Mois: Mars 2010

Barbara Young, costumière résidente de Charleston

Les designers recherchent souvent un «crochet» pour la conception d'une production. . . quelque chose sur lequel nous pouvons «accrocher» le dessin. Lorsque vous travaillez sur un spectacle qui a de nombreux looks classiques, du film Bob Fosse au plus récent renouveau de Broadway avec Natasha Richardson et Alan Cummings, il est encore plus important de trouver le bon «crochet». La réalisatrice Marybeth Clark a voulu que nous trouvions notre propre look et surtout éviter le look noir et grunge. Mais ce look noir et grunge était génial car il capturait si bien la décadence de l'époque. Nous savions que nous voulions des costumes pour le Kit Kat Klub qui soient tout aussi décadents et risqués, mais nous voulions qu'ils soient aussi colorés. Le directeur artistique Julian Wiles a suggéré de regarder des images de Baz Luhmann Moulin Rouge  Bien que situé à Paris et quelques décennies auparavant Cabaret, cela nous a donné un palais plus coloré avec lequel travailler. Cela suggérait également qu'en plus des costumes eux-mêmes, nous pourrions créer de superbes looks avec un maquillage pour les yeux éblouissant, des bas racés et des chaussures fantastiques. Et comme Marybeth l'a demandé, nous laissons notre imagination se déchaîner en créant certains des costumes les plus éblouissants de la saison, chacun conçu et construit dans la boutique de costumes de Charleston Stage, ce qui Cabaret un look pas comme les autres.

 

 

 

Par Julian Wiles et Stefanie Christensen, scénographes pour Cabaret

La réalisatrice Marybeth Clark voulait que nous repartions de zéro dans la création des décors et des costumes pour Cabaret et donc au lieu de regarder d'autres productions de cette comédie musicale classique, nous sommes retournés aux sources originales. Descriptions dans Christopher Isherwood's Au revoir à Berlin (sur lequel Cabaret est basé) étaient notre début et bien sûr nous avons regardé des images de cafés allemands et européens des années 1920. De plus, à la lecture du script, il était évident qu'il y avait deux mondes dans Cabaret . . . le monde réel de la maison de chambres, de la chambre Spartan de Cliff et du magasin de fruits. La boîte de nuit de l'émission, connue sous le nom de Kit Kat Club, était davantage un monde fantastique et un souvenir romantique de la façon dont Cliff se souvenait de ce havre d'hédonisme. Nous avons donc créé deux mondes scéniquement, la maison de chambres, la chambre de Cliff et le magasin de fruits ont été conçus pour être aussi réalistes que possible tandis que nous avons opté pour un monde plus abstrait et onirique pour le Kit Kat Klub. Nous avons émis l'hypothèse que le Kit Kat Club avait peut-être été autrefois un entrepôt et de cette idée est venue l'idée d'utiliser des ampoules de reproduction des années 1920 comme toile de fond. Pour compléter le look, nous avons utilisé une variété de matériaux industriels allant des cages métalliques aux chaînes et les avons mariés à des éléments de cabaret traditionnels comme des rideaux scintillants et des chaises en bois courbé en velours rouge. Notre espoir est de donner au public un Kit Kat Klub comme celui qu'ils n'ont jamais vu auparavant, mais dans lequel Cliff et Sally se sentiraient comme chez eux.

 

 

par Julian Wiles, concepteur d'éclairage pour Cabaret

L'éclairage pour Cabaret a commencé lors de la séance photo. Ici, pour la première fois, j'ai pu voir les costumes et le maquillage et expérimenter différents angles d'éclairage. Il était rapidement clair qu'en utilisant l'éclairage par le bas (le type d'éclairage que créaient les lampes de pied à l'ancienne), nous pouvions créer un look étrange à l'ancienne et quelque peu fantomatique. La plupart des scènes du Kit Kat Klub reposent sur ce type d'éclairage intense. Pour les scènes plus réalistes de la pièce, un éclairage plus naturel a été utilisé. En utilisant deux styles d'éclairage complètement différents, j'espérais que cela aiderait à montrer clairement que Sally et Cliff vivent dans deux mondes différents - le monde quotidien à l'extérieur qui est dépassé par les nazis et le monde du cabaret souterrain exotique et fantastique dans lequel eux et beaucoup d'autres s'échappent. .

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Dans mes différents rôles d'interprète, de metteur en scène et d'instructeur, j'ai eu la chance de travailler avec de nombreux jeunes brillants. Enseigner et jouer avec eux a été une expérience extrêmement précieuse, et j'ai constaté que j'apprends souvent autant d'eux que de mes aînés. Une révélation que j'ai eue dans mes expériences avec les jeunes acteurs et les jeunes spectateurs est simple, mais souvent oubliée: les enfants sont de petites personnes. Ils ont des pensées, des idées, des sentiments et des expériences tout comme les adultes, et dans de nombreux cas, dans des tons plus vifs que ceux de nos cerveaux plus âgés. Grâce à cette révélation, j'ai appris que dans mon jeu d'acteur, je ne dois jamais condescendre envers les jeunes.

