Mois: Janvier 2020

Q: Y a-t-il eu des activités que vous avez faites lorsque vous étiez enfant et qui ont mené à votre passion pour les arts?

Je ne me souviens pas d'une époque où je ne faisais pas quelque chose d'artistique ou de créatif. J'ai toujours aimé faire de l'artisanat à l'école ou à la maison. J'ai passé des heures à dessiner ma propre version d'anime. J'adorais danser, chanter et écouter de la musique. J'ai joué de la clarinette et du saxophone au collège et au lycée. Une introduction au cours de théâtre à l'université m'a amenée au théâtre, qui a lié tous mes intérêts.

Q: Où avez-vous reçu la formation?

J'ai obtenu un baccalauréat ès arts à l'Université de Floride du Sud en conception et technologie de théâtre. J'ai étudié la conception de décors, de costumes et d'éclairage. J'ai obtenu ma maîtrise en beaux-arts à l'Université du Missouri, à Kansas City, en conception et technologie des costumes.

Q: Pour quelles autres entreprises avez-vous récemment conçu?

Plus récemment, j'ai travaillé avec Pure Theatre sur une production interactive de Muse d'Oscelola. J'ai pris une pause dans la conception du théâtre pour élever mes deux filles, Ava (13 ans) et Anna (11 ans). Auparavant, j'étais à la tête du programme de création de costumes au College of Charleston pendant cinq ans.

Q: Veuillez discuter de votre processus en tant que créateur de costumes pour Notre ville.

Tout d'abord, j'ai lu le script pour avoir une idée générale de ce qu'est la pièce et de ce qu'elle m'a fait ressentir. Ensuite, j'ai analysé le script pour toutes les informations sur les costumes. J'ai noté l'année où il a eu lieu (1901, 1904, 1913), le cadre (Grover Corners, New Hampshire), la période de l'année (printemps et été), l'heure de la journée, la météo, l'occasion et le style de la le spectacle a été écrit (minimaliste, théâtral - mis en scène). J'ai ensuite étudié ce qui est dit sur chaque personnage par les autres personnages, ce qu'un personnage dit de lui-même et ce qui est noté dans les directions de la scène. J'ai regardé la profession, l'âge, le sexe, le style de vie et la classe de chaque personnage. J'ai également suivi les entrées et sorties des personnages pour planifier les changements de costumes (les régisseurs ont fourni certaines de ces informations). Une fois que cela a été fait, j'ai rencontré la réalisatrice, Marybeth Clark, et l'équipe de conception et, ensemble, j'ai proposé un concept ou une approche sur l'apparence de la production globale. Nous avons décidé de garder la production à l'époque où elle se déroulait et de garder le personnage de Stage Manager à la même époque que la pièce. Nous avons parlé de la façon dont les costumes devaient être le point central du spectacle en raison des éléments scéniques clairsemés. Nous avons choisi de minimiser le nombre de costumes pour chaque personnage afin de garder la nature abstraite de la scénographie et de faire écho à la nature floue de la mémoire. J'ai essayé de garder les personnages dans des vêtements simples et sans prétention de la classe moyenne, mais visuellement stimulants pour le public. Marybeth voulait une palette de couleurs basée sur une goutte de Julian Wiles conçue pour le spectacle. Les couleurs sont vives, saturées et vives, ce qui reflète les joies et la beauté simple de la vie quotidienne. Cela m'a amené à choisir des costumes un peu plus colorés qu'à l'époque édouardienne (beige, bleu marine et noir). En revanche, l'acte III est d'un noir sombre pour les funérailles. J'ai fait des recherches sur la mode, la vie et les professions de 1901 à 1913 dans les livres et en ligne - Pinterest était ma source préférée. Enfin, j'ai tiré autant de costumes que possible du stock de costumes de Charleston Stage. J'ai repensé la plupart des robes pour femmes pour leur donner la ligne et les détails communs au début des années 1900. Nous avons commandé des corsets pour aider à maintenir la bonne silhouette et le mouvement physique de l'époque. J'ai dessiné quelques pièces originales: le look du premier acte d'Emily, la «robe vichy» de Rebecca et l'ensemble de Mme Webb.

Q: Qu'est-ce qui vous passionne le plus pour le public avec vos créations Notre ville?

J'espère que certains des détails de coupe seront amusants à voir, mais j'espère que rien ne se démarque comme une distraction. Je vise à toujours servir la pièce et sa propre idée de la «vérité».

Q: Parlez-nous un peu plus de vous.

J'adore passer du temps de qualité avec mon mari merveilleux et talentueux, Frank Duvall et nos deux filles, Ava et Anna. Quand je ne crée pas de costumes, j'enseigne. J'ai enseigné la couture, le rendu, le dessin de patrons et l'histoire de la mode à l'Art Institute of Charleston pendant cinq ans, avant sa fermeture. Maintenant, je remplace principalement les classes de collège et de lycée sur l'île James. J'aime peindre, tricoter, magasiner, lire et coudre des courtepointes pendant mon temps libre. J'essaie également de trouver le temps de faire de longues promenades à James Island County Park.

