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Wie haben Sie es geschafft, ihre Originalkompositionen zu würdigen und ihnen gleichzeitig eine frische theatralische Energie zu verleihen?

In mancher Hinsicht ist es eine Herausforderung, ein Stück zu produzieren, das auf echten Menschen basiert, aber es gibt einem auch so viel Material, aus dem man schöpfen kann. Auch wenn die Lieder vielen bekannt sein mögen, ist es überraschend, sie in historischer Reihenfolge zu sehen und zu erkennen, wie viele populäre Lieder und Musikgruppen von Carole King als Komponistin beeinflusst wurden, und sie dann mit dem in Einklang zu bringen, was sie als Frau in dieser Zeit erlebte gibt dem Publikum viel zum Nachdenken und Genießen.

Können Sie den kreativen Prozess besprechen, der hinter der Umsetzung ihrer Geschichte in ein visuelles Spektakel steckt?

Eine der größten Herausforderungen bei einem Jukebox-Musical (ein Jukebox-Musical ist ein Bühnenmusical oder ein Musikfilm, bei dem es sich bei den meisten Liedern um bekannte Popmusik-Songs und nicht um Originalmusik handelt.) besteht in vielerlei Hinsicht darin ist eher eine Konzertreihe. Das Broadway-Set hatte ein sehr spezifisches Aussehen und viele regionale Produktionen taten etwas Ähnliches. Ich weiß, dass dies eine Show ist, die viele unserer Gäste vielleicht am Broadway oder auf einer nationalen Tournee gesehen haben, deshalb wollte ich, dass unsere Produktion von dem Moment an, in dem sich der Vorhang hebt, anders aussieht. Unser Gast-Bühnenbildner Seth Howard (sethhowarddesigns.com) hatte die Show Anfang des Jahres für ein anderes Unternehmen entworfen und war begeistert, einen neuen Ansatz zu verfolgen. Wir spielten mit mehreren Looks, entschieden uns aber für das von „Mad Men“ inspirierte Bürogebäude als Hauptbild. Die Show wechselt von Autorenzimmern am 1650 Broadway bis hin zu kompletten Fernsehaufführungen oder Live-Konzerten ohne zeitliche Verzögerung. Unser ansässiger Lichtdesigner Caleb S. Garner (calebsgarner.com) hat uns schnell dabei geholfen, viele Möglichkeiten für Lichtdesign zu finden, die uns von den Buchszenen zu musikalischen Darbietungen führen.

Was ist Ihrer Meinung nach das Besondere an Carole Kings Geschichte, das Generationen und Kulturen überschreitet?

Ich denke, Vertrautheit ist ein Thema, mit dem sich das Publikum immer beschäftigt. Wenn Sie noch nie ein einziges Lied gehört haben, das Carole King gesungen oder geschrieben hat, wäre ich sehr überrascht, ABER wer kann sich nicht mit einem jungen Menschen identifizieren, der versucht, seinen Traum zu verwirklichen, oder mit jemandem, der um Liebe, Ehe oder Elternschaft kämpft? Ihre Geschichte umfasst starke Freundschaften, Familie und Karriere. Wir werden an verschiedene Teile unseres eigenen Lebens erinnert.

Nach welchen Eigenschaften suchten Sie bei der Schauspielerin, die Carole King verkörpert, um sicherzustellen, dass sie die Essenz ihres realen Gegenübers einfangen kann?

Wie bei jedem Musical braucht man einen gut ausgebildeten Schauspieler mit einer schönen Stimme. Bei der Darstellung einer realen Person geht es nicht darum, sich auszugeben, sondern darum, nach der gemeinsamen Wahrheit mit der Figur zu suchen. Eliza Knode ist seit zwei Jahren als Resident Actor bei Charleston Stage tätig. Ich wusste, dass sie in ihrem ersten Jahr bei uns eine großartige Carole sein würde und sie ist einer der Gründe, warum wir die Show für ihre zweite Staffel hinzugefügt haben. Sie hat viel über Carole King gelesen und sich Interviews und Auftritte angesehen, aber letztendlich hat sie eine Figur geschaffen, die man gerne sieht und hört.

Welche Aspekte der Show haben bei Ihnen persönlich oder künstlerisch Anklang gefunden?

Ich liebe einen Moment in der Eröffnungsszene, in dem Carole mit dem Publikum in der Carnegie Hall über ihre Karriere spricht:

„Und wissen Sie, was am Leben so lustig ist? Manchmal läuft es so, wie man es möchte, und manchmal nicht. Und manchmal, wenn das nicht der Fall ist, findet man etwas Schönes.“

Ich finde, dass das auf das Leben und die Arbeit als künstlerischer Leiter zutrifft.

Wie haben Sie mit der Besetzung und dem Kreativteam zusammengearbeitet, um sicherzustellen, dass die musikalischen Darbietungen die Essenz ihrer Musik einfangen??

Charleston Stage hat sich verpflichtet, vielen Künstlern Vollzeitstellen bei uns zu vermitteln. Dazu gehört auch Musikdirektor Sam Henderson. Sam hat wunderbare Beziehungen zu vielen der besten Musiker Charlestons aufgebaut und daher ist unser Live-Orchester etwas, das viele Theater nicht haben. Er arbeitet auch unermüdlich mit der Besetzung zusammen, um nicht nur die Musik zu vermitteln, sondern auch den Stil und die Finesse, die jede Gruppe auszeichnen.

SCHÖN: DAS CAROLE KING MUSICAL läuft vom 10. bis 28. April 2024 im Historic Dock Street Theatre. Klicken KLICKEN SIE HIER um Ihre Plätze zu reservieren.

MARYBETH CLARK (Künstlerische Leiterin und Leiterin von Schön: Das Carole King Musical)

Marybeth ist in ihrer fünfundzwanzigsten Saison bei Charleston Stage. Sie wurde in Pittsburgh, PA, geboren und wuchs in Tolland, CT auf. Marybeth hat einen Abschluss in Theater/Performance von der University of South Florida und wurde im Alter von 18 Jahren in Tampa für ihre erste Show in einem Equity-Theater gecastet. Sie arbeitete zehn Jahre lang als Schauspielerin an professionellen Theatern im gesamten Südosten, bevor sie sich 1994 mit ihrem Ehemann, dem Schauspieler Victor Clark, in Charleston niederließ. Sie war Mitglied der Theaterfakultät an der School of the Arts im Charleston County für Schüler der Mittel- und Oberstufe. Obwohl sie nach Charleston zog und vorhatte, sich vom Theater „zurückzuziehen“ und eine Familie zu gründen, unterrichtete und inszenierte sie ab 1997 in Teilzeit für Charleston Stage, bevor sie sich im darauffolgenden Jahr ganztägig dem Ensemble anschloss.

Sie und Vic sind stolze Eltern von zwei Töchtern, Lila und Prentice. Lila hat kürzlich ihren Abschluss an der Drew University gemacht und bereitet sich auf das Doktoratsstudium am MUSC vor. Prentice unterrichtet Schüler mit besonderen Bedürfnissen am Washington Center in Greenville, SC. Marybeth und Vic haben kein leeres Nest, sondern teilen ihr Zuhause mit Marybeths Mutter und vielen adoptierten Hunden und Katzen.

Während ihrer Zeit auf der Charleston Stage hat sie bei über 70 Shows Regie geführt, zu ihren Favoriten gehören: Kinky Boots, Von Mäusen und Männern, Mamma Mia! und Elf das Musical. Sie begann das Resident Professional Acting-Programm in ihrem zweiten Jahr bei der Firma und engagiert, trainiert und betreut weiterhin unsere jungen professionellen Schauspieler.

Als Schauspieler für Charleston Stage ist Marybeth in aufgetreten Shakespeare in Love, Helium, You Can't Take It With You, Die Hochzeit von Bette und Boo, Steel Magnolias, Ein Weihnachtslied und zuletzt als Madame Arcati in Geisterkomödie.

Wie sind Sie bei der Gestaltung des Bühnenbilds für „Beautiful: The Carole King Musical“ vorgegangen, um die Essenz der Ära und des Lebens von Carole King einzufangen?

Dies ist das zweite Mal, dass ich diese Show im vergangenen Jahr entwerfe, daher bin ich mit dem Material sehr vertraut. Bei dieser Version wollte ich mich wirklich darauf konzentrieren, eine Gesamtumgebung zu schaffen, in der sich Carole und die anderen Charaktere wohlgefühlt hätten. Die Bühne im Dock Street Theatre ist klein und hat wenig Platz im Flügel. Die Schaffung einer Umgebung, die sich schnell verändern kann, hat das Design also mehr als alles andere vorangetrieben.

Welche Untersuchungen haben Sie durchgeführt, um sicherzustellen, dass das Bühnenbild den im Musical dargestellten Zeitraum und die Orte genau widerspiegelt?

Ich begann mit einer Menge visueller Recherche. Schauen Sie sich Designbücher an, um den Zeitraum genau zu bestimmen, und gehen Sie dann zur Online-Recherche über. Ich zog Bilder heran, die die Bilder, die ich in meinem Kopf sah, irgendwie unterstützten, und begann von dort aus die Welt aufzubauen. Glücklicherweise ist die Moderne aus der Mitte des Jahrhunderts leicht zu erforschen, da es sich noch immer um einen gängigen Stil handelt, der auch heute noch verwendet wird. 

Carole Kings Geschichte dreht sich um verschiedene ikonische Orte, von Aufnahmestudios bis hin zu Konzertsälen. Wie haben Sie diese Räume auf der Bühne nachgebildet und dabei einen zusammenhängenden visuellen Stil beibehalten?

Das ist eine große Show für diesen Veranstaltungsort! Wir fahren überall und in schneller Folge viele Orte an. Daher besteht meine Aufgabe als Designer immer darin, dafür zu sorgen, dass alles nahtlos von einer Szene zur anderen übergeht. Nachdem ich alle Drehorte kannte, begann ich, über alle szenischen Elemente nachzudenken und zu planen, die für jede Szene benötigt werden. Dann nahm ich all diese Informationen und fing an, damit herumzuspielen, wie das alles innerhalb des szenischen Rahmens funktioniert, den ich zuvor festgelegt hatte. Bei diesem Entwurf spielt die Beleuchtung eine ganz entscheidende Rolle, da sie uns dabei hilft, Standortverschiebungen zu erkennen. Es gibt Säulen mit LEDs, die uns helfen können, die Farbe des Sets schnell zu ändern. Zusammen mit ein paar zusätzlichen Versatzstückübergängen konnten wir problemlos an andere Orte wechseln. Natürlich muss alles irgendwie „choreografiert“ werden. Und das ist das Zeug, das wir während der Technikarbeit erarbeitet haben! Dieses Design enthält auch viele fliegende Landschaften und Schilder, die uns helfen, den Standort zu kennzeichnen.

