Autore: Fase di Charleston

What initially drew you to the role of Carole King in “Beautiful: The Carole King Musical”?

From an actor perspective, Carole King is a great role to play because she gets to sing some of the most iconic songs and her scenes build well so you get to see her grow and change throughout the show. Also, I was drawn to playing someone so influential in American music history!

How do you prepare yourself to portray such an iconic figure like Carole King on stage?

What’s so great about playing a famous person is that there are a plethora of resources to draw from! I started by listening to Carole King’s discography and getting a sense for her style and sound. I also watched recorded concerts of hers to see how she transformed those songs to the stage and pick up her performing habits. Then, I watched TV interviews of her to see how she she spoke and interacted with people. Lastly, I read her autobiography “A Natural Woman” to understand her POV on how her life events shaped her. Many of the events in the book correlate with the events in the show so that gave me an accurate perspective on how to play those moments.

What aspects of Carole King’s personality do you find most intriguing or challenging to embody?

Carole King accomplished so much while she was so young. By the time she was 18 she’d already attended college, wrote a #1 Billboard hit, was married, and had her first child. I’m 24 and have ONLY graduated college. Me and Carole’s young adult experience may be different, but I think that’s the most amazing and challenging thing about playing her.

“Beautiful” covers a significant portion of Carole King’s life and career. How do you navigate portraying her evolution as an artist and as a person throughout the show?

Carole finding her voice as an artist and as a person is what this show is really about. For that reason, one of the ways I show her evolution is by changing her voice. In the beginning, I use a higher pitched speaking voice to reflect her youth and naïveté. Also, at the start she hasn’t really developed performing skills yet, so her emotions get in the way of the singing. For example, she gets shy performing in front of a lot of people and that is reflected in my voice with a quiver. Then as life happens and hurt happens, I deepen her voice. It becomes more natural and womanly. She also grows as a performer and that is reflected in singing more confidently. 

Carole King’s music is beloved by many. How do you ensure you do justice to her iconic songs while still bringing your own interpretation to them?

Carole’s music is so iconic and beloved because her writing is excellent and it connects with people. As a performer, it’s a gift when you get to sing well written material because the songs do a lot the work for you! For that reason, I’m keeping things simple so that her melody and lyrics are at the forefront and I’m hoping that will allow the songs (and hopefully me) to shine. 

Carole King’s story is one of resilience and triumph. How do you convey her strength and determination through your performance?

One of the things I find so interesting about Carole King is that her strength is sort of quiet. She goes through so much, but comes out of it with grace. I think I best convey this in the final scene of the show when Gerry (Carole’s ex-husband) apologies for his bad behavior and I respond, “You know Ger, you made a lot of mistakes. But, we made two beautiful children and our songs and that’s something to be proud of.”  What I think is so beautiful about this is that she doesn’t excuse his behavior so she’s standing up for herself, but also she’s willing to look past the hardship to focus on the good. I think that’s a really hard thing to do and that’s what makes her strong. 

What do you hope audiences take away from your portrayal of Carole King in “Beautiful”?

I hope that audiences see through Carole’s story that even though life may not always go as planned it can still turn out beautiful! 

BEAUTIFUL: THE CAROLE KING MUSICAL è in scena all'Historic Dock Street Theatre dal 10 al 28 aprile 2024. Clicca QUI per prenotare i tuoi posti.

ELIZA KNODE (Carole King)
Eliza è entusiasta di tornare al Charleston Stage come attore residente per la loro 46a stagione! Alcuni dei suoi precedenti crediti CS includono: La famiglia Addams (Mortizia), JFK e Inga Binga (Inga Arvad), e Il ladro fulmineo (Sally Jackson). Eliza è la figlia di un diplomatico e ha avuto un'educazione unica. È cresciuta in Malesia, Giappone, Ungheria, Long Island e Brasile. Ha continuato a conseguire il BFA in Musical Theatre presso l'Università di Miami. Eliza vorrebbe estendere il suo amore e la sua gratitudine alla sua famiglia, ai suoi amici e agli insegnanti di tutto il mondo che la sostengono. Sito web: www.elizaknode.com Instagram: @eliza.knode

How did you approach designing costumes for “Beautiful: The Carole King Musical” to reflect the fashion trends and styles of Carole King’s era?

I did a lot of primary research, especially since a majority of the characters are real people in music history! I mainly approached it by researching these specific people while also looking at how fashion was evolving from the late 1950s to the early 1970s. I looked at certain trends and fashion movements that were happening at the time. Styles, makeup, and hair were changing more rapidly at this time so magazines, advertisements, TV shows, and music performances were very important in shaping my
concept for the costumes!

Can you discuss any specific research you conducted to gain insight into the fashion of the 1950s, 60s, and 70s, which are pivotal periods in Carole King’s life?

A lot of my research consists of photographs I can find from each decade along with fashion magazines, advertisements and clothing patterns with fashion plates. Even looking at old family photos can be helpful to get a sense of what people wore! Luckily, there are a lot of photographs of Carole King with Gerry Goffin, Cynthia Weil, and Barry Mann during the time periods the musical takes place. This was extremely helpful in shaping the silhouettes and styles of each character along with their hair and makeup.

Carole King’s personal style evolves throughout the musical. How did you reflect this evolution through her costumes?

During my research process, I realized that most people have a certain image of Carole King when they first think of her. We all generally think of her in the 1970s with her wild, curly hair and relaxed bohemian style. However, a majority of the musical takes place before 1970. When you look back at when she first started writing and producing music she dressed very of the times of the 1950s and 1960s. From what I
gathered, Carole typically dressed fairly subtle and simplistic, feminine but never very flashy or overly trendy. The musical starts off with at 16-year-old and ends with her at the age of 29, so we definitely see her mature throughout the show. So at the beginning we see her dressed very youthful and almost school girlish since she is so young even though she’s in college. She then gets married, has children, and a career at a very young age so I wanted to dress her as someone that has to mature into an adult quickly. I referenced a lot of photos of the time when she was wearing simple day dresses and as time goes on and her music progresses we see her move from dresses to pants and then when she fully discovers her confidence as a musician and comes into her own we see more of the iconic 1970s look she is well remembered by.

The musical features various iconic figures from the music industry. How did you approach designing costumes for characters such as Gerry Goffin, Cynthia Weil, and Barry Mann to capture their personalities and styles?

I first looked at photos of them taken in the 1960s. From these photos, rather than trying to recreate certain outfits I took them as inspiration for each of their personalities and styles. For the stage, I also heightened the contrast between each of them. For example, Carole dressed a little more simplistically and Cynthia was a little more trendy. Even in the script, they always reference how nicely dressed and chic Cynthia was. So I wanted to create a visual contrast with Cynthia being dressed in sharper more form fitting silhouettes, bright colors, and different textures. As the show goes on, I also wanted to embrace Cynthia’s mod 1960s styles with Carole’s more 1970s bohemian style. Gerry Goffin was very serious about writing music but also went through some tumultuous struggles and overthinking things in head throughout the show. So we see him dressed a little more straight laced but also see him in complex patterns and very cool tones. Barry Mann is the more light-hearted, charismatic character of the group so I had him dress in more playful silhouettes and patterns that were fun fashion moments for men in the 1960s and early 1970s.

Can you discuss any specific details or embellishments in the costumes that hold particular significance or symbolism in the context of the musical?

There is symbolism in the colors of certain costumes that I’m not sure the audience will pick up on but if they do I think it would make certain scenes carry an extra meaning. Throughout the show, Gerry wears purple and blue tones. There is a scene in Act 2 when Carole is recording “Natural Woman” and has difficulty recording it because it reminds her of Gerry. She performs the song beautifully while wearing a
purple blouse, to signify her love for Gerry and even though she is not with him any more, he is still a pivotal part of her history. In the finale, she wears her iconic blue dress right after talking to Gerry and he tells her she’s “going all the way” with her music as she becomes her own solo act and shines on her own.

The musical includes performances of Carole King’s iconic outfits – how did you recreate these looks while also infusing them with a theatrical flair?

