Dai primi quarantacinque anni di charleston stage
ricordi personali del fondatore julian astuzie
Charleston Stage ha prodotto 320 spettacoli nelle nostre prime 45 stagioni. Ci sono così tanti spettacoli incredibili e momenti fantasiosi che sono memorabili nella storia della nostra azienda. È stato difficile includerne solo alcuni in questa retrospettiva. Molti spettacoli non menzionati qui sono ricordati con affetto dai nostri artisti e mecenati. Ma i seguenti spettacoli selezionati hanno fatto la differenza in qualche modo nell'evoluzione del Charleston Stage, sono stati particolarmente fantasiosi e importanti per noi artisti, o sono stati pietre miliari speciali nei quarantacinque anni di storia del Charleston Stage.
Il cast della nostra prima produzione di Un canto natalizio (1978).
A Christmas Carol (1978)
Il primo vero spettacolo del Charleston Stage.
Abbiamo aperto il nostro primo spettacolo nel dicembre del 1978 con un adattamento del classico di Charles Dickens Un canto natalizio dalla Minneapolis Children's Theatre Company. La famiglia e gli amici hanno contribuito a realizzare i primi costumi, inclusa mia futura moglie, Jenny. Se ricordo bene, stavano cucendo fino alla prova finale. Avevamo un set minimale di una scena di strada londinese rappresentata solo da alcuni segnali stradali e la maggior parte dei mobili, dei letti e dei tavoli provenivano effettivamente dal mio appartamento! La musica, accompagnata da un unico pianoforte, è stata messa insieme dal compianto Ben Hutto, un istruttore di coro a Porter Gaud che sarebbe poi diventato il direttore musicale della National Cathedral di Washington. Grazie a Ben, abbiamo avuto dei canti gloriosi.
Gli spiriti erano interpretati dai bambini, una scelta di casting piuttosto strana, ma avevo avviato la compagnia come teatro per giovani (eravamo allora conosciuti come la Young Charleston Theatre Company, modellata in qualche modo sullo Young Vic di Londra). Ricordo che "Christmas Past" era interpretato da un ragazzino nascosto nel baldacchino del letto di Scrooge che si lasciò cadere per spaventare il povero vecchio Ebenezer! Pochi giorni prima dell'inizio dello spettacolo, mia mamma, mio papà e alcuni amici di famiglia, Doraine e Luther Wannamaker, sono arrivati dalla fattoria dove ero cresciuto con un enorme camion di verdure. Doraine e mia mamma hanno modellato oltre 30 ghirlande vive che pendevano dalle applique del teatro, e mio padre e Luther hanno aiutato a costruire due alberi vivi di 12 piedi nell'atrio. Sono stato in grado di attirare il leggendario Bill Bender, allora sui 70 anni e forse il più noto attore della comunità di Charleston, a interpretare Scrooge.
Mentre abbiamo prodotto oltre 20 produzioni di Un canto natalizio nel corso degli anni, ciascuno crescendo sempre più elaborato con gli spiriti che volavano nell'aria e ora un'orchestra dal vivo, quella prima produzione aveva la sua magia. E quando alla fine dello spettacolo è caduta la neve, è stato (come è sempre) un momento magico: Paperone era rinato e una nuova compagnia teatrale aveva preso il volo.
Jerry Lee Rhodan nei panni di Foxxy Fox ed Evie McGee (poi moglie di Steven Colbert) nei panni di Ramblin Rabbit in Carolini Antics (1979). Rosa Lampin nel ruolo del coniglietto di campagna Il coniglio di campagna (1982).
CAROLINIANTICA (1979) E IL CONIGLIO DI PAESE (1982)
Questi due adattamenti hanno dato inizio alla lunga tradizione di Charleston Stage di produrre opere che celebrano il ricco patrimonio del South Carolina Lowcountry.
ho basato Carolini Antics (che nessuno poteva pronunciare) su racconti popolari e canzoni afroamericane diffuse in tutta la Carolina del Sud. Molti di questi racconti popolari di Gullah furono raccolti con il progetto dello scrittore WPA degli anni '1930 e le canzoni furono raccolte dal Freedman's Bureau sull'isola di Sant'Elena durante il periodo della ricostruzione. Mia moglie, Jenny, aveva imparato una serie di giochi afroamericani di Sea Island, che usava nella sua classe della scuola materna. Nella hall del Garden Theatre di King Street, dove si è svolta questa produzione, Jenny ha organizzato dimostrazioni di fabbricazione di cesti di erba dolce e tessitura di reti per gamberetti da parte di artigiani professionisti locali e il lavoro in ferro di Philips Simmons. Carolini Antics fu poi rinominato Sotto la luna di Sweetgrass e prodotto nel 2003 e nel 2017.
mi sono adattato Il coniglio di campagna dal libro per bambini che DuBose Heyward ha scritto per sua figlia, Jennifer. Il coniglietto di campagna e le scarpette d'oro è stato pubblicato nel 1939 e presentava l'opera d'arte di Marjorie Wise Brown, meglio conosciuta per le illustrazioni classiche in Buonanotte LUNA. I disegni originali per il libro di Heyward e Brown sono conservati al Gibbes Museum of Art. Lo spettacolo comprendeva anche spirituali tradizionali di Lowcountry e la bellissima soprano Rosa Lampkin nel ruolo principale.
Will Applegate e Bill Bender nella produzione del 1981. Anche Bill Bender era nella produzione originale del 1979 mentre Colin Somers interpretava il personaggio del ragazzo nella produzione originale.
il ragazzo che ha rubato le stelle (1981)
La mia prima opera originale.
Su cui ho lavorato il ragazzo che ha rubato le stelle quando avevo poco più di 20 anni. È nato da un'ossessione infantile per l'astronomia: sono cresciuto nell'era spaziale. La commedia si è poi evoluta in una storia su un ragazzo e il suo amato nonno che si ritira improvvisamente perché, come apprendiamo in seguito, il nonno sta morendo. La commedia ruota attorno a una leggenda che il nonno racconta a suo nipote che se tu potessi rubare le stelle e portarle sulla terra, non ci sarebbero malattie o morte. Quindi, con l'amore genuino che i bambini tendono a mostrare, il ragazzo si propone di rubare le stelle. Lungo la strada, combatte "Draco the Dragon" (è una costellazione, se te lo stai chiedendo).
È una storia ingenua e fantastica, e all'epoca mi chiedevo se il pubblico si sarebbe dedicato a una storia per bambini sulla morte. A quel tempo, la maggior parte del teatro per giovani era sulla falsariga delle fiabe, quindi lo spettacolo era piuttosto avanzato per la sua epoca. Aveva proiezioni (usando proiettori di diapositive, ricordi quelli?) e un'abbagliante partitura di percussioni di David Maves del College of Charleston, completa di timpani, xilofoni e persino gong. Ho avuto un grande cast: i settantenni Bill e Lenore Bender e i 10 anni Colin Somers e Jenny Presti.
Ma ero ancora preoccupato per come sarebbe stata accolta una commedia su un ragazzino che perde suo nonno. Ovviamente, nonostante il tema, lo spettacolo non doveva essere deprimente, e speravo che fosse pieno di sufficiente pathos e umorismo per il pubblico. Ricordo che stavo nel retro della casa, camminando dietro l'ultima fila, chiedendomi cosa sarebbe successo. Poi ci fu una risata, forse due, e poi ancora qualche altra, e la risata fu contagiosa. Quella magia del teatro dal vivo ha preso il sopravvento e ha incantato il pubblico. Alla fine dello spettacolo è arrivato uno di quei momenti per i quali i drammaturghi vivono: il silenzio. Il personaggio centrale, "Nicholas", aveva appena concluso le sue battute finali:
Penso di vedere mio nonno in me a volte
Nel modo in cui parlo o giro la testa
E a volte penso di vedere tutti quelli che ho conosciuto
Camminando nella mia ombra.
Le luci si sono spente, il sipario è calato e ho pensato che il silenzio sarebbe durato per sempre, ma potevano essere solo pochi istanti. E poi ci sono stati applausi, applausi fragorosi. Mi sono reso conto per la prima volta nella mia vita che qualcosa che significava così tanto per me poteva significare così tanto anche per gli altri. Ne sono rimasto affascinato e in molti modi ho trascorso la mia carriera di scrittore cercando di riconquistare quel momento meraviglioso.