Können Sie uns mit den besonderen Herausforderungen besprechen, denen Sie bei der Gestaltung des Sets für „Beautiful“ gegenüberstanden, und wie Sie diese gemeistert haben?

Ja, das ist eine große Show für die Dock Street-Bühne. Und wir verfügen nicht über den Luxus einer Bühnenautomation, auf die sich das Broadway-Design stützte und die es intensiv nutzte. Die größte Herausforderung bestand darin, alles passend zu machen und gleichzeitig hinter der Bühne genügend Platz für alle Versatzstücke zu schaffen. Es war im Grunde ein sehr großes Puzzle. Ich habe viele Stunden damit verbracht, am Grundriss zu arbeiten und nur Elemente zu verschieben und ihre Größe zu ändern, bis alles, was wir brauchten, passte. Es war eine Herausforderung, aber wir haben es geschafft!

Carole Kings Musik hat eine zutiefst persönliche Qualität. Wie haben Sie Elemente ihrer Persönlichkeit und Reise in das Bühnenbild integriert?

Das Set konzentriert sich auf den Ort, an dem Carole ihre Karriere in der Branche begann: 1650 Broadway. Ich hoffe, dass wir ihre Stimmung und Liebe zur Musik durch den Einsatz von Farbe noch verstärken können. Es gibt Momente, in denen ihre Lieder voller Freude sind und die Beleuchtung hell und fröhlich ist. Andererseits gibt es Momente, in denen ihre Lieder gefühlvoller sind und wir die Sättigung und Intensität der Beleuchtung entsprechend zurücknehmen können.

Das Bühnenbild dient oft als Kulisse für die musikalischen Darbietungen. Wie haben Sie sichergestellt, dass das Bühnenbild die Musikeinlagen ergänzt und aufwertet?

Für diese Momente fliegen zusätzliche Versatzstücke ein, die uns bei der Erstellung dieser visuellen Elemente helfen. Bestimmte Teile des Sets werden immer verwendet, aber sie enthalten kleine Tricks und versteckte Dinge, die es uns ermöglichen, diese Teile umzuwandeln und den Szenen, die es erfordern, ein wenig Glanz zu verleihen. 

Was hoffen Sie, wird das Publikum mitnehmen, nachdem es die Produktion von „Beautiful“ auf der Charleston Stage gesehen und Ihre wundervollen Designs auf der Bühne erlebt hat?

Ich hoffe, dass das Publikum all die Freude, Liebe und Leidenschaft spüren wird, die Carole für Musik und das Geschichtenerzählen durch Lieder hatte! Wie bei jedem Design bestand mein Hauptziel einfach darin, die Geschichte zu unterstützen. Wenn das Publikum mit einem Lächeln weggeht und sein Lieblingslied summt, dann halte ich das für eine gute Arbeit!

SCHÖN: DAS CAROLE KING MUSICAL läuft vom 10. bis 28. April 2024 im Historic Dock Street Theatre. Klicken KLICKEN SIE HIER um Ihre Plätze zu reservieren.

SETH HOWARD (Gast-Bühnenbildner)
Seth ist ein freiberuflicher Bühnenbildner mit Sitz in St. Louis, MO. Er hat viele regionale Produktionen und thematische Erlebnisse im ganzen Land entworfen. Zu seinen Design-Credits zählen: School of Rock und Ragtime (Columbus Kindertheater); Die Bergspitze und Todesfalle (Constellation Stage & Screen); Jersey Boys und Komm von weg (Theater Aspen); Einmal auf dieser Insel (Charleston-Bühne); Aschenputtel und Der Wiz Jr. (Das Kindertheater von Cincinnati); Platzhirsch/Underdog (Palm Beach Dramaworks); Die Addams Family und Schön: Das Carole King Musical (Arrow Rock Lyceum Theatre). Schauen Sie sich @sethhowarddesigns in den sozialen Medien an. www.sethhowarddesigns.com

Eine Kindheitserinnerung, die am Set von versteckt ist The Trip to Bountiful
Von Julian Wiles, Regisseur und Co-Bühnenbildner

Regie The Trip to Bountiful hat bei mir viele Erinnerungen geweckt. Wie die 87-jährige Mrs. Watts, die Hauptfigur des Stücks, stamme ich selbst aus einer langen Familie von Bauern. Meine Großeltern waren Bauern, und wie das Elternhaus von Frau Watt verfiel auch ihr Zuhause und verfiel schließlich, als Oma und Opa in ein brandneues Haus zogen, das meine Eltern für sie gebaut hatten, als sie über 80 waren. Es lag gleich neben dem Holzhaus mit zwei Schlafzimmern, in dem sie fünf Kinder großgezogen hatten, darunter auch meine Mutter. Sie taten dies mitten in der Weltwirtschaftskrise, und obwohl sie in bescheidenen Verhältnissen lebten, sagte meine Mutter, dass es ihnen nie an Not mangelte. Als Bauern hatten sie frische Milch von ihren Kühen, Gemüse aus ihrem riesigen Garten und die Wärme und Liebe der anderen, die sie am Leben hielten.
 
Auch meine Mutter und mein Vater waren Bauern. Sie kauften ihre Farm und ihr Farmhaus aus dem Jahr 1913 im ländlichen Calhoun County, wo ich aufwuchs, an dem Tag, als sie mich aus dem Krankenhaus nach Hause brachten. Als Bauernjunge war eines meiner ersten Spielzeuge ein leuchtend gelb-grüner John-Deere-Traktor aus Gusseisen, den mein Vater für mich gekauft hatte. Ich habe viele imaginäre Hektar mit diesem kleinen Traktor gepflügt und erinnere mich noch daran, wie ich meine Hunde und Katzen in dem kleinen Wagen, den ich hinter meinem Traktor herzog, auf den Scheunenhöfen mitnahm.
 
Als Adam Jehle und ich begannen, an den Sets für zu arbeiten The Trip to BountifulInsbesondere in Mrs. Watts Zuhause suchte ich nach einer Möglichkeit, die Erinnerung an Mrs. Watts Sohn Ludie wachzurufen und ihn an seine Kindheit vor langer Zeit zu erinnern, in der er vor dem alten Bauernhaus seiner Großeltern spielte. Und so stieß ich vor einigen Wochen, als ich unseren Familienbauernhof besuchte, auf meinen Spielzeugtraktor von John Deere. Ich fand es staubig und verlassen in einem alten Schuppen und dachte, die Erinnerungen, die es in mir wachruft, könnten denen ähneln, die Ludie empfinden würde, wenn er auf sein eigenes Kindheitsspielzeug stoßen würde. Ich brachte meinen kleinen Traktor zurück zur Dock Street und stellte ihn in der Schlussszene auf die Bühne. Während dieses besondere Andenken an meine eigene Kindheit nur ein kleines Element des gesamten Bühnenbildes darstellt, repräsentiert es die Art von besonderen magischen Elementen, die Szenenbildner suchen, um eine Geschichte zu erzählen und ihr eine besondere Bedeutung zu verleihen. Meinen Traktor könnt ihr in der letzten Szene von sehen Die Reise nach Bountiful. Wie Mrs. Watts und ihr Sohn Ludie hat auch mein kleiner Traktor den Weg nach Hause gefunden.

Aufführungen von The Trip to Bountiful läuft vom 7. bis 17. März im Historic Dock Street Theatre weiter. Für Tickets besuchen Sie bitte CharlestonStage.com.

Der Dramatiker, Regisseur, Designer und Pädagoge Julian Wiles gründete Charleston Stage im Jahr 1978 und leitete das Unternehmen 45 Spielzeiten lang bis zu seiner Pensionierung im Jahr 2023.
 
Wiles wuchs auf einer Farm in Fort Motte, South Carolina, auf und studierte Geschichte und Theater am College of Charleston (BA 1974). Er zog nach North Carolina, um eine Abschlussarbeit in Theaterdesign zu machen, und erhielt 1976 einen MFA in dramatischer Kunst von der University of North Carolina in Chapel Hill. Er kehrte nach Charleston zurück und gründete 1978 Charleston Stage, die ansässige Truppe des Historic Dock Street Theater , Amerikas erstes Theater. Unter der Führung von Wiles hat sich Charleston Stage zu einer der größten und angesehensten Institutionen für darstellende Künste in der Region entwickelt, die jährlich über 120 professionelle Aufführungen veranstaltet und ein umfangreiches Bildungsprogramm umfasst, das jedes Jahr über 25,000 junge Menschen erreicht.
 
Während seiner 45-jährigen Tätigkeit als Gründer und künstlerischer Produktionsleiter entwarf, inszenierte und produzierte Wiles über 300 Theaterstücke und Musicals für Charleston Stage. Er hat 34 Originaltheaterstücke, Musicals und Bühnenadaptionen geschrieben, von denen acht von The Dramatic Publishing Company veröffentlicht werden. Viele seiner Originalwerke, wie z Der Sitz der Gerechtigkeit, Gershwin bei Folly, Beneath the Sweetgrass Moon, Dänemark Vesey, Insurrectionund JFK & Inga Binga Feiern Sie das reiche kulturelle Erbe und die Geschichte des Lowcountry. Mehr als 100 Produktionen von Wiles veröffentlichten Werken wurden in den Vereinigten Staaten und international aufgeführt.
 
Wiles erhielt 1988 den National Youth Theatre Director's Award, 2004 den NAACP Special Recognition Award von Charleston, 2010 den South Carolina Governor's Award for the Arts und wurde 2018 in die Hall of Fame der SC Theatre Association aufgenommen. Im Jahr 2021 wurde er ausgezeichnet den Distinguished Alumnus Award der University of North Carolina.
 
Im April 2024 wird Wiles als Mitglied des College of Fellows des American Theatre aufgenommen. Die Aufnahme neuer Mitglieder erfolgt unter der Schirmherrschaft der Bildungsabteilung des John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C. Die Mitgliedschaft im College of Fellows des American Theatre ist eine der höchsten Auszeichnungen, die Pädagogen und Fachleuten verliehen werden Amerikas Bildungs- und Theatergemeinschaft.
 
Weitere Informationen zu seinen Originalwerken finden Sie unter julianwiles.com.