In the musical, we really only see Carole King perform at Carnegie Hall. For people who have already seen “Beautiful” or know of “Beautiful”, they typically remember the blue dress she wears in the finale. I wanted to keep this iconic color but put it in a different textile to give it a different visual interest. I also wanted to reference a dress she wore in a BBC filmed performance in 1971 to fully embody her. However, there are a lot of performances by musical groups that perform the songs she wrote. For The Drifters and The Shirelles, we recreated their iconic looks of the 1960s. We actually built the dresses for the Shirelles and based the silhouette on a real performance photo of them. To make them theatrical we added certain design elements such as sequins and a romantic shade of pink fabrics to make them more dynamic and pop against the set!

Hair and makeup play integral roles in transforming actors into characters. How did you collaborate with the wig designer and team to ensure that the overall look for each character in “Beautiful” was cohesive and authentic to the time period?

Hair plays a major role in “Beautiful”! Since the show moves through almost three different decades, the wigs help show the progression of time and fashion. This show has the most amount of wigs we have ever done in a show at Charleston Stage. The wig designer, Abbie Jones, and I looked at a lot of research images for all the characters that are based on real people. We discussed how to interpret certain hairstyles and adapt them for the stage and for the characters. For the ensemble, Abbie Jones did some more research of the time period and found creative ways to style everyone slightly differently and accurately for the time periods!

Cosa speri che il pubblico porti con sé dopo aver visto la produzione di “Beautiful” del Charleston Stage e aver sperimentato le tue meravigliose scenografie sul palco?

I really hope people feel like they have been transported back in time, especially to a time when music and design was really evolving. I had so much fun designing this show and being inspired by the 1960s (one of my favorite decades of fashion), especially since it is a decade I have gotten to design in! The show is so vibrant and fun while also evoking the joys and heartbreaks we all experience while growing up and becoming the people we want to be. And of course, I hope people leave wanting to listen to more Carole King’s music and experience the beauty of it!

BEAUTIFUL: THE CAROLE KING MUSICAL è in scena all'Historic Dock Street Theatre dal 10 al 28 aprile 2024. Clicca QUI per prenotare i tuoi posti.

HAYLEY O’BRIEN (Costume Designer)
Originally from South Florida, Hayley graduated from Florida State University with a Master of Fine Arts in Costume Design and a Bachelor of Arts in Theatre. Her recent credits at Charleston Stage include The Trip to Bountiful, Clue ed La famiglia Addams: un nuovo musical. Altri crediti includono Kinky Boots, JFK and Inga Binga, Native Gardens ed Spirito allegro. Attende con impazienza le future produzioni al Charleston Stage ed è grata di essere coinvolta nel programma TheatreWings. Hayley vorrebbe ringraziare la sua famiglia e i suoi amici per tutto il loro amore e sostegno!

Come hai trovato il giusto equilibrio tra il onorare le sue composizioni originali e allo stesso tempo infonderle con una fresca energia teatrale?

In un certo senso è impegnativo produrre un pezzo basato su persone reali, ma ti dà anche tanto materiale da cui attingere. Anche se le canzoni possono essere familiari a molti, vederle in ordine storico e rendersi conto di quante canzoni popolari e gruppi musicali siano stati influenzati da Carole King come compositrice è sorprendente e quindi allinearli con ciò che stava vivendo come donna in quel periodo di tempo. offre al pubblico molto da considerare e apprezzare.

Puoi parlare del processo creativo dietro la traduzione della sua storia in uno spettacolo visivo?

Una delle sfide più grandi per quello che è fondamentalmente un musical da jukebox (un musical da jukebox è un musical teatrale o un film musicale in cui la maggior parte delle canzoni sono brani di musica popolare ben noti, piuttosto che musica originale) è che per molti versi è è più una serie di concerti. Il set di Broadway aveva un aspetto molto specifico e molte produzioni regionali facevano qualcosa di simile. So che questo è uno spettacolo che molti dei nostri clienti potrebbero aver visto a Broadway o in un tour nazionale, quindi volevo che la nostra produzione avesse un aspetto diverso dal momento in cui si alza il sipario. Il nostro ospite scenografo Seth Howard (sethhowarddesigns.com) aveva progettato lo spettacolo per un'altra azienda all'inizio dell'anno ed era entusiasta di adottare un nuovo approccio. Abbiamo giocato con diversi look, ma abbiamo optato per un edificio per uffici ispirato a “Mad Men” come immagine principale. Lo spettacolo passa dalle stanze degli scrittori al 1650 Broadway a spettacoli televisivi completi o concerti dal vivo senza intervallo di tempo. Il nostro progettista dell'illuminazione residente Caleb S. Garner (calebsgarner.com) si è affrettato ad aiutarci a trovare molti modi in cui il lighting design ci portasse dentro e fuori dalle scene del libro fino alle performance musicali.

Cosa pensi che ci sia nella storia di Carole King che trascende generazioni e culture?

Penso che la familiarità sia un tema con cui il pubblico si relaziona sempre. Se non hai mai sentito una sola canzone cantata o scritta da Carole King, rimarrei molto sorpreso MA chi non riesce a identificarsi con un giovane che cerca di seguire il proprio sogno o qualcuno che lotta in amore, matrimonio o genitorialità. La sua storia include forti amicizie, famiglia e carriera. Ci vengono ricordate varie parti della nostra vita.

Quali qualità cercavi nell'attore che interpreta Carole King per assicurarti che potesse catturare l'essenza della sua controparte nella vita reale?

Come ogni musical, hai bisogno di un attore ben preparato e con una bella voce. Interpretare una persona reale non significa impersonare, ma cercare le verità condivise con il personaggio. Eliza Knode lavora al Charleston Stage da due anni come attore residente. Sapevo che durante il suo primo anno con noi sarebbe stata una Carole fantastica ed è uno dei motivi per cui abbiamo aggiunto lo spettacolo per la sua seconda stagione. Ha letto molto su Carole King e ha guardato interviste e spettacoli, ma alla fine ha creato un personaggio che è una gioia da guardare e ascoltare.

Quali aspetti dello spettacolo hanno risuonato con te personalmente o artisticamente?

Adoro un momento nella scena iniziale in cui Carole parla al pubblico della Carnegie Hall della sua carriera:

“E sai cosa c'è di così divertente nella vita? A volte va come vuoi e a volte no. E a volte, quando non è così, trovi qualcosa di bello”

Trovo che questo sia vero nella vita e nell'essere un direttore artistico.

Come hai lavorato con il cast e il team creativo per garantire che le performance musicali catturassero l'essenza della sua musica??

Charleston Stage si è impegnato a offrire a molti artisti posizioni retribuite a tempo pieno con noi. Ciò include il direttore musicale Sam Henderson. Sam ha costruito rapporti meravigliosi con molti dei migliori musicisti di Charleston e quindi la nostra orchestra dal vivo è qualcosa che molti teatri non hanno. Inoltre, lavora instancabilmente con il cast non solo per insegnare la musica, ma anche gli stili e la finezza che fanno risaltare ogni gruppo.

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MARYBETH CLARK (Direttore artistico e Regista di Bellissimo: il musical di Carole King)

Marybeth è alla sua venticinquesima stagione con il Charleston Stage. È nata a Pittsburgh, Pennsylvania, ed è cresciuta a Tolland, CT. Marybeth ha una laurea in teatro/spettacolo presso l'Università della Florida del Sud ed è stata scelta per il suo primo spettacolo in un teatro Equity all'età di 18 anni a Tampa. Ha lavorato come attrice nei teatri professionisti del sud-est per dieci anni prima di stabilirsi a Charleston nel 1994 con suo marito, l'attore Victor Clark. Era membro della facoltà di teatro presso la School of the Arts della contea di Charleston per studenti delle scuole medie e superiori. Sebbene si fosse trasferita a Charleston con l'intenzione di "ritirarsi" dal teatro e mettere su famiglia, ha insegnato e diretto part-time per il Charleston Stage a partire dal 1997, prima di unirsi alla compagnia a tempo pieno l'anno successivo.

Lei e Vic sono gli orgogliosi genitori di 2 figlie, Lila e Prentice. Lila si è recentemente laureata alla Drew University e si sta preparando per il programma di dottorato al MUSC e Prentice insegna a studenti con bisogni speciali al Washington Center di Greenville, Carolina del Sud. Marybeth e Vic non hanno un nido vuoto ma condividono la casa con la madre di Marybeth e molti cani e gatti adottati.