Non tutto però era perfetto. Tra una scena e l'altra appariva un personaggio poeta; un ragazzino cresciuto riflettendo sulle cose anni dopo attraverso poesie che aveva scritto. Con ogni apparizione sembrava fermare lo spettacolo morto. È stato interpretato da Thomas Gibson che è diventato famoso in film e TV (Dharma e Greg, Chicago Hope, Criminal Minds). I revisori odiavano questo personaggio e dicevano che non era necessario (avevano ragione). Un critico ha definito il personaggio di Thomas un "idiota che sputa poesie", quindi abbiamo fatto realizzare una maglietta per Thomas con quella citazione sopra. Fortunatamente, il mio errore di drammaturgo esordiente non sembrava rovinare la carriera di Thomas. Più tardi, quando ho rianimato lo spettacolo e lo spettacolo è stato pubblicato, ho saggiamente abbandonato questo personaggio.
La produzione originale, prodotta al primo Festival del Piccolo Spoleto nel 1979, era un tutto esaurito con uno spettacolo extra che doveva essere aggiunto. Il momento migliore per me è stato quando sono uscito dal teatro dietro Dottie D'Anna e la sua compagna Kitt Lyons. Dottie ed io ci eravamo scontrati l'anno prima, quando entrambi lavoravamo per i Footlight Players. Lei era la regista professionista veterana mentre io ero la ragazzina sfacciata e arrogante, così spesso non ci vedevamo faccia a faccia. Avevo lasciato i Footlight Players solo un anno prima per iniziare The Giovane compagnia teatrale di Charleston. Mentre Dottie e Kitt stavano lasciando il teatro, Dottie mi ha notato dietro di lei e si è girata per dire: "È stato meraviglioso, commovente, dovresti esserne molto orgoglioso". E io ero. Sono ancora.
Il cast della produzione originale del 1979 di Cogli la strada! in cima al garage di George Street. Produzioni successive sono apparse in cima ai garage di Cumberland e Concord Street.
Cogli la strada! (1979, 1982, 1983 tour in Inghilterra e 1994)
Dalla cima di un parcheggio di Charleston alle strade di Londra.
La produzione originale di Cogli la strada è stato il finale della nostra prima stagione (1979) ed è stato un musical celebrativo e creativo. È stato prodotto in cima al George Street Parking Garage. In molti modi, ci ha messo sulla mappa della scena artistica di Charleston con la sua ambientazione fantasiosa e una gigantesca rampa da skateboard half pipe che è apparsa nel finale. Questo è stato anni prima degli X-game o degli skate park, e il nostro set di rampe per skateboard è stato probabilmente uno dei primi mai creati a Charleston! Lo spettacolo prevedeva una colonna sonora originale dell'allora 17enne Thomas Cabaniss che sarebbe andato a Yale e sarebbe diventato un importante compositore ed educatore musicale lavorando con il Lincoln Center e le orchestre di New York e Philadelphia. Oggi insegna alla Juilliard School.
Lo spettacolo racconta la storia di un quartiere in cui le persone non vanno molto d'accordo: vecchi infastiditi dai giovani skateboarder e un quartiere un po' segregato in cui le persone non si conoscono. Quando viene pianificato un progetto di autostrada per distruggere il loro quartiere, i disparati vicini si uniscono per "afferrare la strada", dimostrando insieme per preservare le loro case.
Abbiamo rianimato lo spettacolo con grande successo nel 1982 e tra il nostro pubblico una sera c'era un attore inglese, Charles Lewsen, in città per esibirsi in uno spettacolo di Spoleto al Dock Street Theatre. È rimasto sbalordito dal nostro musical e ha chiesto se avremmo preso in considerazione l'idea di un tour in Gran Bretagna. Pensava che sarebbe stato un grande successo, soprattutto considerando che a quel tempo gli spettacoli per giovani erano di gran moda dall'altra parte dello stagno. L'idea di un tour sembrava inverosimile e, francamente, me ne sono dimenticata. Mesi dopo, Charles chiamò da Londra (una cosa davvero importante a quei tempi) e disse di aver parlato con la British Youth Theatre Association che aveva accettato di organizzare il nostro trasporto via terra e l'alloggio mentre andavamo in tournée nei teatri giovanili in Inghilterra, se potessimo raccogliere i soldi per sorvolare. Sfortunatamente, una volta sommati i costi, il solo trasporto è stato di ben $ 60,000. Tuttavia sono intervenuti alcuni genitori, in particolare Flori Fair, la cui figlia Bernie era nello show, e abbiamo organizzato mesi di vendite di dolci, barrette di cioccolato e simili. Seguì una raccolta fondi di successo e presto iniziammo ad avvicinarci alle spese di viaggio.
Abbiamo annunciato i nostri piani per rimontare lo spettacolo al prossimo Festival del Piccolo Spoleto per raccogliere i fondi rimanenti. Questa volta, lo spettacolo è stato allestito in cima al Cumberland Street Parking Garage recentemente completato. Lo spettacolo si è aperto con ottime recensioni e un pubblico gremito. Nelle produzioni precedenti, eravamo stati fortunati e non avevamo dovuto cancellare una sola esibizione a causa della pioggia, ma questa volta non siamo stati così fortunati. Un enorme temporale è sceso su Charleston con venti brutali, così brutali che hanno distrutto tutto il nostro scenario in cima al parcheggio! Tuttavia, ci è capitato di avere un set duplicato e più piccolo progettato per andare in Inghilterra con noi, quindi abbiamo spostato le nostre esibizioni finali nell'allora non restaurato Memminger Auditorium dove era ospitato.
Poi siamo partiti per Atlanta con una dozzina di attori adolescenti, membri della troupe e una gigantesca rampa per skateboard che era stata smontata e imballata in tre enormi casse di legno. Avevamo verificato con Delta le dimensioni delle casse, ma quando siamo arrivati ad Atlanta abbiamo scoperto che erano troppo grandi per entrare nelle porte dell'aereo. Fortunatamente questo avveniva prima dell'era della TSA e di una maggiore sicurezza, quindi il pilota ci ha permesso di prendere gli strumenti che avevamo portato con noi per rimontare il set e smontare le casse per alimentare pezzo per pezzo la rampa da skateboard smontata nella pancia del 707!
Siamo arrivati a Londra con un cast di 30 ragazzi, adulti, ballerini, skateboarder e una band dal vivo di cinque musicisti. La nostra prima esibizione è stata in una scuola dell'East End di Londra, seguita da vari spettacoli in teatri e comunità giovanili da Reading a York, per chiudere con il nostro ultimo sipario in un elegante collegio in Galles. Lo show televisivo americano "Fame" era appena diventato un successo in Inghilterra e molti ragazzi britannici erano convinti che fossimo di quello show. Non ci importava, e sono rimasto sbalordito nel vedere che uno spettacolo sui vicini che si uniscono a Charleston, nella Carolina del Sud, ha avuto un appeal internazionale. Il pubblico ha adorato i nostri giovani artisti.
Ironia della sorte, mi era venuta l'idea per questo spettacolo diversi anni prima, quando ero uno studente universitario a Londra con lo zaino in spalla. Il National Theatre britannico aveva appena aperto sulle rive del Tamigi e sotto c'era un enorme parcheggio (quello che gli inglesi chiamano "parcheggio"). Quando sono andato a vedere uno spettacolo lì, ho trovato decine di bambini che pattinavano su e giù per le rampe del garage: l'idea per Cogli la strada sono nato. Quindi, riportarlo in Gran Bretagna ha portato lo spettacolo al punto di partenza. Anche se questo è stato l'unico tour internazionale di Charleston Stage, abbiamo vissuto un'avventura davvero fantastica.
Bob Nicolai, Alison Kennedy, Julie Mathis e Clay Young: il primo A-Team, il nostro programma Tech Theatre Apprentice per adolescenti, ora noto come TheatreWings.
la squadra (1986)
L'inizio del programma per apprendisti della scuola superiore TheatreWings di Charleston Stage.
