Un souvenir d'enfance caché sur le tournage de Le voyage à Bountiful
Par Julian Wiles, réalisateur et co-scénariste

Mise en scène de  Le voyage à Bountiful m'a rappelé beaucoup de souvenirs. Comme Mme Watts, 87 ans, personnage central de la pièce, je suis moi-même issu d'une longue lignée d'agriculteurs. Mes grands-parents étaient agriculteurs et, comme la maison d'enfance de Mme Watt, leur maison est tombée en ruine et finalement en ruine lorsque grand-mère et grand-père ont emménagé dans une toute nouvelle maison que mes parents leur ont construite quand ils avaient 80 ans. C'était juste en bas de la rue de la maison en bois de deux chambres où ils avaient élevé cinq enfants, dont ma mère. Ils l’ont fait au milieu de la grande dépression et, même s’ils vivaient dans des conditions modestes, ma mère a dit qu’ils n’avaient jamais été dans le besoin. En tant qu'agriculteurs, ils avaient du lait frais de leurs vaches, des légumes de leur immense jardin et la chaleur et l'amour les uns des autres pour les nourrir.
 
Ma mère et mon père étaient également agriculteurs. Ils ont acheté leur ferme et leur ferme de 1913 dans le comté rural de Calhoun où j'ai grandi le jour où ils m'ont ramené de l'hôpital. En tant que garçon de ferme, l'un de mes premiers jouets était un tracteur John Deere en fonte jaune et vert vif que mon père m'avait acheté. J'ai labouré beaucoup d'acres imaginaires avec ce petit tracteur et je me souviens avoir emmené mes chiens et mes chats faire des promenades dans les basses-cours, dans le petit chariot que je tirais derrière mon tracteur.
 
Quand Adam Jehle et moi avons commencé à travailler sur les décors de Le voyage à Bountiful, en particulier la maison de Mme Watt, je cherchais un moyen d'ébranler la mémoire du fils de Mme Watt, Ludie, et de lui rappeler son enfance passée jouant devant l'ancienne ferme de ses grands-parents. Ainsi, lorsque j'ai visité notre ferme familiale il y a quelques semaines, je suis tombé sur mon tracteur John Deere en jouet. Je l'ai trouvé poussiéreux et abandonné dans un vieux hangar et je me suis dit que les souvenirs qu'il me rappelle pourraient bien être similaires à ceux que Ludie ressentirait s'il retrouvait son propre jouet d'enfance. J'ai ramené mon petit tracteur à Dock Street et je l'ai placé sur scène dans la scène finale. Bien que ce témoignage spécial de ma propre enfance ne soit qu’un petit élément de la scénographie globale, il représente le genre d’éléments magiques spéciaux que les scénographes recherchent pour aider à raconter une histoire et lui donner une signification particulière. Vous pouvez apercevoir mon tracteur dans la scène finale de Le voyage à Bountiful. Comme Mme Watts et son fils Ludie, mon petit tracteur a retrouvé le chemin de la maison.

Performances de Le voyage à Bountiful continuez du 7 au 17 mars au Historic Dock Street Theatre. Pour les billets, visitez CharlestonStage.com.

Dramaturge, metteur en scène, concepteur et éducateur, Julian Wiles, a fondé Charleston Stage en 1978 et a dirigé la compagnie pendant 45 saisons jusqu'à sa retraite en 2023.
 
Wiles a grandi dans une ferme à Fort Motte, en Caroline du Sud, et a étudié l'histoire et le théâtre au College of Charleston (BA 1974). Il a déménagé en Caroline du Nord pour poursuivre des études supérieures en conception de théâtre et a obtenu une maîtrise en art dramatique de l'Université de Caroline du Nord à Chapel Hill en 1976. Il est retourné à Charleston et a fondé en 1978 Charleston Stage, la compagnie résidente du Historic Dock Street Theatre. , le premier théâtre américain. Sous la direction de Wiles, Charleston Stage est devenue l'une des institutions des arts du spectacle les plus importantes et les plus respectées de la région, produisant plus de 120 représentations professionnelles par an et comprenant un vaste programme éducatif touchant plus de 25,000 XNUMX jeunes chaque année.
 
Au cours de ses 45 années de mandat en tant que fondateur et directeur artistique, Wiles a conçu, réalisé et produit plus de 300 pièces de théâtre et comédies musicales pour Charleston Stage. Il a écrit 34 pièces originales, comédies musicales et adaptations scéniques, dont huit sont publiées par The Dramatic Publishing Company. Beaucoup de ses œuvres originales, comme Le siège de la justice, Gershwin at Folly, Under the Sweetgrass Moon, Danemark Vesey, Insurrectionet JFK et Inga Binga célébrer le riche patrimoine culturel et historique du Lowcountry. Plus de 100 productions des œuvres publiées de Wiles ont été jouées aux États-Unis et dans le monde.
 
Wiles a reçu le National Youth Theatre Director's Award en 1988, le NAACP Special Recognition Award de Charleston en 2004, le South Carolina Governor's Award for the Arts en 2010 et a été intronisé au Temple de la renommée de la SC Theatre Association en 2018. En 2021, il a reçu le prix des anciens élèves distingués de l'Université de Caroline du Nord.
 
En avril 2024, Wiles sera intronisé membre du College of Fellows of the American Theatre. L'investiture des nouveaux membres se déroule sous les auspices du Département d'éducation du John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington, DC. L'adhésion au College of Fellows of the American Theatre est l'une des plus hautes distinctions accordées aux éducateurs et aux professionnels du théâtre. La communauté éducative et théâtrale américaine.
 
Pour plus d'informations sur ses œuvres originales, visitez julianwiles.com.

Chers amis,

Je suis ravi d'être de retour sur la scène Charleton en tant que réalisateur invité pour Le voyage à Bountiful, une de mes pièces préférées. Même si je pense que tout le monde connaît des drames aussi connus et émouvants que Pour tuer un oiseau moqueur, le faiseur de miracles, et Le son de la musique, le Théâtre américain regorge de trésors cachés, de pièces étonnantes dont les titres sont moins connus. Le voyage à Bountiful est certainement l'un de ces merveilleux joyaux cachés, bien qu'il ait remporté de nombreux Tony, Emmy et Academy Awards au fil des ans. La Voyage à Abondance est certainement un spectacle à ne pas manquer.

Et le personnage principal fougueux de 80 ans et plus, Mme Carrie Watts, est l'un des grands rôles du théâtre américain. Des acteurs primés tels que Geraldine Page et Cecily Tyson ont été acclamés pour ce rôle et ici, à Charleston Stage, nous avons la merveilleuse actrice vétéran de 84 ans, Samille Basler, dans ce rôle principal. Vous vous souviendrez de Samille grâce à des rôles si mémorables dans mes pièces Hélium et Gershwin at Folie, apporter des rires éclatants à des comédies mémorables telles que Vous ne pouvez pas l'emporter avec vous et Esprit joyeux, et émouvant le public avec ses performances puissantes La verrerie et Tuer un oiseau moqueur. La performance de Samille de Mme Carrie Watts dans Le voyage à Bountiful est un à ne pas manquer.

Je vous invite à acheter vos billets dès aujourd'hui pour cette merveilleuse pièce du dramaturge lauréat du prix Pulitzer, Horton Foote, surtout connu pour ses scénarios primés aux Oscars pour Tuer un oiseau moqueur et Tendres Miséricordes.

C'est une joie de revenir une fois de plus dans mon fauteuil de metteur en scène, rejoignant Samille et ses formidables casemates alors qu'ils amènent pour la première fois ce joyau caché primé sur la scène du Dock Street Theatre.

Achetez ces billets aujourd'hui !

J'espère vous voir au théâtre !

Julian Wiles, fondateur et directeur émérite

By HORTON PIED
Direction par JULIEN WILES 

Commanditaires associés:
Fonds de la famille Hewitt de la Coastal Community Foundation of SC
Dr Del et Linda Schutte

Suivez Mama Watts, 80 ans, alors qu'elle se lance dans l'aventure de sa vie, déterminée à fuir l'appartement urbain exigu de son fils et sa belle-fille contrôlante et à retourner une dernière fois dans sa ville natale de Bountiful, au Texas. Mais que fera-t-elle lorsqu'elle se retrouvera coincée dans une gare au milieu de la nuit et découvrira que le dernier habitant de Bountiful, au Texas, est décédé il y a deux jours ? Regardez Mme Watts s'appuyer sur de nouveaux amis, de bons souvenirs et sa foi inébranlable pour chanter et danser pour traverser des temps difficiles. Ce classique sincère primé aux Tony Awards de Horton Foote, auteur du scénario primé Tuer un oiseau moqueur, pose les questions séculaires ; qu'est-ce que la maison, et pourras-tu vraiment rentrer chez toi un jour ?

Les représentations auront lieu du 28 février au 17 mars. Pour les billets, visitez CharlestonStage.com.

Par Heather Rose Artushin • Parent des basses terres

En passant devant l'historique Dock Street Theatre du centre-ville de Charleston, ce n'est un secret pour personne que les murs vieux de 215 ans abritent des souvenirs de représentations à guichets fermés des années passées, pour la plupart données par les acteurs résidents de Charleston Stage.

Mais ce que le théâtre ne peut pas contenir, c'est la programmation éducative communautaire que Charleston Stage est fier d'offrir aux enfants du Lowcountry.