Liebe Freunde,

Ich freue mich, wieder als Gastregisseur auf der Charleton Stage zu sein Die Reise nach Bountiful, eines meiner absoluten Lieblingsstücke. Ich denke zwar, dass jeder so bekannte und bewegende Dramen kennt Um eine Spottdrossel zu töten, den Wundertäter, und Der Klang von MusikDas American Theatre ist voller versteckter Schätze und erstaunlicher Stücke, deren Titel nicht so bekannt sind. The Trip to Bountiful ist sicherlich eines dieser wunderbaren versteckten Juwelen – obwohl er im Laufe der Jahre zahlreiche Tony-, Emmy- und Oscar-Preise gewonnen hat. Das Reise nach Bountiful ist sicherlich eine Show, die man sich nicht entgehen lassen sollte.

Und die lebhafte Hauptfigur der über 80-Jährigen, Mrs. Carrie Watts, ist eine der großartigsten Rollen im American Theatre. Preisgekrönte Schauspieler wie Geraldine Page und Cecily Tyson erlangten für diese Rolle Anerkennung und hier auf der Charleston Stage haben wir die wunderbare 84-jährige erfahrene Schauspielerin Samille Basler in dieser Hauptrolle. Sie werden sich an Samille aus solch denkwürdigen Rollen in meinen Stücken erinnern Helium und Gershwin at Torheit, bringen spaltendes Lachen in unvergessliche Komödien wie Du kannst es nicht mitnehmen und Fröhlicher Geist, und bewegte das Publikum mit ihren kraftvollen Darbietungen The Glass Menagerie und Einen Spottdrossel töten. Samilles Auftritt von Mrs. Carrie Watts in The Trip to Bountiful ist etwas, das man sich nicht entgehen lassen sollte.

Ich fordere Sie dringend auf, sich noch heute Ihre Tickets für dieses wunderbare Stück des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Dramatikers Horton Foote zu sichern, der vor allem für seine mit dem Oscar ausgezeichneten Drehbücher bekannt ist Wer die Nachtigall stört und Zärtliche Barmherzigkeit.

Es ist mir eine Freude, noch einmal auf meinen Regiestuhl zurückzukehren und mich Samille und ihren großartigen Kasematten anzuschließen, während sie dieses preisgekrönte versteckte Juwel zum ersten Mal auf die Bühne des Dock Street Theatre bringen.

Sichern Sie sich noch heute Ihre Tickets!

Ich hoffe, wir sehen uns im Theater!

Julian Wiles, Gründer und emeritierter Direktor

By HORTON FUSS
Richtung von JULIAN WILES 

Assoziierte Sponsoren:
Hewitt Family Fund der Coastal Community Foundation von SC
Dr. Del und Linda Schutte

Begleiten Sie die 80-jährige Mama Watts auf ihrem Weg zum Abenteuer ihres Lebens, entschlossen, aus der engen Stadtwohnung ihres Sohnes und der kontrollierenden Schwiegertochter zu fliehen und ein letztes Mal in ihre Heimatstadt Bountiful, Texas, zurückzukehren. Aber was wird sie tun, wenn sie mitten in der Nacht an einem Bahnhof festsitzt und erfährt, dass der letzte Bewohner von Bountiful, Texas, vor zwei Tagen gestorben ist? Sehen Sie, wie Mrs. Watts sich mit neuen Freunden, schönen Erinnerungen und ihrem unerschütterlichen Glauben durch schwierige Zeiten singt und tanzt. Dieser herzliche, mit dem Tony Award ausgezeichnete Klassiker von Horton Foote, dem Autor des preisgekrönten Drehbuchs Wer die Nachtigall stört, stellt die uralten Fragen; Was ist Heimat und kann man jemals wieder wirklich nach Hause gehen?

Die Vorstellungen finden vom 28. Februar bis 17. März statt. Für Tickets besuchen Sie bitte CharlestonStage.com.

Von Heather Rose Artushin • Lowcountry-Elternteil

Bei einem Spaziergang am historischen Dock Street Theatre in der Innenstadt von Charleston ist es kein Geheimnis, dass die 215 Jahre alten Mauern Erinnerungen an ausverkaufte Aufführungen vergangener Jahre bewahren, viele davon von den ansässigen Schauspielern der Charleston Stage.

Was das Theater jedoch nicht bieten kann, ist das gemeinschaftsbasierte Bildungsprogramm, das Charleston Stage stolz darauf ist, Kindern im Lowcountry anzubieten.

Marybeth Clark, künstlerische Leiterin der Charleston Stage, begann ihre Arbeit für die Organisation vor 25 Jahren als Bildungsdirektorin. „Ich bin eigentlich hierhergekommen, um das Bildungsprogramm aufzubauen“, sagte sie. „Ich denke, der größte Einfluss, den ich hatte, ist das, was jetzt unser Programm für Hausschauspieler ist.“

Charleston Stage stellt junge Schauspieler im Alter von 22 bis 28 Jahren ein, die einen Abschluss in Theaterwissenschaften von Universitäten im ganzen Land haben. Die 10 ausgewählten Bewohner leben ein Jahr lang in Charleston und arbeiten hauptberuflich mit der Charleston Stage zusammen, indem sie lokale Jugendliche aufführen und unterrichten. Die Bewohner absolvieren eine Lehrerausbildung und erhalten strukturierte Unterrichtspläne, um den Kindern in der Gemeinde die bestmöglichen Bildungschancen zu bieten.

„Gerade während des Schuljahres sind wir sehr prozessorientiert“, sagte Clark. „Im Frühling konzentrieren wir uns mehr auf die Fähigkeiten, und es gibt einen Tag, an dem jeder seine Leistung zeigt. Wenn Sie an Kursen bei uns teilnehmen, gibt es bei uns Oberstufenklassen, sogenannte Troupes, und das sind die Kinder, denen wir erlauben, für Shows vorzuspielen, wenn es angebracht ist. Sie müssen wie Erwachsene in einer Show funktionieren.“

Nicht jedes Kind ist ein aufstrebender Schauspieler, und egal wohin das Leben es führt, die Fähigkeiten, die es durch seine Erfahrungen mit Charleston Stage erlernt, sind von unschätzbarem Wert

„Es geht darum, dass Kinder einen sicheren Raum haben, in dem sie lernen können, ihre Gedanken, Gefühle und Geschichten zu teilen“, sagte Clark. „Sie lernen auch, die Gedanken, Gefühle und Geschichten einer anderen Person zu empfangen, auch wenn sie sich von ihnen unterscheiden. Und das ist es, was Kunst ausmacht: Ideen und Gefühle zu kommunizieren und sie empfangen zu können.“

Zwischenmenschliche Fähigkeiten, Selbstbewusstsein und Organisationsfähigkeit stehen ganz oben auf der Liste der Lebenslektionen, die Schüler aus den Bildungsprogrammen von Charleston Stage gelernt haben.

Die Registrierung für den Sommerkurs an der Charleston Stage beginnt im Februar und wird mit Sicherheit schnell ausgebucht sein. „Ich habe hier im regulären Schuljahr wöchentlich über 200 Kinder im Unterricht“, erklärte Clark. „Wir haben eine wunderschöne Einrichtung in West Ashley, das gleiche Studio, in dem wir unsere Hauptbühnenshows proben und in dem wir die Kurse abhalten.“

Die Schüler können die letzten beiden Tage des einwöchigen Camps damit verbringen, Proben auf der Bühne und eine Abschlussvorstellung im Pearl, einem Theater mit 130 Plätzen in West Ashley, zu erleben.

Während der Pandemie nutzten Clark und ihr Team die Gelegenheit, über ihr Bildungsprogramm nachzudenken und darüber, wie sie mehr Kinder in der Gemeinde erreichen können.

„Wir hatten schon immer Stipendien, damit die Finanzen kein Hindernis darstellen“, sagte sie. „Das war für mich ein gewisses Privileg. Das Hindernis ist Zeit, Transport und familiäres Engagement. Sie haben möglicherweise nicht einmal ein Auto und können ihre Arbeit nicht verlassen, um ihr Kind zum 4-Uhr-Kurs zu bringen, selbst wenn dieser kostenlos ist.“

Daher begann Charleston Stage damit, Lehrer in einige Titel-I-Schulen des Charleston County School District zu entsenden, um die gleichen Kurse während bereits bestehender außerschulischer Programme anzubieten. Als einige der Kinder ihre Neugier auf das Studio in West Ashley zum Ausdruck brachten, sammelte Charleston Stage Geld, um einen Bus bereitzustellen, der die Kinder zu den Wochenendkursen im Studio und wieder zurück an einen zentralen Ort bringen sollte.

Clark sagte, dass Lehrer und Eltern in bestimmten Situationen Fahrkarten erhalten, mit denen sie mit dem Bus ins Theater fahren können, um sich eine Aufführung anzusehen und ihre Kinder auf der Bühne auftreten zu lassen.

Die örtliche Theatergruppe ist bestrebt, sicherzustellen, dass sie eine vielfältige Besetzung an ansässigen Schauspielern mitbringt, die alle Kinder im Publikum und im Klassenzimmer repräsentieren.

„Bei der Besetzung achte ich sehr darauf, Schauspieler zu finden, die einige der Kinder, die sie unterrichten, widerspiegeln“, sagte Clark. „Einer unserer männlichen Lehrer kam in eine Schule, er ist Afroamerikaner, und ein Junge sagte: ‚Unsere Haare passen zusammen!‘ Sie wussten nicht, worum es beim Theater geht, aber sie begannen zusammenzuarbeiten und verliebten sich darin.“

Wenn Sie bei Ihrem nächsten Spaziergang durch die Innenstadt das Dock Street Theatre sehen, vergessen Sie nicht, dass es mehr als nur ein historisches Gebäude ist – es beherbergt eine Organisation, die sich für die Förderung der Kinder von Charleston durch die Künste einsetzt.

„Unser Gründer, der letztes Jahr in den Ruhestand ging, gründete das Unternehmen als Theater für Jugendliche und für Bildung, und wir haben diese Mission nie aufgegeben“, schloss Clark.

Besuchen Sie charlestonstage.com um mehr über die Bildungsprogramme von Charleston Stage zu erfahren.

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Ich freue mich, wieder mit Aline Toloto in Kontakt zu kommen, dem kreativen Genie hinter den bezaubernden Requisiten in unserer Produktion von A CHRISTMAS CAROL. Ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten kommen im Dock Street Theatre erneut zur Geltung und bieten Ihnen einen exklusiven Einblick in die Kunstfertigkeit hinter den Requisiten dieses zeitlosen Dickens-Klassikers.

