Autore: Fase di Charleston

Esplora gli intricati dettagli dell'approccio artistico di K'nique Eichelberger come coreografo di A CHRISTMAS CAROL in questa intervista speciale. Preparatevi per un'altra stagione di emozioni mentre l'eccezionale lavoro di K'nique sarà al centro della scena, diventando ancora una volta uno dei momenti salienti dell'adattamento di quest'anno del classico senza tempo!

1) A CHRISTMAS CAROL è un classico delle vacanze. Come ti sei avvicinato a infondere nella coreografia lo spirito festivo della stagione pur trasmettendo i temi più profondi della storia?

Il Natale è una festa in cui le famiglie si riuniscono per esprimere amore, gentilezza e gioia. Nella mia coreografia vedrai la gioia o l'eccitazione in ogni movimento. Tuttavia, questa non è la tradizionale coreografia di A CHRISTMAS CAROL. Anche se onoriamo il periodo storico con il modo in cui parliamo e camminiamo, c'è un elemento contemporaneo nelle danze con cui il pubblico più giovane e quello più adulto possono identificarsi. La danza per me è sempre stata un modo per comunicare cose che non potevo verbalizzare e mi ha aiutato ad esprimermi in modo creativo e personale. Volevo che i movimenti parlassero da soli senza parole o canti. Ci sono alcuni movimenti lenti che possono trasmettere sentimenti di tristezza o malinconia, mentre movimenti bruschi ed esplosivi possono esprimere forza e gioia. In tutti i numeri di danza puoi vedere che ciò viene dimostrato. Uno dei temi centrali di A CHRISTMAS CAROL è la trasformazione personale e la redenzione. Vedrai che ci sono molti cambi di formazione nel primo numero per trasmettere i numerosi cambiamenti che Scrooge subirà durante lo spettacolo. Il personaggio di Ebenezer Scrooge subisce un profondo cambiamento da uomo avaro, freddo ed egoista a persona generosa, affettuosa e compassionevole. Questi sono alcuni temi danzanti che vedrai all'inizio dello spettacolo e che riappariranno con il nuovo e migliorato Scrooge.

2) C'è un aspetto particolare di A CHRISTMAS CAROL che ti risuona a livello personale? In che modo questa connessione influenza il tuo processo creativo?

Le persone possono cambiare ma tu non puoi cambiare le persone. Devi permettere alle persone di crescere e vedere le cose da sole. Il cambiamento arriva quando la persona capisce come si forma il suo atteggiamento e come influisce sulla sua vita. Spesso si tratta di riflettere e guarire molto dal passato. Le persone possono cambiare se vengono soddisfatti alcuni requisiti, tra cui l’autoconsapevolezza e la forza di volontà. Nel corso della storia Scrooge ha la possibilità di vedere quando la sua vita è cambiata ed esplora il motivo per cui è così arrabbiato al pensiero del Natale. Ciò ha influenzato il mio processo creativo donandomi grazia negli altri. Durante le prove ero sempre lì per aiutare e rendere le cose facili per gli attori perché non sai mai cosa stanno attraversando le persone. Quindi presentarsi con energia e un sorriso creerà uno spazio sicuro in cui tutti noi amiamo lavorare.

3) Guidaci attraverso il tuo processo creativo quando coreografi per una produzione. Come hai trasformato la narrazione in movimento e danza, soprattutto per una storia iconica come quella di Dickens?

Per prima cosa mi connetto con il regista per capire la visione che vogliono per questo spettacolo. A CHRISTMAS CAROL è una vecchia storia, ma la nostra produzione riporta questa vecchia storia a nuova vita con un tocco hip hop contemporaneo, pur rispettando il periodo di tempo. Quando creo una coreografia mi piace sedermi e ascoltare la musica per darle un'emozione. Come mi ha fatto sentire questo? Dopo aver deciso quale emozione voglio che esca dalla danza, questa inizia a crearsi da sola. 

4) Nella coreografia di A CHRISTMAS CAROL, hai qualche numero o sequenza di danza preferita? Cosa li rende speciali per te, sia in termini di espressione artistica che di risonanza tematica?

Questa è una domanda difficile perché adoro tutti i balli. Devo dire che il numero di apertura "God Rest Ye Merry Gentlemen" sarebbe uno dei miei preferiti. L'energia che possiede questa canzone non ha eguali. Io la chiamo la fuga precipitosa della gioia quando il cast si precipita all'inizio del numero. Imposta bene la storia con piena energia in cui il pubblico sarà immediatamente coinvolto. A volte devi sederti e darti una pacca sulla spalla. Vedere questo numero prendere vita è stata per me una pacca sulla spalla. Vedere tutti godersi la danza e la visione che ho creato mi scalda il cuore.

5) Collaborare con il regista e gli altri membri del team di produzione è fondamentale. Puoi condividere un'esperienza di collaborazione memorabile e come ha migliorato la produzione complessiva?

Quando si coreografa bisogna collaborare con tutti, non solo con il regista. Sam, il regista, ed io lavoriamo molto bene insieme esprimendo ciò che vogliamo in un numero. Il finale è un grande numero con cui entrambi ci siamo aiutati a vicenda per creare la sensazione magica che entrambi desideravamo. L'intero cast è sul palco per la prima volta e ora dobbiamo creare il mondo del negozio di giocattoli, cosa che non è stata facile da realizzare. Succedono molte cose e senza la collaborazione dell'intero team di produzione, il finale non sarebbe così bello come è.

6) Ci sono stili di danza specifici o tradizioni festive che trovi particolarmente stimolanti o che hai incorporato nella coreografia per catturare l'atmosfera vacanziera?

Sono cresciuto facendo hip hop, danza moderna, contemporanea e teatro musicale. Credo di aver incorporato tutti e quattro gli stili di danza per darti qualcosa di nuovo ogni volta che si verifica un numero di ballo. In gran parte si tratta di alta energia per adattarsi allo spirito natalizio. Ottieni anche quei momenti di amore e risate.

7) Riflettendo sulla tua carriera, ci sono delle performance o produzioni che occupano un posto speciale nel tuo cuore? Cosa li ha fatti risaltare tra gli altri?

Ne ho due! Nel mio primo anno da attore residente ho interpretato Lola Kinky Boots ed è stato magico interpretare quel ruolo da sogno. È stato un ruolo su cui ho lavorato più duramente che mai. Essendo una persona sognatrice, quello è stato uno dei momenti in cui ho potuto dire che il mio sogno si è avverato. Sto vivendo il sogno che mi ero prefissato anni fa. Ho avuto la fortuna di interpretare nuovamente questo ruolo con il Main Street Theatre in Pennsylvania. È stato altrettanto magico. Quel ruolo significherà sempre molto per me. Il mio secondo sarebbe Il gioco che va storto. È stato lo spettacolo più divertente a cui abbia mai partecipato. Interpretavo il maggiordomo Perkins che non aveva idea di cosa stesse facendo nello spettacolo. Mi ha permesso di essere libero ed esprimere davvero il tipo di attore che sono. Il ritmo era veloce e mi teneva sempre all'erta. L'amore che Perkins ha ricevuto dal pubblico ha significato molto per me. Tutto quello che voglio fare sul palco è avere un impatto sul pubblico in qualche modo, forma o forma. Con molto stretching potrei fare quello spettacolo per molto tempo. 

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 6 al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger è originario della Columbia, nella Carolina del Sud, ma si è trasferito a Brevard, nella Carolina del Nord, dove ha conseguito una laurea in musica e teatro. È così entusiasta di esibirsi di nuovo con il Charleston Stage. Ha coreografato Un canto natalizio mentre era un attore residente ed è così felice di coreografare ancora una volta. I suoi crediti recenti includono: Una volta su quest'isola (Daniele), Il gioco che va storto (Perkins), Kinky Boots (Lolla), Gli ultimi cinque anni (Jamie), Il Teatro degli Orrori (Audrey II), Into The Woods (Jack), Un tram chiamato Desiderio (Stanley) e altro ancora. È molto grato ai suoi amici e alla sua famiglia che lo hanno sostenuto nel corso degli anni. K'nique è così entusiasta di cambiare vite creando arte al Charleston Stage! Resta sintonizzato su Instagram @nique_tg3

Nella nostra intervista esclusiva, Janine McCabe, la nostra costumista originale per A CHRISTMAS CAROL, approfondisce gli affascinanti dettagli del suo approccio artistico la scorsa stagione alla realizzazione dei costumi per questo classico senza tempo. Siamo molto entusiasti che il lavoro di Janine sarà ancora una volta uno dei momenti salienti sul palco nell'adattamento di questa stagione!

1) Per iniziare, potresti presentarti e condividere qualcosa del tuo background come costumista, soprattutto nel contesto di produzioni teatrali?

CIAO. Mi chiamo Janine McCabe e lavoro come costumista da oltre 25 anni. Dopo aver considerato le carriere di ingegneria e matematica, alla fine ho trovato la mia strada nel teatro attraverso un lavoro di studio e cucito nel negozio di costumi del College of Charleston. Dopo aver completato la mia laurea in teatro con una specializzazione in Costume Design, ho frequentato l'Università della Virginia per un MFA in Costume Design e poi mi sono trasferito a New York dove ho lavorato per designer tra cui Martin Pakledinaz, che è stato un incredibile designer e mentore. A New York ho potuto lavorare a Broadway, Off-Broadway, Opera, Danza e viaggiare in tutto il paese per aiutare a controllare i costumi quando ho inserito nuovi attori in ruoli nei tour nazionali come Millie assolutamente moderna. New York è stata un'incredibile esperienza di lavoro e di apprendimento e ha sicuramente influenzato ogni aspetto della mia carriera di designer e professore di costumi..

2) Cosa ti ha attratto nel lavorare sui costumi di A CHRISTMAS CAROL, e come ti connetti personalmente ai temi e ai personaggi di questa storia classica?

La prima cosa che mi ha attratto del lavoro per A CHRISTMAS CAROL è stata l'entusiasmo che Julian Wiles ha mostrato quando mi ha chiesto di lavorarci con lui e il team. La sua idea di portare colore ed energia e presentare la storia in un modo che la gente non aveva mai visto prima mi attirava. Julian e io avevamo già lavorato insieme in precedenza e sapeva che amo lavorare con colori vivaci e andare oltre i limiti di ciò che ci si aspetta. Avendo un figlio piccolo e un'altra famiglia che sta invecchiando, mi ritrovo più che mai attratta dai temi della generosità, della compassione e del tempo trascorso con la famiglia e gli amici invece del lavoro e del denaro. Le lotte che i personaggi affrontano in questa storia classica esistono oggi, quindi c'è molto da imparare e da ricordare a qualsiasi età da questa storia.