Durante la sua permanenza al Charleston Stage ha diretto oltre 70 spettacoli, tra i preferiti figurano: Kinky Boots, Uomini e topi, Mamma Mia! ed Elfo Il Musical. Ha iniziato il programma di recitazione professionale residente al secondo anno con la compagnia e continua ad assumere, formare e supervisionare i nostri giovani attori professionisti.

Come attore per Charleston Stage, Marybeth è apparsa in Shakespeare in Love, Helium, Non puoi portarlo con te, Il matrimonio di Bette e Boo, Magnolie d'acciaio, Canto di Natale e più recentemente come Madame Arcati in Spirito allegro.

Come ti sei avvicinato alla progettazione del set di “Beautiful: The Carole King Musical” per catturare l'essenza dell'era e della vita di Carole King?

Questa è la seconda volta che progetto questo spettacolo nell'ultimo anno, quindi conosco molto bene il materiale. Per questa versione, volevo davvero concentrarmi sulla creazione di un ambiente generale in cui Carole e gli altri personaggi si sarebbero sentiti a proprio agio. Il palco del Dock Street Theatre è piccolo, con poco spazio sulle quinte. Quindi la creazione di un ambiente in grado di trasformarsi rapidamente ha guidato la progettazione più di ogni altra cosa.

Quali ricerche hai condotto per garantire che la scenografia rifletta accuratamente il periodo di tempo e i luoghi rappresentati nel musical?

Ho iniziato con tonnellate di ricerca visiva. Sfogliando i libri di design per definire il periodo e poi passando alla ricerca online. Ho estratto immagini che in un certo senso supportassero le immagini che vedevo nella mia testa e ho iniziato a costruire il mondo da lì. Fortunatamente, il periodo moderno della metà del secolo è facile da ricercare, poiché è ancora uno stile comune utilizzato oggi. 

La storia di Carole King coinvolge vari luoghi iconici, dagli studi di registrazione alle sale da concerto. Come hai ricreato questi spazi sul palco mantenendo uno stile visivo coerente?

E' un grande spettacolo per questo locale! Andiamo in molte località in tutto e in rapida successione. Quindi il mio lavoro come designer è sempre quello di assicurarmi che tutto scorra senza soluzione di continuità da una scena all'altra. Dopo aver conosciuto tutte le location, ho iniziato a pensare e pianificare tutti gli elementi scenici necessari per ogni scena. Poi ho preso tutte queste informazioni e ho iniziato a sperimentare come funziona tutto all'interno della struttura scenica che avevo stabilito in precedenza. Per questo progetto, l’illuminazione gioca un ruolo cruciale nell’aiutarci a stabilire i cambiamenti nei luoghi. Ci sono colonne rivestite con LED che possono aiutarci a cambiare rapidamente il colore del set. Insieme ad alcune transizioni aggiuntive sul set, potremmo spostarci facilmente in luoghi diversi. Naturalmente tutto deve essere “coreografato” in un certo senso. E queste sono le cose su cui abbiamo lavorato durante la tecnologia! Questo design presenta anche molti scenari volanti e segnali che ci aiutano a denotare la posizione.

Puoi parlarci di eventuali sfide specifiche che hai dovuto affrontare nel progettare il set di “Beautiful” e di come le hai superate?

Sì, questo è un grande spettacolo per il palco di Dock Street. E non abbiamo il lusso dell'automazione scenica, che è qualcosa su cui il design di Broadway ha fatto affidamento e ha utilizzato pesantemente. La sfida più grande è stata come far sì che tutto si adattasse, mantenendo allo stesso tempo abbastanza spazio nel backstage per far vivere tutte le scene. Fondamentalmente era un puzzle molto grande. Ho trascorso molte ore seduto e lavorando con la planimetria, semplicemente spostando e ridimensionando gli elementi fino a quando tutto ciò di cui avevamo bisogno si adattava. È stata una sfida, ma siamo riusciti a far funzionare tutto!

La musica di Carole King ha una qualità profondamente personale. Come hai incorporato gli elementi della sua personalità e del suo viaggio nella scenografia?

Il set si concentra sul luogo in cui Carole ha iniziato la sua attività nel settore, 1650 Broadway. La mia speranza è che potremmo amplificare ulteriormente il suo umore e il suo amore per la musica attraverso l'uso del colore. Ci sono momenti in cui le sue canzoni sono piene di gioia e l'illuminazione è brillante e divertente. D'altra parte, ci sono momenti in cui le sue canzoni sono più sentite e possiamo abbassare la saturazione e l'intensità dell'illuminazione per adattarle.

Il set funge spesso da sfondo per le esibizioni musicali. Come avete fatto in modo che la scenografia completasse e valorizzasse i numeri musicali?

Per questi momenti, ci sono scene aggiuntive che arrivano per aiutarci a creare quelle immagini. Alcune parti del set sono sempre in uso ma hanno piccoli trucchi e cose nascoste all'interno che ci permettono di trasformare quei pezzi e aggiungere un po' di allegria per le scene che lo richiedono. 

Cosa speri che il pubblico porti con sé dopo aver visto la produzione di “Beautiful” del Charleston Stage e aver sperimentato le tue meravigliose scenografie sul palco?

Spero che il pubblico se ne vada sentendo tutta la gioia, l'amore e la passione che Carole aveva per la musica e la narrazione attraverso le canzoni! Come per ogni progetto, il mio obiettivo principale era semplicemente quello di supportare la storia. Se il pubblico se ne va con un sorriso e canticchiando la sua melodia preferita, allora considero un lavoro ben fatto!

BEAUTIFUL: THE CAROLE KING MUSICAL è in scena all'Historic Dock Street Theatre dal 10 al 28 aprile 2024. Clicca QUI per prenotare i tuoi posti.

SETH Howard (scenografo ospite)
Seth è uno scenografo freelance con sede a St. Louis, MO. Ha progettato molte produzioni regionali ed esperienze a tema in tutto il paese. Alcuni dei suoi crediti di progettazione includono Scuola di Rock ed Ragtime (Teatro dei bambini Colombo); The Mountaintop ed Trappola mortale (Palcoscenico e schermo della costellazione); Jersey Boys ed Vieni da lontano (Teatro Aspen); Una volta su quest'isola (Palcoscenico di Charleston); Cinderella ed Il Wiz Jr. (Teatro dei Bambini di Cincinnati); Migliore/perdente (Opera drammatica di Palm Beach); La famiglia Addams ed Bellissimo: il musical di Carole King (Arrow Rock Lyceum Theatre). Dai un'occhiata a @sethhowarddesigns sui social media. www.sethhowarddesigns.com

Un ricordo d'infanzia nascosto sul set di In viaggio verso Bountiful
Di Julian Wiles, regista e co-scenico

Orientamento In viaggio verso Bountiful mi ha riportato alla mente molti ricordi. Come l'87enne signora Watts, il personaggio centrale della commedia, anch'io discendo da una lunga stirpe di agricoltori. I miei nonni erano agricoltori e, come la casa d'infanzia della signora Watt, la loro casa cadde in rovina e infine in rovina quando la nonna e il nonno si trasferirono in una casa nuova di zecca che i miei genitori costruirono per loro quando avevano 80 anni. Era proprio in fondo alla strada rispetto alla casa di legno con due camere da letto dove avevano cresciuto cinque figli, inclusa mia madre. Lo fecero nel mezzo della grande depressione e, sebbene vivessero in circostanze umili, mia madre disse che non si trovarono mai nel bisogno. Come agricoltori avevano il latte fresco delle loro mucche, le verdure del loro enorme orto e il calore e l'amore reciproco per sostenerli.
 
Anche mia madre e mio padre erano agricoltori. Comprarono la loro fattoria e una fattoria del 1913 nella contea rurale di Calhoun, dove sono cresciuto, il giorno in cui mi riportarono a casa dall'ospedale. Quando ero ragazzo di campagna, uno dei miei primi giocattoli fu un trattore John Deere in ghisa giallo e verde brillante che mio padre mi comprò. Ho arato un sacco di acri immaginari con questo piccolo trattore e ricordo di aver portato i miei cani e gatti a fare passeggiate nei cortili, nel piccolo carro che tiravo dietro il mio trattore.
 
