Auteur : Scène de Charleston

Explorez les détails complexes de l'approche artistique de K'nique Eichelberger en tant que chorégraphe de A CHRISTMAS CAROL dans cette interview spéciale. Préparez-vous pour une autre saison d'excitation alors que le travail exceptionnel de K'nique occupe le devant de la scène, devenant une fois de plus un point culminant majeur dans l'adaptation de cette année du classique intemporel !

1) UN CHANT DE NOËL est un classique des fêtes. Comment avez-vous abordé l’idée d’insuffler à la chorégraphie l’esprit festif de la saison tout en transmettant les thèmes les plus profonds de l’histoire ?

Noël est une fête où les familles se réunissent pour exprimer leur amour, leur gentillesse et leur joie. Dans ma chorégraphie, vous verrez la joie ou l'excitation dans chaque mouvement. Ce n’est cependant pas votre chorégraphie traditionnelle A CHRISTMAS CAROL. Bien que nous honorions cette période avec la façon dont nous parlons et marchons, il y a un élément contemporain dans les danses auquel les publics plus jeunes et plus âgés peuvent s'identifier. La danse a toujours été pour moi un moyen de communiquer des choses que je ne pouvais pas verbaliser, et cela m'a aidé à m'exprimer de manière créative et personnelle. Je voulais que les mouvements parlent d'eux-mêmes, sans paroles ni chants. Certains mouvements lents peuvent exprimer des sentiments de tristesse ou de mélancolie, tandis que des mouvements vifs et explosifs peuvent exprimer la force et la joie. À travers tous les numéros de danse, vous pouvez voir cela démontré. L’un des thèmes centraux de A CHRISTMAS CAROL est la transformation personnelle et la rédemption. Vous verrez qu'il y a beaucoup de changements de formation dans le premier numéro pour exprimer les nombreux changements que Scrooge subira pendant le spectacle. Le personnage d'Ebenezer Scrooge subit un profond changement, passant d'un homme avare, froid et égoïste à une personne généreuse, chaleureuse et compatissante. Ce sont quelques thèmes de danse que vous verrez au début du spectacle et qui refont surface avec le nouveau Scrooge amélioré.

2) Y a-t-il un aspect particulier de A CHRISTMAS CAROL qui vous touche personnellement ? Comment cette connexion influence-t-elle votre processus créatif ?

Les gens peuvent changer mais vous ne pouvez pas changer les gens. Il faut permettre aux gens de grandir et de voir les choses par eux-mêmes. Le changement survient lorsque la personne comprend comment son attitude se forme et comment elle affecte sa vie. Il s'agit souvent de beaucoup de réflexion et de guérison du passé. Les gens peuvent changer si quelques conditions sont remplies, notamment la conscience de soi et la volonté. Tout au long de l'histoire, Scrooge a la chance de voir quand sa vie a changé et explore pourquoi il est si en colère à l'idée de Noël. Cela a influencé mon processus créatif en me donnant de la grâce chez les autres. Lors des répétitions, j'étais toujours là pour aider et faciliter la tâche des acteurs, car on ne sait jamais ce que les gens vivent. Ainsi, se présenter avec énergie et sourire créera un espace sûr dans lequel nous aimons tous travailler.

3) Présentez-nous votre processus créatif lors de la chorégraphie d’une production. Comment avez-vous transformé le récit en mouvement et en danse, en particulier pour une histoire aussi emblématique que celle de Dickens ?

Je me connecte d’abord avec le réalisateur pour comprendre la vision qu’il souhaite pour ce spectacle. A CHRISTMAS CAROL est une vieille histoire, mais notre production redonne vie à cette ancienne histoire avec une touche hip hop contemporaine, tout en respectant l'époque. Lorsque je chorégraphie, j'aime m'asseoir et écouter la musique pour lui donner une émotion. Qu’est-ce que cela m’a fait ressentir ? Une fois que j'ai déterminé quelle émotion je souhaite sortir de la danse, elle commence à se créer d'elle-même. 

4) Dans la chorégraphie de A CHRISTMAS CAROL, avez-vous des numéros ou des séquences de danse préférés ? Qu’est-ce qui les rend spéciaux pour vous, que ce soit en termes d’expression artistique ou de résonance thématique ?

C'est une question difficile car j'aime toutes les danses. Je dois dire que le numéro d’ouverture « God Rest Ye Merry Gentlemen » serait l’un de mes préférés. L’énergie que possède cette chanson est inégalée. J’appelle cela la ruée de joie lorsque les acteurs se précipitent en haut du numéro. Il met bien en place l’histoire avec toute l’énergie où le public sera immédiatement engagé. Parfois, il faut s’asseoir et se féliciter. Voir ce numéro prendre vie a été pour moi une tape dans le dos. Voir tout le monde apprécier la danse et la vision que j'ai créée me fait chaud au cœur.

5) La collaboration avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe de production est cruciale. Pouvez-vous partager une expérience de collaboration mémorable et comment elle a amélioré la production globale ?

Lorsqu’on crée une chorégraphie, il faut collaborer avec tout le monde, pas seulement avec le metteur en scène. Sam le réalisateur et moi travaillons très bien ensemble pour exprimer ce que nous voulons dans un numéro. La finale est un grand numéro avec lequel nous nous sommes entraidés pour créer le sentiment magique que nous souhaitions tous les deux. L'ensemble du casting est sur scène pour la première fois et il faut maintenant créer cet univers de magasin de jouets, ce qui n'a pas été facile à réaliser. Il se passe beaucoup de choses et sans la collaboration de toute l’équipe de production, le final ne serait pas aussi beau qu’il l’est.

6) Y a-t-il des styles de danse ou des traditions de vacances spécifiques que vous trouvez particulièrement inspirants ou que vous avez incorporés à la chorégraphie pour capturer l'atmosphère des fêtes ?

J'ai grandi en faisant du hip hop, de la danse moderne, contemporaine et du théâtre musical. Je crois avoir incorporé les quatre styles de danse pour vous offrir quelque chose de nouveau à chaque fois qu'un numéro de danse se produit. Une grande partie est pleine d’énergie pour correspondre à l’esprit de Noël. Vous bénéficiez également de ces moments d’amour et de rire.

7) En réfléchissant à votre carrière, y a-t-il des performances ou des productions qui occupent une place particulière dans votre cœur ? Qu’est-ce qui les a distingués des autres ?