3) Ogni personaggio di A CHRISTMAS CAROL ha una personalità distinta. Come hai fatto a visualizzare e creare costumi che non solo catturassero l'essenza dei personaggi ma contribuissero anche alla narrazione visiva complessiva?

I miei assistenti, Molly Belle e Brandon Alston, e io abbiamo trascorso molto tempo esaminando la storia e le rappresentazioni dei personaggi nel corso del tempo. Abbiamo esaminato diverse interpretazioni e presentazioni della storia e abbiamo parlato dei desideri, dei bisogni, delle credenze e delle visioni individuali del mondo in cui si trovavano i personaggi. Abbiamo raccolto immagini per riflettere quelle idee e le loro personalità individuali, che erano principalmente di natura astratta e poi si spostò verso la ricerca dell'abbigliamento vero e proprio. Sapendo che concettualmente volevamo uno spettacolo pieno di colori, abbiamo preso grande ispirazione dai libri e dalle illustrazioni per bambini per le linee e i colori audaci a cui alla fine siamo approdati. Durante tutto il processo di progettazione abbiamo controllato continuamente lo sviluppo delle idee per la scenografia, l'illuminazione e il suono per assicurarci che fossimo tutti diretti in una direzione unificata per creare le immagini che supportassero il concetto di regia per dargli vita nel miglior modo possibile. sostenendo la storia e i personaggi.

4) Considerando l'ambientazione storica di A CHRISTMAS CANOL, come hai bilanciato l'accuratezza storica con l'interpretazione creativa nel disegnare i costumi? Ci sono state influenze contemporanee che hanno ispirato i tuoi progetti?

Come designer, una delle cose che trovo stimolante ma estremamente divertente concettualmente è guardare la ricerca storica e infonderla con influenze contemporanee per presentare qualcosa che sembri d'epoca ma che sia visto in un modo nuovo. C'erano molte influenze contemporanee nei colori, nei motivi e nel modo in cui oggi le persone combinano gli elementi della moda che potresti non pensare dovrebbero andare insieme... anche mio figlio di 8 anni ha avuto un'influenza nel modo in cui mette insieme i colori e mescola e abbina set di abbigliamento per esprimersi. Attraverso la ricerca storica, però, abbiamo trovato molti esempi di abiti vivaci, motivi audaci e dettagli che non ci aspettavamo. Abbiamo raccolto e creato collage di tavole di immagini con tutte queste influenze che abbiamo poi pubblicato intorno a noi in modo che, mentre disegnavamo i design dei singoli personaggi, continuassero a ispirare idee.

5) La collaborazione è fondamentale nel processo produttivo. Puoi condividere informazioni su come hai collaborato con il regista e gli altri membri del team creativo per garantire che i costumi siano in linea con la visione generale della produzione?

La collaborazione è uno dei motivi principali per cui amo progettare. Ho avuto la fortuna di avere Molly e Brandon che lavoravano nello studio di design con me mentre preparavo questo progetto per diversi mesi l'estate scorsa prima che iniziassero i lavori nei negozi. Durante quel periodo il regista e il team creativo si incontravano tramite zoom e talvolta di persona per condividere e presentare nuove idee e questi incontri erano molto importanti per il processo. Ascoltare qualcun altro parlare del concetto o di un'idea di illuminazione che poi ispira qualcos'altro nei costumi o nel set è ciò di cui si tratta. È la parte divertente! Julian ha lavorato a stretto contatto con noi per comprendere la traccia di ogni attore e esattamente cosa era necessario momento per momento per ottenere la visione generale. Ci siamo tenuti tutti aggiornati a vicenda anche tramite cartelle online in modo che negli intervalli tra una riunione e l'altra potessimo comunque collaborare e rimanere aggiornati sui nuovi sviluppi. Apprezzo molto i momenti di incontro e di condivisione delle idee... è così che riusciamo a far combaciare tutto quando arriviamo alle prove tecniche dove finalmente tutto è allo stesso posto sul palco insieme, mesi e mesi di lavoro in aree diverse e poi tutto si uniscono... è un duro lavoro ma è anche magico.

6) Hai qualche costume preferito o elemento di design specifico in A CHRISTMAS CAROL di cui sei particolarmente orgoglioso o che hanno un significato speciale? Cosa li distingue?

Oh, è dura... è difficile scegliere un preferito. Mi sono divertita tantissimo con i fantasmi! Penso che il Fantasma del futuro si distingua perché non è la più tipica figura nera ma invece sono strati e strati di tessuti laceri bianchi, grigi, argento e blu ghiaccio che riflettono il freddo e la tristezza del potenziale futuro di Scrooge. Inoltre amo particolarmente i senzatetto... immagino che possa sembrare divertente dato che non vedi molti dei loro costumi, ma se li vedessi scopriresti che sono fatti con pile di maglioni colorati riutilizzati e usati, tagliati, invecchiati e stratificati in vari modi. modi creando molta consistenza e interesse. Molly e io ci siamo divertiti moltissimo a crearli. Anche le strisce sui servi di Paperone... oh, e su tutta la famiglia Cratchit... erano così uniche ed emozionanti da creare con i loro strati, motivi e colori. Hmmm….non lo so, è stato un processo gratificante e immensamente creativo avere l'opportunità di lavorare a stretto contatto con i miei assistenti e creare una versione così colorata e nuova di questa storia con Julian e il team creativo!

7) Guardando al futuro, ci sono progetti imminenti o stili di costumi che non vedi l'ora di esplorare nel tuo lavoro futuro?

Bene, attualmente sono in fase di progettazione Die Fledermaus come parte della stagione CofC Stages in collaborazione con l'Opera Program del College of Charleston e penso che il concetto di quella produzione sia permettere alla squadra di suonare molto con stile e colore soprattutto per la festa dell'Atto II, quindi non vedo l'ora dove questo porta. Un aspetto grandioso del disegnare costumi è che ogni produzione offre una nuova sfida nella narrazione, ricerche distinte, diversi collaboratori e molto da esplorare, quindi l'eccitazione continua.

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 1 dicembre al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

Janine McCabe è la cattedra e professoressa di Costume Design per il Dipartimento di Teatro e Danza del College of Charleston, dove progetta e guida regolarmente costumisti studenti per la stagione CofC Stages del dipartimento, per la quale ricopre anche il ruolo di Direttore Artistico. I progetti recenti per CofC Stages includono VIOLA e IL FLAUTO MAGICO. Il lavoro di Janine al Charleston Stage comprende progetti per IL CURIOSO INCIDENTE DEL CANE NELLA NOTTE, PETER E THE STARCATCHER, WHITE CHRISTMAS, THE UNDERPANTS e SHERLOCK HOLMES: THE FINAL ADVENTURE. È anche designer residente per PURE Theatre, dove i progetti includono MLIMA'S TALE, HONORIA QUIETLY DRAWING FORZA DALLA SUA VERITÀ, BEN BUTLER, THE ABSOLUTE BRIGHTNESS OF LEONARD PELKEY, THE CHILDREN, THE LIFESPAN OF A FACT, LAST RITES, SMALL MOUTH SOUNDS, THIS MONDO CASUALE, CASA DIVERTENTE, THE ROYALE, IL (CURIOSO CASO DELLA) WATSON INTELLIGENCE, UN EVENTO SPONTANEO IMPROVVISO, MARIE ANTOINETTE e altro ancora. I crediti di costumista regionale includono produzioni alla Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC e Trustus Theatre SC. I crediti come assistente costumista a Broadway includono: THE WEDDING SINGER, WONDERFUL TOWN, THOROUGHLY MODERN MILLIE, THE LOOK OF LOVE, UN ANNO CON FROG AND TOAD, KISS ME KATE. Altri progetti locali includono SALT IN THE SOIL e HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN e DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), la prima mondiale di LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT al Charleston Music Hall e, più recentemente, la prima mondiale di DANIEL AND THE KINGS al North Charleston Performing Arts Center.

Recentemente abbiamo avuto il piacere di intervistare Sam Henderson, il nostro direttore musicale e direttore di UN CANTO NATALIZIO. Leggi di più qui sotto per scoprire approfondimenti sul suo processo creativo mentre dirige questo classico delle vacanze!

1) Cosa ti ha spinto verso A CHRISTMAS CAROL come progetto e come ti connetti ai temi della storia a livello personale o creativo?

A CHRISTMAS CANOL è stata una delle mie storie preferite da quando la mia insegnante di seconda elementare, la signora Eisenhower, ce l'ha letta ad alta voce nel periodo precedente le vacanze. Sono rimasto affascinato dalla magia e dalle immagini del pezzo fin dall'inizio.

2) La musica gioca un ruolo cruciale nel dare il tono a una produzione. Puoi condividere le ispirazioni musicali che hanno guidato la tua composizione per A CHRISTMAS CAROL e come ti sei avvicinato alla loro integrazione nella narrazione?

Dare un tocco moderno alla musica è stata sicuramente una sfida. Per me era importante mantenere la strumentazione adeguata al periodo; utilizzando solo strumenti che sarebbero esistiti/erano stati popolari ai tempi di Dickens (per lo più comunque!). Poi ho dovuto capire come usare quegli strumenti in un modo che suonasse più moderno e divertente. Artisti come Mumford and Sons e Lindsey Stirling e musical come "Once" sono entrati in gioco quando cercavano ispirazione per questa nuova interpretazione di questi brani. Volevo anche un po' di contrasto con la realtà di quel periodo. Quindi, per esempio, quando siamo a casa di Fred e gli ospiti cominciano a cantare per l'intrattenimento serale, l'ambientazione che ho realizzato per "I Saw Three Ships" è in gran parte attinente al periodo storico e non cerca di essere qualcosa che è non.

3) Collaborare con diverse menti creative è essenziale. Come hai lavorato con il coreografo e gli altri membri del team di produzione per garantire un'esperienza coesa e coinvolgente per il pubblico?

Creare questa nuova versione di A CHRISTMAS CAROL insieme al drammaturgo Julian Wiles e al coreografo K'nique Eichelberger, è stato molto divertente. Siamo stati in grado di essere tutti insieme nella stanza provando cose e cercando di capire cosa ha funzionato e cosa no. Potremmo quindi apportare modifiche alla musica, alla coreografia o alla sceneggiatura secondo necessità per far sì che tutti questi elementi lavorino insieme per raccontare la storia nel migliore dei modi.