Mentre i volontari, compresi gli adolescenti, hanno preso parte alla costruzione di molte delle scenografie e dei costumi di Charleston Stage nei primi giorni, nel 1986 abbiamo avviato una compagnia formale di apprendisti adolescenti che si è concentrata sulla costruzione di scenografie. Bob, Alison, Julie e Clay furono i primi membri. Si incontravano ogni martedì pomeriggio con me all'allora fatiscente Memminger Auditorium e per tre ore alla settimana costruivamo lo scenario, in effetti, quasi tutto lo scenario per quella stagione. Nel tempo l'A-Team ha continuato ad evolversi e crescere. Per due estati abbiamo tenuto un campo di addestramento estivo gratuito di 3 settimane guidato dal mio amico Larry Deckel, allora coordinatore degli apprendisti del college e regista all'Actors Theatre di Louisville. Man mano che il programma è cresciuto fino a includere corsi di perfezionamento su scenografie, costumi, suono, luci e gestione del palcoscenico, lo abbiamo ribattezzato il nostro programma TheatreWings High School Appretice. Oggi conta quasi cinquanta membri che continuano a costruire scenografie, oggetti di scena, costumi e a lavorare nel backstage delle troupe in esecuzione dei nostri spettacoli, mentre imparano i dettagli di tutto ciò che non si vede sul palco che serve per fare uno spettacolo .
Il compositore premio Oscar John Williams.
fanfara per bambini di dieci anni (1988)
Leggendario Star Wars il compositore John Williams ha scritto una fanfara per l'apertura della nostra decima stagione.
Per festeggiare il nostro 10th anniversario, per un capriccio ho scritto una lettera al compositore John Williams, famoso per il suo Guerre stellari, Jurassic Park e temi delle Olimpiadi, chiedendogli se avrebbe scritto una fanfara per aprire la nostra stagione. Sorprendentemente, ho ricevuto una chiamata dal suo assistente dicendo che amava l'idea e che ci avrebbe lavorato per noi. Il piano era per lui di venire a Charleston e condurre, ma Williams si ammalò gravemente quell'anno e dovette posticipare anche i suoi 100 anni.th tour dell'anniversario per i Boston Pops, di cui era il direttore musicale. Anche la Fanfara è stata ritardata, ma alla fine di quel 10th La stagione dell'anniversario alla Charleston Symphony è stata raggiunta da un coro di campane della chiesa locale per suonare la prima sul palco. Sfortunatamente il signor Williams stesso non ha potuto partecipare, ma è stato comunque un evento speciale e abbiamo avuto il privilegio di utilizzare la Fanfare per le nostre retrospettive video e altre occasioni speciali.
Jeff Johnson nel ruolo di Peter Pan nel nostro Peter Pan opera originale (1989).
l'originale Peter Pan (1989)
I volontari inviano un acclamato classico in ascesa.
Un punto culminante del nostro 11th stagione è stata una produzione importante della nostra versione originale di Peter Pan. Questo spettacolo comprendeva Flying by Foy (la prima volta che abbiamo usato il volo sul palco), un cast enorme e cinque set (inclusa una nave pirata a grandezza naturale). I Foys erano responsabili del volo nella produzione originale di Broadway di Peter Pan con Mary Martin, che avevo visto più e più volte in TV quando ero bambino. Questo spettacolo è stato un'impresa enorme creata da una troupe di costumi e set per lo più volontari insieme ai nostri apprendisti delle scuole superiori dell'A-Team. Mentre apprezziamo ancora i contributi dei volontari per integrare il nostro staff di 37 professionisti a tempo pieno, nei primi giorni dell'azienda erano quasi tutti i volontari a creare il lavoro straordinario.
L'uragano Hugo ha colpito Charleston sul muro della batteria alta di East Bay Street (1990).
I monologhi di Hugo (1990)
Nel settembre del 1989, Charleston è stata colpita dall'uragano Hugo, un uragano di quasi categoria cinque. L'elettricità è rimasta fuori per oltre 3 settimane, le scuole sono state chiuse per un mese e la città era sotto coprifuoco. Quando sono tornato a casa a casa mia a Mt. Pleasant, con 12 alberi abbattuti e 3 sul tetto, ho dovuto fare un'escursione nel mio quartiere perché le strade erano chiuse da alberi abbattuti. La farsa Scapino era in prova, e fortunatamente il set era finito e stava aspettando nel nostro negozio di scenografie che, insieme al Dock Street Theatre, è uscito illeso dalla tempesta. Ma eravamo determinati che lo spettacolo dovesse continuare; l'apertura per Scapino mancavano 2 settimane. La sfida più grande è stata trovare il cast che era stato sparpagliato in 5 stati in un'era senza telefoni cellulari. Ci è voluto del tempo per rintracciare tutti ma, alla fine, il cast è tornato in città. Senza elettricità e con il coprifuoco in atto, abbiamo dovuto provare durante il giorno e aprire la porta di carico del negozio di scena per la luce. Scapino è stato aperto in tempo ora classificato come "sollievo comico" e le esibizioni sono state offerte su base paga-quanto-puoi e il pubblico l'ha adorato.
Ma lo show di Hugo che ricordo era un altro. A quel tempo, ho tenuto una master class per i nostri apprendisti TheatreWings in età liceale. Quando siamo tornati dalla tempesta, riuniti per la prima volta, ho dato loro l'incarico di scrivere ed eseguire un monologo sulle loro esperienze con Hugo. Le loro storie spaziavano dai pochi che sono rimasti e hanno resistito alla tempesta e al suo terrore, alle evacuazioni in lungo e in largo e al recupero: mangiare cibo dai congelatori prima che si deteriorasse, grigliate di quartiere, ecc. I loro monologhi erano potenti e sinceri perché questi erano eventi che aveva vissuto, non solo i copioni che avevano raccolto. Sapevo che questi monologhi dovevano essere condivisi, quindi abbiamo organizzato uno spettacolo per la famiglia e gli amici.
La primavera successiva, le scuole della contea di Charleston hanno programmato una serata di spettacoli attingendo agli studenti delle scuole superiori di diversi programmi artistici della zona. Tra i gruppi musicali e corali, sono stati invitati ad esibirsi i nostri studenti di TheatreWings. La sede, tuttavia, era il Teatro Sottile da 800 posti, anni prima che avessimo la moderna tecnologia di amplificazione del suono. Temevo che le loro esibizioni intime si perdessero in questo grande teatro, ma ci siamo comunque presentati per esibirci. Eravamo in ritardo nel programma, il pubblico stava diventando irrequieto e poco prima che ci esibissimo, un gruppo corale è salito sul palco e ha cantato qualcosa in latino. È stato adorabile, ma temevo che il pubblico venisse cullato nel sonno. Mi sono davvero dispiaciuto per i nostri giovani artisti perché pensavo che il pubblico non avrebbe voluto rimanere fermo per un altro gruppo di esibizioni. Siamo stati annunciati e il pubblico era ovviamente agitato: pensavo che la notte sarebbe stata un disastro. Ma poi c'era la magia, la magia del teatro dal vivo.
Mentre ogni storia si svolgeva, potevi sentire uno spillo cadere. Poiché il nostro pubblico aveva vissuto Hugo e le sue conseguenze, per noi erano una coppia perfetta. Sfortunatamente la performance non è stata registrata e, purtroppo, non ho conservato copie dei monologhi che questi fantasiosi studenti avevano scritto. Ma il monologo che ricordo di più è stato quello che si è concluso in questo modo:
“Niente elettricità, scuole chiuse, migliaia di alberi abbattuti, elicotteri della Guardia Nazionale in alto, migliaia di volontari che si riversano nel nostro quartiere per pulire le strade, alberi abbattuti, aiutare a riparare le nostre case e, giorno dopo giorno, il suono delle motoseghe che mi ronzano nelle orecchie. E ora, tre settimane dopo, sto tornando a scuola e ho capito, accidenti, è finita!
Con queste ultime parole, il pubblico è esploso in applausi e applausi e, in un'epoca in cui ci sono troppe standing ovation, ho capito che questa era davvero sincera. Non so se mi è mai piaciuta un'ovazione di più. Perché qui c'erano storie semplici e sincere - niente set, niente costumi, niente microfoni, niente effetti speciali - che toccavano il pubblico in un modo speciale - quel bellissimo momento, fin troppo raro quando un pubblico e gli artisti condividono una connessione speciale insieme. Sicuramente non c'è niente di meglio di così!