J'en ai deux! Ma première année en tant qu'acteur résident dans lequel j'ai joué Lola Kinky Boots et c'était magique de jouer ce rôle de rêve. C’est un rôle sur lequel j’ai travaillé plus dur que jamais. En tant que rêveur, c’est l’un des moments où j’ai pu dire que mon rêve était devenu réalité. Je vis le rêve que je me suis fixé il y a des années. J’ai eu la chance de pouvoir jouer à nouveau ce rôle au Main Street Theatre en Pennsylvanie. C'était tout aussi magique. Ce rôle comptera toujours beaucoup pour moi. Mon deuxième serait Le jeu qui tourne mal. C'était la série la plus amusante à laquelle j'ai jamais participé. J'ai joué le majordome Perkins qui n'avait aucune idée de ce qu'il faisait dans la série. Cela m’a permis d’être libre et d’exprimer vraiment quel type d’acteur je suis. C'était rapide et m'a toujours tenu sur mes gardes. L’amour que Perkins recevait du public signifiait tellement pour moi. Tout ce que je veux faire sur scène, c'est avoir un impact sur le public d'une manière ou d'une autre. Avec beaucoup d’étirements, je pourrais faire ce spectacle pendant longtemps. 

Achetez vos billets pour voir A CHRISTMAS CAROL, du 6 au 22 décembre, à CharlestonStage.com.

K'nique Eichelberger est originaire de Columbia, en Caroline du Sud, mais a déménagé à Brevard, en Caroline du Nord, où il a obtenu un baccalauréat en musique et en théâtre. Il est tellement excité de se produire à nouveau avec Charleston Stage. Il a chorégraphié A Christmas Carol alors qu'il était acteur résident et qu'il est si heureux de chorégraphier à nouveau. Ses crédits récents incluent : Une fois sur cette île (Daniel), Le jeu qui tourne mal (Perkin), Kinky Boots (Lola), Les cinq dernières années (Jamie), Little Shop of Horrors (Audrey II), Into The Woods (Jack), Un tramway nommé désir (Stanley) et plus encore. Il est très reconnaissant envers ses amis et sa famille qui l'ont soutenu au fil des ans. K'nique est tellement excitée de changer des vies en créant de l'art à Charleston Stage ! Restez connectés sur Instagram @nique_tg3

Dans notre interview exclusive, Janine McCabe, notre costumière originale pour A CHRISTMAS CAROL, plonge dans les détails fascinants de son approche artistique la saison dernière pour confectionner les costumes de ce classique intemporel. Nous sommes très heureux que le travail de Janine soit à nouveau un moment fort sur scène dans l'adaptation de cette saison !

1) Pour commencer, pourriez-vous vous présenter et nous parler un peu de votre parcours de costumière, notamment dans le cadre de productions théâtrales ?

Salut. Je m'appelle Janine McCabe et je travaille comme costumière depuis plus de 25 ans. Après avoir envisagé des carrières en ingénierie et en mathématiques, j'ai finalement trouvé ma voie vers le théâtre grâce à un travail de couture dans l'atelier de costumes du College of Charleston. Après avoir terminé mon baccalauréat en théâtre avec une concentration en conception de costumes, j'ai poursuivi mes études à l'Université de Virginie pour obtenir un MFA en conception de costumes, puis j'ai déménagé à New York où j'ai travaillé pour des designers, dont Martin Pakledinaz, qui était un designer et un mentor incroyable. À New York, j'ai pu travailler sur Broadway, Off-Broadway, l'Opéra, la Danse et voyager à travers le pays pour aider à vérifier les costumes lors de la mise en place de nouveaux acteurs dans des rôles lors de tournées nationales comme Millie tout à fait moderne. New York a été une expérience de travail et d'apprentissage incroyable et a définitivement influencé tous les aspects de ma carrière en tant que designer et professeur de création de costumes..

2) Qu'est-ce qui vous a poussé à travailler sur les costumes de A CHRISTMAS CAROL, et comment vous connectez-vous personnellement aux thèmes et aux personnages de cette histoire classique ?

La première chose qui m'a attiré vers le travail pour A CHRISTMAS CAROL a été l'enthousiasme que Julian Wiles a manifesté lorsqu'il m'a demandé de travailler dessus avec lui et l'équipe. Son idée d'apporter de la couleur et de l'énergie et de présenter l'histoire d'une manière que les gens n'avaient jamais vue auparavant m'a séduit. Julian et moi avions déjà travaillé ensemble et il savait que j'aime travailler avec des couleurs vives et sortir des limites de ce qui est attendu. Ayant un jeune fils et une autre famille qui vieillit, je me retrouve plus que jamais attiré par les thèmes de la générosité, de la compassion et du temps passé avec ma famille et mes amis autour du travail et de l'argent. Les luttes auxquelles les personnages sont confrontés dans cette histoire classique existent aujourd'hui, il y a donc beaucoup à apprendre et à se rappeler à tout âge grâce à cette histoire.

3) Chaque personnage de A CHRISTMAS CAROL a une personnalité distincte. Comment avez-vous procédé pour visualiser et créer des costumes qui non seulement capturent l’essence des personnages, mais contribuent également à la narration visuelle globale ?

Mes assistants, Molly Belle et Brandon Alston, et moi avons passé beaucoup de temps à étudier l'histoire et les représentations des personnages au fil du temps. Nous avons examiné différentes interprétations et présentations de l'histoire et parlé des désirs, des besoins, des croyances et des points de vue individuels des personnages sur le monde dans lequel ils se trouvaient. Nous avons rassemblé des images pour refléter d'abord ces idées et leurs personnalités individuelles qui étaient principalement de nature abstraite, puis s'est orienté vers la recherche des vêtements proprement dits. Sachant que sur le plan conceptuel, nous voulions un spectacle plein de couleurs, nous nous sommes beaucoup inspirés des livres et des illustrations pour enfants pour les lignes et les couleurs audacieuses sur lesquelles nous sommes finalement tombés. Tout au long du processus de conception, nous avons continuellement vérifié le développement des idées de décors, d'éclairage et de son pour nous assurer que nous allions tous dans une direction unifiée pour créer les visuels qui soutenaient le concept de mise en scène afin de lui donner vie de la meilleure façon possible. tout en soutenant l'histoire et les personnages.

4) Compte tenu du contexte d'époque de A CHRISTMAS CAROL, comment avez-vous équilibré l'exactitude historique et l'interprétation créative dans la conception des costumes ? Y a-t-il des influences contemporaines qui ont inspiré vos créations ?