4) Nel dirigere A CHRISTMAS CAROL, hai qualche scena preferita o momento che ti colpisce?

Ci sono due scene a cui sono molto affezionato. Il primo è nel “passato” quando vediamo il momento in cui è finita la relazione di Scrooge con Belle. È uno sguardo duro su uno dei motivi per cui è diventato così com'è nel presente e ha una scrittura davvero adorabile. L'altro è nel “presente” quando Scrooge visita i Cratchit alla vigilia di Natale. I nostri Cratchits quest'anno hanno un tale calore e gioia che ti ritrovi davvero coinvolto in questa scena e vuoi far parte della famiglia!

5) Cosa speri che il pubblico tragga in eredità dalla tua produzione di A CHRISTMAS CAROL?

Spero che il pubblico riesca a vedere che le persone sono in grado di andare oltre i traumi e le tragedie del loro passato e che non è mai troppo tardi per riorganizzare il proprio pensiero e correggere gli errori del passato. E a volte, è la gioia da cui siamo circondati in questo periodo dell'anno che può innescare quel piccolo cambiamento.

Acquista i tuoi biglietti per vedere A CHRISTMAS CAROL, in programma dal 1 dicembre al 22 dicembre, alle CharlestonStage.com.

Sam Henderson è il direttore musicale residente e direttore dell'educazione musicale del Charleston Stage. Ha conseguito una laurea in Educazione musicale in musica strumentale/esibizione di tromba presso la Baylor University di Waco, Texas, nonché un master in teatro musicale/regia musicale d'opera presso l'Arizona State University. Sam ha oltre 20 anni di esperienza nell'insegnamento della musica a livello professionale e lavora come direttore d'orchestra e direttore d'orchestra dal 2005. Professionalmente, Sam ha lavorato per The Phoenix Theatre Company, Childsplay, The Broadway Palm West Dinner Theatre, Arizona Broadway Theatre, Lyric Opera Theatre e la Copperstar Repertory Company prima di arrivare al Charleston Stage.

Abbiamo avuto il piacere di incontrare Aline Toloto, la mente brillante dietro la progettazione degli oggetti di scena per CLUE: ON STAGE. Ancora una volta, ha portato le sue eccezionali capacità al Dock Street Theatre e ti invitiamo a dare uno sguardo dietro le quinte al suo processo creativo nella realizzazione degli oggetti di scena per questa strepitosa produzione.

1) CLUE: ON STAGE presenta una varietà di oggetti di scena iconici, come armi, passaggi segreti e oggetti con cui i personaggi interagiscono. Come hai pensato di progettare e procurarti questi oggetti di scena per assicurarti che fossero funzionali e visivamente accattivanti?

Progettare un oggetto di scena, come qualsiasi altro oggetto, è sempre una combinazione di bellezza e funzionalità. Sebbene il mondo degli oggetti di scena teatrali non sia vasto quanto l’industria cinematografica, è cresciuto negli ultimi decenni. Ci sono ottimi libri di esperti come Eric Hart (uno dei miei preferiti) che forniscono indicazioni sulla creazione di vari progetti. Quando possibile, utilizzo tali riferimenti. La vera sfida nasce quando devi creare oggetti di scena unici per i quali non ci sono molti riferimenti alla ricerca. In questi casi sono necessari molti tentativi ed errori e il periodo di prove diventa vitale per testare gli aspetti funzionali degli oggetti di scena. In definitiva, l’esperienza gioca un ruolo significativo nella realizzazione degli oggetti di scena. Più crei, migliore diventerai con ogni progetto.

2) INDIZIO: ON STAGE spesso implica comicità fisica e rapidi scambi di oggetti di scena. Come hai creato oggetti di scena in grado di resistere alle esigenze della performance pur mantenendo la loro autenticità e umorismo?

Adoro creare oggetti di scena per le commedie perché consentono una maggiore creatività. Puoi essere più audace con i colori, giocare con le proporzioni e abbracciare il bizzarro. Ad esempio, avere una chiave inglese sovradimensionata potrebbe sembrare fuori posto in un dramma storico, ma in CLUE: ON STAGE non fa altro che aumentare l'umorismo. Inoltre, nelle commedie, se un oggetto di scena si rompe, è molto più facile inserirlo come parte della recita. È importante ricordare che un oggetto di scena è solo un oggetto; la sua autenticità e vitalità dipendono in gran parte da come gli attori e il regista lo utilizzano. Il mio ruolo è garantire che abbiano un oggetto ben progettato con cui lavorare.

Guarda il trailer dello show di CLUE: ON STAGE qui sotto!

3) La collaborazione con il resto del team di produzione è fondamentale in teatro. Come hai lavorato con il regista, lo scenografo, il costumista e il lighting designer per garantire che gli oggetti di scena si integrassero perfettamente nella visione generale della produzione?

Questo spettacolo è come una grande tela, dipinta da molti artisti, e gli oggetti di scena sono un elemento che può aggiungere profondità, contrasto o servire da punto focale se questo è l'obiettivo. In qualità di supervisore delle proprietà, partecipo a tutte le riunioni di progettazione per comprendere il concetto di design e garantire che gli oggetti di scena siano parte integrante del mondo della produzione. C'è molta comunicazione tra i diversi negozi, inclusa la condivisione di campioni di colori e tessuti e l'esecuzione di test di illuminazione per garantire che tutti siano allineati. All'inizio del processo, il team creativo ha deciso di trarre ispirazione dal gioco da tavolo CLUE per il design. Basandomi su quella scelta, ho proposto di rendere tutte le armi dorate, una decisione di design teatrale che non solo ha fatto risaltare le armi ma ha anche creato un sorprendente contrasto con i costumi e la scenografia.

4) Che tipo di ricerca e preparazione intraprendi solitamente quando progetti e acquisti oggetti di scena per una produzione come CLUE: ON STAGE? Come ti sei assicurato che gli oggetti di scena fossero storicamente accurati e appropriati per il periodo di tempo e i personaggi?

È una parte essenziale del mio processo fare ricerche sul periodo storico prima di iniziare a lavorare sugli oggetti di scena. Dato che l'opera è ambientata negli anni '1950, trovare immagini storiche accurate degli oggetti è relativamente facile, a differenza di un'opera ambientata nel 1800. Tuttavia, la precisione rigorosa non è sempre un requisito. A volte utilizzo una foto storica come ispirazione per creare qualcosa di simile. Il pubblico tende a collegare la sagoma dell'oggetto con qualcosa di “vintage”, del passato, e il più delle volte questo basta. Come artista teatrale, è importante riconoscere che i dettagli ravvicinati non sono così cruciali poiché il pubblico è generalmente seduto a distanza.  

5) In qualità di progettista di oggetti di scena, come ti assicuri che gli oggetti di scena siano sicuri per gli attori da utilizzare durante le esibizioni, soprattutto quando implicano commedie fisiche o cambiamenti rapidi?

Esistono linee guida di sicurezza che sono parte integrante del nostro protocollo, come garantire che i coltelli siano smussati, che le pistole siano repliche non funzionanti ed evitare l'uso di vetro sul palco quando possibile. Anche la scelta dei materiali è fondamentale per realizzare oggetti di scena sicuri. Ad esempio, optare per materiali morbidi come schiuma o gomma per coltelli e spade può migliorare significativamente la sicurezza durante le esibizioni.

6) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE e veda il design delle tue proprietà?

Ciò che mi entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE e veda il design delle mie proprietà è l'opportunità di trasportarlo in un mondo di mistero, commedia e nostalgia! Spero che potremo farci tante grandi risate! 

Acquista i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 2 al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Originaria del Brasile, Aline ha conseguito un Master in Belle Arti in Teatro e Tecnologia con specializzazione in Scenografia presso l'Università del Mississippi meridionale. Con una vasta esperienza come Prop Master, scenografa e decoratrice di scenografie, i momenti salienti della carriera di Aline includono il suo ruolo di supervisore delle proprietà per la 45a stagione del Charleston Stage, supervisionando otto spettacoli accattivanti tra cui La famiglia Addams, Canto di Natale, ed Una volta su quest'isola. È entusiasta di continuare con l’azienda per il prossimo anno.

Recentemente abbiamo avuto il piacere di intervistare Colin Waters, che ha intrapreso il suo debutto alla regia sul Main Stage con CLUE: ON STAGE. Leggi di più qui sotto per scoprire approfondimenti sul suo processo creativo mentre dirige questo strepitoso mistero di omicidio!

1) CLUE: ON STAGE è noto per il suo mix di mistero, commedia e farsa. Cosa ti ha attratto verso questa particolare opera teatrale e quali aspetti della sceneggiatura hai trovato più entusiasmanti o stimolanti come regista?

INDIZIO: ON STAGE ha sempre avuto un posto speciale nella mia vita. Sia il gioco da tavolo che il film sono stati i punti fermi della mia infanzia e mi hanno lasciato ricordi piuttosto formativi. Nel momento in cui ho saputo che Charleston Stage avrebbe prodotto CLUE: ON STAGE in questa stagione, ho gareggiato per l'opportunità di dirigerlo. Sapevo che questo spettacolo sarebbe stato uno spettacolo bestiale da affrontare. Con uno spettacolo che ha una tale cultura attorno, sono molti i riferimenti e le aspettative che lo accompagnano. Anche se è stata una sfida incredibilmente entusiasmante da affrontare, è stato anche un po’ scoraggiante. Sapevo che dovevo avvicinarmi alla mia direzione in modo molto meticoloso. Il testo di questo spettacolo segue la trama del film abbastanza da vicino con innumerevoli linee iconiche sparse nello spettacolo parola per parola dal film. Come regista, ho dovuto vacillare nel rendere omaggio al film cult, pur adottando il mio approccio allo show. Per trasformare la nostra produzione in qualcosa di nostalgico ma anche originale, volevo che il pubblico sentisse le influenze del film e del gioco da tavolo. Volevo ricreare la sensazione di sedersi attorno al tavolo giocando a “Clue” con i propri cari: la competizione, la strategia, il mistero.