1) Was hat Sie dazu inspiriert, am Requisitendesign für A CHRISTMAS CAROL zu arbeiten, und welche Verbindung haben Sie persönlich zu den Themen und der Atmosphäre dieser klassischen Geschichte?

Die farbenfrohe und reichhaltige Gestaltung des Bühnenbilds und der Kostüme war eine wichtige Inspiration für die Welt der Requisiten. Ich liebe EIN WEIHNACHTSLIEDER! Meine erste Begegnung mit der Geschichte hatte ich als Kind durch den Film. Die Erinnerung daran, dass das Leben zu kurz ist und dass es am Ende des Tages wirklich auf die Menschen und die Beziehungen ankommt, die man im Laufe des Lebens pflegen konnte, ist eine Botschaft, die niemals veralten wird.

2) Requisiten sind unerlässlich, um eine glaubwürdige Welt auf der Bühne zu schaffen. Wie sind Sie bei der Recherche vorgegangen und haben Sie Inspiration gesammelt, um sicherzustellen, dass die Requisiten in „A CHRISTMAS CAROL“ authentisch zu der Zeit und der Umgebung waren?

Glücklicherweise ist die Recherche heutzutage viel zugänglicher als früher, was bei der gelegentlichen Zeitknappheit hilft, die wir bei der gleichzeitigen Produktion vieler Produktionen in der Werkstatt erleben. Mein Forschungsprozess umfasst drei Schritte. Zunächst beschäftige ich mich mit historischer Forschung, die sich in der Regel nicht nur auf das Zieljahr, sondern auch auf die davor liegenden Jahrzehnte erstreckt. Im zweiten Schritt untersuche ich Film-Requisiten und Requisiten aus anderen Produktionen. Ich finde das wertvoll, da es dem Publikum ermöglicht, sich auf einer anderen Ebene mit der Geschichte auseinanderzusetzen und dabei auf Erfahrungen zurückzugreifen, die es vielleicht schon einmal gemacht hat. Der letzte Schritt besteht darin, mit meiner gestalterischen Intuition ein Gleichgewicht zwischen historischer Genauigkeit und dem, was die Gesamtproduktion ästhetisch ergänzt, zu finden.

Sehen Sie sich unten den Showtrailer von A CHRISTMAS CAROL an!

3) Zusammenarbeit ist der Schlüssel zum Produktionsprozess. Können Sie Einblicke in die Art und Weise geben, wie Sie mit dem Regisseur und anderen Mitgliedern des Kreativteams zusammengearbeitet haben, um sicherzustellen, dass die Requisiten mit der Gesamtvision der Produktion übereinstimmen?

Absolut, Zusammenarbeit ist der Schlüssel zu einer erfolgreichen Theaterproduktion. Ich hatte zum Beispiel eine großartige Zusammenarbeit mit dem Bühnenbildner, um die Verbindung zwischen Dagoberts Schlafzimmerhintergrund und den Möbeln, die diesen Raum einnehmen würden – dem Bett und dem Sessel – zu verbessern. Wir besprachen die Farbpalette, wählten Stoffmuster aus und diskutierten mehrfach hin und her, wobei wir Kostüme und Beleuchtung in die Diskussion einbezog, um sicherzustellen, dass jedes Designelement stimmig war.

4) Da es sich bei „EIN WEIHNACHTSLIEDER“ um einen Feiertagsklassiker handelt, haben Sie Requisiten zum Thema Feiertage eingebaut, um die festliche Atmosphäre der Produktion zu verstärken? Können Sie Beispiele nennen?

Bei unserem Produktionsansatz haben wir verschiedenen Möbelstücken und handgefertigten Requisiten Weihnachtszauber verliehen. Obwohl diese Details nicht unbedingt historisch sind, sollten sie die Essenz von Weihnachten einfangen, die beim Publikum Anklang findet. Wir nutzten jede Gelegenheit, Räume mit festlichen Elementen zu schmücken – sei es durch das Hinzufügen roter und goldener Schleifen oder durch die Integration von Weihnachtslichtern. Jede verfügbare Ecke wurde genutzt, um während der gesamten Produktion ein Feiertagsthema zu vermitteln.  

5) Die Liebe zum Detail ist beim Requisitendesign von entscheidender Bedeutung. Gab es in A CHRISTMAS CAROL bestimmte Requisiten, die besondere Liebe zum Detail erforderten, um historische Genauigkeit oder thematische Bedeutung sicherzustellen?

Absolut! Ein bemerkenswertes Beispiel ist der Sessel, der in Dagoberts Schlafzimmer verwendet wurde. Die Requisite erforderte vom Team viel Einsatz und erforderte tagelange Anpassungen, um sicherzustellen, dass sie reibungslos funktionierte. Ich möchte zwar nicht zu viel verraten, um die Magie zu bewahren, aber ich kann Ihnen versichern, dass das Publikum, sobald es es sieht, die besondere Bedeutung dieser Requisite verstehen wird. Es unterstreicht die Überzeugung, dass es sich immer lohnt, selbst den kürzesten Momenten auf der Bühne Zeit und Aufmerksamkeit zu widmen.

6) Haben Sie Lieblings-Requisitenkreationen in A CHRISTMAS CAROL, auf die Sie besonders stolz sind oder die Ihnen unvergesslich sind?

Mein liebstes Requisit ist wohl das gescheckte Pferd, das den Spielzeugkarren begleitet. Der Erstellungsprozess war ziemlich anspruchsvoll und ich habe eng mit dem Prop Artisan zusammengearbeitet. 
Hailee Selby. Das Endergebnis war unglaublich lohnend – ein wunderschönes und zeitlos geschecktes Pferd zu haben, das wirklich heraussticht.

Holen Sie sich Ihre Tickets für A CHRISTMAS CAROL vom 14. bis 22. Dezember um CharlestonStage.com.

Aline stammt ursprünglich aus Brasilien und hat einen Master of Fine Arts in Theater und Technologie mit Schwerpunkt in Szenischem Design von der University of Southern Mississippi. Mit umfangreicher Erfahrung als Requisitenmeisterin, Bühnenbildnerin und Bühnenbildnerin zählt zu Alines beruflichen Höhepunkten ihre Rolle als Properties Supervisor für die 45. Staffel der Charleston Stage, in der sie acht fesselnde Shows betreute Die Addams Family, Ein Weihnachtslied, und Einmal auf dieser Insel. Sie freut sich, das Unternehmen auch im nächsten Jahr weiterzuführen.

In einem exklusiven Interview haben wir Caleb S. Garner getroffen, den Mastermind hinter dem faszinierenden Lichtdesign im Dock Street Theatre für unsere neueste Interpretation von A CHRISTMAS CAROL. Entdecken Sie die Feinheiten seines künstlerischen Ansatzes, während er die Magie dieses zeitlosen Feiertagsklassikers beleuchtet!

1) Was hat Sie dazu bewegt, am Lichtdesign für A CHRISTMAS CAROL zu arbeiten, und welche Verbindung haben Sie persönlich zu den Themen und der Atmosphäre dieser klassischen Geschichte?

EIN WEIHNACHTSLIED ist schon seit ich denken kann ein Teil meines Lebens. Für meine Familie war es eine Weihnachtstradition, wie für so viele andere auch. Meine Lieblingsverfilmung ist eigentlich die 1984er Version von George C. Scott als Scrooge. Ich liebe es, wie diese Adaption Licht nutzt, um zwischen dem Natürlichen und dem Übernatürlichen sowie der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft zu wechseln. Christmas Past hatte eine verschwommene, traumhafte Qualität. „Christmas Present“ war mal hell und fröhlich, mal schlicht und ernst. Christmas Future war dunkel und rauchig. Ich bin immer noch begeistert von der Fähigkeit dieser Adaption, eine großartige Geschichte durch Licht zu erzählen, und ich freue mich sehr, diesem großartigen Geschichtenerzählen meine eigene Note zu verleihen. 

Als Kirchenmusiker habe ich viel Zeit mit Texten rund um die Advents- und Weihnachtszeit verbracht. Eine Lektion, die mir immer aufgefallen ist, ist, dass es in dieser Saison nicht nur um Geburt, sondern auch um Erlösung geht. Das vergisst man leicht. EIN WEIHNACHTSLIEDER ist nicht nur „Der verschrobene alte Mann hat Angst vor Geistern und liebt jetzt Weihnachten.“ Scrooge ist ein komplexer Charakter. Ich denke, unsere Produktion leistet hervorragende Arbeit und zeigt, wie er sich im Laufe seines Lebens angepasst hat und wie die Wiederverbindung mit seiner Vergangenheit es ihm ermöglicht, seine Zukunft zurückzugewinnen. Die Geschichte erinnert mich an ein Gedicht des amerikanischen Theologen und Bürgerrechtlers Howard Thurman mit dem Titel „The Work of Christmas“. Seine Vorstellung von der „Arbeit“ von Weihnachten sind die Lektionen, die Dagobert neu lernt, um sein Herz und seine Liebe wieder zu öffnen.

Wenn das Lied der Engel verstummt,

Wenn der Stern am Himmel weg ist,

Wenn die Könige und Fürsten zu Hause sind,

Wenn die Hirten mit ihren Herden zurück sind,

Die Weihnachtsarbeit beginnt:

      Um das Verlorene zu finden,

      Um die Zerbrochenen zu heilen,

      Um die Hungrigen zu füttern,

      Um den Gefangenen zu befreien,

      Um die Nationen wieder aufzubauen,

      Um Frieden unter die Menschen zu bringen,

      Musik im Herzen machen.

Das ist diese Produktion von A CHRISTMAS CAROL: Musik machen im Herzen. Ich freue mich sehr, dieses Weihnachtsgeschenk mit Ihnen allen zu teilen. 

2) Die Beleuchtung spielt eine entscheidende Rolle bei der Stimmungsgestaltung einer Produktion. Wie sind Sie an die Entwicklung eines Lichtdesigns herangegangen, das die Erzählung ergänzt und die emotionale Wirkung eines WEIHNACHTSLIEDERS verstärkt?

Als wir uns 2022 zum ersten Mal trafen, um diese umfassende Neuinterpretation der Produktion zu besprechen, sprach Dramatiker Julian Wiles über die Notwendigkeit von Lebendigkeit, Farbe und Spaß. Wir wollten keine Produktion haben, in der es heißt: „Das ist Dagoberts Welt, und alles ist traurig, dunkel und leer.“ Wir wollten eine Produktion, die dem Publikum all die Freude, das Mitgefühl und die Liebe zeigt, die Scrooge fehlte. 