En tant que designer, l'une des choses que je trouve stimulantes mais extrêmement amusantes sur le plan conceptuel est d'examiner la recherche historique et de lui insuffler des influences contemporaines pour présenter quelque chose qui semble d'époque mais qui est vu d'une nouvelle manière. Il y avait beaucoup d'influences contemporaines en termes de couleurs et de motifs et la façon dont les gens combinent les choses dans la mode d'aujourd'hui qui, selon vous, ne devraient peut-être pas aller ensemble… même mon fils de 8 ans a eu une influence dans la façon dont il associe les couleurs et mélange et assortit des ensembles de vêtements. des vêtements pour s'exprimer. Grâce à la recherche historique, nous avons découvert de nombreux exemples de vêtements aux couleurs vives, de motifs audacieux et de détails auxquels nous ne nous attendions pas. Nous avons rassemblé et collé des tableaux d'images avec toutes ces influences que nous avons ensuite affichés autour de nous afin que, au fur et à mesure que nous dessinions les designs individuels des personnages, ils continuent à inspirer des idées..

5) La collaboration est essentielle dans le processus de production. Pouvez-vous partager un aperçu de la façon dont vous avez collaboré avec le réalisateur et les autres membres de l'équipe créative pour vous assurer que les costumes correspondent à la vision globale de la production ?

La collaboration est l’une des principales raisons pour lesquelles j’aime concevoir. J'ai eu la chance d'avoir Molly et Brandon travaillant dans le studio de design avec moi pour préparer ce design pendant plusieurs mois l'été dernier avant le début des travaux dans les magasins. Pendant ce temps, le réalisateur et l'équipe créative se rencontraient via Zoom et parfois en personne pour partager et présenter de nouvelles idées et ces réunions étaient très importantes pour le processus. Entendre quelqu'un d'autre parler du concept ou d'une idée d'éclairage qui inspire ensuite autre chose dans les costumes ou le décor, c'est de cela qu'il s'agit. C'est la partie amusante ! Julian a travaillé en étroite collaboration avec nous pour comprendre le parcours de chaque acteur et exactement ce qui était nécessaire à chaque instant pour réaliser la vision globale. Nous nous sommes tous tenus au courant via des dossiers en ligne afin que, entre les réunions, nous puissions toujours collaborer et rester au courant des nouveaux développements. J'apprécie beaucoup les temps de rencontres et d'échanges d'idées…c'est comme ça qu'on arrive à faire en sorte que tout s'enchaîne quand on arrive aux répétitions techniques où tout est enfin au même endroit sur scène ensemble, des mois et des mois de travail dans différents domaines et puis ça se réunit… c’est beaucoup de travail mais c’est aussi magique.

6) Avez-vous des costumes préférés ou des éléments de conception spécifiques dans A CHRISTMAS CAROL dont vous êtes particulièrement fier ou qui ont une signification particulière ? Qu’est-ce qui les distingue ?

Oh, c'est difficile… il est difficile de choisir un favori. Je me suis bien amusé avec les fantômes ! Je pense que le Fantôme du Futur se démarque car il ne s'agit pas de la figure noire la plus typique, mais plutôt de couches et de couches de tissus en lambeaux blancs, gris, argentés et bleu glacier reflétant le froid et la tristesse du futur potentiel de Scrooge. J'aime aussi particulièrement les sans-abri… Je suppose que cela peut paraître drôle car vous ne voyez pas beaucoup de leurs costumes, mais si vous le faisiez, vous constateriez qu'ils sont fabriqués à partir de piles de pulls colorés réutilisés et fripés, découpés, vieillis et superposés dans diverses façons de créer beaucoup de texture et d'intérêt. Molly et moi avons passé un bon moment à les créer. Les rayures sur les serviteurs de Scrooge aussi… oh et toute la famille Cratchit… elles étaient si uniques et excitantes à créer avec leurs couches, leurs motifs et leurs couleurs. Hmmm… Je ne sais pas, ce fut un processus gratifiant et extrêmement créatif d'avoir l'opportunité de travailler en étroite collaboration avec mes assistants et de créer une version si colorée et nouvellement imaginée de cette histoire avec Julian et l'équipe créative !

7) Pour l’avenir, y a-t-il des projets à venir ou des styles de conception de costumes que vous souhaiteriez explorer dans votre futur travail ?

Eh bien, je suis actuellement en train de concevoir Die Fledermaus dans le cadre de la saison CofC Stages en collaboration avec le programme d'opéra du College of Charleston et je pense que le concept de cette production permet à l'équipe de beaucoup jouer avec le style et la couleur en particulier pour la soirée de l'Acte II, donc j'attends avec impatience jusqu'où cela mène. Ce qui est bien avec la conception de costumes, c'est que chaque production offre un nouveau défi en matière de narration, des recherches distinctes, des collaborateurs différents et beaucoup de choses à explorer, donc l'excitation continue.

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Janine McCabe est présidente et professeure de conception de costumes au Département de théâtre et de danse du College of Charleston, où elle conçoit et encadre régulièrement les étudiants costumiers pour la saison CofC Stages du département, pour laquelle elle est également directrice artistique. Les conceptions récentes pour les étapes CofC incluent VIOLET et THE MAGIC FLUTE. Le travail de Janine à Charleston Stage comprend des créations pour CURIOUS INCIDENT OF THE DOG IN THE NIGHT-TIME, PETER AND THE STARCATCHER, WHITE CHRISTMAS, THE UNDERPANTS et SHERLOCK HOLMES-THE FINAL ADVENTURE. Elle est également conceptrice résidente pour le théâtre PURE où les créations incluent MLIMA'S TALE, HONORIA QUIETLY DRAWING STRENGTH FROM HER VRUTH, BEN BUTLER, THE ABSOLUTE BRIGHTNESS OF LEONARD PELKEY, THE CHILDREN, THE LIFESPAN OF A FACT, DERNIER RITES, PETITS SONS DE BOUCHE, CECI UN MONDE ALÉATOIRE, UNE MAISON AMUSANTE, LA ROYALE, LE (CURIEUX CAS DE) L'INTELLIGENCE WATSON, UN ÉVÉNEMENT SPONTANÉ SOUDAIN, MARIE-ANTOINETTE, et plus encore. Les crédits régionaux de conception de costumes incluent des productions à Flat Rock Playhouse NC, Fringe NYC, Barrow Group NYC et Trustus Theatre SC. Les crédits de conception des costumes de Broadway Assistant incluent : LE CHANTEUR DE MARIAGE, LA VILLE MERVEILLEUSE, MILLIE TOUT À LA MODERNE, LE LOOK DE L'AMOUR, UN AN AVEC LA GRENOUILLE ET LE CRAPAUD, KISS ME KATE. D'autres créations locales incluent SALT IN THE SOIL et HOVER (Annex Dance Company), THE TRAGEDY OF CARMEN et DON GIOVANNI (Charleston Opera Theatre), la première mondiale de LOVE AND SOUTHERN DISCOMFORT au Charleston Music Hall et, plus récemment, la première mondiale de DANIEL AND THE KINGS au North Charleston Performing Arts Center.