Performances de Notre ville du 5 au 23 février au Historic Dock Street Theatre. Pour les billets, cliquez ici .

Un souvenir de Julian Wiles, fondateur et directeur de production de Charleston Stage

«Vous m'avez amené jusqu'à New York pour voir une pièce de théâtre sans décor?» C'est ce que ma mère a dit en 1988. Je l'avais amenée à New York comme cadeau de Noël pour voir plusieurs spectacles de Broadway, dont le premier était le cinquantième anniversaire du prix Pulitzer de Thornton Wilder. Notre ville. «Attendez,» lui dis-je en regardant la scène nue presque vide. "Vous verrez, il y a plus ici que ce que vous voyez, et c'est une histoire d'amour, alors gardez un œil sur George et Emily." Et quelques instants après le début de la pièce, et alors qu'Emily Webb et George Gibbes sont tombés amoureux, ma mère, ainsi que le reste du public, ont été fascinés par l'extraordinaire puissance de cette pièce simple - l'une des plus grandes pièces américaines jamais écrit. C'est ma pièce préférée.

Malheureusement, trop de gens savent seulement Notre ville d'une classe de littérature morne du lycée et je n'ai jamais vu une représentation réelle de ce classique sur scène. Et bien sûr, Notre ville a été écrit non pas pour être lu mais pour être exécuté.

En 1938, Notre ville était considérée comme révolutionnaire, radicale et avant-gardiste, parce que le dramaturge Thornton Wilder a effrontément jeté les décors (ou la plupart d'entre eux), a supprimé les accessoires et a osé présenter une pièce sans les «vitrines» ou danseuses scintillantes que le public avait venir à attendre. Après tout, c'était l'époque des comédies musicales Ziegfeld Follies et Busby Berkley, donc dépouiller tout le spectacle pour un spectacle de Broadway était surprenant pour le public. Et même aujourd'hui, à une époque où des spectacles musicaux de Broadway de plusieurs millions de dollars comme Wicked et Le Roi Lion sont la norme, la simplicité de Our Town conserve son pouvoir spécial d'émouvoir le public. En fait, Notre ville reste l'une des pièces de théâtre les plus produites au monde.

Il y avait une méthode pour que Wilder n'ait pas de décor, pas de folie d'accessoires. Il a mis cette histoire simple de George et Emily sur une scène presque nue parce qu'il voulait que nous ne regardions pas le paysage mais que nous concentrions nos yeux sur autre chose. Et ce quelque chose d'autre est la vie de tous les jours - car c'est dans la vie de tous les jours que nous vivons réellement. Wilder voulait que nous voyions que trop souvent, nous prenons une grande partie de notre vie quotidienne pour acquise - petit-déjeuner chaque jour, courir au travail ou à l'école, les jalons de notre vie - tomber amoureux, mariage, enfants, amitiés, tout pris pour acquis. En se concentrant sur les tâches quotidiennes apparemment banales, il voulait que nous voyions la simple merveille d'être en vie sur cette terre. Mais Wilder n'enrobe pas cela dans une sentimentalité «arrêtez-vous et sentez les roses», il nous montre qu'il y a aussi des déceptions dans la vie, que de nombreux espoirs et rêves restent vides. C'est la vie.

Et c'est la magie de Notre ville. Comme toutes les grandes pièces, Notre ville nous invite à regarder la vie sous différents angles et, ce faisant, à acquérir de nouvelles perspectives sur ce que nous tenons trop souvent pour acquis.

La nouvelle production de Charleston Stage avec sa belle distribution sous la direction de la directrice artistique associée Marybeth Clark apportera Notre ville hors de la page, hors de votre mémoire de cette classe d'anglais étouffante il y a longtemps, et sur la scène à laquelle il appartient.

En fin de compte, ma mère n'a pas été déçue quand elle a vu pour la première fois Notre ville à New York en 1988 et à 92 ans maintenant, a hâte de voir George et Emily tomber amoureux une fois de plus. Elle a déjà ses billets. Je sais qu'elle ne sera pas déçue.

Performances de Notre ville du 5 au 23 février au Historic Dock Street Theatre. Pour les billets, cliquez ici .

Q: Y a-t-il eu des activités que vous avez faites lorsque vous étiez enfant et qui ont mené à votre passion pour les arts?

J'ai été élevé par une mère célibataire qui a grandi, ce qui m'a amené à passer beaucoup de temps seul. Mon imagination était ma meilleure amie et quand ma mère a réalisé à quel point ma pensée était «dans les nuages», elle m'avait mis dans de nombreux cours de théâtre. J'ai commencé comme artiste, jusqu'à ma dernière année de lycée. J'ai eu la chance d'assister à un collège-lycée des arts magnétiques dans ma ville natale qui, curieusement, offrait un cours de costumage en option. J'ai pris cela ma dernière année… et le reste s'est en quelque sorte mis en place. Avoir eu beaucoup de formation de 10 à 17 ans sur la façon d'agir et d'incarner un personnage était le meilleur type de formation en création de costumes que j'aurais pu demander.