Allontanandosi dalle sfide concettuali a portata di mano, la più grande sfida fisica a portata di mano è la velocità con cui si muove questo spettacolo. Non solo il ritmo di questo spettacolo è vitale per il suo successo, ma al pubblico vengono fornite così tante informazioni nel corso della notte che porteranno tutte alla risoluzione del mistero entro la fine dello spettacolo. Abbiamo dovuto trovare il giusto equilibrio mantenendo il ritmo senza sacrificare tutte le informazioni fornite per noi. Aggiungi il fatto che questa commedia è ambientata in una villa con oltre 8 luoghi distinti, a volte in più stanze contemporaneamente, e hai una serie di sfide di regia davanti a te. Detto questo, dirigo con uno stile molto innovativo, guidato dall'ensemble. Ho usato quello stile di regia per mantenere lo spettacolo in movimento, senza mai permettere al pubblico di essere trascinato fuori dal mondo che stiamo creando davanti ai loro occhi per un secondo.

2) CLUE: ON STAGE presenta un insieme diversificato di personaggi, ciascuno con personalità e peculiarità distinte. Come hai lavorato con gli attori per far emergere l'individualità di ogni personaggio rappresentando allo stesso tempo i momenti iconici che i fedeli appassionati di film e giochi da tavolo hanno imparato ad amare?

Questa è stata una delle primissime cose di cui ho discusso con gli attori. Ho iniziato questo processo con una domanda. Come possiamo noi, come artisti, onorare i personaggi incredibilmente riconoscibili e unici resi famosi dal film, pur portando la nostra arte sul palco? Dato che questo spettacolo è incentrato sui giochi a cui giochiamo, ho incoraggiato gli attori a esplorare il modo in cui il loro personaggio interpreta "il gioco". Per mantenere la loro longevità nella storia usano il flirt come tattica, minimizzano il loro livello di minaccia nei confronti di personaggi più esplosivi, esagerano eccessivamente la loro personalità per attirare gli altri? Una volta che ogni attore ha scoperto il proprio gameplay, ho introdotto il concetto che questo spettacolo è molto meta. Lo spettacolo segue un gioco, all'interno di un gioco, all'interno di un gioco, all'interno di un gioco. Al centro, abbiamo 6 personalità estremamente diverse: Verde, Scarlett, Prugna, Senape, Bianco e Pavone. Questi sono i personaggi che sanno meno del gioco a cui stanno giocando. Il loro obiettivo è scoprire chi li sta ricattando e infine chi sta commettendo gli omicidi in casa. Poiché sono al centro di questo universo, hanno le personalità più amplificate. Lo strato successivo al di fuori di questi personaggi è uno qualsiasi dei personaggi che avevano una conoscenza anticipata del gioco che si stava giocando quella notte: Wadsworth, Yvette, Mr. Boddy, The Cook e così via. Questi personaggi avevano una sorta di coinvolgimento nei festeggiamenti di questa sera, sia che pianificassero la notte, aiutassero a realizzare la visione, o fossero solo uno degli informatori che davano consigli al ricattatore. I loro personaggi sono più sommessi rispetto ai Core 6, ma hanno comunque le loro caratteristiche esagerate e una visione chiara del loro stile di "gameplay". Infine, il nostro ensemble rappresenta il nostro pubblico, quelli che giocano al gioco di “Clue”. Hanno le personalità meno intense perché sono le più lontane dalla posta in gioco. Invece, stanno guardando dentro. Vedono ciò che gli altri personaggi non riescono a notare.

Guarda il trailer dello show di CLUE: ON STAGE qui sotto!

3) Lo spettacolo si svolge tipicamente in una villa con più stanze e segreti nascosti. Qual era la tua visione nel dare vita alla villa sul palco e come hai creato un senso di spazio e atmosfera che migliorasse la narrazione?

Come ho detto prima, questa è stata una delle più grandi sfide fisiche che questo spettacolo presenta. Come muoversi con successo attraverso 8 stanze diverse in una casa, dando a ciascuna stanza le proprie caratteristiche distintive, senza che l'intero palco risulti ingombrante? Dopo molte sessioni di brainstorming creativo con Adam, lo scenografo, siamo arrivati ​​a un concetto che stabilisse le complessità della villa consentendo allo stesso tempo la libertà di spostarsi da una stanza all'altra. Sapevo di voler incorporare una rappresentazione fisica del gioco da tavolo da qualche parte sul set, e Adam ha concettualizzato l'idea che il set fosse pieno di porte che conducevano a diverse stanze in tutta la casa. Quando entriamo in una stanza, le porte si muovono attraverso lo spazio aprendoci nella stanza. Allo stesso tempo, ha dato vita alla visione del gioco da tavolo consentendo al pubblico di vedere la mappa della casa in ogni momento, indicando dove si trovano i nostri personaggi nel gioco da tavolo.

4) INDIZIO: ON STAGE spesso implica commedia fisica, entrate ed uscite rapide e momenti di umorismo slapstick. Come hai coreografato e messo in scena questi elementi comici per massimizzare il loro impatto comico?

Sapevo che per catturare appieno il ritmo di questo spettacolo, il blocco e la coreografia dovevano raggiungere lo stesso livello. Questo spettacolo è pieno di una trama complessa, volevo che il movimento di questo spettacolo rispecchiasse quella complessità pur rimanendo controllato e bello. Il pubblico può aspettarsi transizioni che scorrono da una stanza a quella successiva. Mentre i personaggi si muovono per la casa, otteniamo una prospettiva interna su cosa potrebbero pensare. Lo spettacolo si basa profondamente sulla commedia fisica e sull'elemento sorpresa, voglio dire che ci sono diversi omicidi rivelati nel corso dello spettacolo. Eliza Knode, attrice residente, ha accettato la sfida di dirigere questo spettacolo. La sua esperienza ha elevato la fisicità di questo spettacolo a un'altra dimensione che avrei potuto solo sognare.  

5) La collaborazione con il resto del team di produzione è fondamentale in teatro. Come hai lavorato con lo scenografo, il costumista e il lighting designer per garantire che la visione complessiva della produzione fosse coerente?

Non potrò mai elogiare abbastanza il nostro team di produzione. Tutti coloro che hanno lavorato a questo spettacolo ci hanno messo il cuore e lo dimostra assolutamente. Ogni designer ha incorporato elementi diversi che hanno tratto ispirazione dall'opera stessa, dal film e dal gioco da tavolo. Gran parte del successo di questa mostra risiede nell'armonia con cui ogni elemento di design interagisce tra loro. Ogni disegno può essere autonomo ma valorizza anche gli altri disegni che lo circondano. La nostra scenografia, proposta da Adam Jehle, ci immerge in una villa in stile vittoriano con una rappresentazione fisica del gioco da tavolo incollata sulla nostra parete di fondo. Questa mappa del gioco da tavolo funge anche da mappa della casa, spesso aiutando a indicare dove esattamente nella casa si svolge ogni scena. La nostra costumista, Hayley O'Brien, ha messo in risalto le silhouette degli abiti degli anni '50, fondendo allo stesso tempo i colori iconici dei pezzi di gioco originali nel design dei suoi costumi. Aline Toloto, la nostra progettista delle proprietà, ha incorporato molti oggetti di scena storicamente accurati per aiutare a costruire il mondo dello spettacolo; tuttavia, è anche entrata nella teatralità del gioco da tavolo e ha fatto un cenno ad alcuni dei classici pezzi del gioco da tavolo. Il design delle luci di Caleb Garner è a dir poco superbo. Ha usato l'illuminazione per enfatizzare la teatralità del film e l'ha giustapposta con un'illuminazione d'atmosfera per aiutare a insinuarsi nell'aria di mistero. Infine, Luke Walchuk, il nostro sound designer, ha composto una colonna sonora originale che è in parti uguali grandiosa e ricca di sfumature. Ogni elemento di design funge da altro personaggio che lavora all'interno dell'insieme di questo spettacolo. Tutto il nostro incredibile staff nei negozi di costumi e di scena ha contribuito a dare vita a questi bellissimi disegni e non potrei essere più orgoglioso e più colpito dal risultato.

6) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE?

Sono entusiasta di avere un diverso conglomerato di pubblico. Alcuni spettatori saranno fan sfegatati del film CLUE. Quelli che conoscono ogni singola battuta dello spettacolo e la rilevanza culturale che continua a lasciare nella società. Alcuni membri del pubblico saranno superfan dei giochi da tavolo. Potrebbero essere strateghi, giocatori, persone che amano l'emozione di cercare di risolvere il mistero prima di chiunque altro. Alcuni membri del pubblico saranno amanti del teatro. Persone che potrebbero non avere alcun legame precedente con il film o il gioco da tavolo, ma che sono attratte da questo spettacolo esclusivamente per il loro amore per il teatro. Essendo qualcuno che condivide un po' tutte e tre queste personalità del pubblico, volevo assicurarmi che tutti lasciassero questa produzione entusiasti del loro amore specifico per questo spettacolo. Penso che questo spettacolo significherà qualcosa di diverso per ogni membro del pubblico che lo vedrà, e non vedo assolutamente l'ora di essere circondato da centinaia di altre persone ogni sera mentre viviamo insieme questo spettacolo.

Ottieni i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 27 ottobre al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Colin Waters è entusiasta di fare il suo debutto alla regia sul Mainstage con Charleston Stage. Originario del Kentucky settentrionale, Colin ha conseguito il BFA in recitazione e un doppio diploma in teatro musicale e amministrazione artistica presso la Western Kentucky University. Indizio: sul palco segna la venticinquesima produzione di Colin con il Charleston Stage, recitazione e regia. I precedenti crediti di Colin come regista di Charleston Stage includono: Charlotte's Web (Stagione 45), Bright Star (Assistente direttore), Treasure Island (Stagione 45), Il miglior spettacolo di Natale di sempre (Stagione 42). Alcuni dei crediti di recitazione preferiti di Colin al Charleston Stage includono: La famiglia Addams (zio Fester), Il gioco che va storto (Robert/Thomas Colleymore), Uomini e topi (Lenni), Footloose (Villard), Bright Star (sindaco Josiah Dobbs), La Bella e la Bestia (Le Fo), Il curioso incidente del cane nella notte (Voce 4), Follia di taglio (Mikey) e Elfo (Babbo Natale). Colin è stato recentemente nominato miglior attore ai Best of Charleston City Paper Awards 2023. Puoi trovare Colin su Instagram: @thepapacolin

Di Maura Hogan mhogan@postandcourier.com
Clicca qui per visualizzare la recensione completa su La Posta e il Corriere di LPI.