Nous avons récemment eu le plaisir d'interviewer Sam Henderson, notre directeur musical et directeur de UN CHANT DE NOEL. Lisez la suite ci-dessous pour découvrir un aperçu de son processus créatif tout en réalisant ce classique des fêtes !

1) Qu'est-ce qui vous a attiré vers A CHRISTMAS CAROL en tant que projet, et comment vous connectez-vous aux thèmes de l'histoire à un niveau personnel ou créatif ?

Un CHANT DE NOËL est l’une de mes histoires préférées depuis que mon professeur de CEXNUMX, Mme Eisenhower, nous l’a lu à haute voix avant les vacances. J'ai été captivé par la magie et l'imagerie de la pièce dès le début.

2) La musique joue un rôle crucial en donnant le ton à une production. Pouvez-vous partager les inspirations musicales qui ont guidé votre composition pour A CHRISTMAS CAROL, et comment vous avez abordé leur intégration dans le récit ?

Donner une touche moderne à la musique était certainement un défi. Il était important pour moi que nous gardions l’instrumentation adaptée à la période ; en utilisant uniquement des instruments qui auraient existé/été populaires à l'époque de Dickens (la plupart du temps de toute façon !). J’ai ensuite dû trouver comment utiliser ces instruments d’une manière plus moderne et plus amusante. Des artistes comme Mumford and Sons et Lindsey Stirling et des comédies musicales comme « Once » sont tous entrés en jeu dans la recherche d’inspiration pour cette nouvelle version de ces morceaux. Je voulais aussi un certain contraste avec la réalité de l’époque. Ainsi, par exemple, lorsque nous sommes dans la maison de Fred et que les invités se mettent à chanter pour le divertissement de la soirée, la version que j'ai faite de « I Saw Three Ships » est très proche de l'époque et n'essaie pas d'être quelque chose de classique. pas.

3) Collaborer avec différents esprits créatifs est essentiel. Comment avez-vous travaillé avec le chorégraphe et les autres membres de l’équipe de production pour assurer une expérience cohérente et immersive pour le public ?

Créer cette nouvelle version de A CHRISTMAS CAROL aux côtés du dramaturge Julian Wiles et de la chorégraphe K'nique Eichelberger a été très amusant. Nous avons pu être tous ensemble dans la pièce, essayer des choses et déterminer ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas. Nous pourrions ensuite apporter les ajustements nécessaires à la musique, à la chorégraphie ou au scénario pour que tous ces éléments fonctionnent ensemble pour raconter l'histoire de la meilleure façon possible.

4) En réalisant A CHRISTMAS CAROL, avez-vous des scènes ou des moments préférés qui vous ont marqué ?

Il y a deux scènes que j'aime beaucoup. Le premier est dans « le passé » quand on voit le moment où la relation de Scrooge avec Belle a pris fin. C'est un regard critique sur l'une des raisons pour lesquelles il est devenu ce qu'il est aujourd'hui et il a de très belles écrits. L'autre est dans « le présent » lorsque Scrooge rend visite aux Cratchits la veille de Noël. Nos Cratchits de cette année ont une telle chaleur et une telle joie que vous vous retrouvez vraiment absorbé par cette scène et avez envie de faire partie de la famille !

5) Qu'espérez-vous que le public retienne de votre production de A CHRISTMAS CAROL ?

J'espère que le public pourra voir que les gens sont capables d'aller au-delà des traumatismes et des tragédies de leur passé, et qu'il n'est jamais trop tard pour réorganiser leur façon de penser et corriger les erreurs du passé. Et parfois, c'est la joie qui nous entoure à cette période de l'année qui peut déclencher ce petit changement.

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Sam Henderson est le directeur musical résident de Charleston Stage et le directeur de l'éducation musicale. Il est titulaire d'un baccalauréat en éducation musicale en musique instrumentale/interprétation de trompette de l'université Baylor de Waco, au Texas, ainsi que d'une maîtrise en direction musicale de théâtre musical/d'opéra de l'université d'État de l'Arizona. Sam a plus de 20 ans d'expérience dans l'enseignement professionnel de la musique et travaille comme directeur musical et chef d'orchestre de théâtre depuis 2005. Professionnellement, Sam a travaillé pour la Phoenix Theatre Company, Childsplay, le Broadway Palm West Dinner Theatre, l'Arizona Broadway Theatre et le Lyric Opera. Theatre et Copperstar Repertory Company avant de venir sur la scène de Charleston.

Nous avons eu le plaisir de rencontrer Aline Toloto, l'esprit brillant derrière la conception de nos accessoires pour CLUE : ON STAGE. Une fois de plus, elle a apporté ses compétences exceptionnelles au Dock Street Theatre, et nous vous invitons à découvrir les coulisses de son processus créatif dans la fabrication des accessoires de cette production bruyante.

1) CLUE : ON STAGE présente une variété d'accessoires emblématiques, tels que des armes, des passages secrets et des objets avec lesquels les personnages interagissent. Comment avez-vous prévu de concevoir et de vous procurer ces accessoires pour vous assurer qu’ils sont à la fois fonctionnels et visuellement attrayants ?

Concevoir un accessoire, comme tout autre objet, est toujours une combinaison de beauté et de fonctionnalité. Même si le monde des accessoires de théâtre n’est pas aussi vaste que celui du cinéma, il s’est développé au cours des dernières décennies. Il existe d'excellents livres rédigés par des experts comme Eric Hart (l'un de mes préférés) qui fournissent des conseils sur la création de divers projets. Dans la mesure du possible, j'utilise de telles références. Le véritable défi se pose lorsque vous devez créer des accessoires uniques pour lesquels il n’existe pas beaucoup de références à la recherche. Dans ces cas-là, de nombreux essais et erreurs sont impliqués, et la période de répétition devient vitale pour tester les aspects fonctionnels des accessoires. En fin de compte, l’expérience joue un rôle important dans la fabrication d’accessoires. Plus vous créez, meilleur vous devenez avec chaque projet.

2) INDICE : SUR SCÈNE implique souvent une comédie physique et des échanges rapides d'accessoires. Comment avez-vous créé des accessoires capables de résister aux exigences du spectacle tout en conservant leur authenticité et leur humour ?

J'adore créer des accessoires pour les comédies car ils permettent plus de créativité. Vous pouvez être plus audacieux avec les couleurs, jouer avec les échelles et adopter le bizarre. Par exemple, avoir une clé surdimensionnée peut sembler déplacé dans un drame historique, mais dans CLUE : ON STAGE, cela ne fait qu'ajouter à l'humour. De plus, dans les comédies, si un accessoire se brise, il est beaucoup plus facile de le jouer dans le cadre de l'acte. Il est important de se rappeler qu’un accessoire n’est qu’un objet ; son authenticité et sa vitalité dépendent en grande partie de la manière dont les acteurs et le réalisateur l'utilisent. Mon rôle est de m'assurer qu'ils disposent d'un objet bien conçu avec lequel travailler.