Quando Adam Jehle e io abbiamo iniziato a lavorare sui set di In viaggio verso Bountiful, in particolare, la casa della signora Watt, stavo cercando un modo per urtare la memoria del figlio della signora Watt, Ludie, e ricordargli la sua infanzia tanto tempo fa giocando fuori dalla vecchia fattoria dei nonni. E così, quando ho visitato la nostra azienda agricola di famiglia alcune settimane fa, mi sono imbattuto nel mio trattore giocattolo John Deere. L'ho trovato polveroso e abbandonato in un vecchio capannone e ho pensato che i ricordi che mi riporta alla mente sarebbero stati simili a quelli che Ludie avrebbe provato se avesse ritrovato il suo giocattolo d'infanzia. Ho riportato il mio piccolo trattore in Dock Street e l'ho messo sul palco nella scena finale. Sebbene questo ricordo speciale della mia infanzia sia solo un piccolo elemento della scenografia complessiva, rappresenta il tipo di elementi magici speciali che gli scenografi cercano per aiutare a raccontare una storia e darle un significato speciale. Puoi intravedere il mio trattore nella scena finale di Il viaggio verso Bountiful. Come la signora Watts e suo figlio Ludie, il mio piccolo trattore ha ritrovato la strada di casa.

Spettacoli di In viaggio verso Bountiful continua a correre dal 7 al 17 marzo all'Historic Dock Street Theatre. Per i biglietti, visita CharlestonStage.com.

Drammaturgo, regista, designer ed educatore, Julian Wiles, ha fondato Charleston Stage nel 1978 e ha guidato la compagnia per 45 stagioni fino al suo ritiro nel 2023.
 
Wiles è cresciuto in una fattoria a Fort Motte, Carolina del Sud, e ha studiato storia e teatro al College of Charleston (BA 1974). Si è trasferito nella Carolina del Nord per perseguire un lavoro di laurea in progettazione teatrale ricevendo un MFA in Arte Drammatica presso l'Università della Carolina del Nord a Chapel Hill nel 1976. Tornò a Charleston e nel 1978 fondò Charleston Stage, la compagnia residente dell'Historic Dock Street Theatre. , il primo teatro d'America. Sotto la guida di Wiles, il Charleston Stage è diventato uno degli istituti di arti dello spettacolo più grandi e rispettati della regione, producendo oltre 120 spettacoli professionali all'anno e comprendendo un vasto programma educativo che raggiunge oltre 25,000 giovani ogni anno.
 
Durante i suoi 45 anni di mandato come fondatore e direttore artistico di produzione, Wiles ha progettato, diretto e prodotto oltre 300 spettacoli teatrali e musical per il Charleston Stage. Ha scritto 34 opere teatrali originali, musical e adattamenti teatrali, otto dei quali sono pubblicati da The Dramatic Publishing Company. Molte delle sue opere originali, come La sede della giustizia, Gershwin a Folly, Beneath the Sweetgrass Moon, Danimarca Vesey, Insurrectioned JFK e Inga Binga celebrare il ricco patrimonio culturale e storico del Lowcountry. Più di 100 produzioni delle opere pubblicate di Wiles sono state eseguite negli Stati Uniti ea livello internazionale.
 
Wiles ha ricevuto il National Youth Theatre Director's Award nel 1988, il NAACP Special Recognition Award di Charleston nel 2004, il South Carolina Governor's Award for the Arts nel 2010 ed è stato inserito nella Hall of Fame della SC Theatre Association nel 2018. Nel 2021, è stato premiato il Distinguished Alumnus Award dell'Università della Carolina del Nord.
 
Nell'aprile 2024, Wiles sarà inserito come membro del College of Fellows dell'American Theatre. L'investitura dei nuovi membri avviene sotto gli auspici del Dipartimento dell'Educazione del John F. Kennedy Center for the Performing Arts di Washington, DC L'appartenenza al College of Fellows dell'American Theatre è una delle più alte onorificenze conferite a educatori e professionisti del La comunità educativa e teatrale americana.
 
Per ulteriori informazioni sulle sue opere originali visita www.julianwiles.com.

Cari amici,

Sono entusiasta di tornare al Charleton Stage come regista ospite per Il viaggio a Bountiful, una delle mie commedie preferite. Mentre penso che tutti conoscano drammi così famosi e commoventi come Per uccidere un tordo, l'operatore di miracoli, ed The Sound of Music, l'American Theatre è pieno di gemme nascoste, opere straordinarie i cui titoli non sono così conosciuti. In viaggio verso Bountiful è certamente una di queste meravigliose gemme nascoste, nonostante abbia vinto numerosi Tony, Emmy e Academy Awards nel corso degli anni. I Viaggio a Abbondanza è sicuramente uno spettacolo da non perdere.

E l'esuberante personaggio principale di 80 anni, la signora Carrie Watts è uno dei grandi ruoli del teatro americano. Attrici pluripremiate come Geraldine Page e Cecily Tyson hanno ottenuto consensi per questo ruolo e qui al Charleston Stage abbiamo la meravigliosa attrice veterana di 84 anni, Samille Basler, in questo ruolo principale. Ricorderai Samille per i ruoli memorabili nelle mie opere Elio ed gershwin at Follia, portando risate spaccanti a commedie memorabili come Non puoi portarlo con te ed Spirito allegro, e commuovendo il pubblico con le sue potenti performance Lo zoo di vetro ed Per uccidere un tordo beffardo. L'interpretazione di Samille della signora Carrie Watts in In viaggio verso Bountiful è uno da non perdere.

Ti esorto ad acquistare oggi stesso i biglietti per questa meravigliosa opera teatrale del drammaturgo vincitore del Premio Pulitzer, Horton Foote, meglio conosciuto per le sue sceneggiature vincitrici dell'Oscar per Per uccidere un mockingbird ed Tenere misericordie.

È una gioia tornare ancora una volta sulla mia sedia da regista, unendomi a Samille e alle sue formidabili casematte mentre portano per la prima volta questa pluripremiata gemma nascosta sul palco del Dock Street Theatre.

Ottieni quei biglietti oggi!

Spero di vederti a teatro!

Julian Wiles, Fondatore e Direttore Emerito

By PIEDE DI HORTON
Direzione da GIULIANO WILES 

Sponsor associati:
Hewitt Family Fund della Coastal Community Foundation of SC
Dr. Del e Linda Schutte

Segui l'ottantenne Mama Watts mentre parte per l'avventura della sua vita, determinata a scappare dall'angusto appartamento di città di suo figlio e dalla nuora controllante, e tornare un'ultima volta nella sua città natale di Bountiful, in Texas. Ma cosa farà quando si troverà bloccata in una stazione ferroviaria nel cuore della notte, scoprendo che l'ultimo residente di Bountiful, Texas, è morto due giorni fa? Guarda come la signora Watts si affida a nuovi amici, ricordi affettuosi e alla sua fede incrollabile per cantare e ballare attraverso momenti difficili. Questo toccante classico vincitore del Tony Award di Horton Foote, autore della pluripremiata sceneggiatura Buio oltre la siepe, pone le domande secolari; cos'è casa e potrai mai davvero tornare a casa?

Gli spettacoli si svolgono dal 28 febbraio al 17 marzo. Per i biglietti, visita CharlestonStage.com.

Di Heather Rose Artushin • Genitore di bassa campagna

Passeggiando accanto allo storico Dock Street Theatre nel centro di Charleston, non è un segreto che le mura di 215 anni conservino ricordi di spettacoli esauriti degli anni passati, molti dei quali degli attori residenti del Charleston Stage.

Ma ciò che il teatro non può contenere è la programmazione educativa basata sulla comunità che il Charleston Stage è orgoglioso di offrire ai bambini del Lowcountry.

Marybeth Clark, direttrice artistica del Charleston Stage, ha iniziato il suo lavoro con l'organizzazione 25 anni fa come direttrice dell'istruzione. “Sono venuta davvero per costruire il programma educativo”, ha detto. "Penso che l'impatto più grande che ho avuto sia quello che ora è il nostro programma per attori residenti."

