Catégorie: Blog Back Stage

Qu'est-ce qui vous a initialement attiré vers le rôle de Carole King dans « Beautiful : The Carole King Musical » ?

Du point de vue de l'acteur, Carole King est un rôle formidable à jouer car elle chante certaines des chansons les plus emblématiques et ses scènes se construisent bien pour que vous puissiez la voir grandir et changer tout au long de la série. De plus, j’étais attiré par le rôle de quelqu’un d’aussi influent dans l’histoire de la musique américaine !

Comment vous préparez-vous à incarner sur scène une figure aussi emblématique que Carole King ?

Ce qui est formidable dans le fait de jouer une personne célèbre, c'est qu'il existe une pléthore de ressources parmi lesquelles puiser ! J'ai commencé par écouter la discographie de Carole King et me faire une idée de son style et de son son. J'ai également regardé ses concerts enregistrés pour voir comment elle transformait ces chansons sur scène et reprenait ses habitudes d'interprétation. Ensuite, j'ai regardé des interviews télévisées d'elle pour voir comment elle parlait et interagissait avec les gens. Enfin, j'ai lu son autobiographie « A Natural Woman » pour comprendre son point de vue sur la façon dont les événements de sa vie l'ont façonnée. De nombreux événements du livre sont en corrélation avec ceux de la série, ce qui m'a donné une perspective précise sur la façon de jouer ces moments.

Quels aspects de la personnalité de Carole King trouvez-vous les plus intrigants ou les plus difficiles à incarner ?

Carole King a accompli tant de choses alors qu'elle était si jeune. À l’âge de 18 ans, elle avait déjà fréquenté l’université, écrit un hit n°1 sur Billboard, était mariée et avait son premier enfant. J'ai 24 ans et je n'ai obtenu qu'un diplôme universitaire. L'expérience de jeune adulte de Carole et moi peut être différente, mais je pense que c'est la chose la plus étonnante et la plus stimulante dans son rôle.

« Beautiful » couvre une partie importante de la vie et de la carrière de Carole King. Comment parvenez-vous à décrire son évolution en tant qu’artiste et en tant que personne tout au long de l’exposition ?

Carole trouver sa voix en tant qu'artiste et en tant que personne, c'est le véritable sujet de ce spectacle. Pour cette raison, l’une des façons dont je montre son évolution est de changer sa voix. Au début, j'utilise une voix plus aiguë pour refléter sa jeunesse et sa naïveté. De plus, au début, elle n'a pas encore vraiment développé ses compétences d'interprétation, donc ses émotions la gênent dans le chant. Par exemple, elle devient timide lorsqu’elle se produit devant beaucoup de monde et cela se reflète dans ma voix frémissante. Puis, à mesure que la vie arrive et que les blessures surviennent, j'approfondis sa voix. Cela devient plus naturel et plus féminin. Elle grandit également en tant qu’interprète et cela se reflète dans son chant avec plus de confiance. 

La musique de Carole King est appréciée de beaucoup. Comment vous assurez-vous de rendre justice à ses chansons emblématiques tout en y apportant votre propre interprétation ?

La musique de Carole est si emblématique et appréciée parce que son écriture est excellente et qu'elle connecte avec les gens. En tant qu'interprète, c'est un cadeau de pouvoir chanter du matériel bien écrit car les chansons font une grande partie du travail pour vous ! Pour cette raison, je garde les choses simples pour que sa mélodie et ses paroles soient au premier plan et j'espère que cela permettra aux chansons (et à moi, je l'espère), de briller. 

L'histoire de Carole King est celle de la résilience et du triomphe. Comment transmettez-vous sa force et sa détermination à travers votre performance ?

L’une des choses que je trouve si intéressantes chez Carole King, c’est que sa force est plutôt discrète. Elle traverse tellement de choses, mais s'en sort avec grâce. Je pense que c'est dans la scène finale de la série que je transmets le mieux cela lorsque Gerry (l'ex-mari de Carole) s'excuse pour son mauvais comportement et je réponds : « Tu connais Ger, tu as fait beaucoup d'erreurs. Mais nous avons fait deux beaux enfants et nos chansons et c'est quelque chose dont nous pouvons être fiers. Ce que je trouve si beau dans tout cela, c'est qu'elle n'excuse pas son comportement, donc elle se défend, mais elle est également prête à regarder au-delà des difficultés pour se concentrer sur le bien. Je pense que c'est une chose très difficile à faire et c'est ce qui la rend forte. 

Qu’espérez-vous que le public retienne de votre interprétation de Carole King dans « Beautiful » ?

J'espère que le public comprendra à travers l'histoire de Carole que même si la vie ne se déroule pas toujours comme prévu, elle peut quand même s'avérer belle ! 

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ELIZA KNODE (Carole King)
Eliza est ravie de revenir sur la scène de Charleston en tant qu'acteur résident pour leur 46e saison ! Certains de ses précédents crédits CS incluent : La famille Addams (Morticie), JFK et Inga Binga (Inga Arvad), et Le voleur de foudre (Sally Jackson). Eliza est la fille d'un diplomate et a eu une éducation unique. Elle a grandi en Malaisie, au Japon, en Hongrie, à Long Island et au Brésil. Elle a ensuite obtenu son BFA en théâtre musical à l'Université de Miami. Eliza souhaite exprimer son amour et sa gratitude à sa famille, à ses amis et à ses enseignants du monde entier qui la soutiennent. Site web: www.elizaknode.com Instagram : @eliza.knode

Comment avez-vous abordé la conception des costumes pour « Beautiful : The Carole King Musical » afin de refléter les tendances de la mode et les styles de l'époque de Carole King ?

J'ai fait beaucoup de recherches primaires, d'autant plus qu'une majorité des personnages sont de vraies personnes de l'histoire de la musique ! Je l'ai principalement abordé en faisant des recherches sur ces personnes spécifiques tout en observant comment la mode évoluait de la fin des années 1950 au début des années 1970. J'ai regardé certaines tendances et mouvements de mode qui se produisaient à l'époque. Les styles, le maquillage et la coiffure évoluaient plus rapidement à cette époque, donc les magazines, les publicités, les émissions de télévision et les performances musicales étaient très importants pour façonner mon style.
concept pour les costumes !

Pouvez-vous parler des recherches spécifiques que vous avez menées pour mieux comprendre le la mode des années 1950, 60 et 70, qui sont des périodes charnières dans la vie de Carole King ?

Une grande partie de mes recherches consistent en des photographies que je peux trouver de chaque décennie, ainsi que des magazines de mode, des publicités et des modèles de vêtements avec des gravures de mode. Même regarder de vieilles photos de famille peut être utile pour avoir une idée de ce que portaient les gens ! Heureusement, il y a beaucoup de photographies de Carole King avec Gerry Goffin, Cynthia Weil et Barry Mann pendant les périodes où se déroule la comédie musicale. Cela a été extrêmement utile pour façonner les silhouettes et les styles de chaque personnage ainsi que leur coiffure et leur maquillage.

Le style personnel de Carole King évolue tout au long de la comédie musicale. Comment avez-vous reflété cette évolution à travers ses costumes ?

Au cours de mes recherches, je me suis rendu compte que la plupart des gens ont une certaine image de Carole King lorsqu'ils pensent à elle pour la première fois. On pense tous généralement à elle dans les années 1970 avec ses cheveux bouclés et sauvages et son style bohème décontracté. Cependant, la majorité de la comédie musicale se déroule avant 1970. Quand on repense au moment où elle a commencé à écrire et à produire de la musique, elle s'habillait très à l'époque des années 1950 et 1960. D'après ce que je
rassemblée, Carole s'habille généralement de manière assez subtile et simpliste, féminine mais jamais très flashy ou trop tendance. La comédie musicale commence à l'âge de 16 ans et se termine à l'âge de 29 ans, nous la voyons donc définitivement mûrir tout au long du spectacle. Donc au début on la voit habillée très jeune et presque écolière puisqu'elle est si jeune même si elle est à l'université. Elle se marie ensuite, a des enfants et une carrière très jeune, alors je voulais l'habiller comme quelqu'un qui doit rapidement devenir adulte. J'ai fait référence à beaucoup de photos de l'époque où elle portait de simples robes de jour et, au fur et à mesure que le temps passe et que sa musique progresse, nous la voyons passer des robes aux pantalons, puis lorsqu'elle découvre pleinement sa confiance en elle en tant que musicienne et s'exprime pleinement, nous découvrez davantage le look emblématique des années 1970 dont elle se souvient bien.

La comédie musicale met en scène diverses figures emblématiques de l’industrie musicale. Comment avez-vous abordé la conception de costumes pour des personnages tels que Gerry Goffin, Cynthia Weil et Barry Mann afin de capturer leurs personnalités et leurs styles ?