Regardez la bande-annonce du spectacle CLUE : ON STAGE ci-dessous !

3) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous travaillé avec le metteur en scène, le scénographe, le costumier et l’éclairagiste pour garantir que les accessoires s’intègrent parfaitement dans la vision globale de la production ?

Ce spectacle est comme une grande toile, peinte par de nombreux artistes, et les accessoires sont un élément qui peut ajouter de la profondeur, du contraste ou servir de point focal si tel est l'objectif. En tant que superviseur des propriétés, je participe à toutes les réunions de conception pour comprendre le concept de conception et m'assurer que les accessoires font partie intégrante du monde de la production. Il y a beaucoup de communication entre les différents magasins, notamment en partageant des échantillons de couleurs et de tissus et en effectuant des tests d'éclairage pour s'assurer que tout le monde est aligné. Dès le début du processus, l’équipe créative a décidé de s’inspirer du jeu de société CLUE pour le design. Sur la base de ce choix, j'ai proposé de fabriquer toutes les armes en or, une décision de conception théâtrale qui non seulement faisait ressortir les armes, mais créait également un contraste saisissant avec les costumes et le décor.

4) Quelles recherches et préparation entreprenez-vous généralement lorsque vous concevez et recherchez des accessoires pour une production comme CLUE : ON STAGE ? Comment vous êtes-vous assuré que les accessoires sont historiquement précis et adaptés à la période et aux personnages ?

C'est une partie essentielle de mon processus de recherche sur la période historique avant de commencer à travailler sur les accessoires. Étant donné que la pièce se déroule dans les années 1950, il est relativement facile de trouver des images historiques précises d'objets, contrairement à une pièce qui se déroule dans les années 1800. Cependant, une précision stricte n’est pas toujours une exigence. Parfois, j’utilise une photo historique comme source d’inspiration pour créer quelque chose de similaire. Le public a tendance à associer la silhouette de l’objet à quelque chose de « vintage », du passé, et la plupart du temps, cela suffit. En tant qu'artiste de théâtre, il est important de reconnaître que les détails rapprochés ne sont pas aussi cruciaux puisque le public est généralement assis à distance.  

5) En tant que concepteur d'accessoires, comment vous assurez-vous que les accessoires peuvent être utilisés en toute sécurité par les acteurs pendant les représentations, en particulier lorsqu'ils impliquent une comédie physique ou des changements rapides ?

Certaines consignes de sécurité font partie intégrante de notre protocole, comme s'assurer que les couteaux sont émoussés, que les armes à feu sont des répliques qui ne tirent pas et éviter autant que possible l'utilisation de verre sur scène. Le choix des matériaux est également crucial pour créer des accessoires sûrs. Par exemple, opter pour des matériaux souples comme la mousse ou le caoutchouc pour les couteaux et les épées peut améliorer considérablement la sécurité lors des représentations.

6) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit la conception de vos propriétés ?

Ce qui m'enthousiasme le plus lorsque notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit mes propriétés conçues, c'est l'opportunité de les transporter dans un monde de mystère, de comédie et de nostalgie ! J'espère que nous pourrons avoir beaucoup de rires ! 

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 2 au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Originaire du Brésil, Aline est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts en théâtre et technologie avec spécialisation en conception scénique de l'Université du sud du Mississippi. Forte d'une vaste expérience en tant que accessoiriste, scénographe et décoratrice de décors, les faits saillants de la carrière d'Aline incluent son rôle de superviseure des propriétés pour la 45e saison de Charleston Stage, supervisant huit spectacles captivants, dont La Famille Addams, Un chant de Noël, ainsi que Une fois sur cette île. Elle est ravie de continuer à travailler dans l'entreprise l'année prochaine.

Nous avons récemment eu le plaisir d'interviewer Colin Waters, qui a entamé ses débuts en tant que réalisateur sur MainStage avec CLUE : ON STAGE. Lisez la suite ci-dessous pour découvrir un aperçu de son processus créatif tout en dirigeant ce jeu de meurtre et de mystère bruyant !

1) INDICE : ON STAGE est connu pour son mélange de mystère, de comédie et de farce. Qu'est-ce qui vous a attiré vers cette pièce en particulier et quels aspects du scénario avez-vous trouvé les plus excitants ou les plus stimulants en tant que réalisateur ?

INDICE : ON STAGE a toujours occupé une place si spéciale dans ma vie. Le jeu de société et le film ont été des incontournables de mon enfance et m’ont laissé des souvenirs assez formateurs. À la seconde où j’ai entendu dire que Charleston Stage produirait CLUE : ON STAGE cette saison, je me disputais l’opportunité de le réaliser. Je savais que ce spectacle serait une bête de spectacle à aborder. Avec un spectacle qui est entouré d’une telle culture, de nombreuses références et attentes l’accompagnent. Même si c’est un défi incroyablement excitant à relever, c’était aussi un peu intimidant. Je savais que je devais aborder ma direction de manière très méticuleuse. Le texte de cette série suit de très près le scénario du film avec d'innombrables lignes emblématiques parsemées textuellement dans la série du film. En tant que réalisateur, j'ai dû éviter de rendre hommage au film culte, tout en adoptant ma propre approche de la série. Pour contribuer à transformer notre production en quelque chose de nostalgique mais aussi original en soi, je voulais que le public ressente les influences du film et du jeu de société. Je voulais recréer la sensation d'être assis autour d'une table en train de jouer au jeu « Indice » avec vos proches : la compétition, la stratégie, le mystère.

S'éloignant des défis conceptuels à relever, le plus grand défi physique à relever est la rapidité avec laquelle ce spectacle se déroule. Non seulement le rythme de ce spectacle est essentiel à son succès, mais le public reçoit tellement d'informations tout au long de la nuit qui permettront de résoudre le mystère d'ici la fin de la pièce. Nous avons dû trouver un équilibre pour maintenir le rythme tout en ne sacrifiant pas toutes les informations qui nous étaient présentées. Ajoutez à cela le fait que cette pièce se déroule dans un manoir avec plus de 8 lieux distincts, parfois dans plusieurs pièces en même temps, et vous avez un ensemble de défis de mise en scène qui vous attendent. Cela étant dit, je réalise avec un style très innovant et axé sur l’ensemble. J'ai utilisé ce style de mise en scène pour maintenir le spectacle en mouvement, sans jamais permettre au public de s'éloigner une seconde du monde que nous créons sous ses yeux.

