Monat: August 2022

K'nique, ein Resident Actor im zweiten Jahr, spielt die Rolle von „Dennis“, der „Butler Perkins“ in dem Stück-im-Stück von spielt Das Stück, das schief geht im Historic Dock Street Theatre. Erfahren Sie mehr über seinen Prozess in "Abspielen" und Schauspieler bei der Charleston Stage zu sein!

Sie kehren für Ihr zweites Jahr als Resident Actor für die Charleston Stage zurück! Was sind deine liebsten Erinnerungen an letztes Jahr? Worauf freust du dich dieses Jahr?

Meine schönste Erinnerung an letztes Jahr war mein Abschlussauftritt als Lola in Kinky Boots, eine Rolle, die ich mir mit Jerquintez, einem ehemaligen Resident Actor, teilen durfte. Es war eine magische Show, denn „Lola“ war eine Traumrolle von mir und es bedeutete mir so viel, diesen Traum wahr werden zu sehen! Was den Abschlussabend so besonders machte, war, als Cedar, meine Mitbewohnerin und eine weitere RA im zweiten Jahr dieser Staffel, mir auf der Bühne Blumen überreichte, während sich die gesamte Besetzung um mich drängte. Ein Video, das von schreienden Zuschauern und Darstellern aufgenommen wurde – diese Feier wird mir immer in Erinnerung bleiben! 

Dieses Jahr freue ich mich auf neue Gelegenheiten, als Person und Schauspieler zu wachsen. In dieser Saison sind meine Rollen völlig anders als in den letztjährigen Shows, und ich freue mich darauf, mich als Theaterkünstler zu entwickeln und mit den neuen Resident Actors zu spielen, die zu uns gestoßen sind.

Wie haben Sie sich darauf vorbereitet, die Rolle von Dennis zu spielen, der den Charakter von Perkins in der Show-in-der-Show spielt, die in „The Play That Goes Wrong“ spielt? 

Es ist schwer, sich auf diese Show vorzubereiten, weil sie sehr technisch getrieben ist. Es hat mir Spaß gemacht, Dennis als Person und seine Beziehung zu den anderen Charakteren zu erkunden. Wir mussten die Linienführung und das Blocking für diese Show in nur 2 Wochen lernen, damit wir uns von der Last eines Skripts in unseren Händen befreien und uns besser auf die Kampfchoreographie und -technik konzentrieren können. Mein Hauptziel war es bisher, so schnell wie möglich aus dem Buch herauszukommen, damit ich mehr Zeit für die Charakterentwicklung aufwenden kann. Ich habe verschiedene Butler in Shows beobachtet und recherchiert, um ihre Manieren und ihre körperlichen Eigenschaften zu lernen, und ich werde sagen, dass Dennis kein typischer Butler ist!

Diese Show ist technisch und körperlich sehr herausfordernd – Sie und Ihre Mitschauspieler müssen so viele Tricks, Stürze und Pannen koordinieren. Was war für Sie das Schwierigste an den Proben? Was ist selbstverständlicher geworden? 

Das Schwierigste in unserem Probenprozess waren die voreingestellten Proben; pantomimischen Tricks, bis wir ins Theater konnten und das Trickset auf Größe ausprobieren konnten. Wir wussten nicht wirklich, wie die Dinge ablaufen würden, bis wir auf die Bühne kamen, um zu üben, weshalb wir zwei Wochen Zeit hatten, um vor der Aufführung auf der Bühne die Stunt-Choreographie auszuarbeiten. Etwas ganz Natürliches ist die Unterstützung meiner Schauspielkolleginnen und Regisseurin Marybeth Clark. Wir sind alle zusammen in diesem Prozess, also ernähren wir uns voneinander, um diese Show zu dem zu machen, was wir wollen! 

Was sind Ihre Standardroutinen vor der Show, wenn Sie sich auf den Auftritt vorbereiten?

Mein Pre-Show-Standard variiert je nachdem, ob es sich um ein Musical oder ein Theaterstück handelt. In einem geraden Stück wie „The Play That Goes Wrong“ beginne ich morgens mit einem Training, um meinen Körper aufzuwecken und die Muskeln zu dehnen, die ich besonders für eine so körperliche Show wie diese brauche. Ich schließe immer ein Warm-up für Atemunterstützung, Projektion und Artikulation ein. Diese Dinge sind sehr wichtig für mich, um mehr als 2 Stunden in einer Show stecken zu bleiben. Ich muss vor der Show einen Chai Tea Latte trinken – ich bin mir nicht sicher warum, aber es ist ein Muss! Dann überprüfe ich das Drehbuch, um sicherzustellen, dass ich die Show in meinem Körper, meinem Geist und meiner Seele habe. Bevor ich die Bühne betrete, springe, wackele und tanze ich, um meine Nerven abzubauen, loszulassen und Spaß zu haben!

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten? 

Das ist eine schwierige Frage – ich habe eine lange Liste mit Favoriten. Meine Lieblingssendungen aller Zeiten sind Kinky Boots, Veilchen und Nahe bei Normal. Veilchen und Nahe bei Normal sind Shows, von denen ich hoffe, dass ich eines Tages dabei sein werde!

K'nique stammt ursprünglich aus Columbia, South Carolina, zog aber nach Brevard, North Carolina, um einen BA in Musik und Theater zu erwerben. Er freut sich sehr, für ein zweites Jahr in das Unternehmen zurückzukehren. Zu seinen jüngsten Credits gehören: Kinky Boots (Lola), Die letzten fünf Jahre (Jamie), Der kleine Horrorladen (Audrey II.), Into The Woods (Jack), Endstation Sehnsucht (Stanley) und mehr. Er ist sehr dankbar für seine Freunde und Familie, die ihn all die Jahre unterstützt haben. K'nique ist so aufgeregt, Leben durch das Schaffen von Kunst auf der Charleston Stage zu verändern! Bleiben Sie dran auf Instagram @nique_tg3

Eliza Knode, eine unserer Resident Actors der 45. Staffel, teilte uns kürzlich ihre persönliche Reflexion darüber mit, wie sich die Kraft des Live-Theaters auf ihr Leben ausgewirkt und ihr ein Gefühl von Ort und Heimat gegeben hat. Hier ist in ihren eigenen Worten unten:

Als Tochter eines Diplomaten hatte ich eine ganz besondere Kindheit. Ich wurde in Malaysia geboren und zog dann nach Japan, Ungarn, Long Island und Brasilien. Daraus ergab sich die Frage: „Woher kommst du? Ziemlich kompliziert zu beantworten, aber diese Erziehung erlaubte mir, wundervolle alternative Versionen von Zuhause zu schaffen, wie zum Beispiel das Theater. 