Il cast della terza produzione di Elio (2011).
ELIO (1989, 1999, 2011, 2018)
Perdere la testa e ritrovare te stesso. La mia commedia originale preferita che ho scritto.
Questa è la mia commedia preferita che abbia mai scritto. Inizialmente ho scritto Elio nel 1990 dopo aver letto un libro di memorie del giornalista umoristico del New York Times Russell Baker, intitolato Crescendo. Il signor Baker ha aperto questo libro di memorie vincitore del Premio Pulitzer osservando che la mente di sua madre di 80 anni “poteva vagare libera nello spazio e nel tempo. Alcuni giorni andava a matrimoni e funerali che avevano avuto luogo mezzo secolo prima... si muoveva attraverso il tempo... con un linguaggio e una facilità oltre il dono della scienza fisica. Mentre il signor Naker vedeva certamente la tristezza dell'afflizione di sua madre, vedeva anche che c'era libertà anche in lei. Da quel pensiero, la prima produzione di Elio
Negli anni successivi ho potuto sperimentare in prima persona l'invecchiamento e la demenza. La mia deliziosa nonna, raggiunta l'età di 100 anni, è morta ancora con il luccichio negli occhi e il suo buonumore per lo più intatto. Ho visto mia madre e sua sorella, i suoi principali assistenti, trovare la loro strada negli ultimi anni difficili di mia nonna.
Alcuni anni dopo, la mia meravigliosa suocera si perse per molti giorni nella nebbia della demenza. È stato un periodo difficile per la nostra famiglia, in particolare per mia moglie Jenny, che è diventata la sua badante principale. I nostri bambini erano piccoli e si meravigliavano della mente della nonna e dei suoi voli di fantasia. A volte volevamo piangere, ma spesso dovevamo solo ridere delle cose che ci diceva. E, come la madre di Russell Baker, ha trascorso gran parte del suo tempo in viaggio, poiché, come con molti pazienti con demenza, gran parte della sua memoria a lungo termine è rimasta intatta.
Dopo che la nonna è morta e ho visto la demenza in prima persona, ho deciso di rivisitarla Elio. Lo spettacolo ha subito un'importante revisione nel 1997 ed è stato prodotto l'anno successivo al Dock Street Theatre. Ha colpito molte persone che mi dicevano: "Lascia che ti parli di mia zia, mia madre, mio zio, mio cugino". Mi raccontavano le prove, ma anche le gioie che trovavano come assistenti e i voli di fantasia che avevano preso i loro cari.
Il mondo è diventato molto più consapevole dell'Alzheimer e della demenza dal 1990, ma molto è ancora sconosciuto. I pazienti e i loro caregiver lottano ancora per trovare la propria strada, e ogni modo è diverso: nessuno ha tutte le risposte. In Helium, volevo semplicemente condividere il viaggio, le gioie e i dolori di una famiglia e invitare il pubblico a meravigliarsi e celebrare come uno spirito umano può prendere il volo.
Jennifer Claggett Metts nei panni di Annabel Lee e Ian Walker nei panni di Edgar Allen Poe Mai più! Il mistero finale (1994).
Mai più (1994, 2006, 2012, 2019)
Gli inizi di Charleston di Edgar Allan Poe e il mistero della sua morte salgono in scena.
Mentre Edgar Allan Poe è probabilmente meglio conosciuto per i suoi racconti selvaggi e fantastici, è stata una delle sue poesie ad attirare la mia attenzione per la prima volta. Ricordo ancora di aver sognato ad occhi aperti durante la lezione di inglese del liceo, annoiato dal mio insegnante e sfogliato l'antologia che era il nostro libro di testo, quando i miei occhi si posarono sulla poesia di Poe, The Bells. Con le sue allitterazioni e le sue martellanti ripetizioni (a volte Poe ripete la parola "campane" sette volte di seguito), mi sono appassionato. Ho adorato il suo uso di parole insolite come la squillante "tintinnabulazione". La mia insegnante di inglese l'avrebbe chiamata onomatopea, io l'ho chiamata cool! Presto stavo leggendo da solo le altre poesie di Poe, Un sogno nel sogno, Annabel Lee, e ho acquistato le mie opere complete (l'ho ancora) e ho esplorato le sue storie: Tell Tale Heart, La scatola oblunga, La morte rossa, La fossa e il pendolo e altro ancora. Ho scoperto che Poe era uno dei miei preferiti e anche di molti dei miei compagni di classe, come uno Stephen King della vecchia scuola.
Avanti veloce al 1994: stavo cercando una nuova commedia di Halloween e mi sono ricordato dei racconti macabri di Poe. Da quando mi sono trasferito a Charleston, avevo appreso che Poe visse sull'isola di Sullivan per un periodo quando, da giovane soldato, era di stanza a Fort Moultrie. Ho pensato che questa potesse essere la realizzazione di una grande opera teatrale e sono andata in biblioteca per una biografia di Poe. Ho subito appreso che sappiamo poco della permanenza di Poe su Sullivan, di certo non abbastanza per un'opera teatrale completa. Mentre continuavo a leggere, tuttavia, ero incuriosito dalle circostanze della misteriosa morte di Poe e dalla scintilla che sarebbe diventata mai più è stato acceso.
Ho saltato fuori le prime scene, la maggior parte coinvolgendo Poe che si sveglia da un sogno e si ritrova dentro le sue stesse storie. Con l'arroganza e la sicurezza della giovinezza, ho annunciato la prima di mai più per l'autunno del 1994. E poi, mi sono imbattuto nel più rigido dei muri: il temuto blocco dello scrittore. Non sarebbe successo niente e ho pensato che avrei dovuto annullare la produzione. Disperato, ho pensato di scrivere una scena sul blocco dello scrittore stesso ma, con mia grande gioia, quella scena ha fornito un percorso per la trama della discesa di Poe nell'oscurità e la mia via d'uscita dal vortice del mio blocco dello scrittore!
Tuttavia, dopo le prime prove ero pronto a gettare la spugna e sostituirlo con un altro spettacolo, ma Barbara Young, la nostra costumista, mi ha incoraggiato ad andare avanti. Così ho continuato a scrivere, dando nuove pagine al cast fino all'ultima prova generale. Sono tornato a casa dall'ultima prova generale convinto che il pubblico si sarebbe perso, ma mai più presentato in anteprima con grande successo. Alcuni anni dopo, è stato pubblicato da Dramatic Publishing ed è stato prodotto in tutto il paese.
Celeste Hardin nei panni di Eliza Dolittle e Sid Katz nei panni del signor Dolittle My Fair Lady (1996).
La mia bella signora (1996)
La serata di apertura da Hell.
Questo è uno che preferirei completamente dimenticare! Alla prova generale finale, i volontari hanno preparato un pasto delizioso per tutti i membri del cast e della troupe. Dato che a quel tempo eravamo un teatro di soli volontari, è stato fantastico consumare un pasto per le persone che correvano dal lavoro alle prove serali.
Il giorno successivo era la serata di apertura. Avevamo programmato un gala con un ricevimento per i donatori prima dello spettacolo e all'inizio della giornata, il mio telefono continuava a squillare. Prima uno, poi due, poi tre membri del cast hanno chiamato dicendo che avevano un'intossicazione alimentare o un brutto virus allo stomaco. Erano così gravemente malati che era chiaro che non potevano esibirsi. Un'ora prima dell'apertura, oltre un quarto del cast era malato. Fortunatamente, gli attori che interpretavano Eliza ed Henry Higgins erano sani e cordiali, e speravamo di poter eseguire una performance con un cast ridotto. Ma prima del sipario, altri 10 attori erano malati, ed era chiaro che non avremmo potuto eseguire lo spettacolo!
Ho riunito gli attori rimanenti, inclusi i nostri Eliza e Higgins, e ho spiegato che avremmo eseguito qualsiasi numero musicale possibile. Sono salito sul palco per spiegare la situazione al pubblico in cravatta nera e abbiamo presentato la versione più breve di My Fair Lady mai. Il nostro pubblico di donatori è stato molto gentile e abbiamo offerto loro i biglietti per le esibizioni successive. Fortunatamente, la maggior parte del cast è tornata la notte successiva e lo spettacolo è andato avanti come previsto.
