a tellement. Bien que ce soit une longue entreprise, chaque effort en vaut la peine! J'ai hâte que le public voie ce spectacle !!! 

Nous avons des cours de théâtre hebdomadaires pour plus de 150 étudiants chaque semaine. Notre thème pour ce semestre est «Chansons du JukeBox». Nous utilisons les paroles de chansons comme idées de pièces de théâtre et ajoutons de la musique instrumentale pour aider à créer l'ambiance et à inspirer notre mouvement. Ici, ma maternelle et mes élèves de première année, avec l'acteur résident Sonny Kong et la stagiaire en gestion de scène Bessie Edwards, se mettent au travail sur des personnages sauvages pour accompagner la chanson «The Lion Sleeps Tonight». Pour plus d'informations sur les cours à venir, consultez http://www.charlestonstage.com/education/classes/index.php.

 

Chargez-vous pour la première mondiale de notre toute nouvelle version de Frankenstein, le Prométhée moderne a commencé cette semaine à l'Auditorium Memminger. Sur cette photo, Mike Christensen et son équipe commencent à travailler sur le laboratoire du Dr Frankenstein. Center est la table de création où le monstre du Dr Frankenstein prendra vie. Il reste à venir une roue à aubes en état de marche, qui déclenche les échelles de Jacob, des béchers de nitroglycérine bouillonnante et toutes sortes d'appareils électriques qui bourdonnent et bourdonnent.   

  

Lorsque la plupart d'entre nous à Charleston allons au théâtre, nous y pensons comme si nous étions dans le public en train de regarder une scène de cadre - nous nous asseyons d'un côté et les interprètes agissent de l'autre. À l'auditorium de Memminger, récemment rénové, le public verra les performances sous une toute nouvelle perspective. Pour la première fois, le public de Charleston pourra voir un spectacle d'un nouveau point de vue, car à Memminger, le public sera assis sur trois côtés de l'action, les plaçant plus près que jamais de l'action. Certains membres du public ne seront qu'à quelques mètres des interprètes. Les sièges à Memminger sont également des sièges de stade, ce qui signifie que vous pourrez facilement voir ceux qui se trouvent devant vous. Ce nouvel environnement de performance s'accompagne également de nouveaux défis. Les acteurs se produisent maintenant non seulement pour les clients d'un côté d'eux, mais de tous les côtés. Cela a été très excitant pour moi en tant que réalisateur et pour notre grande compagnie d'acteurs alors que nous avons commencé à explorer cette nouvelle arène. Pour votre information, il ne fait aucun doute que le public trouvera les performances sur la scène poussée de Memminger beaucoup plus réalistes. C'est comme si le public et les interprètes étaient dans la même pièce. Les acteurs ne sont plus «montés sur scène». Maintenant, ils sont en plein milieu de la même pièce avec le public. Cette perspective et sa nouvelle intimité devraient faire les frissons et les frissons de Frankenstein, encore plus effrayant.