Meine Eltern haben mich zum Theater gebracht, weil ich ein wildes Kind war, das sporadisch viel Energie freisetzen musste, und weil sie das Theater auch liebten. Mein Vater war wie Troy Bolton in High School Musical– er hat im Herbst Basketball gespielt und im Frühling Musicals aufgeführt! Meine Mama liebte es zu singen und wurde aus dem Chorraum auf die Bühne geführt. Sie trafen sich an der Universität, als sie zusammen eine Show machten, und obwohl keiner von ihnen die Kunst professionell betrachtete, brachte sie ihre Liebe zum Theater zusammen.

Als Kind häufig an völlig andere Orte zu ziehen, hatte seine Herausforderungen. Es war schwer, die Beziehungen, die an einem Ort aufgebaut wurden, zu entwurzeln und wieder von vorne anfangen zu müssen, ganz zu schweigen davon, dass man die sozialen Regeln lernen musste, um sich mit anderen Kulturen auseinanderzusetzen, oder zu versuchen, neue Sprachen zu lernen, um zu versuchen, mit Menschen zu kommunizieren. Aber irgendwie, durch irgendeine Art von Magie, verschwanden diese Kämpfe alle, als ich Theater spielte. 

Um eine Show auf die Beine zu stellen, muss man sich kopfüber in die Arbeit mit anderen Menschen stürzen. Wenn ich also woanders hinzog, machte ich Theater, um sofort Gemeinschaft zu finden. Im Laufe der Jahre habe ich ein paar andere Aktivitäten ausprobiert, aber wegen der Menschen bin ich immer wieder zum Theater zurückgekehrt. 

Theatermenschen sind kreativ! Wir erkunden, wie wir mit verschiedenen Medien wie Gesang, Tanz, Dialog usw. kommunizieren können. Als Kind war es nicht so wichtig, dass ich von fremden Kulturen umgeben war, weil ich gelernt hatte, durch gemeinsame Dinge wie Musik zu kommunizieren und Bewegung. Ich stellte fest, dass ich mich ausdrücken und andere auch besser verstehen konnte. 

Theaterleute sind empathisch! Wir verbringen unsere Zeit damit, in die Geschichten anderer einzutauchen und in den Schuhen verschiedener Charaktere zu leben. Wir müssen oft Menschen verkörpern, die ganz anders sind als wir selbst. Ich habe gelernt, um dies zu tun, muss man damit beginnen, die Parallelen zwischen ihrem Leben und dem Leben ihrer Figur zu finden, und wenn die Dinge auseinandergehen, stellen Sie sich die Dinge aus der Perspektive der Figur vor, wenn der Kontext gegeben ist (ob durch das Drehbuch oder durch Ihre Fantasie) ihrer Lebensgeschichte. Das Theater ermöglicht es mir, dies in einer fiktiven Umgebung zu praktizieren, aber als Kind war es eine wunderbare Lektion, wie ich mit verschiedenen Menschen aus verschiedenen Kulturen in meinem wirklichen Leben in Kontakt treten kann. 

Ich bin jetzt süchtig danach, mit Menschen zusammenzuarbeiten und gemeinsam Geschichten zu schreiben, und deshalb bin ich heute hier auf der Charleston Stage. Ich bin so dankbar, in diesem Theater ein weiteres Zuhause gefunden zu haben, um mit anderen leidenschaftlichen, kreativen und einfühlsamen Theaterkünstlern bedeutungsvolle Kunst zu schaffen. 

Eliza ist Absolventin der University of Miami mit einem BFA in Musiktheater. Einige ihrer früheren Credits umfassen Into the Woods (Hexe), Ein Sommernachtstraum (Helena) und 9 bis 5 (Roz). Eliza hat in Malaysia, Japan, Ungarn und Brasilien gelebt und freut sich sehr darauf, Charleston zu ihrem nächsten Zuhause zu machen! Sie möchte ihren Lehrern, Freunden und ihrer Familie auf der ganzen Welt danken, die sie unterstützen. Webseite: https://elizadknode.wixsite.com/mysite / Instagram: @eliza.knode

Unser Auftakt der 45. Staffel, „The Play That Goes Wrong“, ist anders als jede Show, die wir jemals in der Vergangenheit aufgeführt haben, und, was das betrifft, jede Show, die es jemals in der Theatergeschichte gegeben hat. Es schöpft aus drei Schulen der Theaterkunst: Kriminalroman, Slapstick-Komödie und das Stück im Stück, um einen Abend voller Chaos zu schaffen, der gerecht ist hält immer wahnsinnig lustig. Lesen Sie weiter, während wir die Geschichte jeder Theaterform erkunden und zeigen, wie diese Trifecta einen perfekten Sturm der Komödie bietet.

The Mystery Play, Detective Fiction und Whodunnit

Seit Jahrhunderten nutzen Geschichtenerzähler mysteriöse Handlungen, um das Publikum zu fesseln und in ihre Geschichten einzutauchen. Frühe Mysterienspiele des Mittelalters drehten sich um biblische Berichte und Charaktere, die häufig als Tableaus aufgeführt wurden, eine inszenierte Szene, in der sich die Schauspieler nicht bewegen, als würden sie ein Gemälde mit Gesang „nachspielen“. Theatergestalter, Schriftsteller und Schauspieler haben sich große Mühe gegeben, sicherzustellen, dass sich die Stücke auf ein starkes moralisches Thema konzentrierten, das eng mit der christlichen Ethik verbunden war: die Folgen der Sünde, Himmel und Hölle, die Erlösung durch Christus und die Themen jedes großen liturgischen Festes Kalender. Ausgefeilt und mit gewöhnlichen Menschen statt professionellen Schauspielern besetzten diese Festzüge praktisch die ganze Stadt (was für ein Traum wäre es, wenn unsere Produktionen dasselbe tun würden!). York, England, war besonders dafür bekannt, diese Spektakel auf öffentlichen Plätzen zu zeigen. Da die protestantische Reformation die Veröffentlichung der Heiligen Schrift in der Umgangssprache förderte, spiegelten Mysterienspiele dies ebenfalls wider.

Schließlich entwickelte sich das Mystery-Genre aus diesen mittelalterlichen Spektakeln zu dem, was wir heute besser erkennen. Es folgten die elisabethanischen und jakobinischen Theaterstile, und Kriminalromane stiegen im 18. Jahrhundert als literarisches und theatralisches Genre auf, beginnend mit Voltaires Zadig. Charles Dickens, Edgar Allan Poe, Wilkie Collins und Arthur Conan Doyle, der Schöpfer der Figur Sherlock Holmes, haben alle große Beiträge zur frühneuzeitlichen Kriminalliteratur geleistet. Der Name „Whodunnit“ tauchte erstmals nach 1930 im Merriam-Webster-Wörterbuch auf, während des „goldenen Zeitalters“ der Kriminalromane und Theaterstücke: Werke von Agatha Christie, GK Chesterton und ihren Zeitgenossen. Die Popularität dieses britischen Genres breitete sich mit dem Brettspiel in den USA aus Hinweis, in 1948 veröffentlicht.