J’ai d’abord regardé des photos d’eux prises dans les années 1960. A partir de ces photos, plutôt que d'essayer de recréer certaines tenues je les ai prises comme source d'inspiration pour chacune de leurs personnalités et styles. Pour la scène, j'ai également accentué le contraste entre chacun d'eux. Par exemple, Carole s'habillait de manière un peu plus simpliste et Cynthia était un peu plus tendance. Même dans le scénario, ils font toujours référence à la façon dont Cynthia était joliment habillée et chic. Je voulais donc créer un contraste visuel avec Cynthia habillée de silhouettes plus ajustées, de couleurs vives et de textures différentes. Au fur et à mesure que le spectacle avançait, je voulais également adopter le style mod des années 1960 de Cynthia avec le style plus bohème des années 1970 de Carole. Gerry Goffin était très sérieux au sujet de l'écriture de musique, mais il a également traversé des luttes tumultueuses et a trop réfléchi tout au long du spectacle. On le voit donc habillé un peu plus droit avec des lacets mais aussi dans des motifs complexes et des tons très cool. Barry Mann est le personnage le plus léger et charismatique du groupe, je lui ai donc fait habiller des silhouettes et des motifs plus ludiques qui étaient des moments de mode amusants pour les hommes dans les années 1960 et au début des années 1970.

Pouvez-vous discuter de détails ou d'embellissements spécifiques dans les costumes qui ont une signification ou un symbolisme particulier dans le contexte de la comédie musicale ?

Il y a un symbolisme dans les couleurs de certains costumes que je ne suis pas sûr que le public comprendra, mais s'il le faisait, je pense que certaines scènes auraient une signification supplémentaire. Tout au long du spectacle, Gerry porte des tons violets et bleus. Il y a une scène dans l'acte 2 où Carole enregistre « Natural Woman » et a du mal à l'enregistrer car cela lui rappelle Gerry. Elle interprète magnifiquement la chanson tout en portant un
chemisier violet, pour signifier son amour pour Gerry et même si elle n'est plus avec lui, il fait toujours partie intégrante de son histoire. Dans la finale, elle porte sa robe bleue emblématique juste après avoir parlé à Gerry et il lui dit qu'elle « va jusqu'au bout » avec sa musique alors qu'elle devient son propre acte solo et brille d'elle-même.

La comédie musicale comprend des performances des tenues emblématiques de Carole King. Comment avez-vous recréé ces looks tout en leur insufflant une touche théâtrale ?

Dans la comédie musicale, on ne voit en réalité que Carole King se produire au Carnegie Hall. Pour les personnes qui ont déjà vu « Beautiful » ou qui connaissent « Beautiful », elles se souviennent généralement de la robe bleue qu’elle porte dans le final. J'ai voulu conserver cette couleur iconique mais la mettre dans un textile différent pour lui donner un intérêt visuel différent. Je voulais aussi faire référence à une robe qu'elle portait lors d'une performance filmée par la BBC en 1971 pour l'incarner pleinement. Cependant, de nombreuses performances de groupes musicaux interprètent les chansons qu'elle a écrites. Pour The Drifters et The Shirelles, nous avons recréé leurs looks emblématiques des années 1960. Nous avons en fait construit les robes des Shirelles et basé la silhouette sur une vraie photo de performance d'elles. Pour les rendre théâtraux, nous avons ajouté certains éléments de design tels que des paillettes et une nuance romantique de tissus roses pour les rendre plus dynamiques et éclatants sur le décor !

La coiffure et le maquillage jouent un rôle essentiel dans la transformation des acteurs en personnages. Comment avez-vous collaboré avec le concepteur de perruques et l’équipe pour vous assurer que l’apparence générale de chaque personnage de « Beautiful » était cohérente et authentique pour l’époque ?

Les cheveux jouent un rôle majeur dans « Beautiful » ! Puisque le défilé traverse près de trois décennies différentes, les perruques contribuent à montrer la progression du temps et de la mode. Ce spectacle présente le plus grand nombre de perruques que nous ayons jamais réalisé lors d'un spectacle sur la scène de Charleston. La créatrice de perruques, Abbie Jones, et moi avons examiné de nombreuses images de recherche pour tous les personnages basées sur de vraies personnes. Nous avons discuté de la manière d'interpréter certaines coiffures et de les adapter à la scène et aux personnages. Pour l'ensemble, Abbie Jones a fait des recherches supplémentaires sur la période et a trouvé des moyens créatifs de styliser tout le monde légèrement différemment et avec précision pour les périodes !

Qu'espérez-vous que le public retienne avec lui après avoir vu la production de « Beautiful » de Charleston Stage et expérimenté vos merveilleuses créations sur scène ?

J’espère vraiment que les gens auront l’impression d’avoir été transportés dans le temps, en particulier à une époque où la musique et le design évoluaient vraiment. J'ai eu tellement de plaisir à concevoir ce défilé et à m'inspirer des années 1960 (une de mes décennies de mode préférées), d'autant plus que c'est une décennie dans laquelle j'ai pu créer ! Le spectacle est si dynamique et amusant tout en évoquant les joies et les chagrins que nous vivons tous en grandissant et en devenant les personnes que nous voulons être. Et bien sûr, j'espère que les gens repartiront avec envie d'écouter davantage la musique de Carole King et d'en découvrir la beauté !

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HAYLEY O'BRIEN (Costume)
Originaire du sud de la Floride, Hayley est diplômée de la Florida State University avec une maîtrise en beaux-arts en conception de costumes et un baccalauréat ès arts en théâtre. Ses récents crédits à Charleston Stage incluent Le voyage à Bountiful, Indice ainsi que La famille Addams - Une nouvelle comédie musicale. Les autres crédits incluent Kinky Boots, JFK et Inga Binga, Native Gardens ainsi que Blithe Spirit. Elle attend avec impatience les futures productions à Charleston Stage et est reconnaissante de participer au programme TheatreWings. Hayley tient à remercier sa famille et ses amis pour tout leur amour et leur soutien !

Comment avez-vous trouvé le juste équilibre entre honorer ses compositions originales tout en leur insufflant une nouvelle énergie théâtrale ?

D’une certaine manière, il est difficile de produire une pièce basée sur de vraies personnes, mais cela vous donne aussi beaucoup de matière sur laquelle vous appuyer. Même si les chansons sont familières à beaucoup, il est surprenant de les voir dans un ordre historique et de réaliser combien de chansons populaires et de groupes musicaux ont été influencés par Carole King en tant que compositrice, puis de les aligner sur ce qu'elle vivait en tant que femme à cette époque. donne au public beaucoup de choses à considérer et à apprécier.

Pouvez-vous discuter du processus créatif derrière la traduction de son histoire en un spectacle visuel ?

L'un des plus grands défis de ce qui est fondamentalement un Jukebox Musical (un Jukebox Musical est une comédie musicale ou un film musical dans lequel la majorité des chansons sont des chansons de musique populaire bien connues, plutôt que de la musique originale.) est qu'à bien des égards, il c'est plutôt une série de concerts. Le décor de Broadway avait un look très spécifique et de nombreuses productions régionales faisaient quelque chose de similaire. Je sais que c'est un spectacle que beaucoup de nos clients ont peut-être vu à Broadway ou lors d'une tournée nationale, donc je voulais que notre production soit différente dès le lever du rideau. Notre scénographe invité Seth Howard (sethhowarddesigns.com) avait conçu le spectacle pour une autre entreprise plus tôt dans l'année et était ravi d'adopter une nouvelle approche. Nous avons joué avec plusieurs looks, mais nous avons opté pour un immeuble de bureaux inspiré de « Mad Men » comme image principale. Le spectacle passe des salles d'écrivain du 1650 Broadway à des représentations télévisées complètes ou à des concerts en direct, sans aucun intervalle. Notre concepteur d'éclairage résident Caleb S. Garner (calebsgarner.com) n'a pas tardé à nous aider à trouver de nombreuses façons de concevoir l'éclairage pour nous faire entrer et sortir des scènes du livre jusqu'aux performances musicales.

Selon vous, qu'est-ce qui transcende les générations et les cultures dans l'histoire de Carole King ?

Je pense que la familiarité est un thème auquel le public s'identifie toujours. Si vous n'avez jamais entendu une seule chanson chantée ou écrite par Carole King, je serais très surpris MAIS qui ne peut pas s'identifier à un jeune qui essaie de réaliser son rêve ou à quelqu'un qui lutte dans l'amour, le mariage ou la parentalité. Son histoire comprend des amitiés solides, une famille et une carrière. Nous nous souvenons de diverses parties de notre propre vie.

Quelles qualités recherchiez-vous chez l’acteur qui incarne Carole King pour être sûr qu’elle puisse capturer l’essence de son homologue réel ?