Marybeth Clark, directrice artistique de Charleston Stage, a commencé son travail au sein de l'organisation il y a 25 ans en tant que directrice de l'éducation. « Je suis vraiment venue pour bâtir le programme d’éducation », a-t-elle déclaré. "Je pense que le plus grand impact que j'ai eu est ce qui est maintenant notre programme d'acteurs résidents."

Charleston Stage embauche de jeunes acteurs âgés de 22 à 28 ans diplômés en théâtre d'universités de tout le pays. Les 10 résidents sélectionnés passent un an à Charleston et travaillent à plein temps avec Charleston Stage, jouant et enseignant à la jeunesse locale. Les résidents suivent une formation d'enseignant et reçoivent des plans de cours structurés pour offrir les meilleures opportunités éducatives aux enfants de la communauté.

« Surtout pendant l'année scolaire, nous sommes très axés sur les processus », a déclaré Clark. « Au printemps, nous nous concentrons davantage sur les compétences et il y a un jour où tout le monde joue. Si vous suivez des cours avec nous, nous avons des classes de niveau supérieur appelées troupe, et ce sont les enfants que nous autorisons à auditionner pour des spectacles lorsque cela est approprié. Ils doivent fonctionner comme des adultes dans une série.

Tous les enfants ne sont pas des acteurs en herbe, et peu importe où la vie les mène, les compétences qu'ils acquièrent grâce à leur expérience avec Charleston Stage sont inestimables.

« Il s'agit pour les enfants de disposer d'un espace sûr où ils peuvent apprendre à partager leurs pensées, leurs émotions et leurs histoires », a expliqué Clark. « Ils apprennent également à recevoir les pensées, les émotions et les histoires d'une autre personne, même si elles sont différentes d'elles. Et c’est ça l’art : communiquer des idées et des sentiments et être capable de les recevoir.

Les compétences interpersonnelles, la conscience de soi et les compétences organisationnelles figurent en tête de liste des leçons de vie que les étudiants ont apprises grâce aux programmes éducatifs de Charleston Stage.

Les inscriptions aux cours d'été de Charleston Stage s'ouvrent en février et se rempliront certainement rapidement. « J'ai plus de 200 enfants par semaine qui suivent des cours ici pendant l'année scolaire normale », a expliqué Clark. "Nous avons de belles installations à West Ashley, le même studio où nous répétons nos spectacles sur scène principale et où nous donnons les cours."

Les étudiants peuvent passer les deux derniers jours du camp d'une semaine à assister à une répétition sur scène et à une représentation finale au Pearl, un théâtre de 130 places à West Ashley.

Pendant la pandémie, Clark et son équipe ont profité de l’occasion pour réfléchir à leurs programmes éducatifs et à la manière d’atteindre davantage d’enfants dans la communauté.

« Nous avons toujours eu des bourses pour que les finances ne soient pas un obstacle », a-t-elle déclaré. «C'était un peu privilégié de ma part. L'obstacle est le temps, le transport et l'engagement familial. Ils n'ont peut-être même pas de voiture et ne peuvent pas quitter leur travail pour emmener leur enfant à un cours à 4 heures, même si c'est gratuit.

Ainsi, Charleston Stage a commencé à placer des enseignants dans certaines écoles Title I du district scolaire du comté de Charleston pour offrir les mêmes cours pendant les programmes parascolaires déjà existants. Lorsque certains enfants ont exprimé leur curiosité pour le studio de West Ashley, Charleston Stage a rassemblé des fonds pour fournir un bus pour amener les enfants aux cours du week-end au studio et les ramener à un emplacement central.

Clark a déclaré que dans certaines situations, les enseignants et les parents reçoivent des billets pour prendre le bus jusqu'au théâtre pour voir une production et leurs enfants se produisent sur scène.

La troupe de théâtre locale a l'intention de s'assurer de faire appel à une distribution diversifiée d'acteurs résidents pour représenter tous les enfants du public et de la classe.

"Lorsque nous choisissons le casting, je suis très soucieux de trouver des acteurs qui reflèteront certains des enfants à qui ils enseigneront", a déclaré Clark. « L'un de nos professeurs est allé dans une école et il est afro-américain. Un garçon a dit : « Nos cheveux sont assortis ! » Ils ne savaient pas ce qu'était le théâtre, mais ils ont commencé à travailler ensemble et en sont tombés amoureux.

Lorsque vous verrez le Dock Street Theatre lors de votre prochaine promenade dans le centre-ville, n'oubliez pas qu'il est plus qu'un bâtiment historique : il abrite une organisation engagée à élever les enfants de Charleston à travers les arts.

« Notre fondateur, qui a pris sa retraite l'année dernière, a lancé la compagnie en tant que théâtre pour la jeunesse, axé sur l'éducation, et nous n'avons jamais abandonné cette mission », a conclu Clark.

Rendez-vous sur charlestonstage.com pour en savoir plus sur les programmes éducatifs de Charleston Stage.

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Ravi de renouer avec Aline Toloto, le génie créatif derrière les accessoires enchanteurs de notre production de A CHRISTMAS CAROL. Ses compétences exceptionnelles brillent une fois de plus au Dock Street Theatre, vous offrant un aperçu exclusif du talent artistique derrière les accessoires de ce classique intemporel de Dickens.

1) Qu'est-ce qui vous a inspiré à travailler sur la conception des accessoires pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et à l'atmosphère de cette histoire classique ?

Le design coloré et riche des décors et des costumes a été une source d’inspiration importante pour le monde des accessoires. J'adore UN CHANT DE NOËL ! Ma première rencontre avec l'histoire s'est faite à travers le film quand j'étais enfant. Le rappel que la vie est trop courte et qu’en fin de compte, ce qui compte vraiment, ce sont les personnes et les relations que vous avez pu cultiver tout au long de la vie est un message qui ne vieillira jamais.

2) Les accessoires sont essentiels pour créer un monde crédible sur scène. Comment avez-vous abordé la recherche et recueilli l’inspiration pour vous assurer que les accessoires de A CHRISTMAS CAROL étaient authentiques par rapport à l’époque et au décor ?

Heureusement, de nos jours, la recherche est beaucoup plus accessible qu'auparavant, ce qui permet de réduire les contraintes de temps occasionnelles que nous rencontrons lorsque nous produisons plusieurs productions simultanément dans l'atelier. Mon processus de recherche comporte trois étapes. Dans un premier temps, je me penche sur la recherche historique, couvrant généralement non seulement l’année cible mais également les décennies qui la précèdent. Ma deuxième étape consiste à examiner les accessoires de cinéma et ceux d’autres productions. Je trouve cela précieux car cela permet au public de se connecter à l’histoire à un niveau différent, en s’appuyant sur des expériences qu’il a pu vivre auparavant. La dernière étape consiste à utiliser mon intuition en matière de conception pour trouver un équilibre entre l'exactitude historique et ce qui complétera esthétiquement la production globale.

Regardez la bande-annonce de A CHRISTMAS CAROL ci-dessous !

3) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous nous expliquer comment vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour vous assurer que les accessoires correspondent à la vision globale de la production ?

Absolument, la collaboration est la clé d’une production théâtrale réussie. J'ai eu une excellente collaboration avec le scénographe, par exemple, pour renforcer le lien entre le décor de la chambre de Scrooge et les meubles qui occuperaient cet espace : le lit et le fauteuil. Nous avons discuté de la palette de couleurs, sélectionné des échantillons de tissus et engagé de nombreux allers-retours, intégrant les costumes et l'éclairage dans la discussion pour garantir que chaque élément de conception serait cohérent.

4) Étant donné qu'UN CHANT DE NOËL est un classique des fêtes, avez-vous incorporé des accessoires sur le thème des fêtes pour rehausser l'atmosphère festive de la production ? Pouvez-vous donner des exemples ?

Dans notre approche de la production, nous avons insufflé la magie des fêtes dans divers meubles et accessoires. Bien qu’ils ne soient pas strictement historiques, ces détails visaient à capturer l’essence de Noël qui résonne auprès du public. Nous avons profité de chaque occasion pour décorer les espaces avec des éléments festifs, qu'il s'agisse d'ajouter une touche de nœuds rouges et dorés ou d'incorporer des lumières de Noël. Chaque coin disponible a été utilisé pour insuffler un thème de vacances tout au long de la production.  

5) L’attention portée aux détails est cruciale dans la conception des accessoires. Y avait-il des accessoires spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL qui nécessitaient une attention particulière aux détails pour garantir l’exactitude historique ou la signification thématique ?

Absolument! Un exemple notable est le fauteuil utilisé dans la chambre de Scrooge. L'accessoire a exigé un dévouement considérable de la part de l'équipe, nécessitant des jours d'ajustements pour garantir son bon fonctionnement. Même si je ne veux pas trop en dire pour préserver la magie, je peux vous assurer qu'une fois que le public le verra, il comprendra la signification particulière de cet accessoire. Cela souligne la conviction que consacrer du temps et de l’attention, même aux moments les plus brefs sur scène, en vaut toujours la peine.

6) Avez-vous des créations d'accessoires préférées dans A CHRISTMAS CAROL dont vous êtes particulièrement fier ou qui se démarquent comme étant mémorables ?

Mon accessoire préféré doit être le cheval pommelé qui accompagne le chariot à jouets. Le processus de création a été assez difficile et j'ai collaboré étroitement avec Prop Artisan, 
Hailee Selby. Le résultat final a été incroyablement gratifiant : avoir un cheval pommelé magnifique et intemporel qui se démarque vraiment.