Das Spiel im Spiel

Das Genre „Spiel im Spiel“ leitet sich vom französischen Begriff ab mise en abyme, bedeutet „in den Abgrund gestellt“. Wie zwischen zwei Spiegeln zu stehen und ein Gemälde zu betrachten, auf dem ein anderes Gemälde in der Szene oder im Film abgebildet ist Beginnermöglicht das „Spiel-im-Spiel“-Format dem Publikum, sowohl das produzierte „Stück“ als auch die Charaktere und Handlungen der Schauspielergruppe zu sehen, die die Show des 2. Grades der Realität produzieren.

Das Spiel im Spiel hatte 1587 sein formelles Debüt mit Die spanische Tragödie von Thomas Kyd, mit Shakespeares Weiler ist das berühmtere Renaissance-Beispiel (obwohl Der Mord an Gonzago ist nur ein kleiner Teil der Handlung, während einige Stücke innerhalb von Stücken wie z Das Stück, das schief geht konzentrieren sich fast ausschließlich auf das Spiel zweiten Grades). Im Kabarett wir sehen nicht unbedingt ein weiteres Stück, das sich innerhalb der Handlung entfaltet, sondern die Nachtshow des Kit Kat Klubs. 

Slapstick und Physical Comedy

Slapstick-Comedy verwendet den Einsatz von überlebensgroßer Gewalt, die so absurd ist, dass sie fast jedem Publikum das Lachen stehlen kann. Die erste weithin bekannte Verwendung von Slapstick ist die Harlekin-Figur italienischer Komödien während der Renaissance, obwohl viele Einblicke in das antike griechische und römische Theater und sicherlich in mündlichen Darbietungen sogar vor der Antike zu finden sind.

Im amerikanischen Vaudeville des 19. Jahrhunderts erlebte die physische Komödie eine Wiederbelebung – sicherlich kommen einem die Possen von Charlie Chaplin in den Sinn, scheinbar zufällig, aber so sorgfältig geplant. Wir nehmen an, dass es seitdem nicht wirklich gegangen ist – denken Sie Allein zu Hause, Will Farrells Filme und, wie Sie diesen September im Dock Street Theatre sehen werden, Das Spiel, das schief geht. 

Eliza Metts, unsere Marketingassistentin, hat eine besondere Vorliebe für Dramaturgie und Dramaturgie. Sie erwarb 2021 ihren BA in Theater und Englisch mit Schwerpunkt Kreatives Schreiben am Wofford College und ist gebürtige Charlestonierin. Sie ist begeistert, nach Hause zurückzukehren, um für Charleston Stage zu arbeiten und dabei zu helfen, die Geschichten des Unternehmens zu erzählen.

Weiterführende Literatur:

Britannica: Wakefield spielt

Geschichte von York: Mittelalterliche Stücke

British Library: Mittelalterliches Drama

Portland Center Stage: Das Stück im Stück

Britannica: Slapstick-Komödie

Jhonika, eine unserer Resident Actors in Staffel 45, spielt die Rolle von „Annie“, der Bühnenmanagerin des Stücks im Stück von Das Stück, das schief geht im Historic Dock Street Theatre. Erfahren Sie mehr über ihren Vorbereitungsprozess "Abspielen" und Schauspieler bei der Charleston Stage zu sein!

Sie sind Mitglied unserer Resident Acting Company der Saison 45 – willkommen in Charleston! Was hat Ihnen bisher an der Erfahrung gefallen? 

Bevor ich hierher gezogen bin, hatte ich so viele großartige Dinge über Charleston gehört! Alle sprachen über das fantastische Essen, die Geschichte und die Schönheit der Stadt. Ich habe es genossen, die Stadt zu erkunden und neue Leute kennenzulernen. Eine meiner Lieblingsbeschäftigungen war es, jeden in der Charleston Stage Company kennenzulernen, insbesondere meine Kollegen aus der Resident Actors Group. Wir kommen aus dem ganzen Land, daher war es lohnend, von ihren Lebenserfahrungen, Hintergründen, Häusern und ihrer Leidenschaft für das Theater zu hören, die wir alle teilen. 

Wie haben Sie sich darauf vorbereitet, die Rolle von Annie zu spielen, der Bühnenmanagerin für die Show-in-der-Show, die in „The Play That Goes Wrong“ spielt? 

Obwohl ich noch nie zuvor eine Show gemanagt habe, habe ich erlebt, wie ich hinter der Bühne gearbeitet und mit Dingen umgegangen bin, die in Produktionen, an denen ich gearbeitet habe, schief gelaufen sind! Es war relativ einfach, Annies Mentalität zu kanalisieren, dafür zu sorgen, dass die Dinge gut laufen und Fehler hinter der Bühne zu beheben. Aber ohne zu verderben, was passiert, hat es definitiv Spaß gemacht, die „Show must go on“-Mentalität zu erforschen, die Bühnenmanager haben müssen.

Diese Show ist technisch und körperlich sehr herausfordernd – Sie und Ihre Mitschauspieler müssen so viele Tricks, Stürze und Pannen koordinieren. Was war für Sie das Schwierigste an den Proben? Was ist selbstverständlicher geworden? 

Da dies eine Show mit vielen Tricks und Pannen ist, war es für uns sehr wichtig, unsere Bewegungen zu blockieren und unsere Linien sehr schnell auswendig zu lernen, damit wir genügend Zeit haben, um die gezielten „Fehler“ herauszuarbeiten. Ich habe das Gefühl, dass es eine Anpassung sein wird, sobald wir diese Elemente auf der Bühne hinzufügen, aber es wird auch sehr aufregend sein, dies zu tun!

Überraschenderweise ist das Verständnis des Kontexts der Show-in-der-Show natürlicher geworden, als ich dachte. Als ich zum ersten Mal von der Serie hörte, klang es ein wenig verwirrend, aber nachdem ich es ein paar Mal gelesen hatte, konnte ich das Konzept und die Motive der Charaktere verstehen.

Was sind Ihre Standardroutinen vor der Show, wenn Sie sich auf den Auftritt vorbereiten? 

Aufwärmen, Aufwärmen und noch mehr Aufwärmen! Vor Shows versuche ich immer, etwas Cardio oder ein Body Warm-up zu machen, um sicherzustellen, dass ich körperlich bereit für Auftritte bin. Neben Stimmaufwärmübungen kannst du mich mit einer Tasse Tee in der einen und meiner Wasserflasche in der anderen Hand erwischen. Sobald ich im Theater bin und mich fertig mache, höre ich mir immer meine Pre-Show-Playlist mit all meinen Lieblingssongs an! 