Che tu sia sempre stato diffidente nei confronti della pomposità in tweed del Professor Plum o che tu abbia giudicato i modi impenitentemente sfrenati di Miss Scarlet, ci sono abbondanti racconti nella galleria di sospetti del ladro in "Clue" che offrono foraggio per puntare il dito.

Per decenni, il gioco da tavolo trasformato in film trasformato in farsa ha affascinato coloro che si dilettano in un buon giallo vecchio stile, un particolato appuntato sul dove e con cosa.

Raccogliendo un cast carico che è più che un gioco da mutilare con l'aiuto di un candeliere, una corda o una chiave inglese, Charleston Stage ora propone quest'ultimo, "Clue: On Stage". La versione teatrale del film del 1985, che ha debuttato nel 2022 alla Paper Mill Playhouse nel New Jersey, farà il suo debutto al Dock Street Theatre, in programma fino al 5 novembre.

Per la versione teatrale, Sandy Rustin ha scritto e adattato la sceneggiatura dello sceneggiatore Jonathan Lynn, inserendovi nuovi pezzi e battute creati da Hunter Foster ed Eric Price. La produzione del Charleston Stage segna anche il debutto alla regia teatrale di Colin Waters, membro del repertorio della compagnia.

Negli ultimi anni, Waters è stato una presenza onnipresente sul palco di Charleston con un track record straordinariamente ampio come artista sul palco di Dock Street. Per questa produzione, sfrutta le sue abilità comiche per imbrigliare il cast in una serie di disavventure e omicidi che aumentano sempre più le buffonate sul palco.

Proprio come il film da cui è tratto, questo notevole allontanamento dal famoso gioco da tavolo Parker Brothers approfondisce la politica americana della Guerra Fredda che informa la trama. Questo "Indizio" è ambientato negli anni '1950, al culmine del maccartismo, con la Paura Rossa in qualche modo inserita negli avvenimenti in corso.

Prima di analizzare quelle performance, bisogna rendere il dovuto merito a un agente chiave della produzione: il set. Per questa produzione, lo scenografo Adam Jehle ha ideato una bellezza. Sebbene il legno brunito e i dipinti ad olio opportunamente decorati si adattino alla casa tonica del benestante signor Boddy, dà anche vita al gioco da tavolo in giro per la stanza in modi creativi.

Incursioni farsesche si svolgono nelle molteplici porte del genere. Attraverso di essi, i personaggi entrano ed escono per entrare ed uscire dagli spazi caratteristici del gioco - la biblioteca, la sala da biliardo, il giardino d'inverno, ecc. - con i dipinti su una parete del backstage che si ribaltano per rivelarli ciascuno. Ma a differenza delle strutture statiche della maggior parte delle farse, queste porte hanno le gambe, con gli attori che le spingono qua e là sul palco con effetti comici e stravaganti.

Allo stesso tempo, viene utilizzato ovunque un uso efficace del colore, con ogni sospettato avvolto nella tonalità che ne indica il nome, complimenti della costumista Hayley O'Brien. Pensa a un verde acqua con la sommità di piume per la signora Peacock, un rosso fuoco audacemente abbagliante per Miss Scarlet, un abito color smeraldo per Mr. Green.

Ora, riguardo a quei personaggi. Questa commedia funziona meglio quando gli artisti cercano la gloria nella loro interpretazione e il gusto della commedia fisica. Nei panni del maggiordomo Wadsworth, Justin Von Stein fa il suo debutto sul palco di Charleston con disinvoltura raffinata, smussando tutto il caos con un mellifluo accento britannico mentre naviga agilmente tra cadute e cose simili con ingannevole facilità.

Anche altri tra i famosi sospettati tengono testa, tra cui Kathy Summer, che fa un impressionante fieno performativo con la chiacchierona e ipocrita Mrs. Peacock; Dominick Ventrella nei panni di un Mr. Green stranamente nervoso; e Mike Hornacek, che si diverte con il colonnello Mustard. Tutto sommato, il cast offre una potenza encomiabile mentre si agita e corre, entra ed esce, vampirizza e appassisce, brandendo alcune armi mentre ne deviano altre.

Ma in quest’opera la chiave sta nell’umorismo. Questo non è un giallo che sfrutta la suspense. Invece, la sua motivazione è la commedia nera, della varietà piacevole che suscita risatine più che risate strappalacrime. Ed è abbastanza gradevole anche per tutta la famiglia.

A parte un po' di dolcezza da parte della padrona di sé Miss Scarlet di Brietta Goodman, "Clue" offre sia la nostalgia necessaria che le risposte frenetiche per i genitori, così come alcuni imbrogli amplificati che sicuramente intratterranno gli esperti di grafica TikTok. generazione.

Vale a dire, mia figlia Beatrice di 10 anni e la sua amica Vivienne erano più che entusiaste dello spettacolo: una solida testimonianza davvero per una rara pazzia notturna che probabilmente si farà strada nelle loro battute tra adolescenti nelle settimane a venire.

Tutto sommato, "Clue: On Stage" procede amabilmente, anche se il suo rigore fisico richiesto è certamente più un allenamento faticoso di quanto i suoi attori energici lascino intendere. Al Charleston Stage, sono tutti pronti per una serata divertente e senza zanne a teatro, una serata che sicuramente andrà giù facile come il vino nei calici di cristallo di Mr. Boddy.

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Nella nostra ultima produzione di CLUE: ON STAGE, abbiamo incontrato Adam Jehle, il nostro talentuoso scenografo che ancora una volta onora il Dock Street Theatre con le sue abilità. Esplora di seguito per approfondire il suo processo creativo per realizzare i set di questo strepitoso giallo.

1) CLUE: ON STAGE è ambientato in una villa e l'ambientazione gioca un ruolo cruciale nella storia. Quali elementi del design e dell'atmosfera della villa hai trovato più intriganti e stimolanti dal punto di vista della scenografia?

Adoro il film originale e adoro anche il gioco da tavolo. Quindi fin dall'inizio ho voluto incorporare entrambe queste idee nella progettazione del set. La sfida è stata cercare di collocare gli elementi di design del gioco da tavolo, che non sono molto realistici, e fonderli nel mondo della villa.

2) Lo spettacolo si svolge tipicamente in più stanze all'interno della villa. Come hai pensato di creare spazi distinti per ciascuna di queste stanze mantenendo un design generale coerente?

Molti spettacoli al giorno d'oggi sono scritti come film. Quindi ci sono molte location e scene diverse necessarie per raccontare la storia completa. Ma quando provo a progettare spettacoli del genere, mi piace pensare a come potrebbero essere scomposti nella sua forma più elementare ed espandersi da lì. Per CLUE: ON STAGE, l'aspetto più intrigante e stimolante è stato visitare tutte queste diverse stanze della villa. Quindi ho deciso che avremmo dovuto concentrarci sulle porte e farle muovere all'interno della villa come un labirinto, e per aiutare il pubblico a rimanere in linea con la stanza in cui ci troviamo, ci sarebbe stato questo grande muro che sembrava un gioco da tavolo da girare. e dicci in quale stanza ci troviamo. Inoltre abbiamo utilizzato solo alcuni mobili “chiave” che fossero riconoscibili per ogni stanza.

3) INDIZIO: ON STAGE spesso implica commedia fisica, entrate ed uscite rapide e persino un po' di umorismo slapstick. Come intendevi progettare il set per accogliere questi elementi comici e massimizzare il loro impatto comico?

Come per l'idea della commedia “fisica”, ho deciso di rendere anche il set “Fisico”. Ciò significa che gli attori spostano le pareti, le porte e i mobili e li rendono parte della commedia che stanno recitando. Quando corrono per la casa per salvarsi la vita, la casa corre proprio dietro di loro.

4) Lo spettacolo è noto per i suoi passaggi segreti, scomparti nascosti ed elementi sorpresa. Come hai immaginato di incorporare questi elementi nella scenografia per creare momenti di sorpresa ed eccitazione per il pubblico?

Il nostro direttore Colin Waters ha avuto molto più a che fare con questo di me. Ha deciso di nascondere i corpi dietro porte e mobili e di farli apparire dal nulla. Ho semplicemente reso il set altamente mobile per aiutarlo con quella visione.

5) Da quali ricerche e ispirazioni hai attinto nel progettare gli interni della villa?

Il gioco da tavolo mi ha ispirato moltissimo. Volevo che tutti coloro che guardavano avessero la sensazione che, anche se non avevano visto il film, ci fossero piccoli pezzi del gioco da tavolo che riconoscevano e potevano sottolineare.

6) C'erano delle sfide tecniche specifiche che avevi previsto durante la progettazione del set per CLUE: ON STAGE, come effetti speciali, cambi di scena o spostamento delle scene?

Onestamente una delle parti più impegnative è stata progettare questo spettacolo in rappresentanza Il ladro fulmineo. Devi ricordare che tutto quello che vedi sul palco deve andare via e tutto un altro set deve andare lì. Le luci e le tende non possono spostare ogni spettacolo, il che significa che posso mettere le cose solo in determinati posti. È stata necessaria molta pianificazione in ogni piccola cosa, anche fino al rivestimento e al modo in cui può staccarsi rapidamente e essere riposto in modo efficiente.

7) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE e veda le tue scenografie?

Prometto che sarà come nessun altro INDIZIO che qualcuno abbia mai visto prima. È fresco, è nuovo ed è divertente in modi vecchi e nuovi. Sono entusiasta che le persone vedano tutto il duro lavoro che tutti hanno fatto per raggiungere questo obiettivo.

Ottieni i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 26 ottobre al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Adam Jehl, originario di Nixa, MO, è il progettista scenico/proiezioni residente e l'assistente del direttore tecnico per il Charleston Stage. I suoi crediti includono Projection Design per Assassinio sull'Orient Express ed Il miglior spettacolo di Natale di sempre, Disegni scenici per La famiglia Addams – Un nuovo musical, Native Gardens, La tela di Charlotte, La perla nera canta! ed Kinky Boots per Charleston Stages e direzione tecnica per tutta la 45a stagione di Charleston Stages. Altri crediti sono spettacoli di progettazione scenica come Cinderella ed Mamma Mia! al Crane River Theatre nel Nebraska, e Titanic, Cabaret, ed Groundhog Day allo Stagedoor Manor nello stato di New York. Ha conseguito il BFA in Design, Tecnologia e Gestione scenica presso la Missouri State University nel 2020. Adam è entusiasta di progettare altri spettacoli per il Charleston Stage in questa stagione, tra cui Il ballo di fine anno, Clue: On Stage, A Christmas Carol, ed Il viaggio a Bountiful.