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 14 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

Originaire du Brésil, Aline est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts en théâtre et technologie avec spécialisation en conception scénique de l'Université du sud du Mississippi. Forte d'une vaste expérience en tant que accessoiriste, scénographe et décoratrice de décors, les faits saillants de la carrière d'Aline incluent son rôle de superviseure des propriétés pour la 45e saison de Charleston Stage, supervisant huit spectacles captivants, dont La Famille Addams, Un chant de Noël, et Une fois sur cette île. Elle est ravie de continuer à travailler dans l'entreprise l'année prochaine.

Dans une interview exclusive, nous avons rencontré Caleb S. Garner, le cerveau derrière la conception d'éclairage captivante du Dock Street Theatre pour notre dernière interprétation de A CHRISTMAS CAROL. Explorez les subtilités de son approche artistique alors qu'il illumine la magie de ce classique intemporel des fêtes !

1) Qu'est-ce qui vous a poussé à travailler sur la conception d'éclairage pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et à l'atmosphère de cette histoire classique ?

UN CHANT DE NOEL fait partie de ma vie depuis aussi longtemps que je me souvienne. C’était une tradition de Noël pour ma famille, comme pour tant d’autres. Mon adaptation cinématographique préférée est en fait la version de 1984 de George C. Scott dans le rôle de Scrooge. J'aime la façon dont cette adaptation utilise la lumière pour passer du naturel au surnaturel, du passé, du présent et du futur. Christmas Past avait une qualité brumeuse et onirique. Le cadeau de Noël était parfois brillant et joyeux, parfois austère et sérieux. Noël Future était sombre et enfumé. Je suis toujours fasciné par la capacité de cette adaptation à raconter une belle histoire à travers la lumière, et je suis très excité de pouvoir apporter ma propre touche à cette superbe narration. 

En tant que musicien d'église, j'ai passé beaucoup de temps avec des textes sur la période de l'Avent et de Noël. Une leçon qui m’a toujours marqué est que cette saison n’est pas seulement une question de naissance, mais aussi de rédemption. Il est facile d'oublier qu'UN CHANT DE NOËL n'est pas seulement « un vieil homme grincheux qui a peur des fantômes et qui adore Noël maintenant ». Scrooge est un personnage complexe. Je pense que notre production fait un excellent travail en montrant comment il s'est adapté au cours de sa vie et comment renouer avec son passé lui permet de se réapproprier son avenir. L’histoire me rappelle un poème du théologien américain et leader des droits civiques Howard Thurman, intitulé « L’œuvre de Noël ». Son idée du « travail » de Noël sont les leçons que Scrooge réapprend afin d'ouvrir à nouveau son cœur et son amour.

Quand le chant des anges s'est tu,

Quand l'étoile dans le ciel est partie,

Quand les rois et les princes sont à la maison,

Quand les bergers sont de retour avec leurs troupeaux,

Les travaux de Noël commencent :

      Pour retrouver les perdus,

      Pour guérir les brisés,

      Pour nourrir les affamés,

      Pour libérer le prisonnier,

      Pour reconstruire les nations,

      Pour apporter la paix au peuple,

      Faire de la musique dans le coeur.

C'est cette production de A CHRISTMAS CAROL: faire de la musique dans le coeur. Je suis très heureux de partager ce cadeau de Noël avec vous tous. 

2) L’éclairage joue un rôle crucial dans la création de l’ambiance d’une production. Comment avez-vous abordé la création d’une conception d’éclairage qui complète le récit et renforce l’impact émotionnel d’un CHANT DE NOËL ?

Lorsque nous nous sommes rencontrés pour la première fois en 2022 pour discuter de cette réinvention majeure de la production, le dramaturge Julian Wiles a parlé du besoin de dynamisme, de couleur et de plaisir. Nous ne voulions pas avoir une production qui dise : « C'est le monde de Scrooge, et tout est triste, sombre et vide. » Nous voulions une production qui montre au public toute la joie, la compassion et l'amour qui manquaient à Scrooge. 

Il est très facile de se concentrer sur Scrooge et les fantômes et de réaliser une production sombre et effrayante. Et j'utilise un éclairage sombre avec des bleus intenses et des ombres profondes pour rendre les fantômes intenses et percutants, mais j'essaie aussi de conserver l'esprit coloré de la production en utilisant des turquoises, des magentas profonds et des lavandes pour donner aux fantômes un sentiment de mystère sans c'est sombre et déprimant. J'ai vraiment adoré ce tableau intitulé « Purple Energies » du peintre suisse Fabien Bruttin comme source d'inspiration pour les fantômes – en particulier Marley et Christmas Future.

Il était également important de conserver le sentiment de fête tout au long de la pièce. Je ne voulais pas que chaque scène ressemble à « Londres la nuit ». Je voulais un peu de variété et des couleurs plus vives, j'ai donc choisi des roses-lavandes, des bleus clairs, des oranges et des verts pour rendre le monde festif et nouveau. Il était important pour Julian, Sam et moi d’éviter que la production ressemble à une carte de Noël victorienne. Bien qu’ils aient beaucoup de couleurs, ils étaient souvent décolorés, très rouges et un peu trop démodés. Nous voulions de la fantaisie et une large gamme de couleurs. Je me suis inspiré de cette photo de Covent Garden. Voyez si vous pouvez repérer certaines de ces couleurs provenant des lumières tout en regardant ! 

3) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous partager un aperçu de la manière dont vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour garantir que la conception de l'éclairage correspond à la vision globale de la production ?

Toute l'équipe de conception se réunit des mois à l'avance pour établir et affiner notre univers de la pièce afin que le public obtienne un produit final unifié. Nous passons beaucoup de temps à parler, à rechercher, à dessiner et à partager afin que nous soyons tous sur la même longueur d'onde concernant la vision de la production. Nous l'avons fait A Christmas Carol la saison dernière, mais ce n'était pas aussi simple que de le sortir d'une boîte et de le remettre sur scène. La production de la saison 45 était fantastique, mais chaque domaine de conception comportait plusieurs choses que nous pouvions améliorer. Cela comprenait des éléments tels que le placement des décors, de nouveaux meubles et accessoires, de nouveaux éléments de costumes et de nouveaux tours de magie.

Une nouvelle saison donne également de nouveaux acteurs à Charleston Stage, ce qui signifie que les personnes ayant des types de corps, des corpulences et des tons de peau différents ont dû modifier les costumes existants et de nouvelles couleurs d'éclairage qui mettaient le mieux en valeur leur peau. Même si beaucoup de choses sont similaires cette année, beaucoup de choses sont également très différentes. Mon mentor éclairagiste, Craig Dettman, disait « même chanson, couplet différent ».

Cette production comporte de nombreux « trucs » associés aux fantômes et à leur magie, et ils nécessitent tous une coordination minutieuse avec les autres éléments de conception et la direction pour être exécutés correctement. La pierre tombale de Scrooge dans la séquence du cimetière est l'un de mes exemples préférés. Lorsque Scrooge arrive pour la première fois au cimetière, il ne se rend pas compte qu'il se tient sur sa propre tombe ; la pierre tombale devant lui est vierge. Une coordination minutieuse entre la direction, le paysage et les lumières nous a permis de révéler comme par magie le mot « SCROOGE » sur la pierre. Des sons supplémentaires, du brouillard et une magnifique coordination des couleurs des costumes contribuent à créer l'image incroyablement puissante de Scrooge réalisant son destin. 

Maintenant que je suis à Charleston Stage depuis plusieurs années, j'ai développé une excellente relation et une sorte de langage sténographique avec les autres membres du personnel. Nous sommes régulièrement sur la même longueur d'onde et j'apprécie beaucoup nos échanges et nos collaborations. 

4) UN CHANT DE NOËL comporte des moments à la fois d’obscurité et de lumière. Comment avez-vous équilibré l’utilisation de la lumière et de l’ombre pour transmettre les différentes ambiances et thèmes tout au long de la production ?

Je m'assure toujours que l'éclairage répond à plusieurs facteurs différents dans chaque scène : visibilité, ambiance, révélation de la forme, ponctuation et narration. 

La visibilité consiste simplement à placer la lumière là où vous la souhaitez et à la supprimer là où vous n'en avez pas besoin. L'ambiance est la façon dont la lumière utilise les couleurs, l'angle et les textures pour afficher des émotions ou une atmosphère. Il y a toujours un délicat équilibre entre l’humeur et la visibilité, car souvent trop de l’un peut nuire à l’autre. Si la lumière est trop sombre, le public a du mal à comprendre l’action sur scène, mais s’il peut tout voir sur scène, l’atmosphère de la scène est compromise.

La révélation de la forme est la façon dont nous éclairons les figures et les objets sur scène, nous donnant ainsi une dimensionnalité. La façon dont nous révélons les personnages sur scène nous aide également à établir une visibilité et une ambiance. Par exemple, j’éclaire l’ensemble chantant « Joy To The World » d’une manière totalement différente de celle que j’éclaire le Ghost of Christmas Future. 

Chaque phrase a une forme de ponctuation. La façon dont nous éclairons la fin d’une phrase sur scène est tout aussi importante que la façon dont la phrase se termine sur le papier. Lorsque Marley quitte Scrooge, la dernière ligne de la scène se termine par un point d'exclamation – l'éclairage doit absolument faire la même chose. Nous ne voulons pas ici d’un lent fondu vers le noir ; nous voulons une panne de courant à zéro pour terminer la scène en beauté !  

La narration fait progresser le récit, grâce à l'utilisation des propriétés de la lumière que nous pouvons contrôler. Ces propriétés sont l'intensité, la distribution, l'angle, la couleur, le changement et le mouvement. 