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Es ist auf jeden Fall Einmal auf dieser Insel! Ich habe die Serie während meiner Schulzeit entdeckt und war sofort begeistert. Die Geschichte ist nicht nur eine meiner Lieblingsgeschichten, sondern die Musik ist es, die ihr wirklich Leben einhaucht und sie schön macht. Ich kann unsere Produktion im Frühjahr kaum erwarten!

Jhonika freut sich sehr, als Resident Actor bei der Charleston Stage dabei zu sein! Ursprünglich aus Maryland, verbrachte sie den größten Teil ihres Lebens in Arkansas, wo sie ihren Abschluss an der Ouachita Baptist University machte und ihren Bachelor of Fine Arts in Musiktheater erhielt. Zu ihren Lieblingsrollen gehören: Wendla (Frühlingserwachen), Kairo (Wir sind die Tiger), Frau 1 (Lieder für eine neue Welt), Grizabella (Katzen) und Yertle die Schildkröte (Seussical das Musical). Ich sende all die Liebe an ihre unglaubliche Familie und Freunde für ihre endlose Unterstützung: „Diese hier ist für dich!“ Um mit Jhonika auf dem Laufenden zu bleiben, können Sie ihr Instagram besuchen: @jhonikaaaa

Rylee Coppel ist eine langjährige Künstlerin bei Charleston Stage, und wir haben uns gefreut, dass sie vor kurzem als neue Direktorin für Bildung und Engagement in Vollzeit zu uns kam! Erfahren Sie mehr von Rylee über ihre Erfahrung in der Theaterpädagogik, ihre schönsten Erinnerungen an die Charleston Stage und ihre Leidenschaft für die darstellenden Künste.

Sie haben über 15 Jahre Erfahrung in der Musik-, Theater- und Tanzausbildung für Jugendliche. Was sind die wertvollsten Lebenslektionen, die Sie in Ihrer Karriere gelernt haben?

Kinder sind einfach die erstaunlichsten kleinen Dinge! Ich liebe es, meine Schüler kennenzulernen und zu sehen, wie sie im Laufe der Jahre wachsen und Fortschritte machen. Außerdem sind die Künste lebensverändernd. Als Kind in die Kunst involviert zu sein, hat für mich alles verändert, und ich liebe es, Schülern die Möglichkeit zu geben, sich an der Kunst zu beteiligen. 

Sowohl die Teilnahme als auch das Unterrichten von Theater, Musik und Tanz haben mich gelehrt, flexibel zu sein, Spaß zu haben und mich selbst nicht zu ernst zu nehmen! Ich habe wirklich den tollsten Job. Ich bin jeden Tag dankbar dafür, mit Leidenschaft bei dem zu sein, was ich tue. 

Du hast in so vielen Shows mit uns gespielt! Bitte teilen Sie einige Ihrer schönsten Erinnerungen an die Charleston Stage.

Ich habe wirklich alle Shows geliebt, an denen ich teilgenommen habe, aber Mamma Mia! und Sister Act waren meine Favoriten. Ich war während des Laufs im 8. Monat schwanger Sister Act, die gut unter meiner Kutte versteckt war (Danke Kostüme!). Als meine Tochter ein Kleinkind war, beruhigte sie sich sofort, wenn ich spielte Sister Act Musik für sie. Es ist, als hätte sie sich daran erinnert, als sie noch in meinem Bauch war!

Wie wirkt sich Ihr Hintergrund im Yogaunterricht und in der Trauma-informierten Ausbildung auf die Art und Weise aus, wie Sie unterrichten?

Zu lernen, wie unser Gehirn unter Stressbedingungen funktioniert, hat mir geholfen, mich in meine Schüler einzufühlen. Wir wissen nicht, womit unsere Schüler zu uns kommen, deshalb ist es so wichtig, dass wir ihnen mit Empathie begegnen. Es hat mir auch geholfen, das Verhalten als die Art und Weise zu betrachten, wie ein Schüler uns etwas mitteilt. Es ist unsere Aufgabe als Pädagogen, herauszufinden, was sie von uns brauchen. Ich verwende auch yogische Atemachtsamkeit in all meinen Kursen. 

Worauf dürfen sich unsere TheaterSchüler und Eltern in diesem Jahr von Ihnen freuen?

Sie werden sehen, wie ich viele Klassen unterrichte und beobachte! Ich freue mich darauf, alle Familien und Schüler kennenzulernen. Bei Fragen bitte immer melden!!

Zum Schluss, was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Das ist schwer!! Ich finde Memphis or Baby du bist es!

Rylee (sie/ihr/ihre) ist Direktorin für Bildung und Engagement bei Charleston Stage. Rylee stammt ursprünglich aus Pennsylvania, kam aber über New Jersey nach Charleston. Rylee hat einen Bachelor in Vocal Performance vom Ramapo College of NJ und einen Master in Integrated Arts and Education von der University of Montana und über 15 Jahre Erfahrung im Unterrichten von Gesang, Musik, Theater und Tanz. 

Zuletzt war Rylee Mitbegründer und künstlerischer Leiter von Dance.Laugh.Learn., einem Musikprogramm für Kinder, und Musiklehrer an der Murray LaSaine Montessori School. Rylee ist eine zertifizierte K-12-Musiklehrerin, zertifiziert in Kinderyoga und traumainformiert. Rylee lebt mit ihrem Mann Ben und der fünfjährigen Tochter Vivian in West Ashley. 

Neben dem Unterrichten ist Rylee regional und international mit solchen Unternehmen aufgetreten wie; Sesame Street Live, Joey Casella Productions, Roxy Regional Theatre und RWS and Associates. Zu den Credits der Charleston Stage gehören; „Kinky Boots“ (Pat), „Footloose“ (Vi Moore), „Beauty and the Beast“ (Mrs. Potts), „The Curious Incident of a Dog in the Night-Time“ (Judy), „Mamma Mia!“ (Donna), „White Christmas“ (Tessie/Mrs. Snoringman), „Sister Act“ (Sister Mary Patrick) und „Avenue Q“ (Ensemble). 

Wir haben uns mit Ashley Palmer, der Produktionsleiterin von Charleston Stage, zusammengesetzt, um mehr über ihre Arbeit hinter den Kulissen von der Konzeption bis zum Abschlussabend zu erfahren. Hier von ihr unten!

Kurz gesagt, was machst du als Produktionsleiter für Charleston Stage?