Comme dans toute comédie musicale, vous avez besoin d'un acteur bien formé et doté d'une belle voix. Représenter une personne réelle ne consiste pas à usurper l'identité mais à rechercher vos vérités partagées avec le personnage. Eliza Knode travaille sur Charleston Stage depuis deux ans en tant qu'actrice résidente. Je savais que lors de sa première année avec nous, elle serait une excellente Carole et c'est l'une des raisons pour lesquelles nous avons ajouté la série pour sa deuxième saison. Elle a beaucoup lu sur Carole King et regardé des interviews et des performances, mais elle a finalement créé un personnage agréable à regarder et à entendre.

Quels aspects du spectacle vous ont marqué personnellement ou artistiquement ?

J'adore un moment de la scène d'ouverture où Carole parle de sa carrière au public du Carnegie Hall :

« Et tu sais ce qu'il y a de si drôle dans la vie ? Parfois, cela se passe comme vous le souhaitez et parfois non. Et parfois, quand ce n'est pas le cas, on trouve quelque chose de beau. »

Je trouve que c’est vrai dans la vie et en tant que directeur artistique.

Comment avez-vous travaillé avec les acteurs et l'équipe créative pour vous assurer que les performances musicales capturaient l'essence de sa musique ??

Charleston Stage s'est engagé à offrir à de nombreux artistes des postes salariés à temps plein chez nous. Cela inclut le directeur musical Sam Henderson. Sam a noué de merveilleuses relations avec plusieurs des meilleurs musiciens de Charleston et notre orchestre live est donc quelque chose que de nombreux théâtres n'ont pas. Il travaille également sans relâche avec les acteurs pour enseigner non seulement la musique, mais aussi les styles et la finesse qui distinguent chaque groupe.

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MARYBETH CLARK (Directrice artistique et Directrice de Belle : La comédie musicale Carole King)

Marybeth en est à sa vingt-cinquième saison avec Charleston Stage. Elle est née à Pittsburgh, en Pennsylvanie, et a grandi à Tolland, dans le Connecticut. Marybeth est diplômée en théâtre/performance de l'Université de Floride du Sud et a participé à son premier spectacle dans un théâtre Equity à l'âge de 18 ans à Tampa. Elle a travaillé comme actrice dans des théâtres professionnels du Sud-Est pendant dix ans avant de s'installer à Charleston en 1994 avec son mari, l'acteur Victor Clark. Elle était membre de la faculté de théâtre de la School of the Arts du comté de Charleston pour les collégiens et lycéens. Bien qu'elle ait déménagé à Charleston avec l'intention de « prendre sa retraite » du théâtre et de fonder une famille, elle a enseigné et réalisé pour Charleston Stage à temps partiel à partir de 1997, avant de rejoindre la compagnie à temps plein l'année suivante.

Elle et Vic sont les fiers parents de 2 filles, Lila et Prentice. Lila a récemment obtenu son diplôme de l'Université Drew et se prépare au programme de doctorat au MUSC et Prentice enseigne aux étudiants ayant des besoins spéciaux au Washington Center de Greenville, Caroline du Sud. Marybeth et Vic n'ont pas de nid vide mais partagent leur maison avec la mère de Marybeth et de nombreux chiens et chats adoptés.

Au cours de son séjour à Charleston Stage, elle a dirigé plus de 70 spectacles, parmi lesquels les favoris : Bottes coquines, de souris et d'hommes, Mamma Mia ! ainsi que Elfe la comédie musicale. Elle a commencé le programme Resident Professional Acting dès sa deuxième année au sein de la compagnie et continue d'embaucher, de former et de superviser nos jeunes acteurs professionnels.

En tant qu'acteur pour Charleston Stage, Marybeth est apparue dans Shakespeare amoureux, Hélium, Vous ne pouvez pas l'emporter avec vous, Le mariage de Bette et Boo, Steel Magnolias, Un chant de Noël et plus récemment en tant que Madame Arcati dans Blithe Spirit.

Comment avez-vous abordé la conception du décor de « Beautiful : The Carole King Musical » afin de capturer l'essence de l'époque et de la vie de Carole King ?

C'est la deuxième fois que je conçois ce spectacle au cours de la dernière année, donc je connais très bien le matériau. Pour cette version, je voulais vraiment me concentrer sur la création d'un environnement global dans lequel Carole et les autres personnages se sentiraient à l'aise. La scène du Dock Street Theatre est petite, avec peu d'espace dans les ailes. Ainsi, la création d’un environnement qui peut se transformer rapidement a vraiment motivé la conception plus que toute autre chose.

Quelles recherches avez-vous menées pour vous assurer que la scénographie reflète fidèlement la période et les lieux représentés dans la comédie musicale ?

J'ai commencé avec des tonnes de recherches visuelles. Parcourir des livres de design pour déterminer la période, puis passer à la recherche en ligne. J'ai extrait des images qui soutenaient en quelque sorte les visuels que je voyais dans ma tête et j'ai commencé à construire le monde à partir de là. Heureusement, la période moderne du milieu du siècle est facile à rechercher, car il s’agit encore d’un style couramment utilisé aujourd’hui. 

L'histoire de Carole King implique différents lieux emblématiques, des studios d'enregistrement aux salles de concert. Comment avez-vous recréé ces espaces sur scène tout en conservant un style visuel cohérent ?

C'est un grand spectacle pour ce lieu ! Nous nous rendons dans de nombreux endroits tout au long et en succession rapide. Mon travail en tant que designer consiste donc toujours à m'assurer que tout se déroule de manière transparente d'une scène à l'autre. Après avoir connu tous les lieux, j'ai commencé à réfléchir et à planifier tous les éléments scéniques nécessaires à chaque scène. J'ai ensuite pris toutes ces informations et j'ai commencé à jouer avec la façon dont tout cela fonctionnait dans le cadre scénique que j'avais établi auparavant. Pour cette conception, l’éclairage joue un rôle crucial en nous aidant à établir des changements de lieux. Il y a des colonnes bordées de LED qui peuvent nous aider à changer rapidement la couleur de l'ensemble. Avec quelques transitions supplémentaires sur les décors, nous pourrions facilement nous déplacer vers différents endroits. Bien sûr, tout doit être « chorégraphié » d’une manière ou d’une autre. Et c’est ce que nous avons travaillé pendant la technologie ! Cette conception comporte également de nombreux paysages volants et des panneaux qui nous aident à indiquer l'emplacement.

Pouvez-vous nous parler des défis spécifiques que vous avez rencontrés lors de la conception du décor de « Beautiful » et de la manière dont vous les avez surmontés ?

Oui, c'est un grand spectacle pour la scène de Dock Street. Et nous n’avons pas le luxe de l’automatisation de la scène, sur laquelle s’est appuyée et largement utilisée la conception de Broadway. Le plus grand défi était de savoir comment faire en sorte que tout s'adapte, tout en conservant suffisamment d'espace dans les coulisses pour que toutes les pièces du décor puissent vivre. Il s’agissait essentiellement d’un très gros puzzle. J'ai passé de nombreuses heures assis et travaillé avec le plan au sol, déplaçant et redimensionnant simplement les éléments jusqu'à ce que tout ce dont nous avions besoin soit adapté. C'était un défi, mais nous avons réussi à le faire fonctionner !

La musique de Carole King a une qualité profondément personnelle. Comment avez-vous intégré des éléments de sa personnalité et de son parcours dans la scénographie ?

L'ensemble se concentre sur l'endroit où Carole a fait ses débuts dans l'industrie, 1650 Broadway. J'espère que nous pourrons encore amplifier son humeur et son amour pour la musique grâce à l'utilisation de la couleur. Il y a des moments où ses chansons sont pleines de joie et où l'éclairage est lumineux et amusant. En revanche, il y a des moments où ses chansons sont plus sincères et où l'on peut réduire la saturation et l'intensité de l'éclairage en conséquence.

Le décor sert souvent de décor aux performances musicales. Comment avez-vous veillé à ce que la scénographie complète et améliore les numéros musicaux ?

Pour ces moments, des décors supplémentaires arrivent pour nous aider à créer ces visuels. Certaines parties de l'ensemble sont toujours utilisées, mais elles contiennent de petites astuces et des choses cachées qui nous permettent de transformer ces pièces et d'ajouter un peu d'éclat aux scènes qui le nécessitent. 

Qu'espérez-vous que le public retienne avec lui après avoir vu la production de « Beautiful » de Charleston Stage et expérimenté vos merveilleuses créations sur scène ?

J'espère que le public repartira en ressentant toute la joie, l'amour et la passion que Carole avait pour la musique et la narration à travers la chanson ! Comme pour tout design, mon objectif principal était simplement de soutenir l’histoire. Si le public repart avec le sourire et en fredonnant sa chanson préférée, alors je considère que c'est du travail bien fait !