Une considération minutieuse et des combinaisons de ces éléments nous aident à créer des « looks » individuels pour distinguer les différents moments du spectacle. Une grande partie de l’équilibre vient de l’expérience et de l’intuition. Et une super relation avec l'équipe de production !

5) Y a-t-il des scènes ou des moments spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL où vous avez intentionnellement utilisé l'éclairage pour mettre en valeur des éléments ou des émotions clés ? Pouvez-vous partager des exemples de la façon dont l’éclairage améliore la narration ?

L’un de mes moments préférés dans la série est lorsque nous écoutons la chanson « A New Day Dawns ». Cela se produit deux fois dans la série, et chacun constitue un moment majeur dans la vie de Scrooge. 

La première fois que nous écoutons la chanson, un jeune Scrooge voit sa future fiancée, Belle, pour la première fois. Je voulais que le reste du monde fonde pour que nous puissions voir Scrooge tomber instantanément amoureux. Les lumières s'abaissent vers les jeunes Scrooge et Belle pendant qu'elle chante la chanson. La présence des autres invités de la fête se fait toujours sentir car ils sont dans une lumière de couleur plus sombre, avec une forte mise en valeur autour de leurs silhouettes. Cela montre les chiffres généraux, mais limite la visibilité sur les visages afin que le public puisse se concentrer sur le moment du coup de foudre qui se produit en coulisses. Old Scrooge et le Ghost of Christmas Past sont toujours faiblement éclairés, de sorte que le public peut également voir Scrooge renouer avec son humanité. 

Cela se produit une seconde fois dans la dernière partie du deuxième acte. Scrooge se rend chez son neveu Fred pour faire amende honorable et rencontre la femme de Fred, Caroline. Caroline chante « A New Day Dawns » et est dans la même position que Belle. Scrooge et Caroline recréent le moment où les jeunes Scrooge et Belle se rencontrent pour la première fois. L'éclairage a un joli déroulant de la même manière qu'auparavant. C'est un moment vraiment touchant qui montre Scrooge se laissant aimer à nouveau. 

J'espère que l'éclairage montre les moments profondément personnels avec les jeunes Scrooge et Belle, puis Caroline et Scrooge avec les pulldowns serrés. Les lumières s'ouvrent alors pour révéler les autres personnages, montrant qu'ils étaient là pour voir l'arc du personnage de Scrooge. 

6) L'histoire de A CHRISTMAS CAROL s'étend sur différents contextes, du bureau de Scrooge à la maison Cratchit. Comment avez-vous adapté la conception de l’éclairage pour créer des atmosphères distinctes pour chaque lieu ?

Chaque ensemble de personnages possède sa propre palette de couleurs spéciale. La scénographe Susan Crabtree et moi avons travaillé en étroite collaboration avec la costumière Janine McCabe pour nous assurer que chaque lieu avait sa propre identité de couleur particulière dans les costumes, les décors et la conception de l'éclairage. 

Un bon exemple peut être vu dans la famille Cratchit et sa maison. Nous avons choisi une palette de couleurs violet/lavande pour donner aux Cratchit leurs propres traits identifiables en tant qu'unité familiale. Le décor a des éléments de couleurs en toile de fond, et chaque personnage a ses couleurs dans les costumes. J'éclaire la scène avec du bleu et des lavandes pour pouvoir contribuer à rendre les couleurs des costumes et des décors vraiment éclatantes.

Soyez à l’affût des différentes combinaisons de couleurs du spectacle ! Chaque lieu et chaque famille a sa propre collection spéciale de couleurs !

7) Avez-vous des effets d'éclairage ou des techniques d'éclairage préférés utilisés dans UN CHANT DE NOËL dont vous êtes particulièrement fier ou qui se démarquent comme étant mémorables ?

Chaque année, j'essaie d'incorporer quelques nouveaux éléments dans la production pour la rendre encore plus intéressante. Cette année marque le lancement de deux toutes nouvelles machines à brouillard. Vous ne les verrez jamais, mais vous verrez absolument le brouillard ! Ceux-ci sont appelés brumisateurs à ultrasons et ils obtiennent le même effet que le brouillard de glace carbonique sans avoir besoin de glace carbonique et de 350 livres d’eau. Ces brumisateurs utilisent une membrane ultrasonique qui vibre rapidement à grande vitesse dans un réservoir d'eau. L'eau est agitée en gouttelettes individuelles d'une taille d'environ 3 à 5 microns, se vaporisant dans l'air pour former un épais brouillard. C'est très scientifique et c'est très cool. Il y a de fortes chances que vous ayez déjà cette technologie chez vous. Si vous possédez un « humidificateur à brume fraîche », vous disposez de la même technologie ultrasonique à plus petite échelle !

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 7 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner est un concepteur d'éclairage et de son basé à Charleston, en Caroline du Sud. Originaire de Caroline du Nord, Caleb a obtenu son baccalauréat et son baccalauréat en beaux-arts du Catawba College de Salisbury en Caroline du Nord, ainsi que sa maîtrise en beaux-arts de l'université du sud du Mississippi. Les créations de Garner, allant des concerts aux ballets en passant par les comédies musicales et les pièces de théâtre, lui ont valu huit prix de design régionaux et nationaux. Caleb a été un designer vedette de New York au Mississippi, créant dans le Nord-Est, le Midwest, la Côte Est et le Sud profond. Caleb aime transformer de gros morceaux de bois en petits morceaux de bois (parfois appelés à tort meubles), crier avec les élèves (souvent reconnu comme un enseignement) et jouer avec des objets qui étincellent et fument. Caleb est actuellement concepteur d'éclairage résident à la Charleston Stage Company et maître de conférences adjoint au College of Charleston.

Explorez les détails complexes de l'approche artistique de K'nique Eichelberger en tant que chorégraphe de A CHRISTMAS CAROL dans cette interview spéciale. Préparez-vous pour une autre saison d'excitation alors que le travail exceptionnel de K'nique occupe le devant de la scène, devenant une fois de plus un point culminant majeur dans l'adaptation de cette année du classique intemporel !

1) UN CHANT DE NOËL est un classique des fêtes. Comment avez-vous abordé l’idée d’insuffler à la chorégraphie l’esprit festif de la saison tout en transmettant les thèmes les plus profonds de l’histoire ?

Noël est une fête où les familles se réunissent pour exprimer leur amour, leur gentillesse et leur joie. Dans ma chorégraphie, vous verrez la joie ou l'excitation dans chaque mouvement. Ce n’est cependant pas votre chorégraphie traditionnelle A CHRISTMAS CAROL. Bien que nous honorions cette période avec la façon dont nous parlons et marchons, il y a un élément contemporain dans les danses auquel les publics plus jeunes et plus âgés peuvent s'identifier. La danse a toujours été pour moi un moyen de communiquer des choses que je ne pouvais pas verbaliser, et cela m'a aidé à m'exprimer de manière créative et personnelle. Je voulais que les mouvements parlent d'eux-mêmes, sans paroles ni chants. Certains mouvements lents peuvent exprimer des sentiments de tristesse ou de mélancolie, tandis que des mouvements vifs et explosifs peuvent exprimer la force et la joie. À travers tous les numéros de danse, vous pouvez voir cela démontré. L’un des thèmes centraux de A CHRISTMAS CAROL est la transformation personnelle et la rédemption. Vous verrez qu'il y a beaucoup de changements de formation dans le premier numéro pour exprimer les nombreux changements que Scrooge subira pendant le spectacle. Le personnage d'Ebenezer Scrooge subit un profond changement, passant d'un homme avare, froid et égoïste à une personne généreuse, chaleureuse et compatissante. Ce sont quelques thèmes de danse que vous verrez au début du spectacle et qui refont surface avec le nouveau Scrooge amélioré.

2) Y a-t-il un aspect particulier de A CHRISTMAS CAROL qui vous touche personnellement ? Comment cette connexion influence-t-elle votre processus créatif ?

Les gens peuvent changer mais vous ne pouvez pas changer les gens. Il faut permettre aux gens de grandir et de voir les choses par eux-mêmes. Le changement survient lorsque la personne comprend comment son attitude se forme et comment elle affecte sa vie. Il s'agit souvent de beaucoup de réflexion et de guérison du passé. Les gens peuvent changer si quelques conditions sont remplies, notamment la conscience de soi et la volonté. Tout au long de l'histoire, Scrooge a la chance de voir quand sa vie a changé et explore pourquoi il est si en colère à l'idée de Noël. Cela a influencé mon processus créatif en me donnant de la grâce chez les autres. Lors des répétitions, j'étais toujours là pour aider et faciliter la tâche des acteurs, car on ne sait jamais ce que les gens vivent. Ainsi, se présenter avec énergie et sourire créera un espace sûr dans lequel nous aimons tous travailler.

3) Présentez-nous votre processus créatif lors de la chorégraphie d’une production. Comment avez-vous transformé le récit en mouvement et en danse, en particulier pour une histoire aussi emblématique que celle de Dickens ?

Je me connecte d’abord avec le réalisateur pour comprendre la vision qu’il souhaite pour ce spectacle. A CHRISTMAS CAROL est une vieille histoire, mais notre production redonne vie à cette ancienne histoire avec une touche hip hop contemporaine, tout en respectant l'époque. Lorsque je chorégraphie, j'aime m'asseoir et écouter la musique pour lui donner une émotion. Qu’est-ce que cela m’a fait ressentir ? Une fois que j'ai déterminé quelle émotion je souhaite sortir de la danse, elle commence à se créer d'elle-même. 