PIPPINO (1998)
Il debutto della Resident Professional Acting Company di Charleston Stage.
Sotto la presidenza del consiglio di amministrazione Laura Hewitt e un regalo per un alloggio gratuito presso il vecchio sergente. Jasper Apartments di The Beach Company, abbiamo avuto il piacere di lanciare la nostra prima Resident Acting Company a tempo pieno (allora chiamata Acting Interns). I primi quattro erano Matthew Myers, Brian Bogstad, Virginia Vogel e Laura Patterson, e il primo spettacolo con questi attori residenti professionisti è stato Renetta nella nostra 23a stagione. Nel corso degli anni più di 120 attori di talento sono apparsi sul palco come parte di questa compagnia di recitazione professionale, guidando i nostri spettacoli con il loro talento e fornendo preziose risorse didattiche per i nostri studenti della TheatreSchool.
Marybeth Clark nei panni di Bette e Josh Wilhoit nei panni di Boo Il matrimonio di Bette e Boo (2001).
Il matrimonio di Bette e Boo (2001)
Charleston Stage assume una produzione più pesante (e stravagante).
Mentre ero orgoglioso del lavoro che Charleston Stage aveva prodotto sotto lo stendardo del teatro giovanile, man mano che la compagnia cresceva volevo che ci espandessimo per produrre una gamma più ampia di spettacoli. Gli spettacoli per i giovani e le loro famiglie sarebbero rimasti parte della nostra missione, quindi abbiamo iniziato a sperimentare spettacoli un po' più insoliti. Non c'è quasi scrittore più insolito di Christopher Durang, e Il matrimonio di Bette e Boo è una delle sue migliori commedie. Racconta la storia del matrimonio roccioso di Bette e Boo e del loro figlio Matt (che era basato sullo stesso Durang). Il ruolo dell'alcolizzato Boo è stato interpretato dal grande attore locale Josh Wilhoit e sua moglie Bette da una nuova arrivata al Charleston Stage di nome Marybeth Clark. Marybeth sarebbe diventata la nostra direttrice artistica associata e direttrice dell'istruzione per il Charleston Stage, e presto sarebbe diventata la nuova direttrice artistica della compagnia.
Bette e Boo è un gioco difficile da spiegare, una commedia oscura che ha persino una battuta sui bambini nati morti. So che suona orribile ma, nelle mani di Durang, questa triste situazione diventa sia tragica che assurdamente esilarante, parte del leggendario umorismo insolito del drammaturgo. Sapevamo che stavamo correndo un rischio con questo spettacolo bizzarro, ma credevamo che gli spettacoli che guardano il mondo da prospettive selvaggiamente diverse sono spesso alcuni dei migliori copioni. Ci chiedevamo ancora se il pubblico avrebbe apprezzato questo spettacolo, ma sono riusciti ad abbracciare la sua visione speciale della vita. E oltre a questo, ci ha dato il coraggio di produrre altri spettacoli con prospettive leggermente distorte—Bat Boy: The Musical, La 45a edizione annuale di Putnam County Spelling Bee, Picasso al Lapin Agile, esterni Avenue Q.
Matt Schingeldecker nel ruolo di Joseph in Joseph And The Amazing Technicolor Dreamcoat (2003).
Joseph e The Amazing Technicolor Dreamcoat (2003)
La nostra prima produzione SummerStage.
SummerStage è il nostro campo estivo di teatro musicale per oltre 80 studenti dalla scuola materna alla scuola superiore. Devo ammettere che ero scettico quando questa offerta estiva era in fase di progettazione, soprattutto quando l'idea era di prendere chiunque si fosse iscritto senza audizioni. Ma la nostra Direttrice dell'Educazione e Direttore Artistico Associato Marybeth Clark mi ha assicurato che avrebbe funzionato, e ha funzionato. Grazie alla visione di Marybeth, i ragazzi quell'estate hanno dimostrato che in sole tre settimane avrebbero potuto produrre un musical straordinario e completamente messo in scena. Joseph ha posto le basi per molte produzioni SummerStage che sono seguite—Seussical the Musical, Disney's Aladdin, Jr, High School the Musical, Jr., ecc.: illuminando il Dock Street Theatre Stage estate dopo estate. E nel ruolo del protagonista quella prima estate c'era il 14enne Matt Shingledecker, che è apparso a Broadway in Affitto, Risveglio di primavera, West Side Story esterni Malvagio così come il tour internazionale di I Miserabili. Non tutti i bambini che hanno fatto parte di SummerStage sono finiti a Broadway ma, in queste esibizioni speciali ogni estate, ogni bambino è davvero una star.
Il cast della produzione del 2007 di Gershwin alla follia al Teatro Sottile.
Gershwin alla follia (2003, 2007, 2013)
Il libro di canzoni americano è ambientato in una storia vera nella Charleston degli anni '1930.
di Gershwin Porgy e Bess fa parte del tessuto artistico del Lowcountry. Sapevo vagamente che Gershwin era stato in vacanza a Folly Beach nel 1934, dove lui e DuBose Heyward, nativo di Charleston, avevano iniziato a lavorare alla loro opera storica. Ho iniziato alcune ricerche e ho scoperto che Gershwin ha trascorso un'estate fantastica, si è goduta la spiaggia, ha visitato chiese nere vicine e locali di juke neri e si è persino preso del tempo per giudicare il concorso Miss Folly Beach del 1934. Mi chiedevo se potevo trasformare questa storia in un nuovo musical di Gershwin.
Prima di tutto, dovevo assicurarmi i diritti sulla musica delle tenute Gershwin e Heyward. La famiglia Gershwin era un po' scettica, ma il pronipote di George Gershwin, Adam Gershwin, si interessò e convinse la famiglia a considerare le possibilità. Il problema era che volevano che scrivessi la commedia prima che prendessero in considerazione la concessione dei diritti. Così mi sono messo al lavoro e, grazie agli sforzi di Adam, i sette membri della famiglia non solo hanno accettato di permettermi di usare la musica di Gershwin, ma mi hanno anche concesso l'accesso a una qualsiasi delle oltre 200 canzoni che aveva scritto. Permesso dalla tenuta di Heyward (Heyward ha scritto la maggior parte dei testi per Porgy e Bess, compreso il leggendario Ora legale) è stata anche concessa. Il mio amico Chris Donison, direttore musicale del famoso Shaw Festival in Canada, ha accettato di fare le orchestrazioni e la prima bozza dello spettacolo è andata alle prove. Naturalmente, l'attore che interpretava Gershwin non doveva solo recitare, ma anche suonare il piano e ballare il tip-tap. Così mi sono diretto a New York per fare un'audizione agli attori. Fortunatamente Jonathon Brody, che in realtà assomigliava a Gershwin e lo aveva interpretato in uno speciale della PBS, era disponibile e si è presentato per la produzione in anteprima mondiale.
Il cuore della commedia non è solo il processo di scrittura di Gerswin e Heyward Porgy e Bess ma come Gershwin, che non era mai stato a Charleston, rimase affascinato dal Lowcountry e dalla sua ricca cultura Gullah. Un newyorkese in tutto e per tutto, amava scoprire altri luoghi e culture: la sua Un americano a Parigi esterni L'Ouverture cubana sono due esempi. Non aveva mai assorbito così tanto la musica ei ritmi di un'altra cultura come fece quell'estate nelle Isole del Mare della Carolina del Sud. Alle grandi melodie dello spettacolo di Gershwin si aggiungevano i tradizionali spirituali di Lowcountry:Zitto piccolo bambino, pregheremo tutti insieme esterni Tutti quelli che vivono devono morire—canzoni che Gershwin avrebbe probabilmente sentito durante la sua visita che sarebbero diventate le modelle Ora legale e altre melodie originali per cui avrebbe creato Porgy e Bess. Un tradizionale ragazzo incontra una sottotrama è stata aggiunta al leggendario Folly Beach Pavilion insieme a bellezze balneari e un'orda di ballerini di tip tap e, così, è nato un nuovo musical di Gershwin. Lo spettacolo ha preso d'assalto la città, battendo tutti i record al botteghino e registrando il tutto esaurito spettacolo dopo spettacolo. Ravvivato e ampliato nel 2007 e nel 2013, Gershwin alla follia rimane lo spettacolo più venduto nella storia di Charleston Stage.