Ein Produktionsleiter arbeitet mit dem Regisseur, den Designern, der technischen Crew und dem Managementteam zusammen, um sicherzustellen, dass die technischen Elemente einer Show für jede einzelne Show sicher, pünktlich und innerhalb des Budgets fertiggestellt werden. Ich beginne etwa 7-8 Monate vor Beginn der nächsten Saison mit der Vorplanung für eine Saison. Außerdem überwache ich die Tages- und Wochenpläne aller Produktionsmitarbeiter. Obwohl ich bei der Charleston Stage als Resident Stage Manager angefangen habe und das Bühnenmanagement immer meine Leidenschaft sein wird, bin ich dazu übergegangen, unsere Shows im großen Stil zu betreuen. Aber ich mag es immer noch, ungefähr zwei Shows pro Jahr zu leiten, nur um sicherzugehen, dass ich nie vergesse, wie! 

Was ist das erste, was getan werden muss, nachdem eine Show in einer Saison ausgewählt wurde?

Alles beginnt mit einer Idee und einem Kalender. Viele werden Ihnen sagen, dass das Lesen des Drehbuchs der erste Schritt ist, aber die meisten Leute, die dies behaupten, sind die Regisseure und Designer der Show. Für mich und meine Mitinszenierer und Produktionsleiter beginnen wir mit dem allmächtigen Firmenkalender! 

Beschreiben Sie für uns den Prozess, eine Show von der Konzeptidee bis zum Eröffnungsabend voranzubringen.

Sobald wir eine Staffel von Shows ausgewählt und diese Daten in einen Kalender eingetragen haben, besteht der nächste Schritt darin, Casting- und Design-Meetings zu organisieren. Bei einem Design-Meeting trifft sich der Regisseur mit unseren technischen Designern und kocht die Zutaten zusammen, die für die Show benötigt werden: Wie funktioniert diese Show, welche Geschichte wollen wir erzählen und wie wir als Künstler sie erzählen wollen. Wir reden ca. 3 Wochen über Ideen, schauen uns Forschungsbilder an und führen lange Gespräche über das künstlerische Gesamtbild. In den folgenden Monaten festigen wir alles, was Sie auf der Bühne sehen und hören: Lichter, Sets, Requisiten, Kostüme, Sound und Choreografie. All diese Dinge werden von einem Team von Leuten diskutiert und ausgewählt, lange bevor der erste Schauspieler überhaupt zu den Proben kommt. 

Sobald eine Show mit den Schauspielern geprobt wird, sind wir in der Regel bereits dabei, alle technischen Elemente aufzubauen, die wir in diesen Design-Meetings besprochen haben. Diese paar Wochen sind eine unterhaltsame Zeit, in der sich alle Beteiligten der Produktion im „Baumodus“ befinden und sowohl Designelemente als auch Charaktere bauen. Es ist eine spannende Zeit in diesem Prozess! 

Dann kommen wir endlich in die Tech Week zur Eröffnungsnacht. Dann bewegen sich unsere Schauspieler vom Proberaum auf die Bühne, wo unser technisches Personal lange und hart gearbeitet hat, um alles vorzubereiten. Wir nutzen diese technischen Proben, um zu synchronisieren, woran jede Abteilung im „Baumodus“ gearbeitet hat, und alle Puzzleteile für unser Gesamtbild zusammenzubringen! Am Eröffnungsabend bekommen wir endlich ein Publikum auf die Plätze, um die Anhäufung monatelanger harter Arbeit und Hingabe aller Beteiligten im Team der Show zu sehen. 

Welcher Schritt ist für Sie der lohnendste Teil des Prozesses?

Ohne Zweifel, Opening Night! Nach vielen Monaten der Vorproduktion, Proben, Design-Meetings und langen technischen Proben fühlt sich nichts so befriedigend an, wie unseren Eröffnungsabend mit einem Publikum zu genießen. Endlich sehen wir das „große Ganze“ in seiner ganzen Pracht!

Zum Schluss, was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Eine schwierige Frage! Stephen Sondheims Firma war schon immer ein Favorit von mir, aber keiner, an dem ich hier auf der Charleston Stage gearbeitet habe. Viele Produktionen, an denen ich hier mitgearbeitet habe, liegen mir sehr am Herzen; Peter und der Starcatcher und Disney's Schöne und das Biest sind einige Favoriten, die mir in den Sinn kommen. 

Ashley hat einen BA-Abschluss in Bühnenmanagement von der Florida School of the Arts. Dies wird ihre 5. Saison mit Charleston Stage sein, obwohl sie seit etwa 13 Jahren am Theater arbeitet. Nachdem sie über sechs Jahre hinter der Bühne und als Bühnenmanagerin in der Region Zentralflorida gearbeitet hatte, verbrachte sie auch zwei Jahre als Associate Company Member im Playhouse on the Square in Memphis, TN. Einige ihrer Lieblingsshow-Credits sind „Hedwig and the Angry Inch“ (In the Wings Productions), „Big River" (The Coco Village Playhouse), „4000 Miles“ (Playhouse on the Square), „The Rocky Horror Picture Show“ (Surfside Players) „Build Me Up Buttercup!“ (Weltpremiere im Coco Village Playhouse) und „Gypsy" (Schauspielhaus auf dem Platz). Ashley hat schon immer gerne Bühnenmanagement betrieben, aber im Laufe der Jahre auch als Deckskapitän, Requisitenmeister, Kinderwrangler und Regieassistent für mehrere Shows und Sommercamps gedient. Sie freut sich auf viele weitere Jahre an der Charleston Stage und auf die Gelegenheit, an einem spannenden und unvergesslichen Theater zu arbeiten.

Facia Lee, eine unserer Resident Actors der 45. Staffel, teilte uns kürzlich ihre persönliche Reflexion darüber mit, was die Kraft und Schönheit der Kunst des Live-Theaters für sie bedeutet. Hier ist in ihren eigenen Worten unten:

Ich habe immer zu meinem Vater aufgeschaut, weil wir uns in vielerlei Hinsicht ähnlich sind. Er ist Verhaltensanalytiker und versucht ständig, mich und meine Brüder zu „lesen“, um zu sehen, wie wir uns in bestimmten Situationen fühlen, besonders wenn wir nicht die Worte haben, um unsere Gefühle auszudrücken. Meistens hat er recht, was frustrierend, aber faszinierend zugleich ist. 

Als Kind saß ich am liebsten auf der Couch und sah mir mit meinem Vater Superheldenfilme an. Unsere Favoriten waren die X-Men Filme, vor allem, weil es Geschichten über Mutanten sind, die nicht in die Gesellschaft passen und ihre eigene Bruderschaft für sich selbst gründen müssen, etwas, das sich heimatverbunden anfühlte, weil auch ich nicht immer hineinpasste. Ich war ein unbeholfenes Kind, das hatte Ich hatte ein bisschen Probleme, Freunde zu finden, aber ich hatte nie Probleme, ein Buch oder einen Stift in die Hand zu nehmen. Die Lehrer erzählten meinen Eltern immer, wie ruhig ich war, aber dass ich mich gut im Lesen und Schreiben ausdrücken konnte. 