4) Dans la chorégraphie de A CHRISTMAS CAROL, avez-vous des numéros ou des séquences de danse préférés ? Qu’est-ce qui les rend spéciaux pour vous, que ce soit en termes d’expression artistique ou de résonance thématique ?

C'est une question difficile car j'aime toutes les danses. Je dois dire que le numéro d’ouverture « God Rest Ye Merry Gentlemen » serait l’un de mes préférés. L’énergie que possède cette chanson est inégalée. J’appelle cela la ruée de joie lorsque les acteurs se précipitent en haut du numéro. Il met bien en place l’histoire avec toute l’énergie où le public sera immédiatement engagé. Parfois, il faut s’asseoir et se féliciter. Voir ce numéro prendre vie a été pour moi une tape dans le dos. Voir tout le monde apprécier la danse et la vision que j'ai créée me fait chaud au cœur.

5) La collaboration avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe de production est cruciale. Pouvez-vous partager une expérience de collaboration mémorable et comment elle a amélioré la production globale ?

Lorsqu’on crée une chorégraphie, il faut collaborer avec tout le monde, pas seulement avec le metteur en scène. Sam le réalisateur et moi travaillons très bien ensemble pour exprimer ce que nous voulons dans un numéro. La finale est un grand numéro avec lequel nous nous sommes entraidés pour créer le sentiment magique que nous souhaitions tous les deux. L'ensemble du casting est sur scène pour la première fois et il faut maintenant créer cet univers de magasin de jouets, ce qui n'a pas été facile à réaliser. Il se passe beaucoup de choses et sans la collaboration de toute l’équipe de production, le final ne serait pas aussi beau qu’il l’est.

6) Y a-t-il des styles de danse ou des traditions de vacances spécifiques que vous trouvez particulièrement inspirants ou que vous avez incorporés à la chorégraphie pour capturer l'atmosphère des fêtes ?

J'ai grandi en faisant du hip hop, de la danse moderne, contemporaine et du théâtre musical. Je crois avoir incorporé les quatre styles de danse pour vous offrir quelque chose de nouveau à chaque fois qu'un numéro de danse se produit. Une grande partie est pleine d’énergie pour correspondre à l’esprit de Noël. Vous bénéficiez également de ces moments d’amour et de rire.

7) En réfléchissant à votre carrière, y a-t-il des performances ou des productions qui occupent une place particulière dans votre cœur ? Qu’est-ce qui les a distingués des autres ?

J'en ai deux! Ma première année en tant qu'acteur résident dans lequel j'ai joué Lola Kinky Boots et c'était magique de jouer ce rôle de rêve. C’est un rôle sur lequel j’ai travaillé plus dur que jamais. En tant que rêveur, c’est l’un des moments où j’ai pu dire que mon rêve était devenu réalité. Je vis le rêve que je me suis fixé il y a des années. J’ai eu la chance de pouvoir jouer à nouveau ce rôle au Main Street Theatre en Pennsylvanie. C'était tout aussi magique. Ce rôle comptera toujours beaucoup pour moi. Mon deuxième serait Le jeu qui tourne mal. C'était la série la plus amusante à laquelle j'ai jamais participé. J'ai joué le majordome Perkins qui n'avait aucune idée de ce qu'il faisait dans la série. Cela m’a permis d’être libre et d’exprimer vraiment quel type d’acteur je suis. C'était rapide et m'a toujours tenu sur mes gardes. L’amour que Perkins recevait du public signifiait tellement pour moi. Tout ce que je veux faire sur scène, c'est avoir un impact sur le public d'une manière ou d'une autre. Avec beaucoup d’étirements, je pourrais faire ce spectacle pendant longtemps. 

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 6 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger est originaire de Columbia, en Caroline du Sud, mais a déménagé à Brevard, en Caroline du Nord, où il a obtenu un baccalauréat en musique et en théâtre. Il est tellement excité de se produire à nouveau avec Charleston Stage. Il a chorégraphié A Christmas Carol alors qu'il était acteur résident et qu'il est si heureux de chorégraphier à nouveau. Ses crédits récents incluent : Une fois sur cette île (Daniel), Le jeu qui tourne mal (Perkin), Kinky Boots (Lola), Les cinq dernières années (Jamie), Little Shop of Horrors (Audrey II), Into The Woods (Jack), Un tramway nommé désir (Stanley) et plus encore. Il est très reconnaissant envers ses amis et sa famille qui l'ont soutenu au fil des ans. K'nique est tellement excitée de changer des vies en créant de l'art à Charleston Stage ! Restez connectés sur Instagram @nique_tg3

Dans notre interview exclusive, Janine McCabe, notre costumière originale pour A CHRISTMAS CAROL, plonge dans les détails fascinants de son approche artistique la saison dernière pour confectionner les costumes de ce classique intemporel. Nous sommes très heureux que le travail de Janine soit à nouveau un moment fort sur scène dans l'adaptation de cette saison !

1) Pour commencer, pourriez-vous vous présenter et nous parler un peu de votre parcours de costumière, notamment dans le cadre de productions théâtrales ?

Salut. Je m'appelle Janine McCabe et je travaille comme costumière depuis plus de 25 ans. Après avoir envisagé des carrières en ingénierie et en mathématiques, j'ai finalement trouvé ma voie vers le théâtre grâce à un travail de couture dans l'atelier de costumes du College of Charleston. Après avoir terminé mon baccalauréat en théâtre avec une concentration en conception de costumes, j'ai poursuivi mes études à l'Université de Virginie pour obtenir un MFA en conception de costumes, puis j'ai déménagé à New York où j'ai travaillé pour des designers, dont Martin Pakledinaz, qui était un designer et un mentor incroyable. À New York, j'ai pu travailler sur Broadway, Off-Broadway, l'Opéra, la Danse et voyager à travers le pays pour aider à vérifier les costumes lors de la mise en place de nouveaux acteurs dans des rôles lors de tournées nationales comme Millie tout à fait moderne. New York a été une expérience de travail et d'apprentissage incroyable et a définitivement influencé tous les aspects de ma carrière en tant que designer et professeur de création de costumes..

2) Qu'est-ce qui vous a poussé à travailler sur les costumes de A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et aux personnages de cette histoire classique ?

La première chose qui m'a attiré vers le travail pour A CHRISTMAS CAROL a été l'enthousiasme que Julian Wiles a manifesté lorsqu'il m'a demandé de travailler dessus avec lui et l'équipe. Son idée d'apporter de la couleur et de l'énergie et de présenter l'histoire d'une manière que les gens n'avaient jamais vue auparavant m'a séduit. Julian et moi avions déjà travaillé ensemble et il savait que j'aime travailler avec des couleurs vives et sortir des limites de ce qui est attendu. Ayant un jeune fils et une autre famille qui vieillit, je me retrouve plus que jamais attiré par les thèmes de la générosité, de la compassion et du temps passé avec ma famille et mes amis autour du travail et de l'argent. Les luttes auxquelles les personnages sont confrontés dans cette histoire classique existent aujourd'hui, il y a donc beaucoup à apprendre et à se rappeler à tout âge grâce à cette histoire.

3) Chaque personnage de A CHRISTMAS CAROL a une personnalité distincte. Comment avez-vous procédé pour visualiser et créer des costumes qui non seulement capturent l’essence des personnages, mais contribuent également à la narration visuelle globale ?

Mes assistants, Molly Belle et Brandon Alston, et moi avons passé beaucoup de temps à étudier l'histoire et les représentations des personnages au fil du temps. Nous avons examiné différentes interprétations et présentations de l'histoire et parlé des désirs, des besoins, des croyances et des points de vue individuels des personnages sur le monde dans lequel ils se trouvaient. Nous avons rassemblé des images pour refléter d'abord ces idées et leurs personnalités individuelles qui étaient principalement de nature abstraite, puis s'est orienté vers la recherche des vêtements proprement dits. Sachant que sur le plan conceptuel, nous voulions un spectacle plein de couleurs, nous nous sommes beaucoup inspirés des livres et des illustrations pour enfants pour les lignes et les couleurs audacieuses sur lesquelles nous sommes finalement tombés. Tout au long du processus de conception, nous avons continuellement vérifié le développement des idées de décors, d'éclairage et de son pour nous assurer que nous allions tous dans une direction unifiée pour créer les visuels qui soutenaient le concept de mise en scène afin de lui donner vie de la meilleure façon possible. tout en soutenant l'histoire et les personnages.

4) Compte tenu du contexte d'époque de A CHRISTMAS CAROL, comment avez-vous équilibré l'exactitude historique et l'interprétation créative dans la conception des costumes ? Y a-t-il des influences contemporaines qui ont inspiré vos créations ?

En tant que designer, l'une des choses que je trouve stimulantes mais extrêmement amusantes sur le plan conceptuel est d'examiner la recherche historique et de lui insuffler des influences contemporaines pour présenter quelque chose qui semble d'époque mais qui est vu d'une nouvelle manière. Il y avait beaucoup d'influences contemporaines en termes de couleurs et de motifs et la façon dont les gens combinent les choses dans la mode d'aujourd'hui qui, selon vous, ne devraient peut-être pas aller ensemble… même mon fils de 8 ans a eu une influence dans la façon dont il associe les couleurs et mélange et assortit des ensembles de vêtements. des vêtements pour s'exprimer. Grâce à la recherche historique, nous avons découvert de nombreux exemples de vêtements aux couleurs vives, de motifs audacieux et de détails auxquels nous ne nous attendions pas. Nous avons rassemblé et collé des tableaux d'images avec toutes ces influences que nous avons ensuite affichés autour de nous afin que, au fur et à mesure que nous dessinions les designs individuels des personnages, ils continuent à inspirer des idées..

5) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous partager un aperçu de la façon dont vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour vous assurer que les costumes correspondent à la vision globale de la production ?

La collaboration est l’une des principales raisons pour lesquelles j’aime concevoir. J'ai eu la chance d'avoir Molly et Brandon travaillant dans le studio de design avec moi pour préparer ce design pendant plusieurs mois l'été dernier avant le début des travaux dans les magasins. Pendant ce temps, le réalisateur et l'équipe créative se rencontraient via Zoom et parfois en personne pour partager et présenter de nouvelles idées et ces réunions étaient très importantes pour le processus. Entendre quelqu'un d'autre parler du concept ou d'une idée d'éclairage qui inspire ensuite autre chose dans les costumes ou le décor, c'est de cela qu'il s'agit. C'est la partie amusante ! Julian a travaillé en étroite collaboration avec nous pour comprendre le parcours de chaque acteur et exactement ce qui était nécessaire à chaque instant pour réaliser la vision globale. Nous nous sommes tous tenus au courant via des dossiers en ligne afin que, entre les réunions, nous puissions toujours collaborer et rester au courant des nouveaux développements. J'apprécie beaucoup les temps de rencontres et d'échanges d'idées…c'est comme ça qu'on arrive à faire en sorte que tout s'enchaîne quand on arrive aux répétitions techniques où tout est enfin au même endroit sur scène ensemble, des mois et des mois de travail dans différents domaines et puis ça se réunit… c’est beaucoup de travail mais c’est aussi magique.

6) Avez-vous des costumes préférés ou des éléments de conception spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL dont vous êtes particulièrement fier ou qui ont une signification particulière ? Qu’est-ce qui les distingue ?

Oh, c'est difficile… il est difficile de choisir un favori. Je me suis bien amusé avec les fantômes ! Je pense que le Fantôme du Futur se démarque car il ne s'agit pas de la figure noire la plus typique, mais plutôt de couches et de couches de tissus en lambeaux blancs, gris, argentés et bleu glacier reflétant le froid et la tristesse du futur potentiel de Scrooge. J'aime aussi particulièrement les sans-abri… Je suppose que cela peut paraître drôle car vous ne voyez pas beaucoup de leurs costumes, mais si vous le faisiez, vous constateriez qu'ils sont fabriqués à partir de piles de pulls colorés réutilisés et fripés, découpés, vieillis et superposés dans diverses façons de créer beaucoup de texture et d'intérêt. Molly et moi avons passé un bon moment à les créer. Les rayures sur les serviteurs de Scrooge aussi… oh et toute la famille Cratchit… elles étaient si uniques et excitantes à créer avec leurs couches, leurs motifs et leurs couleurs. Hmmm… Je ne sais pas, ce fut un processus gratifiant et extrêmement créatif d'avoir l'opportunité de travailler en étroite collaboration avec mes assistants et de créer une version si colorée et nouvellement imaginée de cette histoire avec Julian et l'équipe créative !

7) Pour l’avenir, y a-t-il des projets à venir ou des styles de conception de costumes que vous souhaiteriez explorer dans votre futur travail ?

Eh bien, je suis actuellement en train de concevoir Die Fledermaus dans le cadre de la saison CofC Stages en collaboration avec le programme d'opéra du College of Charleston et je pense que le concept de cette production permet à l'équipe de beaucoup jouer avec le style et la couleur en particulier pour la soirée de l'Acte II, donc j'attends avec impatience jusqu'où cela mène. Ce qui est bien avec la conception de costumes, c'est que chaque production offre un nouveau défi en matière de narration, des recherches distinctes, des collaborateurs différents et beaucoup de choses à explorer, donc l'excitation continue.

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Janine McCabe est présidente et professeure de conception de costumes au Département de théâtre et de danse du College of Charleston, où elle conçoit et encadre régulièrement les étudiants costumiers pour la saison CofC Stages du département, pour laquelle elle est également directrice artistique. Les conceptions récentes pour les étapes CofC incluent VIOLET et THE MAGIC FLUTE. Le travail de Janine à Charleston Stage comprend des créations pour CURIOUS INCIDENT OF THE DOG IN THE NIGHT-TIME, PETER AND THE STARCATCHER, WHITE CHRISTMAS, THE UNDERPANTS et SHERLOCK HOLMES-THE FINAL ADVENTURE. Elle est également conceptrice résidente pour le théâtre PURE où les créations incluent MLIMA'S TALE, HONORIA QUIETLY DRAWING STRENGTH FROM HER VRUTH, BEN BUTLER, THE ABSOLUTE BRIGHTNESS OF LEONARD PELKEY, THE CHILDREN, THE LIFESPAN OF A FACT, DERNIER RITES, PETITS SONS DE BOUCHE, CECI UN MONDE ALÉATOIRE, UNE MAISON AMUSANTE, LA ROYALE, LE (CURIEUX CAS DE) L'INTELLIGENCE WATSON, UN ÉVÉNEMENT SPONTANÉ SOUDAIN, MARIE-ANTOINETTE, et plus encore. Les crédits régionaux de conception de costumes incluent des productions à Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC et Trustus Theatre SC. Les crédits de conception des costumes de Broadway Assistant incluent : LE CHANTEUR DE MARIAGE, LA VILLE MERVEILLEUSE, MILLIE TOUT À LA MODERNE, LE LOOK DE L'AMOUR, UN AN AVEC LA GRENOUILLE ET LE CRAPAUD, KISS ME KATE. D'autres créations locales incluent SALT IN THE SOIL et HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN et DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), la première mondiale de LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT au Charleston Music Hall et, plus récemment, la première mondiale de DANIEL AND THE KINGS au North Charleston Performing Arts Center.

Nous avons récemment eu le plaisir d'interviewer Sam Henderson, notre directeur musical et directeur de UN CHANT DE NOEL. Lisez la suite ci-dessous pour découvrir un aperçu de son processus créatif tout en réalisant ce classique des fêtes !

1) Qu'est-ce qui vous a attiré vers A CHRISTMAS CAROL en tant que projet, et comment vous connectez-vous aux thèmes de l'histoire à un niveau personnel ou créatif ?

Un CHANT DE NOËL est l’une de mes histoires préférées depuis que mon professeur de CEXNUMX, Mme Eisenhower, nous l’a lu à haute voix avant les vacances. J'ai été captivé par la magie et l'imagerie de la pièce dès le début.

2) La musique joue un rôle crucial en donnant le ton à une production. Pouvez-vous partager les inspirations musicales qui ont guidé votre composition pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous avez abordé leur intégration dans le récit ?

Donner une touche moderne à la musique était certainement un défi. Il était important pour moi que nous gardions l’instrumentation adaptée à la période ; en utilisant uniquement des instruments qui auraient existé/été populaires à l'époque de Dickens (la plupart du temps de toute façon !). J’ai ensuite dû trouver comment utiliser ces instruments d’une manière plus moderne et plus amusante. Des artistes comme Mumford and Sons et Lindsey Stirling et des comédies musicales comme « Once » sont tous entrés en jeu dans la recherche d’inspiration pour cette nouvelle version de ces morceaux. Je voulais aussi un certain contraste avec la réalité de l’époque. Ainsi, par exemple, lorsque nous sommes dans la maison de Fred et que les invités se mettent à chanter pour le divertissement de la soirée, la version que j'ai faite de « I Saw Three Ships » est très proche de l'époque et n'essaie pas d'être quelque chose de classique. pas.

3) Collaborer avec différents esprits créatifs est essentiel. Comment avez-vous travaillé avec le chorégraphe et les autres membres de l’équipe de production pour assurer une expérience cohérente et immersive pour le public ?

Créer cette nouvelle version de A CHRISTMAS CAROL aux côtés du dramaturge Julian Wiles et de la chorégraphe K'nique Eichelberger a été très amusant. Nous avons pu être tous ensemble dans la pièce, essayer des choses et déterminer ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas. Nous pourrions ensuite apporter les ajustements nécessaires à la musique, à la chorégraphie ou au scénario pour que tous ces éléments fonctionnent ensemble pour raconter l'histoire de la meilleure façon possible.

4) En réalisant A CHRISTMAS CAROL, avez-vous des scènes ou des moments préférés qui vous ont marqué ?

Il y a deux scènes que j'aime beaucoup. Le premier est dans « le passé » quand on voit le moment où la relation de Scrooge avec Belle a pris fin. C'est un regard critique sur l'une des raisons pour lesquelles il est devenu ce qu'il est aujourd'hui et il a de très belles écrits. L'autre est dans « le présent » lorsque Scrooge rend visite aux Cratchits la veille de Noël. Nos Cratchits de cette année ont une telle chaleur et une telle joie que vous vous retrouvez vraiment absorbé par cette scène et avez envie de faire partie de la famille !

5) Qu'espérez-vous que le public retienne de votre production de A CHRISTMAS CAROL ?

J'espère que le public pourra voir que les gens sont capables d'aller au-delà des traumatismes et des tragédies de leur passé, et qu'il n'est jamais trop tard pour réorganiser leur façon de penser et corriger les erreurs du passé. Et parfois, c'est la joie qui nous entoure à cette période de l'année qui peut déclencher ce petit changement.