2) INDICE : ON STAGE présente un ensemble diversifié de personnages, chacun avec des personnalités et des bizarreries distinctes. Comment avez-vous travaillé avec les acteurs pour faire ressortir l’individualité de chaque personnage tout en décrivant les moments emblématiques que les fidèles passionnés de cinéma et de jeux de société adorent ?

C’est l’une des toutes premières choses dont j’ai discuté avec les acteurs. J'ai commencé ce processus avec une question. Comment pouvons-nous, en tant qu'interprètes, honorer les personnages incroyablement reconnaissables et uniques rendus célèbres par le film, tout en apportant notre propre talent artistique sur scène ? Puisque cette série est entièrement consacrée aux jeux auxquels nous jouons, j'ai encouragé les acteurs à explorer la façon dont leur personnage joue « le jeu ». Pour conserver leur longévité dans l’histoire, utilisent-ils le flirt comme tactique, minimisent-ils leur niveau de menace face à des personnages plus explosifs, exagèrent-ils trop leur personnalité pour attirer les autres ? Une fois que chaque acteur a découvert son gameplay, j'ai introduit le concept selon lequel cette série est très méta. Le spectacle suit un jeu, dans un jeu, dans un jeu, dans un jeu. À la base, nous avons 6 personnalités extrêmement diverses : Vert, Scarlett, Prune, Moutarde, Blanc et Paon. Ce sont les personnages qui connaissent le moins le jeu auquel ils jouent. Leur objectif est de découvrir qui les fait chanter et éventuellement qui commet les meurtres dans la maison. Puisqu’ils sont au centre de cet univers, ils ont les personnalités les plus amplifiées. La couche suivante en dehors de ces personnages est constituée de tous les personnages qui avaient une connaissance préalable du jeu qui se jouait ce soir-là : Wadsworth, Yvette, M. Boddy, The Cook, etc. Ces personnages étaient impliqués d'une manière ou d'une autre dans les festivités de cette soirée, qu'ils aient planifié la soirée, aidé à exécuter la vision ou qu'ils fussent simplement l'un des informateurs donnant des conseils au maître chanteur. Leurs personnages sont plus sobres que le noyau 6, mais ils ont toujours leurs propres caractéristiques exagérées et une vision claire de leur style de « gameplay ». Enfin, notre ensemble représente notre public, celui qui joue au jeu de « Clue ». Ce sont eux qui ont les personnalités les moins intenses car ils sont les plus éloignés des enjeux du jeu. Au lieu de cela, ils sont à l’extérieur et regardent à l’intérieur. Ils voient ce que les autres personnages ne remarquent pas.

Regardez la bande-annonce du spectacle CLUE : ON STAGE ci-dessous !

3) La pièce se déroule généralement dans un manoir avec plusieurs pièces et des secrets cachés. Quelle était votre vision pour donner vie au manoir sur scène, et comment avez-vous créé une impression d’espace et d’atmosphère qui améliore la narration ?

Comme je l’ai mentionné plus tôt, c’était l’un des plus grands défis physiques que présente ce spectacle. Comment réussir à se déplacer dans 8 pièces différentes d’une maison, en donnant à chaque pièce ses propres caractéristiques distinctives, sans que la scène entière ne semble encombrée ? Après de nombreuses séances de brainstorming créatif avec Adam, le scénographe, nous sommes tombés sur un concept qui établissait les subtilités du manoir tout en permettant la liberté de se déplacer d'une pièce à l'autre. Je savais que je voulais incorporer une représentation physique du jeu de société quelque part sur le plateau, et Adam a conceptualisé l'idée que le décor était rempli de portes menant à différentes pièces de la maison. Lorsque nous entrons dans une pièce, les portes se déplacent dans tout l’espace, nous ouvrant sur la pièce. Dans le même temps, il a donné vie à la vision du jeu de société en permettant au public de voir à tout moment le plan de la maison, indiquant où se trouvent nos personnages dans le jeu de société.

4) INDICE : SUR SCÈNE implique souvent une comédie physique, des entrées et des sorties rapides et des moments d'humour burlesque. Comment avez-vous chorégraphié et mis en scène ces éléments comiques pour maximiser leur impact comique ?

Je savais que pour capter pleinement le rythme de ce spectacle, il fallait que le blocage et la chorégraphie s'élèvent au même niveau. Ce spectacle est criblé d'un scénario complexe, je voulais que le mouvement de ce spectacle reflète cette complexité tout en restant contrôlé et beau. Le public peut s’attendre à des transitions qui se déroulent d’une pièce à l’autre. Au fur et à mesure que les personnages se déplacent dans la maison, nous obtenons une perspective intérieure sur ce qu’ils pourraient penser. La série s'appuie profondément sur la comédie physique et l'élément de surprise, je veux dire que plusieurs meurtres sont révélés au cours de la série. Eliza Knode, actrice résidente, a relevé le défi de réaliser ce spectacle en combattant. Son expertise a élevé le côté physique de ce spectacle à une autre dimension dont je n'aurais pu que rêver.  

5) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous travaillé avec le scénographe, le costumier et l’éclairagiste pour vous assurer que la vision globale de la production était cohérente ?

Je ne saurais trop chanter les louanges de notre équipe de production. Tous ceux qui ont travaillé sur cette série y ont mis tout leur cœur et cela se voit absolument. Chaque concepteur a incorporé différents éléments inspirés de la pièce elle-même, du film et du jeu de société. Une grande partie du succès de ce spectacle réside dans la façon dont chaque élément de conception fonctionne harmonieusement les uns avec les autres. Chaque design peut être autonome mais améliore également les autres designs qui l'entourent. Notre conception scénique, présentée par Adam Jehle, nous plonge dans un manoir de style victorien avec une représentation physique du jeu de société placardée sur notre mur du fond. Cette carte du jeu de société fait également office de carte de la maison, aidant souvent à indiquer où se déroule exactement chaque scène dans la maison. Notre costumière, Hayley O'Brien, a mis en valeur les silhouettes des vêtements des années 50, tout en mélangeant les couleurs emblématiques des pièces de jeu originales dans la conception de ses costumes. Aline Toloto, notre conceptrice des propriétés, a incorporé de nombreux accessoires historiquement précis pour aider à construire le monde du spectacle ; cependant, elle est également entrée dans la théâtralité du jeu de société et a fait un clin d’œil à certaines des pièces classiques du jeu de société. La conception d'éclairage de Caleb Garner est tout simplement superbe. Il a utilisé l'éclairage pour souligner le caractère théâtral du film et l'a juxtaposé à un éclairage d'ambiance pour aider à se glisser dans l'air du mystère. Enfin, Luke Walchuk, notre sound designer, a composé une musique originale à la fois grandiose et nuancée. Chaque élément de conception sert de personnage supplémentaire travaillant au sein de l'ensemble de ce spectacle. Tout notre incroyable personnel dans les magasins de costumes et de scènes a contribué à donner vie à ces magnifiques créations et je ne pourrais pas être plus fier et plus impressionné par le résultat.

6) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE ?

Je suis ravi d’avoir un conglomérat différent de publics. Certains publics seront des fans inconditionnels du film CLUE. Ceux qui connaissent chaque réplique de la série et la pertinence culturelle qu'elle continue de laisser sur la société. Certains membres du public seront des superfans de jeux de société. Il peut s’agir de stratèges, de joueurs, de personnes qui aiment le plaisir d’essayer de résoudre le mystère avant tout le monde. Certains spectateurs seront des passionnés de théâtre. Des personnes qui n'ont peut-être aucun lien préalable avec le film ou le jeu de société, mais qui sont attirées par ce spectacle uniquement par leur amour du théâtre. En tant que personne partageant un peu ces trois personnalités du public, je voulais m'assurer que tout le monde quitterait cette production en parlant de son amour spécifique pour cette série. Je pense que ce spectacle signifiera quelque chose de différent pour chaque membre du public qui le verra, et j'ai absolument hâte d'être entouré de centaines d'autres personnes chaque soir pendant que nous vivons ce spectacle ensemble.

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 27 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Colin Waters est ravi de faire ses débuts en tant que réalisateur sur Mainstage avec Charleston Stage. Originaire du nord du Kentucky, Colin a obtenu son BFA en théâtre et une double mineure en théâtre musical et en administration des arts de la Western Kentucky University. Indice : sur scène marque la 25e production de Colin avec Charleston Stage, acteur et réalisateur. Les précédents crédits de mise en scène de Colin sur Charleston Stage incluent : Charlotte's Web (Saison 45), Bright Star (Directeur adjoint), Treasure Island (Saison 45), The Best Christmas Pageant jamais (Saison 42). Certains des crédits d'acteur préférés de Colin sur Charleston Stage incluent : La famille Addams (Oncle Fester), Le jeu qui tourne mal (Robert/Thomas Colleymore), Of Mice and Men (Lennie), Footloose (Willard), Bright Star (Maire Josiah Dobbs), La Belle et la Bête (Le Fou), Le curieux incident du chien dans la nuit (Voix 4), Madness cisaillement (Miky) et Elfe (Le père Noël). Colin a récemment été nommé meilleur acteur aux Best of Charleston City Paper Awards 2023. Vous pouvez retrouver Colin sur Instagram : @thepapacolin

Par Maura Hogan mhogan@postandcourier.com
Cliquez ici pour voir la critique complète sur La Poste et le Courrier en ligne.

Que vous vous soyez toujours méfié de l'emphase tweed du professeur Plum ou que vous ayez jugé les manières sans vergogne de Miss Scarlet, il existe de nombreux indices parmi la galerie de suspects du voyou dans « Clue » pour offrir du fourrage à pointer du doigt.

Pendant des décennies, le jeu de société devenu film devenu farce a captivé ceux qui se délectent d'un bon vieux roman policier, où l'on épingle des particules sur où et avec quoi.

Rassemblant un casting chargé qui est plus qu'un jeu à mutiler à l'aide d'un chandelier, d'une corde ou d'une clé, Charleston Stage propose désormais ce dernier, "Clue: On Stage". La version cinématographique du film de 1985, qui a fait ses débuts en 2022 au Paper Mill Playhouse dans le New Jersey, fait sa première apparition au Dock Street Theatre, jusqu'au 5 novembre.

Pour la version scénique, Sandy Rustin a écrit et adapté le scénario du scénariste Jonathan Lynn, en y intégrant de nouveaux éléments et plaisanteries créés par Hunter Foster et Eric Price. La production de Charleston Stage marque également les débuts en tant que réalisateur sur scène de Colin Waters, membre du répertoire de la compagnie.

Au cours des dernières années, Waters a été une présence omniprésente sur la scène de Charleston avec un palmarès impressionnant en tant qu'interprète sur la scène de Dock Street. Pour cette production, il met à profit ses talents de comique pour exploiter l'ensemble des acteurs dans une série d'accidents et de meurtres qui augmentent de plus en plus les pitreries sur scène.

Tout comme le film dont il est adapté, cet écart remarquable par rapport au célèbre jeu de société Parker Brothers plonge dans la politique américaine de la guerre froide qui éclaire l'intrigue. Cet « Indice » se déroule dans les années 1950, à l’apogée du maccarthysme, avec la peur rouge quelque peu intégrée aux événements.

Avant d’analyser ces performances, il faut rendre hommage à un agent clé de la production : le décor. Pour cette production, le scénographe Adam Jehle a imaginé une beauté. Tout en bois bruni et en peintures à l'huile convenablement décorés qui conviennent à la maison tonique du riche M. Boddy, il donne également vie au jeu de société itinérant dans la pièce de manière inventive.

Des incursions farfelues se déroulent dans les multiples portes du genre. À travers eux, des personnages entrent et sortent pour entrer et sortir des espaces emblématiques du jeu – la bibliothèque, la salle de billard, la véranda, etc. – avec des peintures sur un mur des coulisses se retournant pour révéler chacune d’entre elles. Mais contrairement aux structures statiques de la plupart des farces, ces portes ont des pieds, que les acteurs les font rouler ici et là à travers la scène pour un effet comique et antique.

Dans le même temps, une utilisation efficace de la couleur est déployée partout, chaque suspect étant enveloppé dans la teinte qui indique son nom, compliments de la costumière Hayley O'Brien. Pensez à une sarcelle surmontée de plumes pour Mme Peacock, à un rouge pompier audacieusement ébloui pour Miss Scarlet, à un superbe costume émeraude pour M. Green.

Maintenant, à propos de ces personnages. Cette pièce fonctionne mieux lorsque les interprètes recherchent la gloire dans leur interprétation – et recherchent l’enthousiasme dans la comédie physique. Dans le rôle du majordome Wadsworth, Justin Von Stein fait ses débuts sur scène à Charleston en pleine forme, atténuant tout le chaos avec un accent britannique mélodieux alors qu'il navigue avec agilité dans les chutes d'enfants et autres avec une facilité trompeuse.

D'autres parmi les suspects célèbres tiennent également le coup, parmi lesquels Kathy Summer, qui fait un foin performatif impressionnant avec la bavarde et moralisatrice Mme Peacock ; Dominick Ventrella dans le rôle d'un M. Green étrangement nerveux ; et Mike Hornacek, qui s'amuse avec le colonel Mustard. Dans l’ensemble, les acteurs offrent une puissance louable alors qu’ils s’affairent et courent, entrent et sortent, vampissent et se fanent, brandissant certaines armes tout en en déviant d’autres.