Als ich älter wurde, wurde ich etwas geselliger, aber das ging nicht ohne die Hilfe meines Vaters. Er war wieder in der Lage, in mir zu lesen, und bemerkte meine Fähigkeit, Dinge zu lesen, zu schreiben und nachzuspielen, die ich im Fernsehen gesehen hatte, und mit meinen Brüdern Songs zu schreiben, wenn ich zu Hause war und mich wohl fühlte. Er hat früh gesehen, dass das Theater ein gutes Ventil für mich sein könnte. Er fragte einen seiner besten Freunde, ob ihre Tochter (mit der ich bis heute gut befreundet bin) Interesse hätte, mit mir in einem Theaterstück zu spielen, und im Handumdrehen war ich dreizehn Jahre alt und spielte Mrs. Gloop im Theater Musical Willy Wonka jr. Ich hatte schon früher in der Kirche kleine Theaterstücke gesungen und aufgeführt, aber noch nie mit gleichaltrigen Kindern, die so waren wie ich. Ich fühlte mich sofort dazugehörig – wie in die Bruderschaft der X-Men. Endlich konnte ich mich wie Mystique verwandeln.

Bevor ich mich entschied, eine höhere Ausbildung für Leistung zu besuchen, wollte ich wie mein Vater Verhaltensanalytiker werden. Das Theater erlaubt mir jedoch auch, Verhalten zu analysieren; Ich kann etwas über Charaktere in Drehbüchern lernen und warum sie tun, was sie tun, und mich dabei selbst finden. Theater ist ein sich ständig veränderndes Universum, in dem sich jeder willkommen, einbezogen und gesehen fühlt. Es fungiert als Spiegel, der uns hilft zu sehen, wer wir sind und wie ähnlich wir allen um uns herum sind. Ich glaube, es ist fast unmöglich, Theater zu machen und dabei nicht nur herausgefordert, sondern auch zum Besseren verändert zu werden. Ich kann nicht dankbarer sein für das Theater, meinen Vater und den Rest meiner Familie, meine Lehrer, die an mich geglaubt haben, meinen Freund, der mit dreizehn bei mir angefangen hat, und alle anderen, die auf dieser Reise in die schöne, sich verändernde Welt des Lebens gegangen sind Theater mit mir.

Facia ist begeistert, in Staffel 45 mit Charleston Stage zusammenzuarbeiten! Sie steht seit ihrem sechsten Lebensjahr auf der Bühne. Zu ihren Lieblingsauftritten gehören Macduff in „The Scottish Play“, Aschenputtel rein eine eigens geschriebene gleichnamige Kindertheaterfassung und Sandra/Die Hexe in „Big Fish“. Sie schloss ihr Studium an der Florida School of the Arts sowohl mit ihrem AA als auch mit ihrem AS in Musiktheater ab und schloss ihr Studium an der Palm Beach Atlantic University mit ihrem BA in Theater mit Schwerpunkt Musik ab. Facia möchte ihrer liebevollen Familie, ihren Freunden, Lehrern und ihrem Vater für all ihre Unterstützung danken.

Wir freuen uns sehr, Eliza Metts, Marketingassistentin, Mary Elizabeth Ray, Box Office Manager, und Monica Vanderbeck, Associate Director of Development, in unserem Verwaltungsteam im Dock Street Theatre willkommen zu heißen! Hören Sie unten von ihnen:

Eliza Metts – Marketingassistentin

Sie haben kürzlich das Theaterprogramm des Wofford College abgeschlossen. Was hast du gelernt?

Mein Theaterstudium war stark von den Disziplinen Dramaturgie und Dramaturgie geprägt. Ich habe eine Fülle von Shakespeare, antiken griechischen Stücken und zeitgenössischen Werken gleichermaßen gelesen und geschrieben, und ich bin so dankbar für die große Vielfalt an Stilen, in die mich meine Professoren eingeführt haben. Zu sehen, wie sich das Theater im Laufe der Kulturen und Epochen entwickelt hat, hat mich als Autorin und Künstlerin transformiert. Die Fakultät hat es uns nicht leicht gemacht! Am wichtigsten ist, dass ich gelernt habe, gut zu schreiben und zu kommunizieren, etwas, das ich für den Rest meines Lebens nutzen werde, unabhängig davon, wie oft ich das Privileg habe, auf der Bühne zu stehen.

Was machen Sie als gebürtiger Charlestoner in der Stadt am liebsten?

Meine Verlobte und ich lieben es, lange Spaziergänge rund um South of Broad zu machen – wir schlängeln uns immer durch die kleinen Gassen an der East Bay und der Lower Church Street. Ich liebe die Natur, deshalb bin ich immer auf der Suche nach den besten Blumenkästen und Gärten. Stellen Sie sicher, dass Sie den Auferstehungsfarn bemerken, der auf den Ästen lebender Eichen und in den moosigen Ritzen alter Backsteinmauern wächst. Wenn es eine Weile nicht geregnet hat, sieht es aus, als wäre es tot, aber beim nächsten Regen „erwacht“ es wieder zu grünem Leben! Wissenswertes: Es kann 99 Jahre ohne Wasser leben! 

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Meine Mutter nahm mich zuerst mit, um zu sehen Oklahoma! produziert vom College of Charleston, als ich 4 Jahre alt war. Ich war begeistert – es war meine erste Erfahrung mit Live-Theater! Es ist ein immergrüner Klassiker, über den ich jedes Mal, wenn ich ihn sehe, neue Dinge lerne, und ich glaube, dass die Charaktere – insbesondere Laurey – dynamischer und nuancierter sind, als wir uns normalerweise erinnern. Es veränderte die Geschichte des Broadway, als es 1943 eröffnet wurde.

Mary Elizabeth Ray – Kassenleiterin

Sie haben bei uns in Teilzeit an der Kasse gearbeitet, bevor Sie in Vollzeit eingestiegen sind. Was gefällt Ihnen an der Arbeit für Charleston Stage?

Ich habe die Gelegenheit geliebt, so schnell so viel zu lernen. Ich hatte noch nie am Theater gearbeitet, bevor ich zu Charleston Stage kam, und als ich dies als mein Interesse am College entdeckte, wollte ich so viel wie möglich davon aufsaugen. Die Arbeit an der Abendkasse hat mir einen ersten Blick hinter die Kulissen der schillernden Theaterwelt verschafft, der unbezahlbar ist!

Was lieben Sie am meisten an der Erfahrung von Live-Theater?