Il y a, bien sûr, quelques ajustements à faire lorsque l'on travaille sur une pièce de théâtre pour enfants. Les principaux thèmes de la pièce sont souvent représentés dans le scénario en gros et larges traits que je dois ensuite interpréter avec de grands choix physiques et vocaux. Je dois ajuster le rythme pour que les plus jeunes oreilles puissent suivre l'intrigue et le développement de la pièce, et je dois porter une attention particulière à la clarté de ma diction et de mon intention. Ces choses mises à part, je ne peux pas dire que je fais des choix spécifiques et exceptionnels lorsque je joue aux enfants. Au lieu de cela, j'essaie de me concentrer sur le fait d'être aussi clair dans mon intention et aussi passionné que possible dans ma prestation dans l'espoir que mon amour pour l'art du théâtre sera apparent et que cette passion puisse affecter même un esprit et un cœur jeunes. 

Vendredi, Mars 12, 2010

Le dramaturge de Charleston Julian Wiles, directeur fondateur de Charleston Stage, a été nommé récipiendaire du prix Elizabeth O'Neill Verner 2010 pour les artistes individuels, a annoncé jeudi la South Carolina Arts Commission.

Fondée en 1972, la plus haute distinction artistique de l'État est nommée en l'honneur du célèbre artiste, auteur et conférencier de Charleston (1883-1979) dont les eaux-fortes, les points secs et les pastels ont été largement salués.

L'artiste Jonathan Green de Daniel Island et le romancier / écrivain non romanesque de Fripp Island, Pat Conroy, seront récompensés par les Verner Awards for Lifetime Achievement. Larry Barnfield de Summerville, coordonnateur des beaux-arts du district 2 de Dorchester, reçoit un Verner dans la catégorie des arts en éducation.

Les prix seront décernés le 6 mai au SC Statehouse, suivis du gala SC Arts ce soir-là au Columbia Museum of Art. Les billets sont disponibles en ligne.

«La Caroline du Sud regorge d'artistes impressionnants, de professionnels des arts époustouflants et de supporters des arts», a déclaré Bud Ferillo, président du conseil d'administration de la SC Arts Commission. «Les récipiendaires de cette année sont une excellente représentation de cette réalité, et nous sommes honorés de reconnaître ces meilleurs artistes pour leur engagement exceptionnel envers les arts et leur dévouement à notre état.

Wiles, qui a grandi à Ft. Motte, a inauguré Charleston Stage en 1978. Au cours des 31 dernières années, il a dirigé et conçu plus de 200 productions et écrit 27 pièces et comédies musicales originales pour la compagnie. Wiles continue d'être le directeur artistique producteur de la société.

Wiles a fréquenté l'Université Clemson, a obtenu un diplôme d'histoire du College of Charleston en 1974 et une maîtrise en art dramatique de l'Université de Caroline du Nord à Chapel Hill en 1976.

Conroy, l'un des écrivains les plus célèbres d'Amérique, est l'auteur de romans à succès tels que «The Great Santini», «The Prince of Tides» et, plus récemment, «South of Broad». Né à Atlanta, sa famille a déménagé à Beaufort quand il avait 15 ans. Son roman «Les seigneurs de la discipline» et le mémoire «Ma saison perdante» ont été inspirés par ses années en tant que cadet à la Citadelle.

Green est né en 1955 à Gardens Corner, et est diplômé de la School of the Art Institute of Chicago en 1982. Bien que beaucoup voyagé, Green s'est tourné vers les images familières de sa maison ancestrale pour les sujets de ses peintures, qui ont été convoités par collectionneurs, musées et critiques du monde entier. Il est président-directeur général de Jonathan Green Studios, Inc. et de la Jonathan Green Art Collection Gallery, LLC à Naples, en Floride, ainsi que président de Jonathan Green Living Designs, LLP à Charleston.

Barnfield a travaillé pour augmenter le nombre d'opportunités artistiques et de facultés des arts dans les écoles de Caroline du Sud. Au cours des huit dernières années, il a élargi le programme artistique du district scolaire, ce qui lui a valu une reconnaissance nationale par la Kennedy Center Alliance for Arts Education.

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L'une des parties les plus excitantes et les plus stimulantes d'être un acteur résident ici à Charleston Stage est le nombre de styles de théâtre différents dans lesquels nous répétons et jouons tout au long de l'année. Un mois, nous interprétons un récit musical au rythme effréné, le mois suivant, nous interprétons une comédie britannique sèche et ironique, puis nous passons à Shakespeare.  Ferdinand le taureau constitue encore un autre style de théâtre. Le véritable défi du théâtre pour enfants - ou du théâtre-pour-enfants pour ainsi dire - réside dans la volonté, de la part des interprètes, de permettre au jeune public de participer à la création du moment théâtral autant que non. jeune public. Parfois, il est facile, en tant qu'interprète et enseignant, de tourner le nez et de me condescendre envers les jeunes acteurs et le public. Cependant, les moments peuvent prendre vie avec une puissance et un charme égaux Ferdinand comme ils le font dans fête des Rois or Cabaret; et le jeune membre du public qui a aidé à créer ce moment peut apprécier la magie de ce moment avec plus d'enthousiasme que le meilleur membre du public adulte. 