Es ist sehr einfach, sich auf Dagobert und die Geister zu konzentrieren und eine Produktion zu machen, die düster und gruselig ist. Und ich verwende dunkles Licht mit kräftigen Blautönen und tiefen Schatten, um den Geistern Intensität und Wirkung zu verleihen, aber ich versuche auch, den farbenfrohen Geist der Produktion beizubehalten, indem ich Türkistöne, tiefes Magenta und Lavendel verwende, um den Geistern von außen ein Gefühl von Geheimnis zu verleihen es ist düster und deprimierend. Mir hat dieses Gemälde mit dem Titel „Purple Energies“ des Schweizer Malers Fabien Bruttin als Inspiration für die Geister – insbesondere Marley und Christmas Future – sehr gut gefallen.

Es war auch wichtig, das Gefühl des Feierns während des gesamten Stücks aufrechtzuerhalten. Ich wollte nicht, dass sich jede Szene wie „London bei Nacht“ anfühlt. Ich wollte etwas Abwechslung und leuchtendere Farben, also entschied ich mich für Rosa-Lavendel, Hellblau, Orange und Grün, um der Welt ein festliches und neues Gefühl zu verleihen. Julian, Sam und mir war es wichtig, dass wir die Produktion nicht wie eine viktorianische Weihnachtskarte aussehen ließen. Obwohl sie viele Farben haben, waren sie oft verblasst, rotstichig und etwas zu altmodisch. Wir wollten Launen und eine große Farbpalette. Ich habe mich von diesem Bild von Covent Garden inspirieren lassen. Sehen Sie, ob Sie beim Beobachten einige dieser Farben erkennen können, die von den Lichtern ausgehen! 

3) Zusammenarbeit ist der Schlüssel zum Produktionsprozess. Können Sie Einblicke in die Art und Weise geben, wie Sie mit dem Regisseur und anderen Mitgliedern des Kreativteams zusammengearbeitet haben, um sicherzustellen, dass das Lichtdesign mit der Gesamtvision der Produktion übereinstimmt?

Das gesamte Designteam trifft sich Monate im Voraus, um unsere Welt des Stücks zu etablieren und zu verfeinern, damit das Publikum ein einheitliches Endprodukt erhält. Wir verbringen viel Zeit mit Reden, Recherchieren, Zeichnen und Teilen, damit wir uns über die Vision der Produktion einig sind. Das haben wir getan Ein Weihnachtslied letzte Saison, aber es war nicht so einfach, es aus der Schachtel auszupacken und wieder auf die Bühne zu stellen. Die Produktion der 45. Staffel war fantastisch, aber in jedem Designbereich gab es einige Dinge, die wir verbessern konnten. Dazu gehörten Dinge wie die Platzierung der Kulissen, neue Möbel und Requisiten, neue Kostümelemente und neue Zaubertricks.

Eine neue Saison bringt auch neue Schauspieler auf die Charleston Stage, was bedeutet, dass Menschen mit unterschiedlichen Körpertypen, Staturen und Hauttönen Änderungen an den vorhandenen Kostümen und neue Lichtfarben benötigten, die ihre Haut am besten zur Geltung brachten. Während in diesem Jahr vieles ähnlich ist, ist vieles auch ganz anders. Mein Mentor für Beleuchtung, Craig Dettman, würde sagen: „Gleiches Lied, andere Strophe.“

Bei dieser Produktion gibt es viele „Tricks“, die mit den Geistern und ihrer Magie in Verbindung gebracht werden, und alle erfordern eine sorgfältige Koordination mit den anderen Designelementen und der Regie, um richtig ausgeführt zu werden. Dagoberts Grabstein in der Friedhofssequenz ist eines meiner Lieblingsbeispiele. Als Dagobert zum ersten Mal auf dem Friedhof ankommt, merkt er nicht, dass er auf seinem eigenen Grab steht; Der Grabstein vor ihm ist leer. Durch eine sorgfältige Abstimmung zwischen Richtung, Szenerie und Licht konnten wir das Wort „Dagobert“ auf dem Stein auf magische Weise zum Vorschein bringen. Hinzugefügte Geräusche, Nebel und eine wunderschöne Farbkoordination der Kostüme tragen dazu bei, das unglaublich kraftvolle Bild von Dagobert zu schaffen, der sein Schicksal erkennt. 

Jetzt, wo ich seit mehreren Jahren auf der Charleston Stage arbeite, habe ich ein gutes Verhältnis zu den anderen Mitarbeitern entwickelt und eine Art Kurzschriftsprache entwickelt. Wir sind regelmäßig auf dem gleichen Stand und ich genieße unsere Diskussionen und Zusammenarbeit sehr. 

4) Ein WEIHNACHTSLIEDER hat sowohl Momente der Dunkelheit als auch des Lichts. Wie haben Sie den Einsatz von Licht und Schatten in Einklang gebracht, um die verschiedenen Stimmungen und Themen während der gesamten Produktion zu vermitteln?

Ich stelle immer sicher, dass die Beleuchtung in jeder Szene mehrere unterschiedliche Faktoren erfüllt: Sichtbarkeit, Stimmung, Offenlegung der Form, Interpunktion und Geschichtenerzählen. 

Sichtbarkeit bedeutet einfach, Licht dorthin zu bringen, wo man es haben möchte, und Licht dorthin zu entfernen, wo man es nicht braucht. Stimmung ist die Art und Weise, wie Licht Farben, Winkel und Texturen nutzt, um Emotionen oder Atmosphäre darzustellen. Es gibt immer einen feinen Balanceakt zwischen Stimmung und Sichtbarkeit, denn oft kann zu viel von dem einen dem anderen schaden. Wenn das Licht zu dunkel ist, fällt es dem Publikum schwer, das Geschehen auf der Bühne zu verstehen. Wenn das Publikum jedoch alles auf der Bühne sehen kann, wird die Atmosphäre der Szene beeinträchtigt.

Durch die Offenbarung der Form beleuchten wir Figuren und Objekte auf der Bühne und verleihen uns dadurch Dimensionalität. Auch die Art und Weise, wie wir Figuren auf der Bühne präsentieren, hilft uns, Sichtbarkeit und Stimmung zu schaffen. Zum Beispiel erleuchte ich das Ensemble, das „Joy To The World“ singt, auf eine ganz andere Art und Weise als den Ghost of Christmas Future. 

Jeder Satz hat irgendeine Art von Interpunktion. Die Art und Weise, wie wir das Ende eines Satzes auf der Bühne beleuchten, ist genauso wichtig wie die Art und Weise, wie der Satz auf dem Papier endet. Als Marley Dagobert verlässt, endet die letzte Zeile der Szene mit einem Ausrufezeichen – die Beleuchtung sollte unbedingt das Gleiche bewirken. Wir wollen hier kein langsames Überblenden ins Schwarz; Wir wollen einen Blackout ohne Zählung, um die Szene mit einem Knall zu beenden!  

Beim Geschichtenerzählen geht es darum, die Erzählung voranzutreiben, indem wir die Eigenschaften des Lichts nutzen, die wir steuern können. Diese Eigenschaften sind Intensität, Verteilung, Winkel, Farbe, Veränderung und Bewegung. 

Die sorgfältige Abwägung und Kombination dieser Elemente hilft uns, individuelle „Looks“ zu kreieren, die den verschiedenen Momenten in der Show etwas Besonderes verleihen. Ein großer Teil des Gleichgewichts beruht auf Erfahrung und Intuition. Und eine tolle Beziehung zum Produktionsteam!

5) Gab es bestimmte Szenen oder Momente in A CHRISTMAS CAROL, in denen Sie absichtlich Beleuchtung eingesetzt haben, um Schlüsselelemente oder Emotionen hervorzuheben? Können Sie Beispiele nennen, wie Beleuchtung das Geschichtenerzählen verbessert?

Einer meiner Lieblingsmomente in der Show ist, als wir das Lied „A New Day Dawns“ hören. Dies geschieht innerhalb der Serie zweimal und jedes Mal ist es ein wichtiger Punkt in Dagoberts Leben. 

Als wir das Lied zum ersten Mal hören, sieht ein junger Dagobert zum ersten Mal seine zukünftige Verlobte Belle. Ich wollte, dass der Rest der Welt dahinschmilzt, damit wir sehen können, wie Dagobert sich sofort verliebt. Die Lichter fallen auf den jungen Dagobert und Belle herab, während sie das Lied singen. Die Anwesenheit der anderen Partygäste ist immer noch spürbar, da sie sich in einem dunkleren Licht befinden und ihre Silhouetten stark hervorgehoben sind. Dies zeigt die allgemeinen Figuren, schränkt jedoch die Sichtbarkeit der Gesichter ein, sodass sich das Publikum auf den Moment der Liebe auf den ersten Blick konzentrieren kann, der sich hinter der Bühne abspielt. Der alte Dagobert und der Geist der vergangenen Weihnachten sind immer noch schwach beleuchtet, so dass das Publikum auch sehen kann, wie Dagobert wieder mit seiner Menschlichkeit vertraut wird. 

Dies geschieht ein zweites Mal im letzten Teil des zweiten Akts. Dagobert geht zum Haus seines Neffen Fred, um Wiedergutmachung zu leisten, und trifft dort Freds Frau Caroline. Caroline singt „A New Day Dawns“ und befindet sich in derselben Position wie Belle. Dagobert und Caroline stellen den Moment nach, als sich der junge Dagobert und die junge Belle zum ersten Mal treffen. Die Beleuchtung verfügt wie zuvor über ein hübsches Pulldown-System. Es ist ein wirklich berührender Moment, der zeigt, wie Dagobert sich wieder der Liebe hingibt. 

Ich hoffe, dass die Beleuchtung die zutiefst persönlichen Momente mit dem jungen Dagobert und Belle und dann Caroline und Dagobert mit den engen Pulldowns zeigt. Dann öffnen sich die Lichter und geben den Blick auf die anderen Charaktere frei, was zeigt, dass sie da waren, um Dagoberts Charakterbogen zu sehen. 

6) Die Geschichte von A CHRISTMAS CAROL erstreckt sich über verschiedene Schauplätze, von Scrooges Büro bis zum Cratchit-Haushalt. Wie haben Sie das Lichtdesign angepasst, um für jeden Standort eine unterschiedliche Atmosphäre zu schaffen?