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 1er au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

Sam Henderson est le directeur musical résident de Charleston Stage et le directeur de l'éducation musicale. Il est titulaire d'un baccalauréat en éducation musicale en musique instrumentale/interprétation de trompette de l'université Baylor de Waco, au Texas, ainsi que d'une maîtrise en direction musicale de théâtre musical/d'opéra de l'université d'État de l'Arizona. Sam a plus de 20 ans d'expérience dans l'enseignement professionnel de la musique et travaille comme directeur musical et chef d'orchestre de théâtre depuis 2005. Professionnellement, Sam a travaillé pour la Phoenix Theatre Company, Childsplay, le Broadway Palm West Dinner Theatre, l'Arizona Broadway Theatre et le Lyric Opera. Theatre et Copperstar Repertory Company avant de venir sur la scène de Charleston.

Nous avons eu le plaisir de rencontrer Aline Toloto, l'esprit brillant derrière la conception de nos accessoires pour CLUE : ON STAGE. Une fois de plus, elle a apporté ses compétences exceptionnelles au Dock Street Theatre, et nous vous invitons à découvrir les coulisses de son processus créatif dans la fabrication des accessoires de cette production bruyante.

1) CLUE : ON STAGE présente une variété d'accessoires emblématiques, tels que des armes, des passages secrets et des objets avec lesquels les personnages interagissent. Comment avez-vous prévu de concevoir et de vous procurer ces accessoires pour vous assurer qu’ils sont à la fois fonctionnels et visuellement attrayants ?

Concevoir un accessoire, comme tout autre objet, est toujours une combinaison de beauté et de fonctionnalité. Même si le monde des accessoires de théâtre n’est pas aussi vaste que celui du cinéma, il s’est développé au cours des dernières décennies. Il existe d'excellents livres rédigés par des experts comme Eric Hart (l'un de mes préférés) qui fournissent des conseils sur la création de divers projets. Dans la mesure du possible, j'utilise de telles références. Le véritable défi se pose lorsque vous devez créer des accessoires uniques pour lesquels il n’existe pas beaucoup de références à la recherche. Dans ces cas-là, de nombreux essais et erreurs sont impliqués, et la période de répétition devient vitale pour tester les aspects fonctionnels des accessoires. En fin de compte, l’expérience joue un rôle important dans la fabrication d’accessoires. Plus vous créez, meilleur vous devenez avec chaque projet.

2) INDICE : SUR SCÈNE implique souvent une comédie physique et des échanges rapides d'accessoires. Comment avez-vous créé des accessoires capables de résister aux exigences du spectacle tout en conservant leur authenticité et leur humour ?

J'adore créer des accessoires pour les comédies car ils permettent plus de créativité. Vous pouvez être plus audacieux avec les couleurs, jouer avec les échelles et adopter le bizarre. Par exemple, avoir une clé surdimensionnée peut sembler déplacé dans un drame historique, mais dans CLUE : ON STAGE, cela ne fait qu'ajouter à l'humour. De plus, dans les comédies, si un accessoire se brise, il est beaucoup plus facile de le jouer dans le cadre de l'acte. Il est important de se rappeler qu’un accessoire n’est qu’un objet ; son authenticité et sa vitalité dépendent en grande partie de la manière dont les acteurs et le réalisateur l'utilisent. Mon rôle est de m'assurer qu'ils disposent d'un objet bien conçu avec lequel travailler.

Regardez la bande-annonce du spectacle CLUE : ON STAGE ci-dessous !

3) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous travaillé avec le metteur en scène, le scénographe, le costumier et l’éclairagiste pour garantir que les accessoires s’intègrent parfaitement dans la vision globale de la production ?

Ce spectacle est comme une grande toile, peinte par de nombreux artistes, et les accessoires sont un élément qui peut ajouter de la profondeur, du contraste ou servir de point focal si tel est l'objectif. En tant que superviseur des propriétés, je participe à toutes les réunions de conception pour comprendre le concept de conception et m'assurer que les accessoires font partie intégrante du monde de la production. Il y a beaucoup de communication entre les différents magasins, notamment en partageant des échantillons de couleurs et de tissus et en effectuant des tests d'éclairage pour s'assurer que tout le monde est aligné. Dès le début du processus, l’équipe créative a décidé de s’inspirer du jeu de société CLUE pour le design. Sur la base de ce choix, j'ai proposé de fabriquer toutes les armes en or, une décision de conception théâtrale qui non seulement faisait ressortir les armes, mais créait également un contraste saisissant avec les costumes et le décor.

4) Quelles recherches et préparation entreprenez-vous généralement lorsque vous concevez et recherchez des accessoires pour une production comme CLUE : ON STAGE ? Comment vous êtes-vous assuré que les accessoires sont historiquement précis et adaptés à la période et aux personnages ?

C'est une partie essentielle de mon processus de recherche sur la période historique avant de commencer à travailler sur les accessoires. Étant donné que la pièce se déroule dans les années 1950, il est relativement facile de trouver des images historiques précises d'objets, contrairement à une pièce qui se déroule dans les années 1800. Cependant, une précision stricte n’est pas toujours une exigence. Parfois, j’utilise une photo historique comme source d’inspiration pour créer quelque chose de similaire. Le public a tendance à associer la silhouette de l’objet à quelque chose de « vintage », du passé, et la plupart du temps, cela suffit. En tant qu'artiste de théâtre, il est important de reconnaître que les détails rapprochés ne sont pas aussi cruciaux puisque le public est généralement assis à distance.  

5) En tant que concepteur d'accessoires, comment vous assurez-vous que les accessoires peuvent être utilisés en toute sécurité par les acteurs pendant les représentations, en particulier lorsqu'ils impliquent une comédie physique ou des changements rapides ?

Certaines consignes de sécurité font partie intégrante de notre protocole, comme s'assurer que les couteaux sont émoussés, que les armes à feu sont des répliques qui ne tirent pas et éviter autant que possible l'utilisation de verre sur scène. Le choix des matériaux est également crucial pour créer des accessoires sûrs. Par exemple, opter pour des matériaux souples comme la mousse ou le caoutchouc pour les couteaux et les épées peut améliorer considérablement la sécurité lors des représentations.

6) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit la conception de vos propriétés ?

Ce qui m'enthousiasme le plus lorsque notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit mes propriétés conçues, c'est l'opportunité de les transporter dans un monde de mystère, de comédie et de nostalgie ! J'espère que nous pourrons avoir beaucoup de rires ! 

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 2 au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Originaire du Brésil, Aline est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts en théâtre et technologie avec spécialisation en conception scénique de l'Université du sud du Mississippi. Forte d'une vaste expérience en tant que accessoiriste, scénographe et décoratrice de décors, les faits saillants de la carrière d'Aline incluent son rôle de superviseure des propriétés pour la 45e saison de Charleston Stage, supervisant huit spectacles captivants, dont La Famille Addams, Un chant de Noël, et Une fois sur cette île. Elle est ravie de continuer à travailler dans l'entreprise l'année prochaine.

Nous avons récemment eu le plaisir d'interviewer Colin Waters, qui a entamé ses débuts en tant que réalisateur sur MainStage avec CLUE : ON STAGE. Lisez la suite ci-dessous pour découvrir un aperçu de son processus créatif tout en dirigeant ce jeu de meurtre et de mystère bruyant !

1) INDICE : ON STAGE est connu pour son mélange de mystère, de comédie et de farce. Qu'est-ce qui vous a attiré vers cette pièce en particulier et quels aspects du scénario avez-vous trouvé les plus excitants ou les plus stimulants en tant que réalisateur ?

INDICE : ON STAGE a toujours occupé une place si spéciale dans ma vie. Le jeu de société et le film ont été des incontournables de mon enfance et m’ont laissé des souvenirs assez formateurs. À la seconde où j’ai entendu dire que Charleston Stage produirait CLUE : ON STAGE cette saison, je me disputais l’opportunité de le réaliser. Je savais que ce spectacle serait une bête de spectacle à aborder. Avec un spectacle qui est entouré d’une telle culture, de nombreuses références et attentes l’accompagnent. Même si c’est un défi incroyablement excitant à relever, c’était aussi un peu intimidant. Je savais que je devais aborder ma direction de manière très méticuleuse. Le texte de cette série suit de très près le scénario du film avec d'innombrables lignes emblématiques parsemées textuellement dans la série du film. En tant que réalisateur, j'ai dû éviter de rendre hommage au film culte, tout en adoptant ma propre approche de la série. Pour contribuer à transformer notre production en quelque chose de nostalgique mais aussi original en soi, je voulais que le public ressente les influences du film et du jeu de société. Je voulais recréer la sensation d'être assis autour d'une table en train de jouer au jeu « Indice » avec vos proches : la compétition, la stratégie, le mystère.

S'éloignant des défis conceptuels à relever, le plus grand défi physique à relever est la rapidité avec laquelle ce spectacle se déroule. Non seulement le rythme de ce spectacle est essentiel à son succès, mais le public reçoit tellement d'informations tout au long de la nuit qui permettront de résoudre le mystère d'ici la fin de la pièce. Nous avons dû trouver un équilibre pour maintenir le rythme tout en ne sacrifiant pas toutes les informations qui nous étaient présentées. Ajoutez à cela le fait que cette pièce se déroule dans un manoir avec plus de 8 lieux distincts, parfois dans plusieurs pièces en même temps, et vous avez un ensemble de défis de mise en scène qui vous attendent. Cela étant dit, je réalise avec un style très innovant et axé sur l’ensemble. J'ai utilisé ce style de mise en scène pour maintenir le spectacle en mouvement, sans jamais permettre au public de s'éloigner une seconde du monde que nous créons sous ses yeux.