Abbiamo parlato con Hayley O'Brien, la nostra costumista, portando ancora una volta le sue abilità al Dock Street Theatre nella nostra produzione di CLUE: ON STAGE. Ottieni i tuoi biglietti per lo spettacolo qui, e continua a leggere per saperne di più sul suo processo artistico nel disegnare i costumi per questo folle adattamento teatrale!

1) Cosa ti ha attratto del progetto CLUE: ON STAGE, e quali aspetti dei personaggi e dell'ambientazione dello spettacolo hai trovato più interessanti dal punto di vista dei costumi?

Da piccolo ero un grande fan del gioco da tavolo, CLUE, e ci giocavo sempre con i miei amici! Ho visto per la prima volta il film CLUE quando ero in quinta o sesta elementare ed è diventato rapidamente uno dei miei film preferiti. Ho visto il film probabilmente un centinaio di volte e lo cito ancora oggi! Quindi, inutile dirlo, ero MOLTO entusiasta di disegnare i costumi per CLUE: ON STAGE! Tutti conoscono CLUE e i suoi personaggi iconici, quindi ero davvero entusiasta di contribuire a dare vita a questi personaggi e lavorare con il team di produzione per incorporare elementi del gioco da tavolo rendendo omaggio al film.

2) INDIZIO: SUL PALCO presenta una varietà di personaggi distinti, ognuno con la propria personalità e peculiarità. Come ti sei avvicinato alla progettazione di questi costumi che riflettono e valorizzano questi personaggi iconici?

Fin dall'inizio, sapevo che come team di produzione volevamo alludere al tabellone di gioco di CLUE. Pertanto, ho esaminato molte pubblicazioni di CLUE, in particolare le carte dei personaggi, per vedere quale immagine pensa veramente la gente quando pensa a questi personaggi iconici. Ad esempio, quando pensiamo al colonnello Mustard, lo pensiamo vestito da colonnello, ma ci sono molte raffigurazioni in cui lo vediamo vestito più come un esploratore di safari. Quindi volevo davvero giocare con i ricordi che le persone hanno di questi personaggi. Dato che la sceneggiatura dell'opera è basata sul film del 1985, ho cercato anche di fare riferimento alle silhouette del film per collegare le due ispirazioni. 

La cosa bella di uno spettacolo come CLUE: ON STAGE è che i personaggi sono così diversi tra loro! Nella sceneggiatura, la descrizione di ogni personaggio è molto distinta, quasi archetipica, e lascia il segno in te come designer al punto da avere un'immagine già dipinta nella tua testa. Volevo davvero enfatizzare l'unicità di ogni personaggio attraverso la differenza nelle silhouette e nelle texture dei tessuti. Ad esempio, Miss Scarlet viene descritta vestita con il glamour di "Hollywood", quindi volevo che fosse vestita con tessuti setosi che drappeggiassero con molti dettagli scintillanti. Considerando che la signora White è descritta come molto morbosa e vestita con abiti funebri, volevo che fosse molto strutturata e spigolosa per enfatizzare ulteriormente il suo comportamento stoico e oscuro. In tutti i costumi, ogni personaggio è in contrasto tra loro ma si unisce in un modo coeso che penso che il pubblico apprezzerà davvero!

Foto di Reese Moore Fotografia

3) Che tipo di ricerca e preparazione intraprendi solitamente quando disegni i costumi per una produzione come CLUE: ON STAGE? Come ti assicuri che i tuoi progetti siano autentici e appropriati per il periodo di tempo e i personaggi?

Quando una produzione è incentrata su un argomento così iconico della nostra cultura, mi concentro sugli elementi con cui le persone si identifichino. Tutti hanno un'idea di come sia CLUE, sia che pensino al gioco o al film. Pertanto, ritengo che sia importante prendere aspetti memorabili dell'originale dandovi la mia interpretazione. Gran parte della mia ricerca per questa produzione ha comportato l'esame di molte versioni del gioco CLUE e allo stesso tempo la ricerca del periodo di tempo e dell'ambientazione. Per assicurarmi che i design siano appropriati, cerco di trovare immagini di capi reali, modelli vintage, fotografie e riviste del periodo di tempo reale, in modo che le silhouette e i dettagli del design aiutino a stabilire l'ambientazione. In questa produzione ci sono pezzi di costume specifici che richiedono ricerche più approfondite. In particolare, la produzione presenta personaggi come il colonnello Mustard e Wadsworth che indossano uniformi che hanno una storia specifica e vasta. Per progettare rispettosamente questi costumi, ritengo che sia importante approfondire ogni aspetto e dettaglio per essere il più autentici possibile!

4) C'erano delle sfide specifiche che avevi previsto durante la progettazione dei costumi per questa produzione, come effetti speciali o cambiamenti rapidi che dovevano essere adattati?

In questo spettacolo, MOLTO accade mentre la trama si svolge. Abbiamo attori che interpretano più personaggi con alcuni rapidi cambiamenti rapidi! Attenzione spoiler, ma abbiamo dovuto anche prendere in considerazione l'idea di ritrarre l'omicidio di alcuni personaggi, ad esempio attaccando armi ai costumi o mettendo sangue finto. I personaggi devono anche nascondere prove e armi sui loro corpi o nella borsa, il che è stato un fattore importante quando ci si è avvicinati ad alcuni costumi. Anche gli attori sono molto fisici nello spettacolo, quindi ho preso in considerazione l'idea di dare loro sufficiente mobilità nei loro costumi.

5) INDIZIO: ON STAGE è noto per il suo umorismo e gli elementi farseschi. Come pensavi di incorporare elementi comici nei costumi per aumentare l'ilarità generale di questa commedia?

Penso che i colori vivaci e la vivacità dei costumi aggiungano davvero la comicità complessiva dello spettacolo! La produzione affronta il mistero di un omicidio in modo divertente, quindi mentre lo spettacolo ha momenti molto seri e oscuri, i personaggi stessi sembrano e si comportano in modo molto vivace e saturo!

6) La collaborazione con il resto del team di produzione è fondamentale in teatro. Come hai affrontato il lavoro con il regista, lo scenografo e il lighting designer per garantire che i costumi si integrassero perfettamente nella visione generale della produzione?

Per il progetto iniziale, il nostro regista Colin Waters ha presentato il suo concetto per lo spettacolo ed ha espresso alcuni elementi che voleva per la produzione. L'idea generale era quella di incorporare elementi del gioco da tavolo nell'intera produzione, di cui tutti erano entusiasti e d'accordo! Prima che ogni dipartimento facesse la propria ricerca, ci siamo seduti e abbiamo presentato immagini generali che evocassero l'umore generale, i sentimenti e la vivacità di ciò che pensavamo dello spettacolo. Da quel momento in poi siamo stati tutti molto in sintonia tra loro nel processo di collaborazione. Abbiamo pensato a come ogni elemento di design avrebbe funzionato tra loro. Abbiamo parlato di come la saturazione dei costumi avrebbe risaltato rispetto ai ricchi toni della terra del set e di quanto sarebbero state drammaticamente illuminate alcune scene.

Durante il processo di progettazione, Colin e io eravamo d'accordo sull'importanza di avere ogni personaggio vestito con i colori che il suo nome rappresenta, in modo che i personaggi sembrassero pezzi di gioco con cui le persone avrebbero giocato come in un gioco di INDIZIO. Penso che questa scelta progettuale funzioni molto bene poiché Adam Jehle, scenografo, ha fatto un ottimo lavoro facendo in modo che il set faccia davvero riferimento al tabellone di gioco di CLUE e Aline Toloto, Props Master, elementi integrati come le carte da gioco CLUE e le armi che assomigliano al veri e propri pezzi di metallo che metteresti in ogni stanza. Nel complesso, penso che tutti gli elementi di design funzionino bene insieme per creare il gioco del mistero e dell'omicidio che tutti conosciamo e amiamo!

7) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE e veda i tuoi costumi?

Sono davvero entusiasta che il pubblico veda l’intera produzione prendere forma! Penso che tutte le persone coinvolte in questa produzione abbiano lavorato duramente e con passione. Sono così entusiasta che il pubblico veda i personaggi prendere vita nei loro costumi e veda tutti gli elementi di design divertenti e unici!

Ottieni i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 26 ottobre al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Hayley O'Brien è molto entusiasta e orgogliosa di lavorare al Charleston Stage! Originaria del sud della Florida, Hayley si è laureata alla Florida State University con un Master in Belle Arti in Costume Design e un Bachelor of Arts in Teatro. I suoi crediti recenti al Charleston Stage includono Giardini nativi, JFK e Inga Binga ed La famiglia Addams: un nuovo musical. Altri crediti includono Kinky Boots, James e la pesca gigante di Roald Dahl, ed Spirito allegro. Attende con impazienza le future produzioni al Charleston Stage ed è grata di essere coinvolta nel programma TheatreWings. Hayley vorrebbe ringraziare la sua famiglia e i suoi amici per tutto il loro amore e sostegno!

Abbiamo parlato con Luke Walchuk, il nostro sound designer e ingegnere audio residente, portando ancora una volta le sue abilità al Dock Street Theatre nella nostra produzione di CLUE: ON STAGE. Ottieni i tuoi biglietti per lo spettacolo quie continua a leggere per saperne di più sul suo processo artistico nella progettazione del suono e nella creazione della colonna sonora originale per questo gioco di misteri e omicidi!

1) CLUE: ON STAGE è noto per il suo mix di mistero, commedia e suspense. Cosa ti ha attratto verso questa particolare opera teatrale e quali aspetti della sceneggiatura hai trovato più entusiasmanti o stimolanti dal punto di vista del sound design?

CLUE: ON STAGE è, senza dubbio, una commedia, e piuttosto sciocca. Tuttavia, la commedia funziona solo contro la seria posta in gioco dell'omicidio e del pericolo. Come sound designer, la mia sfida più grande è aiutare a supportare sia le cose sciocche che quelle serie. È importante creare un'atmosfera piena di suspense perché dobbiamo credere che questi personaggi temono per la propria vita. D'altra parte, ho anche contribuito ad aiutare alcune battute ad arrivare. La sfida è assicurarsi che i suoni non sembrino quelli dei cartoni animati. È questo equilibrio che ho trovato davvero interessante nel lavorare a questo show.