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SETH HOWARD (Scénariste invité)
Seth est un scénographe indépendant basé à St. Louis, MO. Il a conçu de nombreuses productions régionales et expériences thématiques à travers le pays. Certains de ses crédits de conception incluent Ecole du rock ainsi que Ragtime (Théâtre pour enfants Columbus); La montagne ainsi que Piège mortel (Scène et écran Constellation); Jersey Boys ainsi que Venir de loin (Théâtre Aspen); Une fois sur cette île (Scène Charleston); Cendrillon ainsi que Le Wiz Jr. (Le Théâtre pour enfants de Cincinnati) ; Meilleur chien/Un outsider (Œuvres dramatiques de Palm Beach) ; La famille Addams ainsi que Magnifique : la comédie musicale de Carole King (Théâtre du lycée Arrow Rock). Découvrez @sethhowarddesigns sur les réseaux sociaux. www.sethhowarddesigns.com

Un souvenir d'enfance caché sur le tournage de Le voyage à Bountiful
Par Julian Wiles, réalisateur et co-scénariste

Mise en scène de  Le voyage à Bountiful m'a rappelé beaucoup de souvenirs. Comme Mme Watts, 87 ans, personnage central de la pièce, je suis moi-même issu d'une longue lignée d'agriculteurs. Mes grands-parents étaient agriculteurs et, comme la maison d'enfance de Mme Watt, leur maison est tombée en ruine et finalement en ruine lorsque grand-mère et grand-père ont emménagé dans une toute nouvelle maison que mes parents leur ont construite quand ils avaient 80 ans. C'était juste en bas de la rue de la maison en bois de deux chambres où ils avaient élevé cinq enfants, dont ma mère. Ils l’ont fait au milieu de la grande dépression et, même s’ils vivaient dans des conditions modestes, ma mère a dit qu’ils n’avaient jamais été dans le besoin. En tant qu'agriculteurs, ils avaient du lait frais de leurs vaches, des légumes de leur immense jardin et la chaleur et l'amour les uns des autres pour les nourrir.
 
Ma mère et mon père étaient également agriculteurs. Ils ont acheté leur ferme et leur ferme de 1913 dans le comté rural de Calhoun où j'ai grandi le jour où ils m'ont ramené de l'hôpital. En tant que garçon de ferme, l'un de mes premiers jouets était un tracteur John Deere en fonte jaune et vert vif que mon père m'avait acheté. J'ai labouré beaucoup d'acres imaginaires avec ce petit tracteur et je me souviens avoir emmené mes chiens et mes chats faire des promenades dans les basses-cours, dans le petit chariot que je tirais derrière mon tracteur.
 
Quand Adam Jehle et moi avons commencé à travailler sur les décors de Le voyage à Bountiful, en particulier la maison de Mme Watt, je cherchais un moyen d'ébranler la mémoire du fils de Mme Watt, Ludie, et de lui rappeler son enfance passée jouant devant l'ancienne ferme de ses grands-parents. Ainsi, lorsque j'ai visité notre ferme familiale il y a quelques semaines, je suis tombé sur mon tracteur John Deere en jouet. Je l'ai trouvé poussiéreux et abandonné dans un vieux hangar et je me suis dit que les souvenirs qu'il me rappelle pourraient bien être similaires à ceux que Ludie ressentirait s'il retrouvait son propre jouet d'enfance. J'ai ramené mon petit tracteur à Dock Street et je l'ai placé sur scène dans la scène finale. Bien que ce témoignage spécial de ma propre enfance ne soit qu’un petit élément de la scénographie globale, il représente le genre d’éléments magiques spéciaux que les scénographes recherchent pour aider à raconter une histoire et lui donner une signification particulière. Vous pouvez apercevoir mon tracteur dans la scène finale de Le voyage à Bountiful. Comme Mme Watts et son fils Ludie, mon petit tracteur a retrouvé le chemin de la maison.

Performances de Le voyage à Bountiful continuez du 7 au 17 mars au Historic Dock Street Theatre. Pour les billets, visitez CharlestonStage.com.

Dramaturge, metteur en scène, concepteur et éducateur, Julian Wiles, a fondé Charleston Stage en 1978 et a dirigé la compagnie pendant 45 saisons jusqu'à sa retraite en 2023.
 
Wiles a grandi dans une ferme à Fort Motte, en Caroline du Sud, et a étudié l'histoire et le théâtre au College of Charleston (BA 1974). Il a déménagé en Caroline du Nord pour poursuivre des études supérieures en conception de théâtre et a obtenu une maîtrise en art dramatique de l'Université de Caroline du Nord à Chapel Hill en 1976. Il est retourné à Charleston et a fondé en 1978 Charleston Stage, la compagnie résidente du Historic Dock Street Theatre. , le premier théâtre américain. Sous la direction de Wiles, Charleston Stage est devenue l'une des institutions des arts du spectacle les plus importantes et les plus respectées de la région, produisant plus de 120 représentations professionnelles par an et comprenant un vaste programme éducatif touchant plus de 25,000 XNUMX jeunes chaque année.
 
Au cours de ses 45 années de mandat en tant que fondateur et directeur artistique, Wiles a conçu, réalisé et produit plus de 300 pièces de théâtre et comédies musicales pour Charleston Stage. Il a écrit 34 pièces originales, comédies musicales et adaptations scéniques, dont huit sont publiées par The Dramatic Publishing Company. Beaucoup de ses œuvres originales, comme Le siège de la justice, Gershwin at Folly, Under the Sweetgrass Moon, Danemark Vesey, Insurrectionainsi que JFK et Inga Binga célébrer le riche patrimoine culturel et historique du Lowcountry. Plus de 100 productions des œuvres publiées de Wiles ont été jouées aux États-Unis et dans le monde.
 
Wiles a reçu le National Youth Theatre Director's Award en 1988, le NAACP Special Recognition Award de Charleston en 2004, le South Carolina Governor's Award for the Arts en 2010 et a été intronisé au Temple de la renommée de la SC Theatre Association en 2018. En 2021, il a reçu le prix des anciens élèves distingués de l'Université de Caroline du Nord.
 
En avril 2024, Wiles sera intronisé membre du College of Fellows of the American Theatre. L'investiture des nouveaux membres se déroule sous les auspices du Département d'éducation du John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington, DC. L'adhésion au College of Fellows of the American Theatre est l'une des plus hautes distinctions accordées aux éducateurs et aux professionnels du théâtre. La communauté éducative et théâtrale américaine.
 
Pour plus d'informations sur ses œuvres originales, visitez julianwiles.com.

Chers amis,

Je suis ravi d'être de retour sur la scène Charleton en tant que réalisateur invité pour Le voyage à Bountiful, une de mes pièces préférées. Même si je pense que tout le monde connaît des drames aussi connus et émouvants que Pour tuer un oiseau moqueur, le faiseur de miracles, ainsi que Le son de la musique, le Théâtre américain regorge de trésors cachés, de pièces étonnantes dont les titres sont moins connus. Le voyage à Bountiful est certainement l'un de ces merveilleux joyaux cachés, bien qu'il ait remporté de nombreux Tony, Emmy et Academy Awards au fil des ans. La Voyage à Abondance est certainement un spectacle à ne pas manquer.

Et le personnage principal fougueux de 80 ans et plus, Mme Carrie Watts, est l'un des grands rôles du théâtre américain. Des acteurs primés tels que Geraldine Page et Cecily Tyson ont été acclamés pour ce rôle et ici, à Charleston Stage, nous avons la merveilleuse actrice vétéran de 84 ans, Samille Basler, dans ce rôle principal. Vous vous souviendrez de Samille grâce à des rôles si mémorables dans mes pièces Hélium ainsi que Gershwin at Folie, apporter des rires éclatants à des comédies mémorables telles que Vous ne pouvez pas l'emporter avec vous ainsi que  Esprit joyeux, et émouvant le public avec ses performances puissantes La verrerie ainsi que  Tuer un oiseau moqueur. La performance de Samille de Mme Carrie Watts dans Le voyage à Bountiful est un à ne pas manquer.

Je vous invite à acheter vos billets dès aujourd'hui pour cette merveilleuse pièce du dramaturge lauréat du prix Pulitzer, Horton Foote, surtout connu pour ses scénarios primés aux Oscars pour Tuer un oiseau moqueur ainsi que  Tendres Miséricordes.

C'est une joie de revenir une fois de plus dans mon fauteuil de metteur en scène, rejoignant Samille et ses formidables casemates alors qu'ils amènent pour la première fois ce joyau caché primé sur la scène du Dock Street Theatre.

Achetez ces billets aujourd'hui !

J'espère vous voir au théâtre !