Charleston Stage assume giovani attori di età compresa tra 22 e 28 anni laureati in teatro presso università di tutto il paese. I 10 residenti selezionati trascorrono un anno vivendo a Charleston e lavorando a tempo pieno con il Charleston Stage, esibendosi e insegnando ai giovani locali. I residenti seguono una formazione per insegnanti e ricevono programmi di lezioni strutturati per offrire le migliori opportunità educative ai bambini della comunità.

"Siamo molto orientati al processo soprattutto durante l'anno scolastico", ha affermato Clark. “Ci concentriamo maggiormente sulle abilità in primavera e arriva il giorno in cui tutti si esibiscono. Se segui le lezioni con noi, abbiamo classi di livello superiore chiamate troupe, e questi sono i ragazzi a cui permettiamo di fare audizioni per gli spettacoli quando è appropriato. Devono funzionare come un adulto in uno spettacolo.

Non tutti i bambini sono aspiranti attori e, indipendentemente da dove li porta la vita, le abilità che apprendono dalla loro esperienza con Charleston Stage sono inestimabili

"Si tratta di bambini che hanno uno spazio sicuro dove possono imparare a condividere i loro pensieri, le loro emozioni e le loro storie", ha condiviso Clark. “Imparano anche a ricevere i pensieri, le emozioni e le storie di un'altra persona, anche se sono diversi da loro. E questo è ciò che è l’arte: comunicare idee e sentimenti ed essere in grado di riceverli”.

Capacità interpersonali, autoconsapevolezza e capacità organizzative sono in cima alla lista delle lezioni di vita che gli studenti hanno imparato dai programmi educativi di Charleston Stage.

La registrazione dei corsi estivi del Charleston Stage si aprirà a febbraio e sicuramente si riempirà velocemente. "Ho più di 200 bambini a settimana nelle classi qui durante il normale anno scolastico", ha spiegato Clark. "Abbiamo una bellissima struttura a West Ashley, lo stesso studio dove proviamo i nostri spettacoli principali, dove teniamo le lezioni."

Gli studenti trascorrono gli ultimi due giorni del campo di una settimana sperimentando le prove sul palco e uno spettacolo finale al Pearl, un teatro da 130 posti a West Ashley.

Durante la pandemia, Clark e il suo team hanno colto l'occasione per riflettere sulla loro programmazione educativa e su come raggiungere più bambini nella comunità.

"Abbiamo sempre avuto borse di studio in modo che le finanze non fossero un ostacolo", ha detto. “È stato un po’ un privilegio da parte mia. L’ostacolo è il tempo, i trasporti e l’impegno familiare. Potrebbero non avere nemmeno un’auto e non possono lasciare il lavoro per portare i propri figli a una lezione delle 4, anche se è gratuita”.

Pertanto, Charleston Stage ha iniziato a collocare insegnanti in alcune delle scuole Titolo I del distretto scolastico della contea di Charleston per offrire le stesse lezioni durante i programmi di doposcuola già esistenti. Quando alcuni ragazzi hanno espresso curiosità per lo studio di West Ashley, il Charleston Stage ha raccolto i fondi per fornire un autobus che portasse i bambini alle lezioni del fine settimana presso lo studio e poi di nuovo in una posizione centrale.

Clark ha detto che in alcune situazioni, agli insegnanti e ai genitori vengono dati i biglietti per prendere l'autobus per andare a teatro per vedere uno spettacolo e i loro figli si esibiscono sul palco.

Il gruppo teatrale locale intende assicurarsi di avvalersi di un cast diversificato di attori residenti per rappresentare tutti i bambini del pubblico e della classe.

"Quando scegliamo il cast, sono molto attento a trovare attori che riflettano alcuni dei bambini a cui insegneranno", ha detto Clark. “Uno dei nostri insegnanti maschi è entrato in una scuola, ed è afroamericano, e un ragazzo ha detto: 'I nostri capelli sono uguali!' Non sapevano cosa fosse il teatro, ma hanno iniziato a lavorare insieme e se ne sono innamorati.

Quando vedrai il Dock Street Theatre durante la tua prossima passeggiata in centro, non dimenticare che è più di un edificio storico: ospita un'organizzazione impegnata a elevare i bambini di Charleston attraverso le arti.

"Il nostro fondatore, andato in pensione l'anno scorso, ha avviato la compagnia come un teatro per i giovani, sull'educazione, e non abbiamo mai abbandonato questa missione", ha concluso Clark.

Visita charlestonstage.com per saperne di più sui programmi educativi di Charleston Stage.

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Sono felice di riconnettermi con Aline Toloto, il genio creativo dietro gli incantevoli oggetti di scena nella nostra produzione di A CHRISTMAS CAROL. Le sue eccezionali abilità brillano ancora una volta al Dock Street Theatre, offrendoti uno sguardo esclusivo sull'arte dietro gli oggetti di scena per questo classico senza tempo di Dickens.

1) Cosa ti ha ispirato a lavorare sul design degli oggetti di scena per A CHRISTMAS CAROL e come ti connetti personalmente ai temi e all'atmosfera di questa storia classica?

Il design colorato e ricco della scenografia e dei costumi è stato un'ispirazione significativa per il mondo degli oggetti di scena. Adoro UN CANTO DI NATALE! Il mio primo incontro con la storia è avvenuto attraverso il film quando ero bambino. Ricordarci che la vita è troppo breve e che, in fin dei conti, ciò che conta davvero sono le persone e le relazioni che sei riuscito a coltivare nel corso della vita è un messaggio che non invecchierà mai.

2) Gli oggetti di scena sono essenziali per creare un mondo credibile sul palco. Come ti sei avvicinato alla ricerca e hai raccolto ispirazione per assicurarti che gli oggetti di scena in A CHRISTMAS CAROL fossero autentici per il periodo e l'ambientazione?

Fortunatamente, al giorno d'oggi, la ricerca è molto più accessibile di prima, il che aiuta con la stretta di tempo occasionale che incontriamo mentre produciamo molte produzioni contemporaneamente in negozio. Il mio processo di ricerca prevede tre fasi. Inizialmente, mi addentro nella ricerca storica, che in genere abbraccia non solo l'anno target ma anche i decenni precedenti. Il mio secondo passo prevede l'esame degli oggetti di scena cinematografici e di altre produzioni. Lo trovo prezioso perché consente al pubblico di connettersi con la storia a un livello diverso, attingendo alle esperienze che potrebbero aver avuto in precedenza. Il passaggio finale consiste nell'utilizzare la mia intuizione progettuale per trovare un equilibrio tra l'accuratezza storica e ciò che completerà esteticamente la produzione complessiva.

Guarda il trailer dello show di A CHRISTMAS CAROL qui sotto!

3) La collaborazione è fondamentale nel processo produttivo. Puoi condividere informazioni su come hai collaborato con il regista e gli altri membri del team creativo per garantire che gli oggetti di scena siano in linea con la visione generale della produzione?

Assolutamente, la collaborazione è la chiave per una produzione teatrale di successo. Ho collaborato molto bene con lo scenografo, ad esempio, per migliorare il collegamento tra lo sfondo della camera da letto di Paperone e i mobili che avrebbero occupato quello spazio: il letto e la poltrona. Abbiamo discusso della tavolozza dei colori, selezionato campioni di tessuto e ci siamo impegnati in numerosi avanti e indietro, incorporando costumi e luci nella discussione per garantire che ogni elemento di design fosse coerente.

4) Dato che A CHRISTMAS CAROL è un classico delle vacanze, hai incorporato qualche oggetto di scena a tema natalizio per migliorare l'atmosfera festosa della produzione? Puoi fornire degli esempi?

Nel nostro approccio alla produzione, abbiamo infuso la magia delle vacanze in vari mobili e oggetti di scena. Pur non essendo strettamente storici, questi dettagli miravano a catturare l'essenza del Natale che risuona nel pubblico. Abbiamo colto ogni occasione per adornare gli spazi con elementi festivi, sia aggiungendo un tocco di fiocchi rossi e dorati o incorporando luci natalizie. Ogni angolo disponibile è stato utilizzato per infondere un tema natalizio in tutta la produzione.  

5) L'attenzione ai dettagli è fondamentale nella progettazione dell'oggetto di scena. C'erano oggetti di scena specifici in A CHRISTMAS CAROL che richiedevano un'attenzione particolare ai dettagli per garantire l'accuratezza storica o il significato tematico?