Q: Où avez-vous reçu la formation?

Comme indiqué, je suis allé dans une merveilleuse école appelée «Manatee School for the Arts» dans ma ville natale de Bradenton, en Floride. De là, je suis allé à un programme de 2 ans (une sorte de camp d'entraînement d'école d'art que j'aime appeler) appelé Florida School of the Arts. Là, j'ai obtenu un diplôme AS en théâtre technique avec une spécialisation en conception de costumes. Quand j'assistais à FloArts, j'ai participé au concours de design de premier cycle à SETC (Southeastern Theatre Conference) et j'ai remporté la première place pour un costume que j'ai fait à FloArts pour Indice la comédie musicale qui, oui, est une comédie musicale basée sur le jeu de société. À partir de cette conférence, j'ai été recruté par Toni Leslie-James qui, à l'époque, était professeur de conception de costumes à la Virginia Commonwealth University à Richmond, en Virginie. J'ai étudié avec elle et j'ai appris tout ce que j'ai pu d'elle (elle travaille comme designer de Broadway depuis 1992.)

Q: Pour quelles autres entreprises avez-vous récemment conçu?

Je n'ai conçu que dans un autre théâtre. J'étais le créateur de costumes et le magasin de costumes 1 homme pour les joueurs de troc. The Players est un offset du Barter Theatre à Abingdon, en Virginie. (qui est le plus ancien théâtre de représentation professionnelle du pays). The Players était le théâtre pour enfants de la compagnie. J'y ai été designer en résidence pendant près de 3 ans et j'ai conçu plus de 24 productions avec eux, dont 4 tournées régionales et 1 tournée nationale basée sur une série de livres Disney. J'ai aidé un bon ami / designer que j'ai rencontré à VCU à de nombreux endroits entre mon départ de VCU et mon travail chez The Barter. Je l'ai aidée à Virginia Rep (Richmond, VA) et au Warehouse Theatre (Greenville, SC).

Q: Veuillez discuter de votre processus de conception.

Donc d'abord, comme tous les designs, cela commence par une rencontre / discussion avec le réalisateur. Mon travail est de faciliter la vision du réalisateur tout en apportant ma connaissance de l'histoire du vêtement et d'autres choses diverses à la table. Pour cette émission, les phrases clés que j'ai tirées de cette première réunion étaient «Game of Thrones rencontre Comment dresser votre dragon / Viking nordique». Après cela, j'ai commencé à rechercher des images qui me parlaient et j'ai commencé à créer un Powerpoint pour chaque personnage / look de la série. Une fois que j'ai montré cela au réalisateur, j'ai commencé à faire mes croquis (pour chaque croquis que vous voyez qui est bon, il y en a environ 20 qui sont férocement rayés) une fois ceux-ci dessinés, puis ils sont approuvés par le réalisateur. Je passe ensuite à la «recherche de tissu» et je détermine réellement la logistique de la façon de construire / acheter ou retirer du stock les choses que j'ai dessinées. J'ai des réunions avec la personne dans la boutique qui fait les patrons pour les vêtements (ce qui est parfois moi aussi) et je parle de la façon dont je crois que ces choses sont construites, et le processus commence pour de vrai.

Q: Qu'est-ce qui vous passionne le plus pour le public avec vos créations?

Je suis ravi que le public voie la quantité d'amour, d'attention et d'art que tout le département des costumes et moi avons mis dans ce spectacle. Une chose que j'ai apprise pendant mon temps en tant que costumière des joueurs de troc, c'est que la plupart des «théâtre pour la famille» ou «théâtre pour enfants» ont tendance à être condescendants envers les enfants. Leur donne des touches de couleur caricaturales et des costumes simplifiés. Mais les enfants, plus que les adultes, ont une imagination aussi belle et vive. Donc, leur donner un monde réel extrêmement bien débité est ce que je suis le plus excité pour ces familles et groupes d'écoliers de voir avec cette émission. Les enfants de tous âges (y compris les adultes) méritent la chose la plus inspirante que je puisse offrir et je suis ravie de la leur offrir.

Q: Parlez-nous un peu plus de vous.

J'aime vraiment tricoter et j'ai récemment choisi la pâtisserie et la cuisine comme un beau passe-temps. Je passe beaucoup de temps dans la boutique de costumes, donc quand je ne suis pas là, j'ai tendance à faire des choses très relaxantes. c'est-à-dire aller voir des films, une bonne nuit de repas au restaurant (parce que j'adore manger au restaurant). J'ai aussi ma propre entreprise de costumes du côté où je fais des costumes et diverses choses pour les gens sur la base d'une commission. J'aime aussi beaucoup la randonnée et les activités de plein air, ce qui est un bon moyen de vider mon cerveau entre les deux et de réinitialiser mon espace de tête avant de passer à la prochaine production.

Les représentations de «Le lion, la sorcière et la garde-robe» se dérouleront les 25 janvier et 1er février à 11h et les 25 janvier, 26 janvier et 1er février à 2h. Pour les billets, cliquez ici .