Julian Wiles, fondateur et directeur émérite

By HORTON PIED
Direction par JULIEN WILES 

Commanditaires associés:
Fonds de la famille Hewitt de la Coastal Community Foundation of SC
Dr Del et Linda Schutte

Suivez Mama Watts, 80 ans, alors qu'elle se lance dans l'aventure de sa vie, déterminée à fuir l'appartement urbain exigu de son fils et sa belle-fille contrôlante et à retourner une dernière fois dans sa ville natale de Bountiful, au Texas. Mais que fera-t-elle lorsqu'elle se retrouvera coincée dans une gare au milieu de la nuit et découvrira que le dernier habitant de Bountiful, au Texas, est décédé il y a deux jours ? Regardez Mme Watts s'appuyer sur de nouveaux amis, de bons souvenirs et sa foi inébranlable pour chanter et danser pour traverser des temps difficiles. Ce classique sincère primé aux Tony Awards de Horton Foote, auteur du scénario primé Tuer un oiseau moqueur, pose les questions séculaires ; qu'est-ce que la maison, et pourras-tu vraiment rentrer chez toi un jour ?

Les représentations auront lieu du 28 février au 17 mars. Pour les billets, visitez CharlestonStage.com.

Par Heather Rose Artushin • Parent des basses terres

En passant devant l'historique Dock Street Theatre du centre-ville de Charleston, ce n'est un secret pour personne que les murs vieux de 215 ans abritent des souvenirs de représentations à guichets fermés des années passées, pour la plupart données par les acteurs résidents de Charleston Stage.

Mais ce que le théâtre ne peut pas contenir, c'est la programmation éducative communautaire que Charleston Stage est fier d'offrir aux enfants du Lowcountry.

Marybeth Clark, directrice artistique de Charleston Stage, a commencé son travail au sein de l'organisation il y a 25 ans en tant que directrice de l'éducation. « Je suis vraiment venue pour bâtir le programme d’éducation », a-t-elle déclaré. "Je pense que le plus grand impact que j'ai eu est ce qui est maintenant notre programme d'acteurs résidents."

Charleston Stage embauche de jeunes acteurs âgés de 22 à 28 ans diplômés en théâtre d'universités de tout le pays. Les 10 résidents sélectionnés passent un an à Charleston et travaillent à plein temps avec Charleston Stage, jouant et enseignant à la jeunesse locale. Les résidents suivent une formation d'enseignant et reçoivent des plans de cours structurés pour offrir les meilleures opportunités éducatives aux enfants de la communauté.

« Surtout pendant l'année scolaire, nous sommes très axés sur les processus », a déclaré Clark. « Au printemps, nous nous concentrons davantage sur les compétences et il y a un jour où tout le monde joue. Si vous suivez des cours avec nous, nous avons des classes de niveau supérieur appelées troupe, et ce sont les enfants que nous autorisons à auditionner pour des spectacles lorsque cela est approprié. Ils doivent fonctionner comme des adultes dans une série.

Tous les enfants ne sont pas des acteurs en herbe, et peu importe où la vie les mène, les compétences qu'ils acquièrent grâce à leur expérience avec Charleston Stage sont inestimables.

« Il s'agit pour les enfants de disposer d'un espace sûr où ils peuvent apprendre à partager leurs pensées, leurs émotions et leurs histoires », a expliqué Clark. « Ils apprennent également à recevoir les pensées, les émotions et les histoires d'une autre personne, même si elles sont différentes d'elles. Et c’est ça l’art : communiquer des idées et des sentiments et être capable de les recevoir.

Les compétences interpersonnelles, la conscience de soi et les compétences organisationnelles figurent en tête de liste des leçons de vie que les étudiants ont apprises grâce aux programmes éducatifs de Charleston Stage.

Les inscriptions aux cours d'été de Charleston Stage s'ouvrent en février et se rempliront certainement rapidement. « J'ai plus de 200 enfants par semaine qui suivent des cours ici pendant l'année scolaire normale », a expliqué Clark. "Nous avons de belles installations à West Ashley, le même studio où nous répétons nos spectacles sur scène principale et où nous donnons les cours."

Les étudiants peuvent passer les deux derniers jours du camp d'une semaine à assister à une répétition sur scène et à une représentation finale au Pearl, un théâtre de 130 places à West Ashley.

Pendant la pandémie, Clark et son équipe ont profité de l’occasion pour réfléchir à leurs programmes éducatifs et à la manière d’atteindre davantage d’enfants dans la communauté.

« Nous avons toujours eu des bourses pour que les finances ne soient pas un obstacle », a-t-elle déclaré. «C'était un peu privilégié de ma part. L'obstacle est le temps, le transport et l'engagement familial. Ils n'ont peut-être même pas de voiture et ne peuvent pas quitter leur travail pour emmener leur enfant à un cours à 4 heures, même si c'est gratuit.

Ainsi, Charleston Stage a commencé à placer des enseignants dans certaines écoles Title I du district scolaire du comté de Charleston pour offrir les mêmes cours pendant les programmes parascolaires déjà existants. Lorsque certains enfants ont exprimé leur curiosité pour le studio de West Ashley, Charleston Stage a rassemblé des fonds pour fournir un bus pour amener les enfants aux cours du week-end au studio et les ramener à un emplacement central.

Clark a déclaré que dans certaines situations, les enseignants et les parents reçoivent des billets pour prendre le bus jusqu'au théâtre pour voir une production et leurs enfants se produisent sur scène.

La troupe de théâtre locale a l'intention de s'assurer de faire appel à une distribution diversifiée d'acteurs résidents pour représenter tous les enfants du public et de la classe.

"Lorsque nous choisissons le casting, je suis très soucieux de trouver des acteurs qui reflèteront certains des enfants à qui ils enseigneront", a déclaré Clark. « L'un de nos professeurs est allé dans une école et il est afro-américain. Un garçon a dit : « Nos cheveux sont assortis ! » Ils ne savaient pas ce qu'était le théâtre, mais ils ont commencé à travailler ensemble et en sont tombés amoureux.

Lorsque vous verrez le Dock Street Theatre lors de votre prochaine promenade dans le centre-ville, n'oubliez pas qu'il est plus qu'un bâtiment historique : il abrite une organisation engagée à élever les enfants de Charleston à travers les arts.

« Notre fondateur, qui a pris sa retraite l'année dernière, a lancé la compagnie en tant que théâtre pour la jeunesse, axé sur l'éducation, et nous n'avons jamais abandonné cette mission », a conclu Clark.

Visiter charlestonstage.com pour en savoir plus sur les programmes éducatifs de Charleston Stage.

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Ravi de renouer avec Aline Toloto, le génie créatif derrière les accessoires enchanteurs de notre production de A CHRISTMAS CAROL. Ses compétences exceptionnelles brillent une fois de plus au Dock Street Theatre, vous offrant un aperçu exclusif du talent artistique derrière les accessoires de ce classique intemporel de Dickens.

1) Qu'est-ce qui vous a inspiré à travailler sur la conception des accessoires pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et à l'atmosphère de cette histoire classique ?

Le design coloré et riche des décors et des costumes a été une source d’inspiration importante pour le monde des accessoires. J'adore UN CHANT DE NOËL ! Ma première rencontre avec l'histoire s'est faite à travers le film quand j'étais enfant. Le rappel que la vie est trop courte et qu’en fin de compte, ce qui compte vraiment, ce sont les personnes et les relations que vous avez pu cultiver tout au long de la vie est un message qui ne vieillira jamais.

2) Les accessoires sont essentiels pour créer un monde crédible sur scène. Comment avez-vous abordé la recherche et recueilli l’inspiration pour vous assurer que les accessoires de A CHRISTMAS CAROL étaient authentiques par rapport à l’époque et au décor ?

Heureusement, de nos jours, la recherche est beaucoup plus accessible qu'auparavant, ce qui permet de réduire les contraintes de temps occasionnelles que nous rencontrons lorsque nous produisons plusieurs productions simultanément dans l'atelier. Mon processus de recherche comporte trois étapes. Dans un premier temps, je me penche sur la recherche historique, couvrant généralement non seulement l’année cible mais également les décennies qui la précèdent. Ma deuxième étape consiste à examiner les accessoires de cinéma et ceux d’autres productions. Je trouve cela précieux car cela permet au public de se connecter à l’histoire à un niveau différent, en s’appuyant sur des expériences qu’il a pu vivre auparavant. La dernière étape consiste à utiliser mon intuition en matière de conception pour trouver un équilibre entre l'exactitude historique et ce qui complétera esthétiquement la production globale.

Regardez la bande-annonce de A CHRISTMAS CAROL ci-dessous !

3) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous nous expliquer comment vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour vous assurer que les accessoires correspondent à la vision globale de la production ?