2) Le rappresentazioni misteriose spesso richiedono un uso attento della musica per creare suspense e migliorare l'aspetto della storia relativo alla risoluzione dei misteri. Come ti sei avvicinato alla creazione della colonna sonora originale per questa produzione che mette in mostra sia il mistero che la commedia?

La mia prima priorità nel creare la colonna sonora per CLUE: ON STAGE era assicurarmi che la musica supportasse l'ampia varietà di momenti dello spettacolo pur rimanendo un pezzo coeso dall'inizio alla fine. Non volevo che sembrasse una raccolta di brani musicali disparati scelti momento per momento.

Mi sono avvicinato a questo obiettivo in due modi. Innanzitutto, ho scelto la mia strumentazione in anticipo e mi sono limitato a utilizzare solo quella tavolozza sonora per tutta la durata del brano. Mi sono assicurato di includere strumenti che potessero supportare sia i momenti seri che quelli più comici. Tra poco esaminerò alcune delle mie scelte in modo più dettagliato.

La mia seconda strategia per una partitura coerente è stata quella di utilizzare temi ripetuti in tutta la partitura. Ci sono alcune idee melodiche che emergono ancora e ancora. A volte è una ripetizione nota per nota dello stesso tema, altre volte è una sua rielaborazione, ma le stesse idee sono sempre presenti.

La strumentazione mi ha davvero aiutato a dare il tono a questa produzione. Nelle prime discussioni con il regista Colin Waters, era stato stabilito che la produzione si sarebbe ispirata molto ai classici film gialli e noir, nonché al film CLUE degli anni '1980. Lo spettacolo in sé viene spesso eseguito con un pianista dal vivo, ma Colin voleva un suono più pieno per la partitura. Con questo in mente, la mia prima scelta per gli strumenti è stata abbastanza ovvia: gli archi orchestrali. 

Con questa idea di base in mente, ho scelto di appoggiarmi al melodramma dei film che ci hanno ispirato e ho deciso di aggiungere un theremin al mix. Se non lo conosci, il theremin è uno strumento elettronico controllato tramite due antenne: una per il volume e una per l'intonazione. Il suonatore non tocca affatto lo strumento, ma muove le mani attraverso i campi magnetici che circondano queste due antenne per manipolare il suono. I suoni risultanti sono inquietanti, inquietanti e francamente un po' scadenti. Perfetto per l'equilibrio che volevo raggiungere nel tono.

Ho anche sentito che l'ambientazione di CLUE: ON STAGE richiedeva quel tipo di dramma maestoso e pesante che può essere ottenuto solo con un organo a canne. L'organo è uno strumento versatile, ma nel contesto delle partiture spettrali è meglio conosciuto per la sua chiassosità. INDIZIO: ON STAGE trae sicuramente beneficio dai momenti di chiassosità.

Infine, avevo bisogno di uno strumento solista per alcuni passaggi più leggeri. Qualcosa con un'espressione un po' più vivace di quella che avrei potuto ottenere con l'organo. Partendo da un momento particolare che richiede un po' di tango, sono approdato al clarinetto. Il clarinetto è uno strumento versatile che si trova a suo agio essendo allo stesso tempo sobrio e giocoso. Il tono è piacevole in tutta la sua gamma e risulta che suona molto bene con l'organo a canne.

Avendo assemblato questa tavolozza di suoni, sono riuscito a mantenere la mia partitura unificata ma flessibile.

Ascolta la colonna sonora originale di Luke qui sotto, inclusa nel trailer dello show di CLUE: ON STAGE!

3) INDIZIO: ON STAGE spesso prevede rapidi segnali sonori per accentuare momenti comici, rivelazioni a sorpresa o scene piene di suspense. Come hai coreografato ed eseguito questi segnali sonori per massimizzare il loro impatto drammatico?

Una delle chiavi per momenti come questo sono le scelte attente dei suoni stessi. C'è molto rumore esuberante proveniente dagli attori stessi in questa commedia, quindi devo assicurarmi che i suoni non si perdano nel frastuono. Assicurarsi che siano abbastanza rumorosi è certamente fondamentale, ma devono anche essere abbastanza lunghi da non essere persi. Devono anche essere sufficientemente diversi dal rumore che avviene sul palco. L'uso di suoni più acuti rispetto alle voci sul palco aiuta a farle risaltare. Spesso li accentuo anche con suoni incisivi e a frequenza molto bassa che il pubblico sente più di quanto senta. Ciò aggiunge davvero drammaticità a qualsiasi cosa, dal tuono (ovviamente) all'impatto di un'arma del delitto, ehm, all'esecuzione di un omicidio. 

Detto questo, devo esercitare una certa moderazione. I miei suoni non dovrebbero essere così prominenti da distogliere il pubblico dall'esperienza. Dovrebbero integrare ciò che accade sul palco, non distrarlo.

4) La collaborazione con il resto del team di produzione è fondamentale in teatro. Come hai lavorato con il regista, lo scenografo, il lighting designer e gli altri membri del team per garantire che il sound design fosse in linea con la visione generale della produzione?

La collaborazione è in assoluto l’aspetto più importante di tutta questa faccenda. Cerco, in ogni spettacolo a cui lavoro, di assicurarmi di parlare spesso con il regista per assicurarmi che siamo sulla stessa lunghezza d'onda. Questo spettacolo in particolare è stato scritto appositamente per essere colonna sonora, e quindi ha richiesto una collaborazione ancora più stretta del solito. Avevo già scritto la maggior parte della musica, almeno in forma di bozza, prima che iniziassero le prove. Gli effetti sonori seguirono subito dopo. In questo modo, il nostro regista Colin Waters e il cast sapevano esattamente cosa aspettarsi e hanno potuto coreografare i propri movimenti seguendo la musica. Sono stati anche in grado di contattarmi e aggiustare le cose mentre andavamo. Con gli effetti sonori, è molto utile per gli attori ascoltarli il più possibile durante le prove. Se ci si aspetta che reagiscano, ad esempio, a un tuono o a uno sparo, è meglio che lo abbiano a disposizione in anticipo. 

Ho anche lavorato a stretto contatto con il nostro lighting designer Caleb Garner. Questo spettacolo, come ci si potrebbe aspettare, è pieno di tuono. Questa è la necessità più evidente di collaborazione tra suono e luci. Ma non finisce qui! Caleb aveva anche bisogno di comprendere i tempi della musica e degli altri effetti sonori per creare i suoi bellissimi look ed effetti. In molti casi, discutevamo insieme di un effetto e spesso ci scambiavamo anche idee durante il processo.

5) Qual è il tuo approccio nel progettare e programmare effetti sonori per momenti o scene specifici che richiedono tempistiche precise e coordinamento con altri elementi della produzione?

Ancora una volta, è tutta una questione di collaborazione. Come ho accennato nella domanda precedente, avere effetti sonori durante le prove è molto utile per sviluppare il timing. È anche fondamentale comunicare a stretto contatto con il direttore di scena. Imani Lloyd è responsabile della realizzazione degli effetti sonori esattamente quando necessario, oltre a coordinare tutti gli altri aspetti della produzione. Sa, fino alla sillaba, quando ogni battuta deve partire ed è davvero il sistema nervoso centrale della produzione. Cerco anche di non essere troppo preciso su dove penso che debbano andare gli spunti. Imani e Colin hanno provato lo spettacolo sera dopo sera, è importante che mi fidi di loro per sapere quando le cose funzionano meglio.

6) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico possa provare CLUE: ON STAGE e ascoltare la tua colonna sonora originale e il tuo sound design?

Da un punto di vista personale, sono sempre entusiasta di uno spettacolo che coinvolge molta composizione. Creare musica è la parte che preferisco del mio lavoro e mi piace condividerla con il pubblico. Ma sono più emozionato perché questa non è una presentazione della mia musica, è il prodotto di dozzine di persone che mettono ciascuna la propria creatività e passione nella produzione. Sono così entusiasta del set, degli oggetti di scena e dei costumi (disegnati rispettivamente da Adam Jehle, Aline Toloto e Hayley O'Brien), ma sono anche infinitamente impressionato da tutti gli altri che lavorano dietro le quinte, dall'intero costume e negozi di scena alle nostre troupe dietro le quinte e anche alle persone dell'amministrazione. Ecco perché amo fare teatro: è tutto incentrato sullo sforzo di gruppo e nessuna singola persona è essenziale.

Ottieni i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 18 ottobre al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Luke Walchuk ha lavorato nel settore del suono dal vivo in un modo o nell'altro dal 2004. Ha acquisito esperienza nell'intrattenimento delle navi da crociera, nei parchi di divertimento, nella musica dal vivo e nell'audio aziendale prima di decidere che il teatro era il lavoro più creativamente appagante che potesse fare. Ha continuato a conseguire un Master in Belle Arti in Sound Design ed è particolarmente felice di essere qui al Charleston Stage.

Abbiamo parlato con Caleb S. Garner, il nostro Lighting Designer, portando ancora una volta le sue abilità al Dock Street Theatre nella nostra produzione di CLUE: ON STAGE. Ottieni i tuoi biglietti per lo spettacolo quie continua a leggere per conoscere il suo processo artistico nel progettare l'illuminazione per questo esilarante giallo!

1) CLUE: ON STAGE è noto per il suo mix di mistero, commedia e suspense. Cosa ti ha attratto verso questa particolare opera teatrale e quali aspetti della sceneggiatura hai trovato più entusiasmanti o stimolanti dal punto di vista del lighting design?

Non conoscevo il film finché non ero studentessa, quindi non mi sono avvicinata alla produzione con lo stesso fattore di nostalgia che avevano molti altri membri della produzione. Quando l'ho visto per la prima volta, sono stato particolarmente attratto dai personaggi straordinari che si trovano in situazioni di vita o di morte. Si prendono così incredibilmente sul serio, eppure la maggior parte delle cose che dicono e fanno non sono assolutamente serie e irriverenti. È come se il tuo gruppo di amici fosse seduto attorno al tavolo della sala da pranzo e giocasse insieme divertendosi. Ci prendiamo in giro a vicenda, recitiamo in modo esagerato con i nostri personaggi, ci prendiamo troppo sul serio e poi ridiamo! Penso che sia la mia sfida preferita di questa commedia: come possiamo renderlo un giallo serio, in stile noir, che sia anche divertente e stravagante con molta commedia fisica? È stato un grande atto di bilanciamento. 