Cela dit, jouer dans le théâtre pour enfants, et Ferdinand en particulier, a été en grande partie sur la création de moments que les jeunes membres du public sont prêts à soutenir et à suivre - la construction d'un navire que ce public particulier est prêt à monter à bord. Cet effort s'est manifesté dans notre concentration en tant que casting sur l'action et la ligne à chaque instant.  Ferdinand n'a pas le scintillement et la taille de Chant de Noël, mais il a certainement un autre avantage intrinsèque: le public apprend à connaître quatre personnages entièrement uniques et distincts. Aucun public ne pourra sortir d'une représentation de Ferdinand se référant à l'un des personnages comme des «personnages d'arrière-plan» parce que chacun de nous a la possibilité d'interagir avec le public d'une manière distincte et mémorable. En préparation de ce type d'interaction, nous avons, en tant que compagnie de quatre acteurs et d'un réalisateur, mis un accent particulier sur le fait de se déjouer les uns les autres. Mon personnage, Duquito Danilo, est unique par son contraste avec son père Duke Dodo - l'acteur résident James Lombardino. Et donc, nous avons essentiellement créé nos personnages pour qu'ils s'intègrent comme des pièces de puzzle dans le grand Ferdinand le taureau puzzle.

 

Travailler sur les deux fête des Rois et Ferdinand le taureau en même temps s'est avérée être une tâche intéressante, fatigante et agréable. Certaines personnes pourraient penser que jouer dans une pièce pour enfants est un travail facile, mais c'est tout aussi difficile et fatigant que Shakespeare… sinon plus difficile.  Mon approche pour jouer à Cochina the Pig était de lui ajouter une touche ludique.  Drew Archer, la réalisatrice, voulait aussi que je fasse ses discours rapides, forts et intenses. Je pense que Cochina pense toujours à la prochaine grande chose qu'elle peut faire ou dans laquelle elle peut s'impliquer.  C'est une cochonne très impliquée et très déterminée à obtenir son gros cochon. Pour cette raison, elle est toujours en mouvement, en mouvement et en esprit.  Une grande partie du mouvement de Cochina est rapide et dynamique.  C'était très amusant d'expérimenter sa physicalité.  J'ai vraiment apprécié cette expérience.  Conchina est un rôle très amusant et idiot à jouer.  J'ai hâte que vous la rencontriez ainsi que le reste de la distribution!

 

 

Attaquer Andrew Aguecheek était un processus intéressant. Ce personnage, pour moi, ne consistait pas tant à avoir une histoire solide ou des actions ou motivations spécifiques qu'à écouter attentivement les autres acteurs. Andrew est simple. Il veut Olivia. Mais plus encore, il a besoin de l'approbation des autres. Il veut être «cool». Il est simple d'esprit et facilement distrait. J'ai trouvé que la meilleure approche n'était pas de trop se livrer à soi-même, mais de suivre, presque avec une foi aveugle, tout ce que les autres personnages me lancent. Je suis juste reconnaissant d'avoir un casting aussi merveilleux pour jouer. Je n'aurais pas trouvé Andrew sans eux. 

 

 

En abordant le rôle d'Olivia, ma première préoccupation a été de m'assurer qu'elle n'était pas un personnage «one note». Elle peut être assez laconique, mais je voulais m'assurer qu'elle n'était pas toujours aussi dure, et même parfois charmante. Je craignais également qu'elle n'ait si peu de temps pour passer du «deuil» au «fou amoureux». J'ai juste décidé de laisser les mots faire le travail. Si William Shakespeare pensait que c'était assez de temps pour que quelqu'un fasse la transition entre les deux… qui suis-je pour discuter avec lui. Je suppose que quand il s'agit vraiment de jouer Shakespeare, je me fie beaucoup au texte. Ce sont des chefs-d'œuvre. Si je fais vraiment mes devoirs et que je comprends vraiment exactement ce qui est dit… le reste prend soin de lui-même.

Quant au retour à Charleston Stage, (j'étais un acteur résident en 2002-2003) ce fut une expérience merveilleuse! Cela a vraiment ressemblé à un retour à la maison. J'ai passé un moment formidable à travailler avec d'autres anciens acteurs résidents, des RA actuels et des acteurs locaux qui ont été si accueillants! Cela faisait en fait quelques années que je n'avais même pas joué dans un spectacle. J'étais un peu nerveux à l'idée de récupérer mes jambes de mer, mais je n'aurais pas pu rêver d'une meilleure expérience pour le faire. Maintenant, j'attends avec impatience le prochain spectacle sur lequel j'ai l'opportunité de travailler avec cette entreprise merveilleusement talentueuse.