Absolument, la collaboration est la clé d’une production théâtrale réussie. J'ai eu une excellente collaboration avec le scénographe, par exemple, pour renforcer le lien entre le décor de la chambre de Scrooge et les meubles qui occuperaient cet espace : le lit et le fauteuil. Nous avons discuté de la palette de couleurs, sélectionné des échantillons de tissus et engagé de nombreux allers-retours, intégrant les costumes et l'éclairage dans la discussion pour garantir que chaque élément de conception serait cohérent.

4) Étant donné qu'UN CHANT DE NOËL est un classique des fêtes, avez-vous incorporé des accessoires sur le thème des fêtes pour rehausser l'atmosphère festive de la production ? Pouvez-vous donner des exemples ?

Dans notre approche de la production, nous avons insufflé la magie des fêtes dans divers meubles et accessoires. Bien qu’ils ne soient pas strictement historiques, ces détails visaient à capturer l’essence de Noël qui résonne auprès du public. Nous avons profité de chaque occasion pour décorer les espaces avec des éléments festifs, qu'il s'agisse d'ajouter une touche de nœuds rouges et dorés ou d'incorporer des lumières de Noël. Chaque coin disponible a été utilisé pour insuffler un thème de vacances tout au long de la production.  

5) L’attention portée aux détails est cruciale dans la conception des accessoires. Y avait-il des accessoires spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL qui nécessitaient une attention particulière aux détails pour garantir l’exactitude historique ou la signification thématique ?

Absolument! Un exemple notable est le fauteuil utilisé dans la chambre de Scrooge. L'accessoire a exigé un dévouement considérable de la part de l'équipe, nécessitant des jours d'ajustements pour garantir son bon fonctionnement. Même si je ne veux pas trop en dire pour préserver la magie, je peux vous assurer qu'une fois que le public le verra, il comprendra la signification particulière de cet accessoire. Cela souligne la conviction que consacrer du temps et de l’attention, même aux moments les plus brefs sur scène, en vaut toujours la peine.

6) Avez-vous des créations d'accessoires préférées dans A CHRISTMAS CAROL dont vous êtes particulièrement fier ou qui se démarquent comme étant mémorables ?

Mon accessoire préféré doit être le cheval pommelé qui accompagne le chariot à jouets. Le processus de création a été assez difficile et j'ai collaboré étroitement avec Prop Artisan, 
Hailee Selby. Le résultat final a été incroyablement gratifiant : avoir un cheval pommelé magnifique et intemporel qui se démarque vraiment.

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 14 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

Originaire du Brésil, Aline est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts en théâtre et technologie avec spécialisation en conception scénique de l'Université du sud du Mississippi. Forte d'une vaste expérience en tant que accessoiriste, scénographe et décoratrice de décors, les faits saillants de la carrière d'Aline incluent son rôle de superviseure des propriétés pour la 45e saison de Charleston Stage, supervisant huit spectacles captivants, dont La Famille Addams, Un chant de Noël, ainsi que Une fois sur cette île. Elle est ravie de continuer à travailler dans l'entreprise l'année prochaine.

Dans une interview exclusive, nous avons rencontré Caleb S. Garner, le cerveau derrière la conception d'éclairage captivante du Dock Street Theatre pour notre dernière interprétation de A CHRISTMAS CAROL. Explorez les subtilités de son approche artistique alors qu'il illumine la magie de ce classique intemporel des fêtes !

1) Qu'est-ce qui vous a poussé à travailler sur la conception d'éclairage pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et à l'atmosphère de cette histoire classique ?

UN CHANT DE NOEL fait partie de ma vie depuis aussi longtemps que je me souvienne. C’était une tradition de Noël pour ma famille, comme pour tant d’autres. Mon adaptation cinématographique préférée est en fait la version de 1984 de George C. Scott dans le rôle de Scrooge. J'aime la façon dont cette adaptation utilise la lumière pour passer du naturel au surnaturel, du passé, du présent et du futur. Christmas Past avait une qualité brumeuse et onirique. Le cadeau de Noël était parfois brillant et joyeux, parfois austère et sérieux. Noël Future était sombre et enfumé. Je suis toujours fasciné par la capacité de cette adaptation à raconter une belle histoire à travers la lumière, et je suis très excité de pouvoir apporter ma propre touche à cette superbe narration. 

En tant que musicien d'église, j'ai passé beaucoup de temps avec des textes sur la période de l'Avent et de Noël. Une leçon qui m’a toujours marqué est que cette saison n’est pas seulement une question de naissance, mais aussi de rédemption. Il est facile d'oublier qu'UN CHANT DE NOËL n'est pas seulement « un vieil homme grincheux qui a peur des fantômes et qui adore Noël maintenant ». Scrooge est un personnage complexe. Je pense que notre production fait un excellent travail en montrant comment il s'est adapté au cours de sa vie et comment renouer avec son passé lui permet de se réapproprier son avenir. L’histoire me rappelle un poème du théologien américain et leader des droits civiques Howard Thurman, intitulé « L’œuvre de Noël ». Son idée du « travail » de Noël sont les leçons que Scrooge réapprend afin d'ouvrir à nouveau son cœur et son amour.

Quand le chant des anges s'est tu,

Quand l'étoile dans le ciel est partie,

Quand les rois et les princes sont à la maison,

Quand les bergers sont de retour avec leurs troupeaux,

Les travaux de Noël commencent :

      Pour retrouver les perdus,

      Pour guérir les brisés,

      Pour nourrir les affamés,

      Pour libérer le prisonnier,

      Pour reconstruire les nations,

      Pour apporter la paix au peuple,

      Faire de la musique dans le coeur.

C'est cette production de A CHRISTMAS CAROL: faire de la musique dans le coeur. Je suis très heureux de partager ce cadeau de Noël avec vous tous. 

2) L’éclairage joue un rôle crucial dans la création de l’ambiance d’une production. Comment avez-vous abordé la création d’une conception d’éclairage qui complète le récit et renforce l’impact émotionnel d’un CHANT DE NOËL ?

Lorsque nous nous sommes rencontrés pour la première fois en 2022 pour discuter de cette réinvention majeure de la production, le dramaturge Julian Wiles a parlé du besoin de dynamisme, de couleur et de plaisir. Nous ne voulions pas avoir une production qui dise : « C'est le monde de Scrooge, et tout est triste, sombre et vide. » Nous voulions une production qui montre au public toute la joie, la compassion et l'amour qui manquaient à Scrooge. 

Il est très facile de se concentrer sur Scrooge et les fantômes et de réaliser une production sombre et effrayante. Et j'utilise un éclairage sombre avec des bleus intenses et des ombres profondes pour rendre les fantômes intenses et percutants, mais j'essaie aussi de conserver l'esprit coloré de la production en utilisant des turquoises, des magentas profonds et des lavandes pour donner aux fantômes un sentiment de mystère sans c'est sombre et déprimant. J'ai vraiment adoré ce tableau intitulé « Purple Energies » du peintre suisse Fabien Bruttin comme source d'inspiration pour les fantômes – en particulier Marley et Christmas Future.

Il était également important de conserver le sentiment de fête tout au long de la pièce. Je ne voulais pas que chaque scène ressemble à « Londres la nuit ». Je voulais un peu de variété et des couleurs plus vives, j'ai donc choisi des roses-lavandes, des bleus clairs, des oranges et des verts pour rendre le monde festif et nouveau. Il était important pour Julian, Sam et moi d’éviter que la production ressemble à une carte de Noël victorienne. Bien qu’ils aient beaucoup de couleurs, ils étaient souvent décolorés, très rouges et un peu trop démodés. Nous voulions de la fantaisie et une large gamme de couleurs. Je me suis inspiré de cette photo de Covent Garden. Voyez si vous pouvez repérer certaines de ces couleurs provenant des lumières tout en regardant ! 

3) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous partager un aperçu de la manière dont vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour garantir que la conception de l'éclairage correspond à la vision globale de la production ?

Toute l'équipe de conception se réunit des mois à l'avance pour établir et affiner notre univers de la pièce afin que le public obtienne un produit final unifié. Nous passons beaucoup de temps à parler, à rechercher, à dessiner et à partager afin que nous soyons tous sur la même longueur d'onde concernant la vision de la production. Nous l'avons fait A Christmas Carol la saison dernière, mais ce n'était pas aussi simple que de le sortir d'une boîte et de le remettre sur scène. La production de la saison 45 était fantastique, mais chaque domaine de conception comportait plusieurs choses que nous pouvions améliorer. Cela comprenait des éléments tels que le placement des décors, de nouveaux meubles et accessoires, de nouveaux éléments de costumes et de nouveaux tours de magie.