Assolutamente! Un esempio notevole è la poltrona utilizzata nella camera da letto di Paperone. L'oggetto di scena ha richiesto un grande impegno da parte del team, richiedendo giorni di modifiche per garantire che funzionasse perfettamente. Anche se non voglio rivelare troppo per preservare la magia, posso assicurarti che una volta che il pubblico lo vedrà, capirà il significato speciale di questo oggetto di scena. Sottolinea la convinzione che dedicare tempo e attenzione anche ai più brevi momenti sul palco valga sempre la pena.

6) Hai qualche creazione di scena preferita in A CHRISTMAS CAROL di cui sei particolarmente orgoglioso o che si distingue come memorabile?

Il mio oggetto di scena preferito è il cavallo pezzato che accompagna il carretto giocattolo. Il processo di creazione è stato piuttosto impegnativo e ho collaborato a stretto contatto con Prop Artisan, 
Hailee Selby. Il risultato finale è stato incredibilmente gratificante: avere un cavallo pezzato bello e senza tempo che si distingue davvero.

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 14 al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

Originaria del Brasile, Aline ha conseguito un Master in Belle Arti in Teatro e Tecnologia con specializzazione in Scenografia presso l'Università del Mississippi meridionale. Con una vasta esperienza come Prop Master, scenografa e decoratrice di scenografie, i momenti salienti della carriera di Aline includono il suo ruolo di supervisore delle proprietà per la 45a stagione del Charleston Stage, supervisionando otto spettacoli accattivanti tra cui La famiglia Addams, Canto di Natale, ed Una volta su quest'isola. È entusiasta di continuare con l’azienda per il prossimo anno.

In un'intervista esclusiva, abbiamo incontrato Caleb S. Garner, la mente dietro l'accattivante design delle luci del Dock Street Theatre per la nostra ultima interpretazione di A CHRISTMAS CAROL. Esplora le complessità del suo approccio artistico mentre illumina la magia di questo classico natalizio senza tempo!

1) Cosa ti ha spinto a lavorare sul design delle luci per A CHRISTMAS CAROL e come ti colleghi personalmente ai temi e all'atmosfera di questa storia classica?

UN CANTO NATALIZIO fa parte della mia vita da quando ricordo. Era una tradizione natalizia per la mia famiglia, come lo è per tante altre. Il mio adattamento cinematografico preferito è in realtà la versione del 1984 di George C. Scott nei panni di Scrooge. Adoro il modo in cui questo adattamento utilizza la luce per passare dal naturale al soprannaturale e al passato, presente e futuro. Christmas Past aveva un che di nebuloso e onirico. Il regalo di Natale a volte è stato luminoso e allegro, a volte crudo e serio. Il futuro del Natale era buio e fumoso. Sono ancora affascinato dalla capacità di quell'adattamento di raccontare una grande storia attraverso la luce, e sono molto entusiasta di dare la mia interpretazione a quella grande narrazione. 

Come musicista di chiesa, ho dedicato molto tempo ai testi sull'Avvento e sul periodo natalizio. Una lezione che mi ha sempre colpito è che questa stagione non riguarda solo la nascita, ma anche la redenzione. È facile dimenticarlo A CHRISTMAS CANOL non è solo "il vecchio irritabile è spaventato dai fantasmi e ora adora il Natale". Scrooge è un personaggio complesso. Penso che la nostra produzione faccia un ottimo lavoro mostrando come si è adattato nel corso della sua vita e come riconnettersi con il suo passato gli ha permesso di reclamare il suo futuro. La storia mi ricorda una poesia del teologo americano e leader dei diritti civili, Howard Thurman, intitolata “The Work of Christmas”. La sua idea del “lavoro” del Natale sono le lezioni che Scrooge impara di nuovo per aprire di nuovo il suo cuore e amare.

Quando il canto degli angeli si placa,

Quando la stella nel cielo se ne va,

Quando i re e i principi sono a casa,

Quando i pastori torneranno con i loro greggi,

Iniziano i lavori di Natale:

      Per trovare i perduti,

      Per guarire ciò che è rotto,

      Per nutrire gli affamati,

      Per liberare il prigioniero,

      Per ricostruire le nazioni,

      Per portare la pace tra la gente,

      Fare musica nel cuore.

Questa è la produzione di A CHRISTMAS CAROL: fare musica nel cuore. Sono molto entusiasta di condividere questo regalo di Natale con tutti voi. 

2) L'illuminazione gioca un ruolo cruciale nel creare l'atmosfera per una produzione. Come ti sei avvicinato alla creazione di un progetto di illuminazione che completasse la narrazione e aumentasse l'impatto emotivo di un CANTO DI NATALE?

Quando ci siamo incontrati per la prima volta nel 2022 per discutere di questa importante rivisitazione della produzione, il drammaturgo Julian Wiles ha parlato della necessità di vivacità, colore e divertimento. Non volevamo avere una produzione che dicesse: "questo è il mondo di Paperone e tutto è triste, oscuro e vuoto". Volevamo una produzione che mostrasse al pubblico tutta la gioia, la compassione e l'amore che mancavano a Scrooge. 

È molto facile concentrarsi su Paperone e i fantasmi e realizzare una produzione oscura e spaventosa. E utilizzo luci scure con blu intensi e ombre profonde per rendere i fantasmi intensi e di grande impatto, ma cerco anche di mantenere lo spirito colorato della produzione utilizzando turchesi, magenta profondi e lavanda per dare ai fantasmi un senso di mistero senza è cupo e deprimente. Ho davvero adorato questo dipinto intitolato "Purple Energies" del pittore svizzero Fabien Bruttin come ispirazione per i fantasmi, in particolare Marley e Christmas Future.

Era anche importante mantenere il sentimento di festa durante tutto lo spettacolo. Non volevo che ogni scena sembrasse “Londra di notte”. Volevo un po' di varietà e dei colori più vivaci, quindi ho scelto il rosa lavanda, l'azzurro, l'arancio e il verde per rendere il mondo festoso e nuovo. Per me, Julian e Sam era importante evitare di far sembrare la produzione una cartolina di Natale vittoriana. Sebbene abbiano molti colori, erano spesso sbiaditi, troppo rossi e un po' troppo antiquati. Volevamo fantasia e una vasta gamma di colori. Ho preso ispirazione da questa foto di Covent Garden. Vedi se riesci a individuare alcuni di questi colori provenienti dalle luci mentre guardi! 

3) La collaborazione è fondamentale nel processo produttivo. Puoi condividere informazioni su come hai collaborato con il regista e gli altri membri del team creativo per garantire che il design delle luci sia in linea con la visione generale della produzione?

L'intero team di progettazione si incontra con mesi di anticipo per definire e perfezionare il nostro mondo di gioco in modo che il pubblico ottenga un prodotto finale unificato. Trascorriamo molto tempo a parlare, fare ricerche, disegnare e condividere, quindi siamo tutti sulla stessa lunghezza d'onda riguardo alla visione della produzione. Lo abbiamo fatto Un canto natalizio la scorsa stagione, ma non è stato così semplice come tirarlo fuori da una scatola e rimetterlo sul palco. La produzione della stagione 45 è stata fantastica, ma ogni area di progettazione aveva diverse cose che potevamo migliorare. Ciò includeva cose come il posizionamento degli sfondi, nuovi mobili e oggetti di scena, nuovi elementi di costume e nuovi trucchi magici.

Una nuova stagione offre anche al Charleston Stage nuovi attori, il che significa che le persone con diversi tipi di corporatura, corporatura e tonalità della pelle avevano bisogno di modifiche ai costumi esistenti e di nuovi colori di illuminazione che valorizzassero al meglio la loro pelle. Anche se quest’anno molte cose sono simili, molte cose sono anche abbastanza diverse. Il mio mentore delle luci, Craig Dettman, direbbe “stessa canzone, strofa diversa”.