Ich schätze die Möglichkeit, als Zuschauer an der Kunst teilzuhaben, sehr. Ich denke, es gibt viel aktives Denken und Aufheben des Unglaubens im Live-Theater, das nicht nur ein kreatives Produktionsteam, sondern auch einen einfallsreichen Zuschauer erfordert. Ich liebe es, die Lücken, die auf der Bühne nicht enthalten sind, mit meinem eigenen Kopf zu füllen – es gibt mir das Gefühl, dass ich auch an der Schaffung dieser künstlerischen Erfahrung für mich selbst beteiligt bin, und es ist so cool, dass es für jedes Publikum anders aussehen kann Mitglied auf einem Platz. Es ist alles Kunst, die gleichzeitig auf der Bühne und im Kopf jedes Einzelnen passiert, und es ist eine wunderbare Sache, sie zu teilen.

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Mamma Mia!!! Es war mein Lieblingsfilm, als ich aufwuchs, und es war die allererste Show, die ich in der Dock Street gesehen habe. Es war auch das erste Mal, dass ich die Show live gesehen habe. Ich ging zum Pay-As-You-Please-Abend und das Publikum hätte nicht aufgeregter sein können! Überall waren Leute in Dynamo-ähnlichen Outfits, Overalls und Schlaghosen. Ich denke, das war das erste Mal, dass ich daran dachte, dass ich ein Teil davon sein wollte, Live-Theater zu verwirklichen. 

Monica Vanderbeck – Stellvertretende Direktorin für Entwicklung

Bevor Sie zu uns kamen, haben Sie einige Zeit in der Veranstaltungsbranche gearbeitet. Was hat Sie dazu bewogen, umzusteigen?

Ich habe das College of Charleston mit einem BS in Business Administration und einem BS in Hospitality and Tourism Management abgeschlossen. Mir wurde gesagt, dass ich herrisch (ich bevorzuge den Begriff Typ-A) und detailorientiert bin, daher schien die Eventwelt nicht zu weit außerhalb meines Bereichs zu liegen. Ich entschied mich für ein Praktikum in der Hochzeitsbranche bei Intrigue Design and Events, da Hochzeiten in Charleston eine so dominierende Branche sind. Ich wurde eine Woche nach dem Abschluss in Vollzeit als Eventmanager eingestellt, und von da an änderte sich mein Titel im Laufe der Jahre viele Male. Ich habe mich in die Branche verliebt wegen der Gefühle hinter der Bedeutung der Ehe. Ich schätze die Heiligkeit und Einheit der Beziehung und den Liebesbeweis der Paare. Dennoch wurde der Gangwechsel durch eine Reihe von Lebensveränderungen, persönliches Wachstum und die Notwendigkeit für berufliches Wachstum in einer neuen Branche veranlasst. Es war meine Zeit, mich auf eine Karriere zuzubewegen, die meine Bestimmung erfüllt und meine Leidenschaft mit meiner Berufung verbindet. 

Gemeinnützige Entwicklung ist eine besondere Berufung der Arbeit. Was bedeutet es für Sie, der Kunstszene in Charleston zu dienen?

Meine Beziehung zur Kunst begann vor vielen Monden (von der Vorschule bis zum jungen Erwachsenenalter). Ich war auf dem Weg, Opernsängerin zu werden, aber für mich waren andere Pläne vorgesehen. Ich habe meine Freizeit immer ehrenamtlich verbracht und mich an verschiedenen Community-Outreach-Programmen beteiligt, und der Wechsel in die gemeinnützige Welt war eine natürliche Entscheidung. Meine Erfüllung ergibt sich aus der direkten Korrelation meiner Bemühungen, ob Zeit, Ressourcen oder geistiges Eigentum, die eingesetzt werden, um in der Gemeinschaft etwas zu bewirken. Die Werkzeuge und Fähigkeiten, die ich in der Hochzeits- und Veranstaltungsbranche erlernt habe, haben dazu beigetragen, die Grundlage für meinen derzeitigen Titel als Associate Director of Development zu legen. Der Einstieg in diese Rolle bei Charleston Stage hat es mir ermöglicht, meine beruflichen Fähigkeiten und Ziele mit meinen persönlichen Leidenschaften in Einklang zu bringen.

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten?

Diese Frage fühlt sich immer wie eine geladene Frage an! Meine Lieblingsoper ist die von Toshio Hosokawa Matsukaze. Mein Lieblingsmusical ist technisch gesehen eine komische Oper, Die Zauberin von Viktor Herbert. 

Wir haben uns mit Raymond Cronley zusammengesetzt, einem unserer Resident Actors der 45. Staffel, der in unserer Produktion von als Jonathan/Charles Haversham auftritt Das Stück, das schief geht, Eröffnung am 31. August. Hier teilt er sein „Warum“ für sein Engagement im Theater und packt aus, was die Kunstform für ihn bedeutet.

Theater ist der beste Freund eines internetbegeisterten Kindes. 

Als ich jung war, hatte ich immer viel Energie – manche mögen sagen, zu viel Energie. Es brachte mich manchmal in große Schwierigkeiten, besonders wenn ich zu unpassenden Zeiten Witze machte oder Eindrücke machte. Es hat mich immer frustriert, dass ich mich anscheinend nicht so ausdrücken durfte, wie ich wollte. Es wurde gleichzeitig besser und schlechter für mich, als ich ein paar Freunde fand, die meiner Energie entsprachen, denn sie spielten nicht nur mit meinen Possen mit, sondern fügten den Dingen, die ich gerne tat, auch ihre eigene Energie und Kochfreude hinzu.

Ich bin in den frühen Tagen des Internets und von YouTube aufgewachsen, daher bedeutete für uns der Höhepunkt der Comedy, möglichst alberne und unsinnige Inhalte zu finden, sie auswendig zu lernen und sie uns gegenseitig im Bus, auf dem Spielplatz oder in Klassenzimmern auszuspucken . Bei uns drehte sich alles um diese Insider-Witze, die unsere Lehrer und Kommilitonen gleichermaßen dazu veranlassten, die Augen zu verdrehen. Wir lebten von dieser Aufmerksamkeit, dieser honigsüßen Mischung aus Verwirrung und Verärgerung. Im Laufe der Jahre behielten wir unseren Schtick bei, bizarre Komödien untereinander und mit unseren Kollegen nachzuplappern und unsere Energie untereinander auszutauschen. Irgendwann würde diese Energie nachlassen und andere ähnlicher Art anziehen, die Kinder mit zu viel Energie und viel zu viel Freizeit im Internet, die ein Ventil brauchten. Unsere Freundschaft war stark, aber wir konnten in der Schule nur begrenzt Energie freisetzen, besonders als die High School vorbei war.