Une nouvelle saison donne également de nouveaux acteurs à Charleston Stage, ce qui signifie que les personnes ayant des types de corps, des corpulences et des tons de peau différents ont dû modifier les costumes existants et de nouvelles couleurs d'éclairage qui mettaient le mieux en valeur leur peau. Même si beaucoup de choses sont similaires cette année, beaucoup de choses sont également très différentes. Mon mentor éclairagiste, Craig Dettman, disait « même chanson, couplet différent ».

Cette production comporte de nombreux « trucs » associés aux fantômes et à leur magie, et ils nécessitent tous une coordination minutieuse avec les autres éléments de conception et la direction pour être exécutés correctement. La pierre tombale de Scrooge dans la séquence du cimetière est l'un de mes exemples préférés. Lorsque Scrooge arrive pour la première fois au cimetière, il ne se rend pas compte qu'il se tient sur sa propre tombe ; la pierre tombale devant lui est vierge. Une coordination minutieuse entre la direction, le paysage et les lumières nous a permis de révéler comme par magie le mot « SCROOGE » sur la pierre. Des sons supplémentaires, du brouillard et une magnifique coordination des couleurs des costumes contribuent à créer l'image incroyablement puissante de Scrooge réalisant son destin. 

Maintenant que je suis à Charleston Stage depuis plusieurs années, j'ai développé une excellente relation et une sorte de langage sténographique avec les autres membres du personnel. Nous sommes régulièrement sur la même longueur d'onde et j'apprécie beaucoup nos échanges et nos collaborations. 

4) UN CHANT DE NOËL comporte des moments à la fois d’obscurité et de lumière. Comment avez-vous équilibré l’utilisation de la lumière et de l’ombre pour transmettre les différentes ambiances et thèmes tout au long de la production ?

Je m'assure toujours que l'éclairage répond à plusieurs facteurs différents dans chaque scène : visibilité, ambiance, révélation de la forme, ponctuation et narration. 

La visibilité consiste simplement à placer la lumière là où vous la souhaitez et à la supprimer là où vous n'en avez pas besoin. L'ambiance est la façon dont la lumière utilise les couleurs, l'angle et les textures pour afficher des émotions ou une atmosphère. Il y a toujours un délicat équilibre entre l’humeur et la visibilité, car souvent trop de l’un peut nuire à l’autre. Si la lumière est trop sombre, le public a du mal à comprendre l’action sur scène, mais s’il peut tout voir sur scène, l’atmosphère de la scène est compromise.

La révélation de la forme est la façon dont nous éclairons les figures et les objets sur scène, nous donnant ainsi une dimensionnalité. La façon dont nous révélons les personnages sur scène nous aide également à établir une visibilité et une ambiance. Par exemple, j’éclaire l’ensemble chantant « Joy To The World » d’une manière totalement différente de celle que j’éclaire le Ghost of Christmas Future. 

Chaque phrase a une forme de ponctuation. La façon dont nous éclairons la fin d’une phrase sur scène est tout aussi importante que la façon dont la phrase se termine sur le papier. Lorsque Marley quitte Scrooge, la dernière ligne de la scène se termine par un point d'exclamation – l'éclairage doit absolument faire la même chose. Nous ne voulons pas ici d’un lent fondu vers le noir ; nous voulons une panne de courant à zéro pour terminer la scène en beauté !  

La narration fait progresser le récit, grâce à l'utilisation des propriétés de la lumière que nous pouvons contrôler. Ces propriétés sont l'intensité, la distribution, l'angle, la couleur, le changement et le mouvement. 

Une considération minutieuse et des combinaisons de ces éléments nous aident à créer des « looks » individuels pour distinguer les différents moments du spectacle. Une grande partie de l’équilibre vient de l’expérience et de l’intuition. Et une super relation avec l'équipe de production !

5) Y a-t-il des scènes ou des moments spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL où vous avez intentionnellement utilisé l'éclairage pour mettre en valeur des éléments ou des émotions clés ? Pouvez-vous partager des exemples de la façon dont l’éclairage améliore la narration ?

L’un de mes moments préférés dans la série est lorsque nous écoutons la chanson « A New Day Dawns ». Cela se produit deux fois dans la série, et chacun constitue un moment majeur dans la vie de Scrooge. 

La première fois que nous écoutons la chanson, un jeune Scrooge voit sa future fiancée, Belle, pour la première fois. Je voulais que le reste du monde fonde pour que nous puissions voir Scrooge tomber instantanément amoureux. Les lumières s'abaissent vers les jeunes Scrooge et Belle pendant qu'elle chante la chanson. La présence des autres invités de la fête se fait toujours sentir car ils sont dans une lumière de couleur plus sombre, avec une forte mise en valeur autour de leurs silhouettes. Cela montre les chiffres généraux, mais limite la visibilité sur les visages afin que le public puisse se concentrer sur le moment du coup de foudre qui se produit en coulisses. Old Scrooge et le Ghost of Christmas Past sont toujours faiblement éclairés, de sorte que le public peut également voir Scrooge renouer avec son humanité. 

Cela se produit une seconde fois dans la dernière partie du deuxième acte. Scrooge se rend chez son neveu Fred pour faire amende honorable et rencontre la femme de Fred, Caroline. Caroline chante « A New Day Dawns » et est dans la même position que Belle. Scrooge et Caroline recréent le moment où les jeunes Scrooge et Belle se rencontrent pour la première fois. L'éclairage a un joli déroulant de la même manière qu'auparavant. C'est un moment vraiment touchant qui montre Scrooge se laissant aimer à nouveau. 

J'espère que l'éclairage montre les moments profondément personnels avec les jeunes Scrooge et Belle, puis Caroline et Scrooge avec les pulldowns serrés. Les lumières s'ouvrent alors pour révéler les autres personnages, montrant qu'ils étaient là pour voir l'arc du personnage de Scrooge. 

6) L'histoire de A CHRISTMAS CAROL s'étend sur différents contextes, du bureau de Scrooge à la maison Cratchit. Comment avez-vous adapté la conception de l’éclairage pour créer des atmosphères distinctes pour chaque lieu ?

Chaque ensemble de personnages possède sa propre palette de couleurs spéciale. La scénographe Susan Crabtree et moi avons travaillé en étroite collaboration avec la costumière Janine McCabe pour nous assurer que chaque lieu avait sa propre identité de couleur particulière dans les costumes, les décors et la conception de l'éclairage. 

Un bon exemple peut être vu dans la famille Cratchit et sa maison. Nous avons choisi une palette de couleurs violet/lavande pour donner aux Cratchit leurs propres traits identifiables en tant qu'unité familiale. Le décor a des éléments de couleurs en toile de fond, et chaque personnage a ses couleurs dans les costumes. J'éclaire la scène avec du bleu et des lavandes pour pouvoir contribuer à rendre les couleurs des costumes et des décors vraiment éclatantes.

Soyez à l’affût des différentes combinaisons de couleurs du spectacle ! Chaque lieu et chaque famille a sa propre collection spéciale de couleurs !

7) Avez-vous des effets d'éclairage ou des techniques d'éclairage préférés utilisés dans UN CHANT DE NOËL dont vous êtes particulièrement fier ou qui se démarquent comme étant mémorables ?

Chaque année, j'essaie d'incorporer quelques nouveaux éléments dans la production pour la rendre encore plus intéressante. Cette année marque le lancement de deux toutes nouvelles machines à brouillard. Vous ne les verrez jamais, mais vous verrez absolument le brouillard ! Ceux-ci sont appelés brumisateurs à ultrasons et ils obtiennent le même effet que le brouillard de glace carbonique sans avoir besoin de glace carbonique et de 350 livres d’eau. Ces brumisateurs utilisent une membrane ultrasonique qui vibre rapidement à grande vitesse dans un réservoir d'eau. L'eau est agitée en gouttelettes individuelles d'une taille d'environ 3 à 5 microns, se vaporisant dans l'air pour former un épais brouillard. C'est très scientifique et c'est très cool. Il y a de fortes chances que vous ayez déjà cette technologie chez vous. Si vous possédez un « humidificateur à brume fraîche », vous disposez de la même technologie ultrasonique à plus petite échelle !

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 7 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner est un concepteur d'éclairage et de son basé à Charleston, en Caroline du Sud. Originaire de Caroline du Nord, Caleb a obtenu son baccalauréat et son baccalauréat en beaux-arts du Catawba College de Salisbury en Caroline du Nord, ainsi que sa maîtrise en beaux-arts de l'université du sud du Mississippi. Les créations de Garner, allant des concerts aux ballets en passant par les comédies musicales et les pièces de théâtre, lui ont valu huit prix de design régionaux et nationaux. Caleb a été un designer vedette de New York au Mississippi, créant dans le Nord-Est, le Midwest, la Côte Est et le Sud profond. Caleb aime transformer de gros morceaux de bois en petits morceaux de bois (parfois appelés à tort meubles), crier avec les élèves (souvent reconnu comme un enseignement) et jouer avec des objets qui étincellent et fument. Caleb est actuellement concepteur d'éclairage résident à la Charleston Stage Company et maître de conférences adjoint au College of Charleston.