Questa produzione ha molti "trucchi" associati ai Fantasmi e alla loro magia, e tutti richiedono un'attenta coordinazione con gli altri elementi di design e la direzione per essere eseguiti correttamente. La lapide di Paperone nella sequenza del cimitero è uno dei miei esempi preferiti. Quando Scrooge arriva per la prima volta al cimitero, non si rende conto di trovarsi sulla propria tomba; la lapide davanti a lui è vuota. Un'attenta coordinazione tra direzione, scenario e luci ci ha permesso di rivelare magicamente la parola "SCROOGE" sulla pietra. I suoni aggiunti, la nebbia e la splendida coordinazione dei colori dei costumi aiutano a creare l'immagine incredibilmente potente di Scrooge che realizza il suo destino. 

Ora che lavoro al Charleston Stage da diversi anni, ho sviluppato un ottimo rapporto e una sorta di linguaggio stenografico con il resto dello staff. Siamo regolarmente sulla stessa lunghezza d'onda e mi piacciono molto le nostre discussioni e collaborazioni. 

4) A CHRISTMAS CAROL ha momenti sia di oscurità che di luce. Come hai bilanciato l'uso della luce e dell'ombra per trasmettere i vari stati d'animo e temi durante la produzione?

Mi assicuro sempre che l'illuminazione soddisfi diversi fattori in ogni scena: visibilità, umore, rivelazione della forma, punteggiatura e narrazione. 

Visibilità significa semplicemente mettere la luce dove vuoi e rimuoverla dove non ti serve. L'umore è il modo in cui la luce utilizza colori, angolazioni e trame per visualizzare emozioni o atmosfere. C'è sempre un buon equilibrio tra umore e visibilità, perché spesso troppo dell'uno può danneggiare l'altro. Se la luce è troppo buia il pubblico fatica a comprendere l'azione sul palco, ma se il pubblico riesce a vedere ogni singola cosa sul palco, l'atmosfera della scena è compromessa.

La rivelazione della forma è il modo in cui illuminiamo figure e oggetti sul palco, dandoci dimensionalità. Anche il modo in cui riveliamo le figure sul palco ci aiuta a stabilire visibilità e umore. Ad esempio, illumino l’ensemble che canta “Joy To The World” in un modo totalmente diverso da come illumino Ghost of Christmas Future. 

Ogni frase ha una qualche forma di punteggiatura. Il modo in cui illuminiamo la fine di una frase sul palco è altrettanto importante quanto il modo in cui la frase termina sulla carta. Quando Marley lascia Scrooge, l'ultima riga della scena termina con un punto esclamativo: l'illuminazione dovrebbe assolutamente fare la stessa cosa. Non vogliamo una lenta dissolvenza nel nero qui; vogliamo un blackout a conteggio zero per concludere la scena con il botto!  

Lo storytelling significa far avanzare la narrazione, attraverso l'uso delle proprietà della luce che possiamo controllare. Queste proprietà sono intensità, distribuzione, angolo, colore, cambiamento e movimento. 

L'attenta considerazione e la combinazione di questi elementi ci aiutano a creare “look” individuali per distinguere i vari momenti dello spettacolo. Gran parte del bilanciamento deriva dall’esperienza e dall’intuizione. E un ottimo rapporto con il team di produzione!

5) Ci sono state scene o momenti specifici in A CHRISTMAS CAROL in cui hai utilizzato intenzionalmente l'illuminazione per evidenziare elementi chiave o emozioni? Puoi condividere esempi di come l'illuminazione migliora la narrazione?

Uno dei miei momenti preferiti nello show è quando visitiamo la canzone "A New Day Dawns". Ciò accade due volte nello spettacolo e ognuna è un punto importante nella vita di Scrooge. 

La prima volta che ascoltiamo la canzone, un giovane Scrooge vede per la prima volta la sua futura fidanzata, Belle. Volevo che il resto del mondo si sciogliesse così potessimo vedere Scrooge innamorarsi all'istante. Le luci si abbassano sui giovani Scrooge e Belle mentre canta la canzone. La presenza degli altri ospiti della festa si fa ancora sentire perché sono illuminati da una luce di colore più scuro, con una forte evidenziazione attorno alle loro sagome. Questo mostra le cifre generali, ma limita la visibilità dei volti in modo che il pubblico possa concentrarsi sul momento dell'amore a prima vista che accade dietro il palco. Il vecchio Scrooge e il fantasma del Natale passato sono ancora poco illuminati, quindi il pubblico può anche vedere Scrooge riprendere conoscenza con la sua umanità. 

Ciò accade una seconda volta nell'ultima parte del secondo atto. Scrooge va a casa di suo nipote Fred per fare ammenda e incontra la moglie di Fred, Caroline. Caroline sta cantando "A New Day Dawns" ed è nella stessa posizione di Belle. Scrooge e Caroline ricreano il momento in cui il giovane Scrooge e Belle si incontrano per la prima volta. L'illuminazione ha un delizioso abbassamento nello stesso modo di prima. È un momento davvero toccante quello in cui Scrooge si lascia amare nuovamente. 

Spero che l'illuminazione mostri i momenti profondamente personali con i giovani Scrooge e Belle, e poi Caroline e Scrooge con gli stretti pulldown. Le luci poi si aprono per rivelare gli altri personaggi, mostrando che erano lì per vedere l'arco narrativo del personaggio di Scrooge. 

6) La storia di A CHRISTMAS CAROL abbraccia diverse ambientazioni, dall'ufficio di Scrooge alla casa Cratchit. Come avete adattato il progetto illuminotecnico per creare atmosfere distinte per ogni location?

Ogni set di personaggi ha le proprie tavolozze di colori speciali. La scenografa Susan Crabtree ed io abbiamo lavorato a stretto contatto con la costumista Janine McCabe per assicurarci che ogni location avesse la propria speciale identità cromatica nei costumi, nelle scenografie e nel design delle luci. 

Un ottimo esempio può essere visto nella famiglia Cratchit e nella loro casa. Abbiamo scelto una combinazione di colori viola/lavanda per conferire ai Cratchit i tratti identificabili come unità familiare. Lo scenario ha elementi dei colori sullo sfondo e ogni personaggio ha i suoi colori nei costumi. Illumino la scena con blu e lavanda in modo da poter contribuire a far risaltare i colori dei costumi e delle scenografie.

Stai attento alle diverse combinazioni di colori nello spettacolo! Ogni luogo e famiglia ha la propria speciale collezione di colori!

7) Hai qualche effetto di luce o tecnica preferita utilizzata in A CHRISTMAS CAROL di cui sei particolarmente orgoglioso o che si distingue come memorabile?

Ogni anno cerco di incorporare alcuni nuovi elementi nella produzione per renderla ancora più interessante. Quest'anno debuttano due nuovissime macchine del fumo. Non li vedrai mai, ma vedrai assolutamente la nebbia! Questi sono chiamati nebulizzatori a nebbia ultrasonica e ottengono lo stesso effetto della nebbia di ghiaccio secco senza la necessità di ghiaccio secco e 350 libbre di acqua. Questi nebulizzatori utilizzano una membrana ad ultrasuoni che vibra rapidamente ad alta velocità in un serbatoio d'acqua. L'acqua viene agitata in singole goccioline delle dimensioni di circa 3 – 5 micron, vaporizzando nell'aria per formare una fitta nebbia. È molto scientifico ed è molto bello. È probabile che tu abbia già questa tecnologia in casa tua. Se disponi di un “umidificatore a nebbia fredda”, hai la stessa tecnologia a ultrasuoni su scala più piccola!

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 7 al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner è un progettista di luci e suoni con sede a Charleston, Carolina del Sud. Originario della Carolina del Nord, Caleb ha conseguito la laurea e il BFA presso il Catawba College di Salisbury, Carolina del Nord, e il suo MFA presso l'Università del Mississippi meridionale. I progetti di Garner, che spaziano dai concerti ai balletti, dai musical alle opere teatrali, gli sono valsi otto premi di design regionali e nazionali. Caleb è stato un designer di spicco da New York al Mississippi, progettando nel nord-est, nel Midwest, nella costa orientale e nel profondo sud. A Caleb piace trasformare grandi pezzi di legno in pezzi di legno più piccoli (a volte chiamati erroneamente mobili), urlare con gli studenti (spesso riconosciuto come insegnamento) e giocare con cose che scintillano e fumano. Caleb attualmente ricopre il ruolo di Resident Lighting Designer presso la Charleston Stage Company e docente a contratto presso il College of Charleston.