Jeder Zeichensatz hat seine eigene spezielle Farbpalette. Die Bühnenbildnerin Susan Crabtree und ich arbeiteten eng mit der Kostümbildnerin Janine McCabe zusammen, um sicherzustellen, dass jeder Ort seine eigene besondere Farbidentität in den Kostümen, der Kulisse und dem Lichtdesign hatte. 

Ein großartiges Beispiel ist die Familie Cratchit und ihr Zuhause. Wir haben ein Lila-/Lavendel-Farbschema gewählt, um den Cratchits ihre eigenen, erkennbaren Merkmale als Familieneinheit zu verleihen. Die Szenerie enthält Elemente der Farben im Hintergrund und jeder Charakter hat seine eigenen Farben in den Kostümen. Ich beleuchte die Szene mit Blau- und Lavendeltönen, damit ich dazu beitragen kann, dass die Farben in den Kostümen und der Szenerie richtig zur Geltung kommen.

Halten Sie Ausschau nach den verschiedenen Farbschemata in der Show! Jeder Ort und jede Familie hat ihre eigene, besondere Farbkollektion!

7) Haben Sie Lieblingslichteffekte oder -techniken, die Sie in „A CHRISTMAS CAROL“ verwenden, auf die Sie besonders stolz sind oder die Ihnen in Erinnerung bleiben?

Jedes Jahr versuche ich, ein paar neue Elemente in die Produktion einzubauen, um sie noch interessanter zu machen. In diesem Jahr kommen zwei brandneue Nebelmaschinen auf den Markt. Sie werden sie nie sehen, aber Sie werden den Nebel auf jeden Fall sehen! Diese sogenannten Ultraschallnebelgeräte erzielen die gleiche Wirkung wie Trockeneisnebel, ohne dass Trockeneis und 350 Pfund Wasser erforderlich sind. Diese Nebelgeräte verwenden eine Ultraschallmembran, die in einem Wassertank schnell und mit hoher Geschwindigkeit vibriert. Das Wasser wird in einzelne Tröpfchen mit einer Größe von ca. 3 – 5 Mikrometern zerstäubt, die in der Luft verdampfen und einen dichten Nebel bilden. Es ist sehr wissenschaftlich und sehr cool. Die Chancen stehen gut, dass Sie diese Technologie bereits in Ihrem Haus haben. Wenn Sie einen „Luftbefeuchter mit kühlem Nebel“ haben, verfügen Sie über die gleiche Ultraschalltechnologie in kleinerem Maßstab!

Holen Sie sich Ihre Tickets für A CHRISTMAS CAROL vom 7. bis 22. Dezember um CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner ist ein Licht- und Sounddesigner mit Sitz in Charleston, SC. Caleb stammt aus North Carolina und erhielt seinen BA und BFA vom Catawba College in Salisbury, North Carolina, und seinen MFA von der University of Southern Mississippi. Garners Entwürfe, die von Konzerten über Ballette und Musicals bis hin zu Theaterstücken reichen, haben ihm acht regionale und nationale Designpreise eingebracht. Caleb war ein bekannter Designer von New York bis Mississippi und entwarf im Nordosten, Mittleren Westen, an der Ostküste und im tiefen Süden. Caleb liebt es, große Holzstücke in kleinere Holzstücke zu verwandeln (manchmal fälschlicherweise als Möbel bezeichnet), mit Schülern zu schreien (oft als Unterricht erkannt) und mit Dingen zu spielen, die Funken und Rauch erzeugen. Caleb ist derzeit Resident Lighting Designer bei der Charleston Stage Company und außerordentlicher Dozent am College of Charleston.

Entdecken Sie in diesem besonderen Interview die komplizierten Details von K'nique Eichelbergers künstlerischem Ansatz als Choreografin für A CHRISTMAS CAROL. Machen Sie sich bereit für eine weitere Saison voller Spannung, denn K'niques außergewöhnliches Werk steht im Mittelpunkt und wird in der diesjährigen Adaption des zeitlosen Klassikers erneut zu einem großen Highlight!

1) Ein WEIHNACHTSLIEDER ist ein Feiertagsklassiker. Wie sind Sie dabei vorgegangen, die Choreografie mit der festlichen Stimmung der Jahreszeit zu erfüllen und gleichzeitig die tieferen Themen der Geschichte zu vermitteln?

Weihnachten ist ein Feiertag, an dem Familien zusammenkommen, um Liebe, Freundlichkeit und Freude auszudrücken. In meiner Choreografie werden Sie die Freude oder Aufregung in jeder Bewegung sehen. Dies ist jedoch keine traditionelle A CHRISTMAS CAROL-Choreografie. Während wir mit der Art und Weise, wie wir sprechen und gehen, die Epoche würdigen, gibt es in den Tänzen ein zeitgenössisches Element, mit dem sich jüngere und ältere Zuschauer identifizieren können. Für mich war Tanz schon immer eine Möglichkeit, Dinge zu kommunizieren, die ich nicht in Worte fassen konnte, und er hat mir geholfen, mich auf kreative und persönliche Weise auszudrücken. Ich wollte, dass die Bewegungen ohne Worte oder Gesang für sich selbst sprechen. Es gibt einige langsame Bewegungen, die Gefühle von Traurigkeit oder Melancholie vermitteln können, während scharfe, explosive Bewegungen Stärke und Freude ausdrücken können. In allen Tanznummern kann man sehen, dass dies demonstriert wird. Eines der zentralen Themen von A CHRISTMAS CAROL ist persönliche Transformation und Erlösung. Sie werden sehen, dass es in der ersten Nummer viele Formationswechsel gibt, um die vielen Veränderungen zu verdeutlichen, die Scrooge während der Show durchmachen wird. Der Charakter von Ebenezer Scrooge durchläuft einen tiefgreifenden Wandel von einem geizigen, kaltherzigen und selbstsüchtigen Mann zu einem großzügigen, warmherzigen und mitfühlenden Menschen. Dies sind einige Tanzthemen, die Sie zu Beginn der Show sehen werden und die mit dem neuen und verbesserten Scrooge wieder auftauchen.

2) Gibt es einen bestimmten Aspekt von A CHRISTMAS CAROL, der Sie persönlich berührt? Wie beeinflusst diese Verbindung Ihren kreativen Prozess?

Menschen können sich ändern, aber man kann Menschen nicht ändern. Man muss es den Menschen ermöglichen, zu wachsen und die Dinge selbst zu sehen. Veränderung kommt, wenn die Person versteht, wie ihre Einstellung entsteht und wie sie sich auf ihr Leben auswirkt. Es geht oft darum, die Vergangenheit zu reflektieren und zu heilen. Menschen können sich verändern, wenn einige Voraussetzungen erfüllt sind, darunter Selbstbewusstsein und Willenskraft. Im Laufe der Geschichte bekommt Dagobert die Gelegenheit zu sehen, wann sich sein Leben verändert hat, und erkundet, warum er beim Gedanken an Weihnachten so wütend ist. Dies beeinflusste meinen kreativen Prozess, indem ich mir selbst gegenüber anderen Gnade schenkte. Bei den Proben war ich immer da, um zu helfen und es den Schauspielern leicht zu machen, denn man weiß einfach nie, was die Leute durchmachen. Wenn Sie also mit Energie und einem Lächeln auftauchen, schaffen Sie einen sicheren Raum, in dem wir alle gerne arbeiten.

3) Begleiten Sie uns durch Ihren kreativen Prozess bei der Choreografie für eine Produktion. Wie haben Sie die Erzählung in Bewegung und Tanz umgesetzt, insbesondere bei einer so ikonischen Geschichte wie der von Dickens?

Zuerst setze ich mich mit dem Regisseur in Verbindung, um die Vision zu verstehen, die er für diese Show haben möchte. Ein WEIHNACHTSLIEDER ist eine alte Geschichte, aber unsere Produktion erweckt diese ältere Geschichte mit einem zeitgenössischen Hip-Hop-Touch zu neuem Leben und respektiert gleichzeitig die Zeit. Beim Choreografieren sitze ich gerne da und höre der Musik zu, um ihr eine Emotion zu verleihen. Wie habe ich mich dabei gefühlt? Nachdem ich festgelegt habe, welche Emotionen der Tanz hervorrufen soll, beginnt er, sich von selbst zu erschaffen. 

4) Haben Sie in der Choreografie von A CHRISTMAS CAROL Lieblingstanznummern oder -sequenzen? Was macht sie für Sie besonders, sei es hinsichtlich des künstlerischen Ausdrucks oder der thematischen Resonanz?

Das ist eine schwierige Frage, denn ich liebe alle Tänze. Ich muss sagen, dass die Eröffnungsnummer „God Rest Ye Merry Gentlemen“ einer meiner Favoriten wäre. Die Energie, die dieses Lied besitzt, ist unübertroffen. Ich nenne es den Ansturm der Freude, wenn die Besetzung am Ende der Nummer herbeistürmt. Es setzt die Geschichte mit voller Energie gut in Szene, so dass das Publikum sofort in den Bann gezogen wird. Manchmal muss man sich zurücklehnen und sich selbst auf die Schulter klopfen. Zu sehen, wie diese Nummer zum Leben erweckt wurde, war für mich ein Schulterklopfen. Zu sehen, wie alle den Tanz und die Vision, die ich geschaffen habe, genießen, erfüllt mein Herz mit Wärme.

5) Die Zusammenarbeit mit dem Regisseur und anderen Mitgliedern des Produktionsteams ist von entscheidender Bedeutung. Können Sie von einem unvergesslichen Erlebnis der Zusammenarbeit erzählen und wie es die Gesamtproduktion verbessert hat?

Beim Choreografieren muss man mit allen zusammenarbeiten, nicht nur mit dem Regisseur. Sam, der Regisseur, und ich arbeiten sehr gut zusammen und bringen in einer Nummer zum Ausdruck, was wir wollen. Das Finale ist eine große Nummer, bei der wir uns beide gegenseitig geholfen haben, um das magische Gefühl zu erzeugen, das wir beide wollten. Die gesamte Besetzung ist zum ersten Mal auf der Bühne und jetzt müssen wir diese Spielwarenladenwelt erschaffen, was nicht einfach war. Es passiert viel und ohne die Zusammenarbeit mit dem gesamten Produktionsteam wäre das Finale nicht so schön, wie es ist.

6) Gibt es bestimmte Tanzstile oder Feiertagstraditionen, die Sie besonders inspirierend finden oder die Sie in die Choreografie integriert haben, um die Feiertagsatmosphäre einzufangen?