Explorez les détails complexes de l'approche artistique de K'nique Eichelberger en tant que chorégraphe de A CHRISTMAS CAROL dans cette interview spéciale. Préparez-vous pour une autre saison d'excitation alors que le travail exceptionnel de K'nique occupe le devant de la scène, devenant une fois de plus un point culminant majeur dans l'adaptation de cette année du classique intemporel !

1) UN CHANT DE NOËL est un classique des fêtes. Comment avez-vous abordé l’idée d’insuffler à la chorégraphie l’esprit festif de la saison tout en transmettant les thèmes les plus profonds de l’histoire ?

Noël est une fête où les familles se réunissent pour exprimer leur amour, leur gentillesse et leur joie. Dans ma chorégraphie, vous verrez la joie ou l'excitation dans chaque mouvement. Ce n’est cependant pas votre chorégraphie traditionnelle A CHRISTMAS CAROL. Bien que nous honorions cette période avec la façon dont nous parlons et marchons, il y a un élément contemporain dans les danses auquel les publics plus jeunes et plus âgés peuvent s'identifier. La danse a toujours été pour moi un moyen de communiquer des choses que je ne pouvais pas verbaliser, et cela m'a aidé à m'exprimer de manière créative et personnelle. Je voulais que les mouvements parlent d'eux-mêmes, sans paroles ni chants. Certains mouvements lents peuvent exprimer des sentiments de tristesse ou de mélancolie, tandis que des mouvements vifs et explosifs peuvent exprimer la force et la joie. À travers tous les numéros de danse, vous pouvez voir cela démontré. L’un des thèmes centraux de A CHRISTMAS CAROL est la transformation personnelle et la rédemption. Vous verrez qu'il y a beaucoup de changements de formation dans le premier numéro pour exprimer les nombreux changements que Scrooge subira pendant le spectacle. Le personnage d'Ebenezer Scrooge subit un profond changement, passant d'un homme avare, froid et égoïste à une personne généreuse, chaleureuse et compatissante. Ce sont quelques thèmes de danse que vous verrez au début du spectacle et qui refont surface avec le nouveau Scrooge amélioré.

2) Y a-t-il un aspect particulier de A CHRISTMAS CAROL qui vous touche personnellement ? Comment cette connexion influence-t-elle votre processus créatif ?

Les gens peuvent changer mais vous ne pouvez pas changer les gens. Il faut permettre aux gens de grandir et de voir les choses par eux-mêmes. Le changement survient lorsque la personne comprend comment son attitude se forme et comment elle affecte sa vie. Il s'agit souvent de beaucoup de réflexion et de guérison du passé. Les gens peuvent changer si quelques conditions sont remplies, notamment la conscience de soi et la volonté. Tout au long de l'histoire, Scrooge a la chance de voir quand sa vie a changé et explore pourquoi il est si en colère à l'idée de Noël. Cela a influencé mon processus créatif en me donnant de la grâce chez les autres. Lors des répétitions, j'étais toujours là pour aider et faciliter la tâche des acteurs, car on ne sait jamais ce que les gens vivent. Ainsi, se présenter avec énergie et sourire créera un espace sûr dans lequel nous aimons tous travailler.

3) Présentez-nous votre processus créatif lors de la chorégraphie d’une production. Comment avez-vous transformé le récit en mouvement et en danse, en particulier pour une histoire aussi emblématique que celle de Dickens ?

Je me connecte d’abord avec le réalisateur pour comprendre la vision qu’il souhaite pour ce spectacle. A CHRISTMAS CAROL est une vieille histoire, mais notre production redonne vie à cette ancienne histoire avec une touche hip hop contemporaine, tout en respectant l'époque. Lorsque je chorégraphie, j'aime m'asseoir et écouter la musique pour lui donner une émotion. Qu’est-ce que cela m’a fait ressentir ? Une fois que j'ai déterminé quelle émotion je souhaite sortir de la danse, elle commence à se créer d'elle-même. 

4) Dans la chorégraphie de A CHRISTMAS CAROL, avez-vous des numéros ou des séquences de danse préférés ? Qu’est-ce qui les rend spéciaux pour vous, que ce soit en termes d’expression artistique ou de résonance thématique ?

C'est une question difficile car j'aime toutes les danses. Je dois dire que le numéro d’ouverture « God Rest Ye Merry Gentlemen » serait l’un de mes préférés. L’énergie que possède cette chanson est inégalée. J’appelle cela la ruée de joie lorsque les acteurs se précipitent en haut du numéro. Il met bien en place l’histoire avec toute l’énergie où le public sera immédiatement engagé. Parfois, il faut s’asseoir et se féliciter. Voir ce numéro prendre vie a été pour moi une tape dans le dos. Voir tout le monde apprécier la danse et la vision que j'ai créée me fait chaud au cœur.

5) La collaboration avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe de production est cruciale. Pouvez-vous partager une expérience de collaboration mémorable et comment elle a amélioré la production globale ?

Lorsqu’on crée une chorégraphie, il faut collaborer avec tout le monde, pas seulement avec le metteur en scène. Sam le réalisateur et moi travaillons très bien ensemble pour exprimer ce que nous voulons dans un numéro. La finale est un grand numéro avec lequel nous nous sommes entraidés pour créer le sentiment magique que nous souhaitions tous les deux. L'ensemble du casting est sur scène pour la première fois et il faut maintenant créer cet univers de magasin de jouets, ce qui n'a pas été facile à réaliser. Il se passe beaucoup de choses et sans la collaboration de toute l’équipe de production, le final ne serait pas aussi beau qu’il l’est.

6) Y a-t-il des styles de danse ou des traditions de vacances spécifiques que vous trouvez particulièrement inspirants ou que vous avez incorporés à la chorégraphie pour capturer l'atmosphère des fêtes ?

J'ai grandi en faisant du hip hop, de la danse moderne, contemporaine et du théâtre musical. Je crois avoir incorporé les quatre styles de danse pour vous offrir quelque chose de nouveau à chaque fois qu'un numéro de danse se produit. Une grande partie est pleine d’énergie pour correspondre à l’esprit de Noël. Vous bénéficiez également de ces moments d’amour et de rire.

7) En réfléchissant à votre carrière, y a-t-il des performances ou des productions qui occupent une place particulière dans votre cœur ? Qu’est-ce qui les a distingués des autres ?

J'en ai deux! Ma première année en tant qu'acteur résident dans lequel j'ai joué Lola Kinky Boots et c'était magique de jouer ce rôle de rêve. C’est un rôle sur lequel j’ai travaillé plus dur que jamais. En tant que rêveur, c’est l’un des moments où j’ai pu dire que mon rêve était devenu réalité. Je vis le rêve que je me suis fixé il y a des années. J’ai eu la chance de pouvoir jouer à nouveau ce rôle au Main Street Theatre en Pennsylvanie. C'était tout aussi magique. Ce rôle comptera toujours beaucoup pour moi. Mon deuxième serait Le jeu qui tourne mal. C'était la série la plus amusante à laquelle j'ai jamais participé. J'ai joué le majordome Perkins qui n'avait aucune idée de ce qu'il faisait dans la série. Cela m’a permis d’être libre et d’exprimer vraiment quel type d’acteur je suis. C'était rapide et m'a toujours tenu sur mes gardes. L’amour que Perkins recevait du public signifiait tellement pour moi. Tout ce que je veux faire sur scène, c'est avoir un impact sur le public d'une manière ou d'une autre. Avec beaucoup d’étirements, je pourrais faire ce spectacle pendant longtemps. 

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 6 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger est originaire de Columbia, en Caroline du Sud, mais a déménagé à Brevard, en Caroline du Nord, où il a obtenu un baccalauréat en musique et en théâtre. Il est tellement excité de se produire à nouveau avec Charleston Stage. Il a chorégraphié A Christmas Carol alors qu'il était acteur résident et qu'il est si heureux de chorégraphier à nouveau. Ses crédits récents incluent : Une fois sur cette île (Daniel), Le jeu qui tourne mal (Perkin), Kinky Boots (Lola), Les cinq dernières années (Jamie), Little Shop of Horrors (Audrey II), Into The Woods (Jack), Un tramway nommé désir (Stanley) et plus encore. Il est très reconnaissant envers ses amis et sa famille qui l'ont soutenu au fil des ans. K'nique est tellement excitée de changer des vies en créant de l'art à Charleston Stage ! Restez connectés sur Instagram @nique_tg3