Esplora gli intricati dettagli dell'approccio artistico di K'nique Eichelberger come coreografo di A CHRISTMAS CAROL in questa intervista speciale. Preparatevi per un'altra stagione di emozioni mentre l'eccezionale lavoro di K'nique sarà al centro della scena, diventando ancora una volta uno dei momenti salienti dell'adattamento di quest'anno del classico senza tempo!

1) A CHRISTMAS CAROL è un classico delle vacanze. Come ti sei avvicinato a infondere nella coreografia lo spirito festivo della stagione pur trasmettendo i temi più profondi della storia?

Il Natale è una festa in cui le famiglie si riuniscono per esprimere amore, gentilezza e gioia. Nella mia coreografia vedrai la gioia o l'eccitazione in ogni movimento. Tuttavia, questa non è la tradizionale coreografia di A CHRISTMAS CAROL. Anche se onoriamo il periodo storico con il modo in cui parliamo e camminiamo, c'è un elemento contemporaneo nelle danze con cui il pubblico più giovane e quello più adulto possono identificarsi. La danza per me è sempre stata un modo per comunicare cose che non potevo verbalizzare e mi ha aiutato ad esprimermi in modo creativo e personale. Volevo che i movimenti parlassero da soli senza parole o canti. Ci sono alcuni movimenti lenti che possono trasmettere sentimenti di tristezza o malinconia, mentre movimenti bruschi ed esplosivi possono esprimere forza e gioia. In tutti i numeri di danza puoi vedere che ciò viene dimostrato. Uno dei temi centrali di A CHRISTMAS CAROL è la trasformazione personale e la redenzione. Vedrai che ci sono molti cambi di formazione nel primo numero per trasmettere i numerosi cambiamenti che Scrooge subirà durante lo spettacolo. Il personaggio di Ebenezer Scrooge subisce un profondo cambiamento da uomo avaro, freddo ed egoista a persona generosa, affettuosa e compassionevole. Questi sono alcuni temi danzanti che vedrai all'inizio dello spettacolo e che riappariranno con il nuovo e migliorato Scrooge.

2) C'è un aspetto particolare di A CHRISTMAS CAROL che ti risuona a livello personale? In che modo questa connessione influenza il tuo processo creativo?

Le persone possono cambiare ma tu non puoi cambiare le persone. Devi permettere alle persone di crescere e vedere le cose da sole. Il cambiamento arriva quando la persona capisce come si forma il suo atteggiamento e come influisce sulla sua vita. Spesso si tratta di riflettere e guarire molto dal passato. Le persone possono cambiare se vengono soddisfatti alcuni requisiti, tra cui l’autoconsapevolezza e la forza di volontà. Nel corso della storia Scrooge ha la possibilità di vedere quando la sua vita è cambiata ed esplora il motivo per cui è così arrabbiato al pensiero del Natale. Ciò ha influenzato il mio processo creativo donandomi grazia negli altri. Durante le prove ero sempre lì per aiutare e rendere le cose facili per gli attori perché non sai mai cosa stanno attraversando le persone. Quindi presentarsi con energia e un sorriso creerà uno spazio sicuro in cui tutti noi amiamo lavorare.

3) Guidaci attraverso il tuo processo creativo quando coreografi per una produzione. Come hai trasformato la narrazione in movimento e danza, soprattutto per una storia iconica come quella di Dickens?

Per prima cosa mi connetto con il regista per capire la visione che vogliono per questo spettacolo. A CHRISTMAS CAROL è una vecchia storia, ma la nostra produzione riporta questa vecchia storia a nuova vita con un tocco hip hop contemporaneo, pur rispettando il periodo di tempo. Quando creo una coreografia mi piace sedermi e ascoltare la musica per darle un'emozione. Come mi ha fatto sentire questo? Dopo aver deciso quale emozione voglio che esca dalla danza, questa inizia a crearsi da sola. 

4) Nella coreografia di A CHRISTMAS CAROL, hai qualche numero o sequenza di danza preferita? Cosa li rende speciali per te, sia in termini di espressione artistica che di risonanza tematica?

Questa è una domanda difficile perché adoro tutti i balli. Devo dire che il numero di apertura "God Rest Ye Merry Gentlemen" sarebbe uno dei miei preferiti. L'energia che possiede questa canzone non ha eguali. Io la chiamo la fuga precipitosa della gioia quando il cast si precipita all'inizio del numero. Imposta bene la storia con piena energia in cui il pubblico sarà immediatamente coinvolto. A volte devi sederti e darti una pacca sulla spalla. Vedere questo numero prendere vita è stata per me una pacca sulla spalla. Vedere tutti godersi la danza e la visione che ho creato mi scalda il cuore.

5) Collaborare con il regista e gli altri membri del team di produzione è fondamentale. Puoi condividere un'esperienza di collaborazione memorabile e come ha migliorato la produzione complessiva?

Quando si coreografa bisogna collaborare con tutti, non solo con il regista. Sam, il regista, ed io lavoriamo molto bene insieme esprimendo ciò che vogliamo in un numero. Il finale è un grande numero con cui entrambi ci siamo aiutati a vicenda per creare la sensazione magica che entrambi desideravamo. L'intero cast è sul palco per la prima volta e ora dobbiamo creare il mondo del negozio di giocattoli, cosa che non è stata facile da realizzare. Succedono molte cose e senza la collaborazione dell'intero team di produzione, il finale non sarebbe così bello come è.

6) Ci sono stili di danza specifici o tradizioni festive che trovi particolarmente stimolanti o che hai incorporato nella coreografia per catturare l'atmosfera vacanziera?

Sono cresciuto facendo hip hop, danza moderna, contemporanea e teatro musicale. Credo di aver incorporato tutti e quattro gli stili di danza per darti qualcosa di nuovo ogni volta che si verifica un numero di ballo. In gran parte si tratta di alta energia per adattarsi allo spirito natalizio. Ottieni anche quei momenti di amore e risate.

7) Riflettendo sulla tua carriera, ci sono delle performance o produzioni che occupano un posto speciale nel tuo cuore? Cosa li ha fatti risaltare tra gli altri?

Ne ho due! Nel mio primo anno da attore residente ho interpretato Lola Kinky Boots ed è stato magico interpretare quel ruolo da sogno. È stato un ruolo su cui ho lavorato più duramente che mai. Essendo una persona sognatrice, quello è stato uno dei momenti in cui ho potuto dire che il mio sogno si è avverato. Sto vivendo il sogno che mi ero prefissato anni fa. Ho avuto la fortuna di interpretare nuovamente questo ruolo con il Main Street Theatre in Pennsylvania. È stato altrettanto magico. Quel ruolo significherà sempre molto per me. Il mio secondo sarebbe Il gioco che va storto. È stato lo spettacolo più divertente a cui abbia mai partecipato. Interpretavo il maggiordomo Perkins che non aveva idea di cosa stesse facendo nello spettacolo. Mi ha permesso di essere libero ed esprimere davvero il tipo di attore che sono. Il ritmo era veloce e mi teneva sempre all'erta. L'amore che Perkins ha ricevuto dal pubblico ha significato molto per me. Tutto quello che voglio fare sul palco è avere un impatto sul pubblico in qualche modo, forma o forma. Con molto stretching potrei fare quello spettacolo per molto tempo. 

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 6 al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger è originario della Columbia, nella Carolina del Sud, ma si è trasferito a Brevard, nella Carolina del Nord, dove ha conseguito una laurea in musica e teatro. È così entusiasta di esibirsi di nuovo con il Charleston Stage. Ha coreografato Un canto natalizio mentre era un attore residente ed è così felice di coreografare ancora una volta. I suoi crediti recenti includono: Una volta su quest'isola (Daniele), Il gioco che va storto (Perkins), Kinky Boots (Lolla), Gli ultimi cinque anni (Jamie), Il Teatro degli Orrori (Audrey II), Into The Woods (Jack), Un tram chiamato Desiderio (Stanley) e altro ancora. È molto grato ai suoi amici e alla sua famiglia che lo hanno sostenuto nel corso degli anni. K'nique è così entusiasta di cambiare vite creando arte al Charleston Stage! Resta sintonizzato su Instagram @nique_tg3