Ich bin mit Hip-Hop, modernem, zeitgenössischem und Musiktheatertanz aufgewachsen. Ich glaube, ich habe alle vier Tanzstile integriert, um Ihnen bei jeder Tanznummer etwas Neues zu bieten. Vieles davon ist voller Energie, passend zur Weihnachtsstimmung. Sie erleben auch diese Momente der Liebe und des Lachens.

7) Wenn Sie über Ihre Karriere nachdenken: Gibt es Auftritte oder Produktionen, die Ihnen besonders am Herzen liegen? Was zeichnete sie aus?

Ich habe zwei! In meinem ersten Jahr als Hausschauspieler spielte ich Lola Kinky Boots und es war magisch, diese Traumrolle zu spielen. Das war eine Rolle, an der ich härter als je zuvor gearbeitet habe. Als Mensch, der ein Träumer ist, war das einer der Momente, in denen ich sagen konnte, dass mein Traum wahr geworden ist. Ich lebe den Traum, den ich mir vor Jahren gesetzt habe. Ich hatte das Glück, diese Rolle später erneut am Main Street Theater in Pennsylvania zu spielen. Es war genauso magisch. Diese Rolle wird mir für immer viel bedeuten. Mein zweiter wäre Das Stück, das schief geht. Das war die lustigste Show, in der ich je war. Ich spielte den Butler Perkins, der keine Ahnung hatte, was er in der Show tat. Dadurch konnte ich frei sein und wirklich zum Ausdruck bringen, was für ein Schauspielertyp ich bin. Es war rasant und hielt mich immer auf Trab. Die Liebe, die Perkins vom Publikum bekam, bedeutete mir so viel. Alles, was ich jemals auf der Bühne tun möchte, ist, das Publikum auf irgendeine Weise, in irgendeiner Form oder in irgendeiner Form zu beeinflussen. Mit viel Stretching könnte ich diese Show lange machen. 

Holen Sie sich Ihre Tickets für A CHRISTMAS CAROL vom 6. bis 22. Dezember um CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger stammt ursprünglich aus Columbia, South Carolina, zog aber nach Brevard, North Carolina, wo er einen BA in Musik und Theater erwarb. Er freut sich sehr, wieder mit Charleston Stage aufzutreten. Er hat choreografiert Ein Weihnachtslied Während seiner Zeit als Hausschauspieler war er so glücklich, wieder einmal choreografieren zu dürfen. Zu seinen jüngsten Credits gehören: Einmal auf dieser Insel (Daniel), Das Stück, das schief geht (Perkins), Kinky Boots (Lola), Die letzten fünf Jahre (Jamie), Der kleine Horrorladen (Audrey II.), Into The Woods (Jack), Endstation Sehnsucht (Stanley) und mehr. Er ist sehr dankbar für seine Freunde und Familie, die ihn all die Jahre unterstützt haben. K'nique ist so aufgeregt, Leben durch das Schaffen von Kunst auf der Charleston Stage zu verändern! Bleiben Sie dran auf Instagram @nique_tg3

In unserem exklusiven Interview mit Janine McCabe, unserer ursprünglichen Kostümbildnerin für A CHRISTMAS CAROL, vertieft sich in die faszinierenden Details ihres künstlerischen Ansatzes der letzten Saison bei der Herstellung der Kostüme für diesen zeitlosen Klassiker. Wir freuen uns sehr, dass Janines Arbeit in der Adaption dieser Saison erneut ein großes Bühnenhighlight sein wird!

1) Könnten Sie sich zunächst einmal vorstellen und etwas über Ihren Hintergrund als Kostümbildner erzählen, insbesondere im Zusammenhang mit Theaterproduktionen?

Hallo. Mein Name ist Janine McCabe und ich arbeite seit über 25 Jahren als Kostümbildnerin. Nachdem ich über eine Ingenieurs- und Mathematikkarriere nachgedacht hatte, fand ich schließlich meinen Weg zum Theater durch eine Werkstudententätigkeit als Näherin im Kostümgeschäft des College of Charleston. Nachdem ich meinen BA in Theater mit Schwerpunkt Kostümdesign abgeschlossen hatte, machte ich einen MFA in Kostümdesign an der University of Virginia und zog dann nach NYC, wo ich für Designer arbeitete, darunter Martin Pakledinaz, der ein unglaublicher Designer und Mentor war. In NYC konnte ich am Broadway, Off-Broadway, in der Oper und im Tanzbereich arbeiten und durch das Land reisen, um bei der Überprüfung von Kostümen zu helfen, wenn neue Schauspieler in Rollen auf nationalen Tourneen eingesetzt werden Durch und durch moderne Millie. NYC war eine unglaubliche Arbeits- und Lernerfahrung und hat definitiv jeden Aspekt meiner Karriere als Designer und Professor für Kostümdesign geprägt.

2) Was hat Sie dazu bewogen, an den Kostümen für A CHRISTMAS CAROL zu arbeiten, und welche Verbindung haben Sie persönlich zu den Themen und Charakteren dieser klassischen Geschichte?

Das erste, was mich an der Arbeit für A CHRISTMAS CAROL interessierte, war die Begeisterung, die Julian Wiles ausstrahlte, als er mich bat, mit ihm und dem Team daran zu arbeiten. Seine Idee, Farbe und Energie zu bringen und die Geschichte auf eine Weise zu präsentieren, die die Leute noch nie zuvor gesehen hatten, gefiel mir. Julian und ich hatten schon früher zusammengearbeitet und er wusste, dass ich es liebe, mit kräftigen Farben zu arbeiten und über die Erwartungen hinauszugehen. Da ich einen kleinen Sohn habe und meine Familie immer älter wird, fühle ich mich mehr denn je von den Themen Großzügigkeit, Mitgefühl und Zeit mit Familie und Freunden angezogen, statt von Arbeit und Geld. Die Kämpfe, mit denen die Charaktere in dieser klassischen Geschichte konfrontiert sind, existieren noch heute, daher gibt es in jedem Alter aus dieser Geschichte viel zu lernen und sich daran zu erinnern.

3) Jede Figur in A CHRISTMAS CAROL hat eine eigene Persönlichkeit. Wie sind Sie bei der Visualisierung und Gestaltung von Kostümen vorgegangen, die nicht nur die Essenz der Charaktere einfangen, sondern auch zum gesamten visuellen Storytelling beitragen?

Meine Assistenten Molly Belle und Brandon Alston und ich haben im Laufe der Zeit viel Zeit damit verbracht, uns mit der Geschichte und den Darstellungen der Charaktere auseinanderzusetzen. Wir untersuchten unterschiedliche Interpretationen und Darstellungen der Geschichte und sprachen über die individuellen Wünsche, Bedürfnisse, Überzeugungen und Ansichten der Charaktere über die Welt, in der sie sich befanden. Wir sammelten zunächst Bilder, die diese Ideen und ihre individuellen Persönlichkeiten widerspiegelten, die in erster Linie abstrakter Natur waren, und dann Ich wandte mich der Suche nach der eigentlichen Kleidung zu. Da wir wussten, dass wir konzeptionell eine farbenfrohe Show wollten, ließen wir uns von Kinderbüchern und Illustrationen inspirieren, um die kräftigen Linien und Farben zu finden, die uns letztlich einfielen. Während des gesamten Designprozesses haben wir uns kontinuierlich mit der Entwicklung der Bühnenbild-, Licht- und Tonideen befasst, um sicherzustellen, dass wir alle in eine einheitliche Richtung gingen und die visuellen Elemente erstellten, die das Regiekonzept unterstützten, um es bestmöglich zum Leben zu erwecken und unterstützt gleichzeitig die Geschichte und die Charaktere.

4) Wie haben Sie angesichts des historischen Schauplatzes von A CHRISTMAS CAROL bei der Gestaltung der Kostüme historische Genauigkeit mit kreativer Interpretation in Einklang gebracht? Gab es zeitgenössische Einflüsse, die Ihre Entwürfe inspiriert haben?

Als Designer finde ich es herausfordernd, aber konzeptionell äußerst unterhaltsam, mich mit historischen Recherchen zu befassen und sie mit zeitgenössischen Einflüssen zu vermischen, um etwas zu präsentieren, das altmodisch wirkt, aber auf eine neue Art und Weise gesehen wird. Es gab viele zeitgenössische Einflüsse in Bezug auf Farben und Muster und die Art und Weise, wie Menschen heutzutage Dinge in der Mode kombinieren, von denen man vielleicht nicht denkt, dass sie zusammenpassen sollten ... sogar mein 8-Jähriger hatte einen Einfluss in der Art und Weise, wie er Farben zusammenstellt und Sets mischt und kombiniert Kleidung, um sich auszudrücken. Durch die historische Forschung haben wir jedoch tatsächlich viele Beispiele für helle Kleidung, auffällige Muster und Details gefunden, die wir nicht erwartet hatten. Wir haben Bildtafeln mit all diesen Einflüssen gesammelt und collagiert, die wir dann um uns herum gepostet haben, sodass sie uns beim Zeichnen der einzelnen Charakterdesigns weiterhin zu Ideen inspirierten.

5) Zusammenarbeit ist der Schlüssel zum Produktionsprozess. Können Sie Einblicke in die Art und Weise geben, wie Sie mit dem Regisseur und anderen Mitgliedern des Kreativteams zusammengearbeitet haben, um sicherzustellen, dass die Kostüme mit der Gesamtvision der Produktion übereinstimmen?

Zusammenarbeit ist einer der Hauptgründe, warum ich Design liebe. Ich hatte das Glück, dass Molly und Brandon letzten Sommer mehrere Monate lang im Designstudio mit mir zusammenarbeiteten und mich auf diesen Entwurf vorbereiteten, bevor mit der Arbeit in den Läden begonnen wurde. Während dieser Zeit trafen sich der Regisseur und das Kreativteam per Zoom und manchmal auch persönlich, um neue Ideen auszutauschen und vorzustellen, und diese Treffen waren für den Prozess sehr wichtig. Es geht darum, jemand anderen über das Konzept oder eine Beleuchtungsidee sprechen zu hören, die dann zu etwas anderem in den Kostümen oder am Bühnenbild inspiriert. Es ist der lustige Teil! Julian arbeitete sehr eng mit uns zusammen, um die Rolle jedes einzelnen Schauspielers zu verstehen und genau zu verstehen, was von Moment zu Moment erforderlich war, um die Gesamtvision zu erreichen. Wir hielten uns auch alle gegenseitig über Online-Ordner auf dem Laufenden, sodass wir auch in den Zeiten zwischen den Meetings zusammenarbeiten und über neue Entwicklungen auf dem Laufenden bleiben konnten. Ich schätze die Besprechungszeiten und den Austausch von Ideen sehr. So schaffen wir es, dass alles zusammenpasst, wenn wir zu den technischen Proben kommen, bei denen endlich alles am selben Ort auf der Bühne steht, monatelange Arbeit in verschiedenen Bereichen und dann das kommt zusammen ... es ist eine Menge harter Arbeit, aber es ist auch magisch.