2) INDICE : ON STAGE présente un ensemble diversifié de personnages, chacun avec des personnalités et des bizarreries distinctes. Comment avez-vous travaillé avec les acteurs pour faire ressortir l’individualité de chaque personnage tout en décrivant les moments emblématiques que les fidèles passionnés de cinéma et de jeux de société adorent ?

C’est l’une des toutes premières choses dont j’ai discuté avec les acteurs. J'ai commencé ce processus avec une question. Comment pouvons-nous, en tant qu'interprètes, honorer les personnages incroyablement reconnaissables et uniques rendus célèbres par le film, tout en apportant notre propre talent artistique sur scène ? Puisque cette série est entièrement consacrée aux jeux auxquels nous jouons, j'ai encouragé les acteurs à explorer la façon dont leur personnage joue « le jeu ». Pour conserver leur longévité dans l’histoire, utilisent-ils le flirt comme tactique, minimisent-ils leur niveau de menace face à des personnages plus explosifs, exagèrent-ils trop leur personnalité pour attirer les autres ? Une fois que chaque acteur a découvert son gameplay, j'ai introduit le concept selon lequel cette série est très méta. Le spectacle suit un jeu, dans un jeu, dans un jeu, dans un jeu. À la base, nous avons 6 personnalités extrêmement diverses : Vert, Scarlett, Prune, Moutarde, Blanc et Paon. Ce sont les personnages qui connaissent le moins le jeu auquel ils jouent. Leur objectif est de découvrir qui les fait chanter et éventuellement qui commet les meurtres dans la maison. Puisqu’ils sont au centre de cet univers, ils ont les personnalités les plus amplifiées. La couche suivante en dehors de ces personnages est constituée de tous les personnages qui avaient une connaissance préalable du jeu qui se jouait ce soir-là : Wadsworth, Yvette, M. Boddy, The Cook, etc. Ces personnages étaient impliqués d'une manière ou d'une autre dans les festivités de cette soirée, qu'ils aient planifié la soirée, aidé à exécuter la vision ou qu'ils fussent simplement l'un des informateurs donnant des conseils au maître chanteur. Leurs personnages sont plus sobres que le noyau 6, mais ils ont toujours leurs propres caractéristiques exagérées et une vision claire de leur style de « gameplay ». Enfin, notre ensemble représente notre public, celui qui joue au jeu de « Clue ». Ce sont eux qui ont les personnalités les moins intenses car ils sont les plus éloignés des enjeux du jeu. Au lieu de cela, ils sont à l’extérieur et regardent à l’intérieur. Ils voient ce que les autres personnages ne remarquent pas.

Regardez la bande-annonce du spectacle CLUE : ON STAGE ci-dessous !

3) La pièce se déroule généralement dans un manoir avec plusieurs pièces et des secrets cachés. Quelle était votre vision pour donner vie au manoir sur scène, et comment avez-vous créé une impression d’espace et d’atmosphère qui améliore la narration ?

Comme je l’ai mentionné plus tôt, c’était l’un des plus grands défis physiques que présente ce spectacle. Comment réussir à se déplacer dans 8 pièces différentes d’une maison, en donnant à chaque pièce ses propres caractéristiques distinctives, sans que la scène entière ne semble encombrée ? Après de nombreuses séances de brainstorming créatif avec Adam, le scénographe, nous sommes tombés sur un concept qui établissait les subtilités du manoir tout en permettant la liberté de se déplacer d'une pièce à l'autre. Je savais que je voulais incorporer une représentation physique du jeu de société quelque part sur le plateau, et Adam a conceptualisé l'idée que le décor était rempli de portes menant à différentes pièces de la maison. Lorsque nous entrons dans une pièce, les portes se déplacent dans tout l’espace, nous ouvrant sur la pièce. Dans le même temps, il a donné vie à la vision du jeu de société en permettant au public de voir à tout moment le plan de la maison, indiquant où se trouvent nos personnages dans le jeu de société.

4) INDICE : SUR SCÈNE implique souvent une comédie physique, des entrées et des sorties rapides et des moments d'humour burlesque. Comment avez-vous chorégraphié et mis en scène ces éléments comiques pour maximiser leur impact comique ?

Je savais que pour capter pleinement le rythme de ce spectacle, il fallait que le blocage et la chorégraphie s'élèvent au même niveau. Ce spectacle est criblé d'un scénario complexe, je voulais que le mouvement de ce spectacle reflète cette complexité tout en restant contrôlé et beau. Le public peut s’attendre à des transitions qui se déroulent d’une pièce à l’autre. Au fur et à mesure que les personnages se déplacent dans la maison, nous obtenons une perspective intérieure sur ce qu’ils pourraient penser. La série s'appuie profondément sur la comédie physique et l'élément de surprise, je veux dire que plusieurs meurtres sont révélés au cours de la série. Eliza Knode, actrice résidente, a relevé le défi de réaliser ce spectacle en combattant. Son expertise a élevé le côté physique de ce spectacle à une autre dimension dont je n'aurais pu que rêver.  

5) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous travaillé avec le scénographe, le costumier et l’éclairagiste pour vous assurer que la vision globale de la production était cohérente ?

Je ne saurais trop chanter les louanges de notre équipe de production. Tous ceux qui ont travaillé sur cette série y ont mis tout leur cœur et cela se voit absolument. Chaque concepteur a incorporé différents éléments inspirés de la pièce elle-même, du film et du jeu de société. Une grande partie du succès de ce spectacle réside dans la façon dont chaque élément de conception fonctionne harmonieusement les uns avec les autres. Chaque design peut être autonome mais améliore également les autres designs qui l'entourent. Notre conception scénique, présentée par Adam Jehle, nous plonge dans un manoir de style victorien avec une représentation physique du jeu de société placardée sur notre mur du fond. Cette carte du jeu de société fait également office de carte de la maison, aidant souvent à indiquer où se déroule exactement chaque scène dans la maison. Notre costumière, Hayley O'Brien, a mis en valeur les silhouettes des vêtements des années 50, tout en mélangeant les couleurs emblématiques des pièces de jeu originales dans la conception de ses costumes. Aline Toloto, notre conceptrice des propriétés, a incorporé de nombreux accessoires historiquement précis pour aider à construire le monde du spectacle ; cependant, elle est également entrée dans la théâtralité du jeu de société et a fait un clin d’œil à certaines des pièces classiques du jeu de société. La conception d'éclairage de Caleb Garner est tout simplement superbe. Il a utilisé l'éclairage pour souligner le caractère théâtral du film et l'a juxtaposé à un éclairage d'ambiance pour aider à se glisser dans l'air du mystère. Enfin, Luke Walchuk, notre sound designer, a composé une musique originale à la fois grandiose et nuancée. Chaque élément de conception sert de personnage supplémentaire travaillant au sein de l'ensemble de ce spectacle. Tout notre incroyable personnel dans les magasins de costumes et de scènes a contribué à donner vie à ces magnifiques créations et je ne pourrais pas être plus fier et plus impressionné par le résultat.

6) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE ?

Je suis ravi d’avoir un conglomérat différent de publics. Certains publics seront des fans inconditionnels du film CLUE. Ceux qui connaissent chaque réplique de la série et la pertinence culturelle qu'elle continue de laisser sur la société. Certains membres du public seront des superfans de jeux de société. Il peut s’agir de stratèges, de joueurs, de personnes qui aiment le plaisir d’essayer de résoudre le mystère avant tout le monde. Certains spectateurs seront des passionnés de théâtre. Des personnes qui n'ont peut-être aucun lien préalable avec le film ou le jeu de société, mais qui sont attirées par ce spectacle uniquement par leur amour du théâtre. En tant que personne partageant un peu ces trois personnalités du public, je voulais m'assurer que tout le monde quitterait cette production en parlant de son amour spécifique pour cette série. Je pense que ce spectacle signifiera quelque chose de différent pour chaque membre du public qui le verra, et j'ai absolument hâte d'être entouré de centaines d'autres personnes chaque soir pendant que nous vivons ce spectacle ensemble.

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 27 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Colin Waters est ravi de faire ses débuts en tant que réalisateur sur Mainstage avec Charleston Stage. Originaire du nord du Kentucky, Colin a obtenu son BFA en théâtre et une double mineure en théâtre musical et en administration des arts de la Western Kentucky University. Indice : sur scène marque la 25e production de Colin avec Charleston Stage, acteur et réalisateur. Les précédents crédits de mise en scène de Colin sur Charleston Stage incluent : Charlotte's Web (Saison 45), Bright Star (Directeur adjoint), Treasure Island (Saison 45), The Best Christmas Pageant jamais (Saison 42). Certains des crédits d'acteur préférés de Colin sur Charleston Stage incluent : La famille Addams (Oncle Fester), Le jeu qui tourne mal (Robert/Thomas Colleymore), Of Mice and Men (Lennie), Footloose (Willard), Bright Star (Maire Josiah Dobbs), La Belle et la Bête (Le Fou), Le curieux incident du chien dans la nuit (Voix 4), Madness cisaillement (Miky) et Elfe (Le père Noël). Colin a récemment été nommé meilleur acteur aux Best of Charleston City Paper Awards 2023. Vous pouvez retrouver Colin sur Instagram : @thepapacolin