2) Lo spettacolo presenta una varietà di scene ambientate in diverse stanze della villa, ognuna con il proprio stato d'animo e la propria atmosfera. Come utilizzi l'illuminazione per creare ambientazioni distinte e migliorare la narrazione all'interno di questi spazi?

L'intero team sta lavorando duramente per dare forma al mondo del gioco ormai da diversi mesi. Quando ci siamo incontrati per la prima volta come team di produzione, tutti i designer hanno portato immagini che secondo noi riflettevano il tono della sceneggiatura. Abbiamo discusso tutte le nostre immagini e le abbiamo scelte per creare un collage unificato che rappresentasse l'identità visiva della produzione. Di seguito è riportato uno sguardo a ciò che abbiamo deciso come squadra.

Ho davvero risposto ai colori dei pezzi reali del gioco Clue e all'uso di colori forti e luci per creare drammaticità ed enfasi. Ogni camera ha i suoi mobili e le sue forme che le conferiscono un carattere unico. Ho provato ad arricchirlo inserendo le luci e i colori che vedi nel collage: un raggio di luce qui, una finestra là e un po' di divertimento con l'angolazione e la direzione della luce. Una delle cose di cui sono particolarmente orgoglioso è il lavoro che io e lo scenografo Adam Jehle abbiamo svolto cercando di separare i luoghi distinti all'interno della villa. Abbiamo una serie di porte mobili con finestre a vasistas che ho illuminato internamente in modo che il livello di luce e il colore proveniente dalla finestra possano essere modificati individualmente mentre vengono spostati nello spazio. Abbiamo anche una divertente serie di ritratti sulla parete del palco che fanno qualcosa di speciale che non posso rivelare: dovrai vederlo di persona! 

3) INDIZIO: ON STAGE spesso implica rapidi cambiamenti nell'illuminazione per accentuare momenti comici, rivelazioni a sorpresa o scene piene di suspense. Come hai coreografato ed eseguito questi segnali luminosi per massimizzare il loro impatto drammatico?

L'illuminazione, come la commedia, è tutta una questione di tempismo. Un segnale luminoso tempestivo potrebbe essere uno scherzo di per sé – e in molti punti lo è! Ci sono molti luoghi in cui il design delle luci collabora con il suono per contribuire ad accentuare la commedia sul palco. Nella sequenza di apertura dello spettacolo molti personaggi si riconoscono vedendosi nella villa. Gli attori hanno questo gesto esagerato di shock o di disprezzo, ma in realtà lo enfatizziamo con un cambio di luce e un suono. Le combinazioni di recitazione, luce e suono aiutano a trasformare un piccolo momento in un grande scherzo. 

Oltre alle immagini del nostro collage, mi sono ispirata anche ad alcuni dipinti di Edward Hopper. Erano davvero intensi e taglienti. Proprio come i personaggi sul palco, si prendevano molto sul serio. Mi è piaciuta molto l'idea che questi momenti divertenti accadano all'interno di un crudo dipinto di Hopper, quindi ho provato a incorporare alcuni dei suoi elementi nello spettacolo. È una situazione di vita o di morte, è melodrammatica ed è molto, molto divertente. 

Edward Hopper, Conferenza notturna

4) Le rappresentazioni misteriose spesso richiedono un uso attento dell'illuminazione per creare suspense e migliorare l'aspetto della storia relativo alla risoluzione dei misteri. Come ti sei avvicinato alla creazione e al controllo degli effetti luminosi pieni di suspense nella produzione?

Costumi e scenografie aiutano a modellare fisicamente il mondo dello spettacolo, ma l'illuminazione e il suono modellano il modo in cui il pubblico percepisce lo spettacolo. Come squadra, eravamo anche molto interessati al modo in cui la luce aiutava a modellare i corpi e le scene in uno stile da “film noir”, con forti luci e ombre profonde. Era un modo fantastico per contrastare gli spigoli e le linee taglienti del tabellone di gioco originale di Clue, lo stile vittoriano della scenografia e i contorni più morbidi e sinuosi del design dei costumi. Aiuta a inquadrare ogni momento di suspense in un modo visivamente interessante e spettrale. Ho scoperto che più mi abbandono agli angoli e ai colori strani, più intensi diventano i momenti della scena.

Steven Assael, Sposa Con Le Carte

La sequenza di apertura della produzione inizia con Yvette, la cameriera, davanti alla TV che ascolta una trasmissione del senatore McCarthy. È illuminata principalmente dalla TV, con un po' di luce dall'alto e dai lati che la riempiono. Ho cercato di catturare lo spirito dell'immagine sopra, Sposa con le carte, nell'usare una fonte di luce primaria da un'angolazione interessante per trasformare Yvette che guarda la TV in un'immagine forte e misteriosa per dare il tono dello spettacolo fin dall'inizio. Anche qualche lampo aiuta! 

5) Qual è il tuo approccio nel progettare e programmare effetti di luce per momenti o scene specifici che richiedono tempistiche precise e coordinamento con altri elementi della produzione?

Quando leggi la sceneggiatura, ci sono molte cose che vengono scritte per te fin dall'inizio. Cose come blackout, fulmini e cambi di scena sono già scritti nella sceneggiatura, ma il mio lavoro è guardare oltre ciò che è scritto e vedere cos'altro abbiamo bisogno per raccontare la storia. Mi piace pensare a questo in tre modi separati. La prima cosa che faccio è pensare a come posso supportare gli altri elementi di progettazione nella costruzione del mondo dello spettacolo. Quali sono le cose letterali che devo rinforzare? Come posso illuminare lo scenario in modo da modellare la stanza? Come posso rafforzare le scelte cromatiche dello scenografo e del costumista? Come rivelo le forme sul palco e come nascondo le cose che non hanno bisogno di essere viste? Come posso lavorare con il suono per rafforzare l'umore e il tono?

Dalla costruzione del mondo, mi piace passare al ritmo del testo. Sento la sceneggiatura dell'opera come musica: ci sono sempre temi, cambiamenti di umore, ripetizioni, dinamiche e ritmi. Mi piace ascoltare il modo in cui gli attori dicono le battute per cercare di avere un'idea del loro tempismo. Il modo in cui riproducono il testo può determinare la velocità dei segnali luminosi, i momenti da evidenziare e aiutare a stabilire il tono dell'illuminazione. 

La terza cosa a cui penso è dove gli attori saranno fisicamente sul palco. Parte del mio lavoro è mettere la luce dove ne abbiamo bisogno e toglierla dai luoghi in cui non ne abbiamo bisogno. Quando siamo alle prove tecniche per lo spettacolo, mi piace chiamarlo "illuminazione a pennello grande" e "illuminazione a pennello piccolo". A volte le scene con un gran numero di attori o scene in cui viene utilizzato la maggior parte dello spazio di gioco mi richiedono di usare il mio "grande pennello" e di illuminare ampie sezioni del palco. Ripensa ai grandi numeri di ballo in The Prom o in Una volta su quest'isola, dove utilizzo “pennellate” grandi e ampie per assicurarmi che l’intero spazio sia illuminato in modo attraente. Indizio ha bisogno del mio “piccolo pennello”. Abbiamo scene serrate e specifiche in cui vogliamo evidenziare solo un singolo attore e nascondere molti segreti sul palco. Ogni spettacolo richiede entrambi i pennelli, ma ci vuole un buon occhio e alcuni ottimi collaboratori per sapere quale usare. 

6) C'erano sfide tecniche o effetti speciali in CLUE: ON STAGE che avevi previsto e come pensavi di affrontarli attraverso il tuo progetto di illuminazione?

Una delle maggiori sfide tecniche per Indizio è che sta giocando insieme Il ladro fulmineo. È difficile dare a ogni spettacolo una propria identità unica con le limitazioni tecniche dello spazio. Ladro di fulmini ha diversi elementi di scenario volante che devono essere rivelati durante lo spettacolo, ma ciò significa che le luci di quegli elementi di scenario non sono più disponibili per l'uso in Traccia. Ho dovuto pensare davvero in modo critico alle esigenze di ogni spettacolo e al modo in cui passiamo da uno spettacolo all'altro. C'è sempre una grande battaglia tra ciò che voglio artisticamente e ciò che posso fare fisicamente con i limiti di tempo, attrezzature e altri spettacoli. 

Un'altra sfida in questo spettacolo è stata l'illuminazione delle finestre a vasistas in sei porte mobili. Dovevo trovare un modo per illuminare, alimentare, caricare e controllare le finestre di poppa mentre vengono spostate sul palco in un'elaborata sequenza di inseguimenti in stile Scooby-Doo. Ho dovuto costruire su misura diversi componenti delle porte-finestre, quindi sono davvero entusiasta di come risultano! Puoi vedere le porte spente nelle recenti foto delle prove.

7) Infine, cosa ti entusiasma di più del fatto che il nostro pubblico viva CLUE: ON STAGE e sia testimone del tuo progetto di illuminazione?

Questo spettacolo è molto diverso dagli ultimi spettacoli che ho fatto, quindi sono molto felice di mettere su uno spettacolo così scattante che mi permette davvero di giocare con dei colori fantastici, angoli non convenzionali e un sacco di meravigliosa collaborazione con alcune delle mie persone preferite. Sono entusiasta che i membri del pubblico sperimentino uno stile di illuminazione leggermente diverso da quello che offriamo solitamente e presentato in un modo così divertente. Spero che tutti si divertano a guardare lo spettacolo tanto quanto io mi sono divertito a progettarlo!

Ottieni i tuoi biglietti per vedere CLUE: ON STAGE, in programma dal 18 ottobre al 5 novembre, alle CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner è un progettista di luci e suoni con sede a Charleston, Carolina del Sud. Originario della Carolina del Nord, Caleb ha conseguito la laurea e il BFA presso il Catawba College di Salisbury, Carolina del Nord, e il suo MFA presso l'Università del Mississippi meridionale. I progetti di Garner, che spaziano dai concerti ai balletti, dai musical alle opere teatrali, gli sono valsi otto premi di design regionali e nazionali. Caleb è stato un designer di spicco da New York al Mississippi, progettando nel nord-est, nel Midwest, nella costa orientale e nel profondo sud. A Caleb piace trasformare grandi pezzi di legno in pezzi di legno più piccoli (a volte chiamati erroneamente mobili), urlare con gli studenti (spesso riconosciuto come insegnamento) e giocare con cose che scintillano e fumano. Caleb attualmente ricopre il ruolo di Resident Lighting Designer presso la Charleston Stage Company e docente a contratto presso il College of Charleston.