L'attore ospite Marjorie Johnson nel ruolo di Ruby Cornwall nella produzione originale di La sede della giustizia (2004).
La sede della giustizia (2004, 2016)
Un'esibizione speciale per la gente della contea di Clarendon, nella Carolina del Sud.
Raramente come drammaturgo riesci a raccontare una storia in cui alcuni dei partecipanti e le loro famiglie sono ancora con noi. Ma questo è il caso di La sede della giustizia, una mia commedia originale che abbiamo prodotto per la prima volta nel 2004 per onorare il 50° anniversario del punto di riferimento Brown v Board of Education Decisione della Corte Suprema di Topeka: una sentenza messa in moto dalle azioni dei cittadini della contea rurale di Clarendon, nella Carolina del Sud.
Sono stato ispirato a scrivere questa commedia dal mio legame personale con la terra: sono nato in una fattoria di cotone appena oltre il fiume Santee dalla contea di Clarendon negli stessi anni in cui si sono svolti gli eventi della commedia. Quando ho iniziato a fare ricerche su questa storia, ho incontrato due dei partecipanti effettivi: Joe DeLaine, il cui padre aveva guidato gli sforzi dell'organizzazione nel Clarendon Country, e Ruby Cornwell, che si era seduta in prima fila nel primo processo di desegregazione tenutosi nel tribunale federale. a Charleston. Ho anche potuto intervistare Joe Elliott, nipote di Roderick Elliott, allora presidente del consiglio scolastico tutto bianco della contea di Clarendon che non solo aveva combattuto la desegregazione ma anche l'uguaglianza scolastica. E anche se non conoscevo altri partecipanti al caso, conoscevo il tipo di comunità che li ha plasmati, perché una comunità simile ha plasmato anche me. Sono nato in un mondo molto segregato.
Più di ogni altra cosa è stato il tenore di quei tempi che ho deciso di catturare La sede della giustizia- quell'antichissima avversione umana al cambiamento e quanto sia notevole quando le persone si fanno avanti e guardano le cose non come sono ma come potrebbero essere. Questo è stato certamente il caso di Briggs litiganti: non erano giudici o avvocati, erano madri e padri che volevano un mondo migliore e più giusto per i loro figli. Sono gli eroi di questa storia. Anche se c'erano sicuramente giocatori importanti come il Rev. DeLaine, Harry Briggs Jr, Thurgood Marshall, Judge Waties Waring e altri, mi è diventato subito chiaro che questo doveva essere un gioco senza un giocatore centrale. Piuttosto, è stata una storia in cui molte persone si sono trovate davanti alla Sede della Giustizia. Ho sentito che questa storia a lungo dimenticata doveva essere raccontata e così ho iniziato a lavorarci.
Quando lo spettacolo è stato inaugurato nel 2004, abbiamo avuto uno spettacolo speciale per i discendenti di coloro che erano stati coinvolti nel Clarendon Country negli anni '1950 e i cui genitori e nonni avevano guidato questo sforzo monumentale, così come i discendenti dei membri del consiglio scolastico che avevano combattuto i loro sforzi. Un'esibizione simile è stata offerta ai discendenti per il revival del 2016 e, quell'anno, il cast si è recato alla Liberty Hill Church per adorare nella chiesa dove tutto ebbe inizio. Suppongo che ciò che mi ha commosso di più è stato che i discendenti, bianchi e neri, sentivano che avevo raccontato tutte le loro storie in modo equo e veritiero. Per uno scrittore, non c'è niente di meglio di così.
Sia la comunità di Charleston che quella di Lowcountry hanno risposto calorosamente allo spettacolo, riempiendo ogni esibizione e applaudendo al sipario. Nel 2017 La sede della giustizia è stato pubblicato da Dramatic Publishing, rendendo lo spettacolo disponibile ad altri teatri del paese.
Norma Lynn Higgins come Sabina e Terry Davey come Mr. Antrobus in La pelle dei nostri denti (2005).
La pelle dei nostri denti (2005)
La più detestata di tutte le produzioni del Charleston Stage.
Amo Thorton Wilder's La pelle dei nostri denti. Avevo visto una produzione al Sumter, South Carolina Little Theatre quando avevo 16 anni e ne sono rimasto affascinato. Ecco uno spettacolo esilarante e fuori dagli schemi sulle idee: questo vincitore del Premio Pulitzer mostra come l'umanità è sopravvissuta età dopo età per la pelle dei suoi denti. Il primo atto è ambientato nell'era glaciale, il secondo atto il diluvio universale (di Noè) e il terzo atto alla fine di una guerra mondiale (lo spettacolo è stato presentato per la prima volta nel 1942 nel mezzo della seconda guerra mondiale). Per quanto amassi lo spettacolo, sapevo che era stato problematico. Ha confuso pubblico e critica quando è stato inaugurato nel 1942: persino il revival di New York con John Goodman nel 1988 ha ricevuto recensioni molto contrastanti. Tuttavia, volevo dargli una possibilità di combattere a Charleston.
Sebbene avessimo un ottimo cast, il pubblico era semplicemente confuso dalla follia dello spettacolo: la famiglia Antrobus, nel primo atto, ha dei dinosauri da compagnia, per esempio. Il secondo atto dello spettacolo è ambientato a un convegno ad Atlantic City dove c'è una grande inondazione (á la Noah's Ark) e il terzo atto nella landa desolata di una guerra mondiale. Ora posso ammettere che lo spettacolo non ha mai funzionato davvero. I membri del pubblico se ne sono andati in massa e ho ricevuto molte lettere arrabbiate che hanno rafforzato la lezione che, sebbene uno spettacolo che possa sembrare un grande lavoro fantasioso sulla pagina, non sempre si traduce sul palco. Sono sicuro che qualcuno, da qualche parte, troverà un modo per farlo funzionare.
Per me è ancora un mistero come abbia funzionato in quella produzione teatrale di comunità a Sumter tanti anni fa. E questa è una delle realtà del teatro - anche con un grande cast e una grande produzione, alcuni spettacoli semplicemente non funzionano - succede ogni stagione a Broadway. Quindi, quando abbiamo uno spettacolo come questo che non sembra colpire nel segno, siamo in buona compagnia. Nel 2022 c'è stato l'ennesimo revival di La pelle dei nostri denti al Lincoln Center di New York, e c'erano anche membri del pubblico confusi che hanno abbandonato quella produzione.
Warnell Berry, Jr. nei panni di Coalhouse Walker e Nakeisha Daniel nei panni di Sara Ragtime (2007).
ragtime (2007)
Il nostro ultimo spettacolo prima della ristrutturazione triennale del Dock Street Theatre.
Abbiamo deciso di farla esplodere con un'enorme produzione della premiere di Charleston del grande successo di Broadway Ragtime prima che il Dock Street Theatre fosse sottoposto a lavori di ristrutturazione per anni. Presentava un incredibile cast di 42 persone, set e costumi sbalorditivi e una Model T funzionante che è salita sul palco. All'epoca era la più grande produzione nella storia del Charleston Stage e stabilì l'asticella per gli spettacoli che sarebbero seguiti.
L'abbuffata selvaggia delle vacanze di stephen colbert (2008)
Un vantaggio per Charleston Stage da un amico d'infanzia.
Per tre stagioni il Charleston Stage si è esibito in altri luoghi mentre Dock Street ha subito una ristrutturazione da 19 milioni di dollari. Alcune produzioni si sono svolte al Memminger Auditorium e all'American Theatre, mentre altre abbiamo eseguito al College of Charleston's Sottile Theatre. Un momento clou della nostra "vacanza" da Dock Street includeva un'esibizione di beneficenza nel dicembre 2008 dello stesso Stephen Colbert di Charleston. Stephen ha letto dal suo libro Io sono l'America e anche tu puoi e ha risposto alle domande del pubblico. Stephen afferma di aver fatto un provino per me e io non l'ho scelto anni fa quando era al liceo ma, la verità è che gli è stata offerta una parte nel ritornello e l'ha rifiutata. Immagino che avesse gli occhi puntati su cose più grandi! Grazie alla generosa donazione del suo tempo e del suo talento da parte di Stephen, il beneficio è andato esaurito in poche ore e ha iniettato migliaia di dollari per l'azienda nel mezzo della Grande Recessione.