6) Haben Sie Lieblingskostüme oder bestimmte Designelemente in A CHRISTMAS CAROL, auf die Sie besonders stolz sind oder die eine besondere Bedeutung haben? Was zeichnet sie aus?

Oh, das ist hart ... es ist schwer, einen Favoriten auszuwählen. Ich hatte viel Spaß mit den Geistern! Ich denke, der Geist der Zukunft sticht heraus, da er nicht die typischere schwarze Figur ist, sondern aus Schichten und Schichten aus weißen, grauen, silbernen und eisblauen, zerschlissenen Stoffen besteht, die die Kälte und Traurigkeit von Scrooges potenzieller Zukunft widerspiegeln. Ich liebe auch besonders die Obdachlosen … Ich schätze, das mag komisch klingen, da man von ihren Kostümen nicht viel zu sehen bekommt, aber wenn man es täte, würde man feststellen, dass sie aus Stapeln von wiederverwendeten und gebrauchten bunten Pullovern bestehen, die zerschnitten, abgenutzt und in verschiedene Schichten geschichtet sind Möglichkeiten, viel Textur und Interesse zu erzeugen. Molly und ich hatten viel Spaß beim Erstellen dieser Stücke. Auch die Streifen auf Dagoberts Dienern … und die ganze Cratchit-Familie … es war so einzigartig und aufregend, sie mit ihren Schichten, Mustern und Farben zu kreieren. Hmmm...ich weiß nicht, es war ein lohnender und äußerst kreativer Prozess, die Gelegenheit zu haben, eng mit meinen Assistenten zusammenzuarbeiten und mit Julian und dem Kreativteam eine so farbenfrohe, neu erfundene Version dieser Geschichte zu erschaffen!

7) Gibt es mit Blick auf die Zukunft bevorstehende Projekte oder Kostümdesignstile, die Sie gerne in Ihrer zukünftigen Arbeit erkunden möchten?

Nun ja, ich bin gerade dabei, etwas zu entwerfen Die Fledermaus als Teil der CofC Stages-Saison in Zusammenarbeit mit dem Opera Program am College of Charleston und ich denke, das Konzept für diese Produktion ermöglicht es dem Team, besonders für die Party im zweiten Akt viel mit Stil und Farbe zu spielen, also freue ich mich darauf wohin das führt. Das Tolle am Kostümdesign ist, dass jede Produktion eine neue Herausforderung beim Geschichtenerzählen, unterschiedliche Recherchen, unterschiedliche Mitarbeiter und viel zu entdecken bietet, sodass die Spannung weiter anhält.

Holen Sie sich Ihre Tickets für A CHRISTMAS CAROL vom 1. bis 22. Dezember um CharlestonStage.com.

Janine McCabe ist Lehrstuhlinhaberin und Kostümdesign-Professorin für die Abteilung für Theater und Tanz am College of Charleston, wo sie regelmäßig studentische Kostümdesigner für die CofC Stages-Saison der Abteilung entwirft und betreut, für die sie auch als künstlerische Leiterin fungiert. Zu den jüngsten Entwürfen für CofC Stages gehören VIOLET und THE MAGIC FLUTE. Janines Arbeit auf der Charleston Stage umfasst Entwürfe für CURIOUS EVENT OF THE DOG IN THE NIGHT-TIME, PETER UND DER STERNENFÄNGER, WHITE CHRISTMAS, THE UNDERPANTS und SHERLOCK HOLMES – THE FINAL ADVENTURE. Sie fungiert auch als Hausdesignerin für PURE Theatre, wo unter anderem „MLIMA'S TALE“, „HONORIA QUIETLY STRENGTH FROM HER TRUTH“, „BEN BUTLER“, „THE ABSOLUTE BRIGHTNESS OF LEONARD PELKEY“, „THE CHILDREN“, „THE LIFESPAN OF A FACT“, „LAST RITES“, „SMALL MOUTH SOUNDS“ und „THIS“ entworfen wurden RANDOM WORLD, FUN HOME, THE ROYALE, DER (SELTSAME FALL DER) WATSON INTELLIGENCE, EIN PLÖTZLICHES SPONTANES EREIGNIS, MARIE ANTOINETTE und mehr. Zu den regionalen Kostümdesign-Credits zählen Produktionen im Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC und Trustus Theater SC. Zu den Credits als stellvertretender Kostümdesigner am Broadway zählen: THE WEDDING SINGER, WONDERFUL TOWN, THOROUGHLY MODERN MILLIE, THE LOOK OF LOVE, A YEAR WITH FROG AND TOAD, KISS ME KATE. Weitere lokale Entwürfe sind SALT IN THE SOIL und HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN und DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), die Weltpremiere von LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT in der Charleston Music Hall und zuletzt die Weltpremiere von DANIEL UND DIE KÖNIGE im North Charleston Performing Arts Center.

Wir hatten kürzlich das Vergnügen, Sam Henderson zu interviewen. unser Musikdirektor und Leiter von EIN WEIHNACHTSLIED. Lesen Sie weiter unten mehr, um Einblicke in seinen kreativen Prozess bei der Regie dieses Weihnachtsklassikers zu erhalten!

1) Was hat Sie an A CHRISTMAS CAROL als Projekt interessiert und wie verbinden Sie sich mit den Themen der Geschichte auf persönlicher oder kreativer Ebene?

Ein WEIHNACHTSLIEDER ist eine meiner Lieblingsgeschichten, seit meine Lehrerin der zweiten Klasse, Frau Eisenhower, sie uns in der Zeit vor den Ferien vorgelesen hat. Ich war von Anfang an von der Magie und den Bildern des Stücks fasziniert.

2) Musik spielt eine entscheidende Rolle dabei, den Ton einer Produktion festzulegen. Können Sie uns die musikalischen Inspirationen mitteilen, die Sie bei der Komposition von A CHRISTMAS CAROL inspiriert haben, und wie Sie diese in die Erzählung integriert haben?

Der Musik einen modernen Touch zu verleihen, war sicherlich eine Herausforderung. Es war mir wichtig, dass wir die Instrumentierung der Zeit angemessen halten; Es wurden nur Instrumente verwendet, die zu Dickens' Zeiten existierten/populär gewesen wären (meistens jedenfalls!). Dann musste ich herausfinden, wie ich diese Instrumente auf eine Weise einsetzen konnte, die moderner und unterhaltsamer klang. Künstler wie Mumford and Sons und Lindsey Stirling sowie Musicals wie „Once“ kamen alle ins Spiel, als sie nach Inspiration für diese neue Interpretation dieser Melodien suchten. Ich wollte auch etwas Kontrast zur Realität dieser Zeit schaffen. Wenn wir zum Beispiel in Freds Haus sind und die Gäste des Hauses zur Abendunterhaltung Lieder anstimmen, ist die Vertonung, die ich für „I Saw Three Ships“ gemacht habe, sehr zeitgemäß und versucht nicht, etwas zu sein, was sie ist nicht.

3) Die Zusammenarbeit mit verschiedenen kreativen Köpfen ist unerlässlich. Wie haben Sie mit dem Choreografen und anderen Mitgliedern des Produktionsteams zusammengearbeitet, um dem Publikum ein zusammenhängendes und umfassendes Erlebnis zu bieten?

Es hat großen Spaß gemacht, zusammen mit dem Dramatiker Julian Wiles und der Choreografin K'nique Eichelberger diese neue Version von A CHRISTMAS CAROL zu kreieren. Wir konnten alle gemeinsam im Raum sein, Dinge ausprobieren und herausfinden, was funktionierte und was nicht. Wir könnten dann nach Bedarf Anpassungen an Musik, Choreografie oder Drehbuch vornehmen, damit all diese Elemente zusammenwirken und die Geschichte optimal erzählen.

4) Gibt es bei der Regie von A CHRISTMAS CAROL Lieblingsszenen oder -momente, die Ihnen besonders auffallen?

Es gibt zwei Szenen, die mir sehr gut gefallen. Der erste liegt in der „Vergangenheit“, wenn wir den Moment sehen, in dem Dagoberts Beziehung zu Belle endete. Es ist ein harter Blick auf einen der Gründe, warum er so geworden ist, wie er in der Gegenwart ist, und warum er wirklich schöne Texte geschrieben hat. Der andere ist in der „Gegenwart“, als Dagobert am Heiligabend die Cratchits besucht. Unsere diesjährigen Cratchits strahlen eine solche Herzlichkeit und Freude aus, dass man sich ganz in diese Szene vertieft und den Wunsch verspürt, ein Teil der Familie zu sein!

5) Was hoffen Sie, dass das Publikum Ihre Inszenierung von A CHRISTMAS CAROL mitnimmt?

Ich hoffe, dass das Publikum erkennen kann, dass Menschen in der Lage sind, über die Traumata und Tragödien ihrer Vergangenheit hinauszukommen, und dass es nie zu spät ist, sein Denken neu zu ordnen und Fehler der Vergangenheit zu korrigieren. Und manchmal ist es die Freude, die uns zu dieser Jahreszeit umgibt, die diese kleine Veränderung auslösen kann.

Holen Sie sich Ihre Tickets für A CHRISTMAS CAROL vom 1. bis 22. Dezember um CharlestonStage.com.

Sam Henderson ist Resident Music Director und Direktor für Musikpädagogik bei Charleston Stage. Er hat einen Bachelor-Abschluss in Musikpädagogik in Instrumentalmusik/Trompetenspiel von der Baylor University in Waco, TX, sowie einen Master-Abschluss in Musiktheater-/Opernmusikregie von der Arizona State University. Sam verfügt über mehr als 20 Jahre Erfahrung im professionellen Musikunterricht und arbeitet seit 2005 als Theatermusikdirektor und Dirigent. Beruflich hat Sam für die Phoenix Theatre Company, Childsplay, das Broadway Palm West Dinner Theatre, das Arizona Broadway Theatre und die Lyric Opera gearbeitet Theater und Copperstar Repertory Company, bevor sie zur Charleston Stage kam.