Was waren eine Gruppe nerdiger Kids mit einer Obsession für das Nachplappern von Medien und scheinbar grenzenloser Energie, die sie mit sich selbst zu tun hatten? Es ist an der Kreuzung, an der ich meinen Glückssternen danke, dass wir den Theaterclub unserer Schule gefunden haben. Endlich hatten meine Freunde und ich eine Plattform entdeckt, auf der wir alle lustige Insider-Witze und alberne Stimmen lernen und uns lächerliche Lieder und Bewegungen einprägen konnten, die wir dann der ganzen Schule präsentieren konnten. Wir waren nicht länger die lästigen Kinder, die YouTube-Songs auf dem Spielplatz sangen – in unseren Gedanken könnten wir jetzt so viel mehr sein. 

Theater ist vieles: ein Beruf, ein Handwerk, ein Weg zur Erforschung von Geschichte, Politik, Kunst und der Menschheit als Ganzes. Für einen vierzehnjährigen Raymond war es jedoch mehr als das. Es war eine Chance, mich endlich auf eine Weise auszudrücken, die für mich Sinn machte. Tendenzen zu nutzen, die viele als ärgerlich empfanden, und sie in eine Arbeit zu verwandeln, auf die ich stolz sein konnte, war für mich lebensverändernd. Die Kinder von heute sind mehr denn je online und als Theaterprofi ist es meine Verantwortung, diesen energischen und an Nischen interessierten Kindern zu zeigen, dass es hier einen Weg gibt, sich auszudrücken. Theater ist dieser Weg, war dieser Weg für mich und wird es immer bleiben. 

Raymond ist unglaublich begeistert, in unserer 45. Staffel als Resident Actor bei der Charleston Stage dabei zu sein! Ursprünglich aus Cincinnati, Ohio, schloss Raymond im Mai 2021 sein Studium an der Ohio Northern University mit einem BFA in Musiktheater ab. Frühere Credits beinhalten Jack (Into the Woods), Frederick Frankenstein (Young Frankenstein) und George (Sunday in the Park with George). Er bedankt sich bei seiner Familie und seinen Freunden für die tatkräftige Unterstützung und Ermutigung! Hören Sie von ihm unter  raymondcronley.squarespace.com / @RayMonley

Lernen Sie Sayde Handegan kennen: eine angehende Schauspielerin, Mitglied von TheatreWings und Schülerin an der Wando High School. Wir haben uns kürzlich mit ihr zusammengesetzt, um Ihnen einen genaueren Einblick in unsere zu geben TheatreWings-Programm, ein kostenloses, vorberufliches Lehrlingsprogramm für Highschool-Schüler, die sich dem Erlernen des Handwerks des Backstage-Theaterdesigns und -managements verschrieben haben. Wir hatten auch die Freude, sie als „Marienkäfer“ in unserer Sommer-Teen-Produktion von zu sehen Roald Dahls James und der Riesenpfirsich! Hier von Sayde selbst:

Sie haben gerade Ihre Rolle in unserer Produktion von Roald Dahls „James and the Giant Peach“ als Ladybug beendet. Wie haben Sie sich auf die Rolle vorbereitet? Ich hatte eine tolle Zeit, Ladybug in „James!“ zu spielen. Die größte Herausforderung beim Spielen dieses Charakters war der Akzent. Natürlich spreche ich mit einem amerikanischen Standardakzent. und als die Proben begannen, hatte ich noch nie zuvor mit einem anderen Akzent gespielt. Mein Charakter hatte besonders einen noblen britischen Akzent, also hörte ich, wenn ich bei den Proben Pause hatte, Leuten zu, die diesen speziellen Akzent sprachen, um ihre besonderen Tonlagen zu hören. Schließlich landete ich bei einem Interview mit Emma Thompson und das war es – ihr Akzent war perfekt für Ladybug. Ich habe eine lächerliche Menge ihrer Interviews gesehen, um mich auf die Rolle vorzubereiten! Physisch war die Vorbereitung unkompliziert, da ich keinen sehr tanzlastigen Track hatte. 

Was ist Ihre Lieblingserinnerung an die Charleston Stage? Ich habe so viele wundervolle Erinnerungen mit Charleston Stage! Ich hatte immer eine tolle Zeit mit dem Unternehmen zu arbeiten. Vier meiner schönsten Erinnerungen sind eine Kommode für die Produktion von Bright Star in Staffel 44 Lernbühnenkampf für Der Löwe, die Hexe und die Garderobe, Singen Böse mit Cedar (2. Jahr Resident Actor) bei WingsWeek und die ganze „James“-Erfahrung.

Wie freuen Sie sich darauf, dieses Jahr als Künstler bei TheatreWings zu wachsen? Dieses Jahr nehme ich am Studienschwerpunkt Kostümdesign teil. Während des letzten Jahres habe ich versucht, mir selbst das Nähen und Anfertigen von Kleidung beizubringen, also dachte ich, das wäre eine großartige Möglichkeit, es zu lernen! An der High School, die ich besuche, bin ich in diesem Schuljahr der Produktionsleiter des Theaterprogramms der Schule. Zu meinen Verantwortlichkeiten gehören die Leitung des Bühnenmanagements, Kostüme und Requisiten. Um mir zu helfen, in meinem Job erfolgreicher zu sein, entschied ich, dass es gut wäre, die Kunst des Entwerfens, Herstellens und Wartens von Kostümen zu erlernen. 

Was haben Sie letztes Jahr bei TheatreWings gelernt, was neu für Sie war? Letztes Jahr war ich ein Teil der Bühnenmanagement-Konzentration, wurde aber als Anzieher zugeteilt Bright Star. Da ich im Bühnenmanagement tätig war, hatte ich keine Ahnung, was eine Kommode für eine Show tat. Ich habe während der Tech Week alles über die Verantwortlichkeiten dieser Rolle gelernt und war schließlich für alle Kostümwechsel der Männer für die Show verantwortlich! Es ist eines meiner liebsten Theatererlebnisse aller Zeiten!

Was ist Ihre Lieblingssendung aller Zeiten? Noch eine schwierige Frage! Meine Lieblingsshow, die die Charleston Stage produziert hat, ist „The Curious Incident of the Dog in the Nighttime“. Meine Lieblings-Broadway-Show ist „Finding Neverland“.

Sayde arbeitet seit der 3. Klasse mit der Charleston Stage zusammen, mit ihren Klassen, der Performance Troupe und dem High School TheatreWings Program. Sie ist Juniorin an der Wando High School und Produktionsleiterin des Wando Theatre. Einige ihrer Lieblingsrollen sind Katie Travis (School of Rock), Dorothy (The Wizard of Oz), Ryan Evans (High School Musical, On Stage!) und eine Nebenrolle in PYPOs Spelling Bee. Sie freut sich sehr darauf, diesen Herbst die Eurydike in Wando Theatres Produktion von Eurydike zu spielen. Sie finden sie unter saydehandegan.square.site und auf Instagram unter @saydejhandegan