Jimmy Hager nei panni del capitano Vesey e Henry Clay Middleton nei panni di Denmark Vesey nella produzione in anteprima mondiale (2008).
Danimarca Vesey: insurrezione (2008)
Quando sono arrivato per la prima volta a Charleston nel 1976, un dipinto della Danimarca Vesey era stato collocato nel Gaillard Auditorium. Considerato un eroe da molti ma un terrorista da altri, questo è stato un controverso memoriale e il dipinto è stato rubato ma restituito dopo l'affissione di una ricompensa. Nel corso di 45 anni, la città è arrivata a riconoscere Vesey come un coraggioso combattente per la libertà con un'eredità che vale la pena ricordare. Successivamente la città di Charleston eresse un monumento a Vesey a Hampton Park, ma purtroppo anche questo a volte è stato vandalizzato. Il 2022 segna il 200° anniversario della sua morte.
Nel 2008 ho scritto una commedia sulla Danimarca Vesey e il capitano Vesey, l'uomo che ha portato Vesey a Charleston e gli ha venduto la sua libertà quando Vesey ha vinto alla lotteria. Ho letto tutto ciò che sono riuscito a trovare, inclusa la trascrizione del processo originale negli archivi della Carolina del Sud. Abbiamo presentato in anteprima lo spettacolo all'American Theatre come parte del Piccolo Spoleto.
Il cast comprendeva Clay Middleton nei panni di Denmark Vesey. Clay ha suonato di tutto, da Dracula a Thurgood Marshall per molti anni con il Charleston Stage, ed è anche regista della compagnia. Il capitano Vesey è stato interpretato da Jimmy Hagar, che è apparso per la prima volta come Atticus in Per uccidere un mockingbird e da allora è diventato un attore cinematografico e sceneggiatore.
Il cast di I produttori, un nuovo musical di Mel Brooks (2009).
I produttori, Un nuovo musical di mel brooks (2009)
Fare magie in altri luoghi.
Nella casa da 800 persone del Teatro Sottile non abbiamo avuto altra scelta che continuare a produrre spettacoli su larga scala. Abbiamo preso il direttore musicale dal tour nazionale di I produttori, un nuovo musical di Mel Brooks, Jose Simbulan, e con la nostra società di recitazione professionale residente in crescita nei ruoli principali e altri ottimi artisti e musicisti locali, abbiamo deciso di produrre una delle commedie musicali più acclamate di sempre. È stata una produzione formidabile che ha riempito il Teatro Sottile e ha assicurato al nostro pubblico che avremmo potuto produrre opere importanti, qualunque sia il luogo.
Il cast di cabaret (2010).
cabaret (2010)
Re-inventare un classico in mezzo al caos.
cabaret è uno dei musical più famosi e potenti mai prodotti. Dalla produzione originale al film e al revival di Broadway del 1998, lo spettacolo è sempre lo stesso ma sembra sempre nuovo. La regista Marybeth Clark ha continuato questa tradizione quando abbiamo deciso di produrre questo spettacolo iconico. Brian Porter, che un tempo era Direttore amministrativo del Charleston Stage e ora è Direttore Esecutivo della Queen Street Playhouse, si è unito a noi come Emcee per questa produzione e ha portato la sua magia speciale nella parte. Marybeth ha aggiunto tocchi speciali da un boa constrictor dal vivo che è apparso con l'Emcee alla fine del primo atto alla potente immagine dei cancelli di Auschwitz alla fine del secondo atto. Molte persone hanno lavorato duramente per contribuire a una visione straordinaria, eccitante e fresca dello spettacolo.
Ma la produzione non è stata priva di sfide. Il nostro staff tecnico di due persone all'epoca, Stefanie e Mike Christensen, doveva dare alla luce la loro figlia presto, quindi mi sono ritrovato richiamato in servizio come scenografo. Finire e dipingere lo scenario è stato complicato. E poi Sarah Claire Smith, la nostra Sally Bowles, ha sviluppato laringite la settimana prima dell'inizio dello spettacolo. Miracolosamente, la sua voce è tornata la sera dell'inaugurazione! E come si suol dire, il resto è storia: lo spettacolo si è aperto a recensioni entusiastiche e case gremite.
Sipario dello spettacolo "Window of Wonder" dell'artista Jonathan Green per il Dock Street Theatre. Pittura scenica di Colleen Ballance (2010).
finestra di meraviglia/fanfara per una marea crescente (2010)
La grande riapertura del rinnovato Dock Street Theatre.
La ristrutturazione triennale e da 20 milioni di dollari del Dock Street Theatre da parte della città di Charleston è stata finalmente completata nel 2010 con nostra grande gioia. Siamo tornati con un evento di apertura speciale che ha svelato un nuovo sipario disegnato dall'artista Jonathan Green e la prima di Fanfara per una marea crescente di Charlton Singleton, musicista e compositore vincitore del Grammy Award, entrambi commissionati dall'ex presidente del consiglio Barbara Burgess e da suo marito John Dinkelspeil.
L'artista Jonathan Green (L) e il musicista vincitore del Grammy Charlton Singleton (R).
Marybeth Clark intervista Michael Emerson e Carrie Preston.
lettere d'amore (2010)
Il primo spettacolo della compagnia al Dock Street Theatre, recentemente rinnovato.
In Lettere d'amore, L'attrice vincitrice di un Emmy Award Carrie Preston (La brava moglie/vero sangue), che interpretava Ann Frank per il Charleston Stage nel 1986 quando era una studentessa al College of Charleston, tornò in città con suo marito, Michael Emerson, che stava finendo una corsa vincitrice di un Emmy in LOST. Hanno generosamente donato il loro talento per aiutare a riaprire il Dock Street Theatre con un beneficio per il Charleston Stage. Carrie e Michael hanno eseguito la commovente commedia di AR Gurney Lettere d'amore, e alla fine della performance Marybeth Clark ha intervistato questi due talentuosi attori e ha moderato un vivace Q&A con il pubblico.
Phil Mills nei panni di JFK e Gardner Reed nei panni di Inga Arvad nella produzione originale di JFK e Inga Binga (2012).
JFK E Inga Binga (2012)
Entra in scena un affare di Charleston della seconda guerra mondiale.
Ho spesso trovato ispirazione nei miei lavori originali da grandi storie qui nel Lowcountry, e non potrebbe esserci storia migliore della relazione del giovane JFK con una presunta spia nazista qui a Charleston durante la seconda guerra mondiale. Aveva tutto: una bomba bionda di nome Inga Arvad (che il giovane Kennedy chiamava Inga Binga), agenti dell'FBI nella stanza accanto e giornalisti alle calcagna di questi sfortunati amanti. Anche se ho trasformato la storia in una farsa, è basata su file reali dell'FBI e lettere d'amore tra Jack e Inga che ho scoperto alla Biblioteca Kennedy di Boston. Gli attori di New York Phil Mills e Gardner Reed hanno interpretato i protagonisti e sono stati supportati da un meraviglioso cast di supporto. Il pubblico ha adorato lo spettacolo: è diventata la produzione non musicale più venduta nella storia del Charleston Stage. Mentre speravo che i miei scritti contribuissero a questo, il fatto è che il sesso e i Kennedy vendono! JFK e Inga Binga è diventata la mia ottava opera teatrale pubblicata ed è ora prodotta da altri teatri in tutto il paese.
Il cast di Accanto a Normale (2014).
Prossimo alla normalità (2014)
Un musical potente e contemporaneo.
Il vincitore del Premio Pulitzer e del Tony Award Accanto a Normale è uno dei musical più potenti degli ultimi anni. Quasi completamente cantato con una colonna sonora rock di Tom Kitt e testi di Brian Yorkey, ha preso d'assalto Broadway e ha dimostrato che i musical possono affrontare temi molto seri e difficili. Accanto a Normale racconta la storia di una famiglia alle prese con il grave disturbo bipolare della madre. Lo spettacolo illumina come una tale lotta colpisce tutti in una famiglia e porta la necessità di comprensione e difesa delle risorse per la salute mentale a un pubblico più ampio. Mentre i programmi con messaggi funzionano raramente, Accanto a Normale funziona perché non ha risposte. Semplicemente, come fa sempre il grande dramma, presenta uno spaccato di vita in tutti i suoi trionfi e tragedie umane.
Accanto a Normale è una produzione impegnativa sia per il soggetto che per le parti vocali difficili. Abbiamo coinvolto due attori ospiti, Sean Hayden e Annie Freres, a cui si sono uniti i nostri attori residenti Aaron Hancock e Joseph Dickey (visti di recente a Broadway nel ruolo del protagonista del film Disney Aladdin). A completare il cast c'era Celeste Riddle, una talentuosa specializzazione in teatro al College of Charleston.
Questo è stato uno spettacolo che è salito alle stelle. È stato commovente vedere come questo musical ha influenzato il pubblico e ha portato molti a condividere le proprie storie. Abbiamo avuto "talkback" guidati da professionisti della salute mentale del MUSC e moderati dal dottor Lee Lewis, lui stesso un ex membro del programma Resident Actor di Charleston Stage, ora psichiatra. Questo spettacolo ha posto le basi per la produzione di altre produzioni serie in futuro.
Il cast di Prendimi se ci riesci (2015).
Prendimi se puoi (2015)
"Charlestonian" La straordinaria storia di Frank Abagnale, Jr..
Non è spesso l'argomento di una vita musicale importante nella tua città natale, ma è il caso di Frank Abagnale, Jr. che ha adottato Charleston come sua casa. Ho contattato Frank una volta che ci siamo assicurati i diritti di questo fantastico spettacolo, e non avrebbe potuto essere più generoso con il suo tempo e le sue intuizioni per aiutarci a renderlo un successo. L'ho incontrato personalmente e ha partecipato a diverse prove per parlare con il cast e condividere le sue straordinarie esperienze da adolescente ciarlatano. Ha stretto amicizia e ha lavorato a stretto contatto con Corbin Williams, che lo ha interpretato nello spettacolo. Il musical ha avuto un cast eccezionale e un set meravigliosamente fantasioso con costumi e coreografie magiche: si è rivelato essere uno dei musical più venduti nella storia della compagnia.
Frank ha anche assistito alle esibizioni di apertura e chiusura dello spettacolo, ha parlato al pubblico e ha risposto alle domande, rendendo questa produzione e questa storia ancora più reali. Dopo lo spettacolo, mi ha inviato delle foto autografe, in cui ha scritto: "A Julian, il miglior regista del mondo". Non sono sicuro di cosa potrebbe pensare Stephen Spielberg di questo!
Frank Abagnale Jr.
John Black nei panni di Peter e Madeline Glenn Thomas nei panni di Molly Peter e lo Starcatcher (2017).
Peter e il cacciatore di stelle (2017)
L'immaginazione prende il volo.
Includo questo spettacolo perché in tanti modi è l'epitome del grande teatro. Anche se sembra semplice: una dozzina di attori realizzano tutte le scenografie e gli oggetti di scena con scale, corde e altri oggetti, in realtà è stato uno degli spettacoli più complessi che abbiamo mai prodotto. Molte persone potrebbero essere sorprese nell'apprendere che le sceneggiature non vengono fornite con i manuali di costruzione per costruire le scenografie, gli oggetti di scena e i costumi per ogni spettacolo e uno spettacolo come Peter e lo Starcatcher sfida ogni teatro a trovare le proprie soluzioni per la messa in scena. Prima che lo producessimo, avevo visto lo spettacolo due volte, la produzione originale di Broadway vincitrice del Tony Award e una produzione successiva al famoso Walnut Street Playhouse di Filadelfia. Sebbene entrambi avessero i loro punti di forza, ho pensato che la storia spesso si perdesse tra l'intelligenza e la fantasia della loro messa in scena. Sapevo che sarebbe stato importante lavorare diligentemente per essere sicuro che la storia e la trama rimanessero al centro.
Una delle nostre prime scelte nel lavorare con i nostri designer è stata quella di semplificare lo spettacolo. Le lampadine elettriche sospese sono diventate stelle scintillanti, le scale sono diventate gli alberi delle navi, le corde sono diventate porte, finestre e onde e gli ombrelli sono diventati alberi. Ogni prova è stata una delizia poiché il mio cast assolutamente di prim'ordine ha utilizzato questi semplici elementi per creare un viaggio dell'immaginazione che è atterrato esattamente nel film di Peter Pan. Neverland. Parte dell'incanto dello spettacolo è stato che il pubblico ha messo in gioco la propria immaginazione, anche credendo che un guanto di gomma potesse diventare un uccello, un pezzo di tessuto ondulato potrebbe diventare una pozza d'oro e alcune corde con un tessuto scintillante e una nave strategicamente posizionata le luci potrebbero diventare un branco di sirene, con tanto di code di paglia di scopa. Il teatro è davvero magico.
Il cast di Shakespeare in Love (2018).
shakespeariano innamorato (2018)
Il finale della nostra stagione per il 40° anniversario
Anche se una parte del set è crollata la sera dell'inaugurazione (nessuno è rimasto ferito e lo spettacolo è andato presto in onda), Shakespeare in Love è uno spettacolo che celebra la magia del teatro mentre osserviamo il famoso poeta e drammaturgo creare il suo classico Romeo e Giulietta in mezzo alla sua stessa storia d'amore. I momenti salienti della produzione sono stati la colonna sonora originale di Luke Walchuk, il nostro Resident Sound Designer e Audio Engineer, i costumi abbaglianti e l'emozionante scherma con la coreografia di Evan Parry del College of Charleston.
Jacob Feight, 16 anni, nel ruolo di Christopher Il curioso incidente del cane nella notte (2019).
il curioso incidente del cane nella notte (2019)
Una delle nostre produzioni più fantasiose di sempre.
Incidente curioso fa ciò che il teatro sa fare meglio: porta il pubblico nel mondo e nella mente degli altri. Questa commedia viaggia nella mente e nella prospettiva straordinarie del quattordicenne Christopher Boone, che vive nello spettro autistico. Il cast era guidato dal sedicenne Jacob Feight, uno dei nostri apprendisti di TheatreWings, che ha reso la parte tutta sua insieme a un cast corale di prim'ordine che ha lasciato a bocca aperta il pubblico notte dopo notte. Questo spettacolo ha anche segnato una delle mie scenografie preferite che rifletteva in modo creativo l'interazione della mente di Christopher.
Katelyn Crall (al centro) nei panni di Alice Murphy e il cast di Bright Star (2021).
stella luminosa (2021)
Lo spettacolo deve andare avanti!
Eravamo in prova per Bright Star quando è scoppiato il COVID e abbiamo dovuto cancellare tutto il 15 marzo 2020. Dopo lunghi diciassette mesi, sono ricominciate le prove. Eravamo così entusiasti di tornare a fare uno spettacolo, pensando che il COVID fosse dietro di noi. Tutti i nostri attori e la troupe sono stati completamente vaccinati, ma dopo la prima settimana di prove abbiamo avuto 14 casi di svolta. Per fortuna nessuno era gravemente malato, ma abbiamo dovuto posticipare l'apertura di una settimana. Quel settembre, le nostre esibizioni dal vivo tornarono finalmente al Dock Street Theatre. Anche se il cast era mascherato durante le prove e nel backstage e il pubblico doveva mostrare una prova di vaccinazione e indossare maschere, ma lo spettacolo è andato avanti e il pubblico ha applaudito questo musical toccante e commovente. Questo spettacolo è stato reso ancora più meraviglioso perché ha segnato il nostro ritorno alle esibizioni dal vivo di persona.
K'nique Eichelberger (L) e Jerquinez A. Gipson (R) come Lola in Kinky Boots (2022).
stivali stravaganti (2022)
Sii solo chi vuoi essere. Non lasciare mai che ti dicano chi dovresti essere.
Kinky Boots era il finale perfetto per la nostra prima stagione dopo la chiusura del COVID. Questo è stato il primo spettacolo senza mascherare il pubblico e richiedere la prova della vaccinazione, e tutti erano entusiasti. Presentava il debutto dei nuovi designer Courtni Riddick (costumi), Caleb Garner (luci) e Adam Jehle (set), con una straordinaria compagnia di giocatori tra cui non uno, ma due Lola a rotazione nel ruolo principale. Il finale ha detto tutto: Sii solo chi vuoi essere. Con dignità, celebra la tua vita trionfante!