Mais dans cette œuvre, l’essentiel est dans l’humour. Il ne s’agit pas d’un meurtre mystère qui reste en suspens. Au lieu de cela, sa motivation est la comédie noire – de la variété agréable qui suscite des rires plus que des rires déchirants. Et c'est aussi assez agréable pour toute la famille.

En dehors d'un léger retour de Miss Scarlet, pleine d'assurance de Brietta Goodman, "Clue" offre à la fois la nostalgie requise et la répartie rapide pour les parents, ainsi que des manigances amplifiées qui ne manqueront pas de divertir le TikTok visuellement averti. génération.

À savoir, ma fille de 10 ans, Béatrice, et sa copine Vivienne étaient plus que ravies du spectacle – un solide témoignage d'une rare folie en semaine susceptible de se frayer un chemin dans leurs plaisanteries entre adolescents dans les semaines à venir.

Dans l'ensemble, "Clue: On Stage" avance amicalement, même si la rigueur physique requise est certainement plus un entraînement intense que ses acteurs énergiques ne le laissent entendre. Sur la scène de Charleston, ils sont tous d'accord pour une soirée amusante et sans crocs au théâtre, une soirée qui se déroulera aussi facilement que le vin dans les gobelets en cristal de M. Boddy.

Cliquez ici pour voir la critique complète sur La Poste et le Courrier en ligne.

Dans notre dernière production de CLUE : ON STAGE, nous avons rencontré Adam Jehle, notre talentueux scénographe qui honore une fois de plus le Dock Street Theatre de ses compétences. Explorez ci-dessous pour découvrir son processus créatif de création des décors de ce polar bruyant.

1) INDICE : ON STAGE se déroule dans un manoir et le décor joue un rôle crucial dans l'histoire. Quels éléments de la conception et de l'atmosphère du manoir avez-vous trouvé les plus intriguants et les plus stimulants du point de vue de la conception scénique ?

J'adore le film original et j'aime aussi le jeu de société. Dès le début, j’ai voulu intégrer ces deux idées dans la conception du décor. Ce qui était difficile, c'était d'essayer de placer les éléments de conception du jeu de société, qui ne sont pas très réalistes, et de les intégrer dans l'univers du manoir.

2) La pièce se déroule généralement dans plusieurs pièces du manoir. Comment avez-vous prévu de créer des espaces distincts pour chacune de ces pièces tout en conservant une conception globale cohérente ?

De nos jours, beaucoup de séries sont écrites comme des films. Il y a donc beaucoup de lieux et de décors différents qui sont nécessaires pour raconter l’histoire complète. Mais quand j’essaie de concevoir des spectacles comme celui-là, j’aime réfléchir à la manière dont ils pourraient être décomposés dans leur forme la plus élémentaire et s’étendre à partir de là. Pour CLUE : ON STAGE, l’aspect le plus intriguant et le plus stimulant était de visiter toutes ces différentes pièces du manoir. J'ai donc décidé que nous devrions nous concentrer sur les portes et les faire se déplacer dans le manoir comme un labyrinthe, et pour aider le public à savoir dans quelle pièce nous nous trouvons, il y aurait ce grand mur qui ressemblerait à un jeu de société à retourner. et dites-nous dans quelle pièce nous nous trouvons. Nous n'avons également utilisé que quelques meubles « clés » qui seraient reconnaissables pour chaque pièce.

3) INDICE : ON STAGE implique souvent une comédie physique, des entrées et des sorties rapides, et même un peu d'humour burlesque. Comment aviez-vous l’intention de concevoir le décor pour accueillir ces éléments comiques et maximiser leur impact comique ?

Comme l’idée de la comédie « physique », j’ai décidé de faire également le set « Physique ». Cela signifie que les acteurs déplacent les murs, les portes et les meubles et les font participer à la comédie qu'ils font. Lorsqu’ils courent pour sauver leur vie autour de la maison, la maison court juste derrière eux.

4) La pièce est connue pour ses passages secrets, ses compartiments cachés et ses éléments surprises. Comment avez-vous imaginé intégrer ces éléments dans la scénographie pour créer des moments de surprise et d’excitation pour le public ?

Notre directeur Colin Waters avait beaucoup plus à voir avec cela que moi. Il a décidé de cacher les corps derrière des portes et des meubles et de les faire apparaître de nulle part. J'ai juste rendu l'ensemble très mobile pour l'aider dans cette vision.

5) De quelles recherches et inspirations vous êtes-vous inspiré pour concevoir l'intérieur du manoir ?

Le jeu de société m’a beaucoup inspiré. Je voulais que tous ceux qui regardaient aient l'impression que même s'ils n'avaient pas vu le film, ils reconnaissaient de petites pièces du jeu de société et pouvaient les signaler.

6) Avez-vous prévu des défis techniques spécifiques lors de la conception du décor de CLUE : ON STAGE, tels que des effets spéciaux, des changements de scène ou des décors en mouvement ?

Honnêtement, l'une des parties les plus difficiles a été de concevoir ce spectacle en collaboration avec Le voleur de foudre. Vous devez vous rappeler que tout ce que vous voyez sur scène doit disparaître et qu’un tout autre décor doit y aller. Les lumières et les rideaux ne peuvent pas bouger à chaque spectacle, ce qui signifie que je ne peux placer les objets qu'à certains endroits. Il a fallu beaucoup de planification pour chaque détail, même jusqu'aux garnitures et à la manière dont elles peuvent être retirées rapidement et rangées efficacement.

7) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit vos créations scéniques ?

Je promets que cela ne ressemblera à aucun autre INDICE que quiconque ait jamais vu auparavant. C'est frais, c'est nouveau et c'est hilarant d'anciennes et de nouvelles manières. Je suis ravi que les gens voient tout le travail acharné que chacun a accompli pour y parvenir.

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 26 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Adam Jehlé, originaire de Nixa, MO, est le concepteur scénique/projections résident et le directeur technique adjoint de Charleston Stage. Ses crédits incluent la conception de projection pour Assassiner sur l'Orient-Express ainsi que The Best Christmas Pageant jamais, conceptions scéniques pour La Famille Addams – Une nouvelle comédie musicale, Native Gardens, Charlotte's Web, Black Pearl chante ! ainsi que Kinky Boots pour Charleston Stage et direction technique pour toute la 45e saison de Charleston Stages. D'autres crédits sont des spectacles de conception scénique tels que Cendrillon ainsi que Mamma Mia! au Crane River Theatre au Nebraska, et Titanic, Cabaret, ainsi que Jour de la marmotte au Stagedoor Manor dans le nord de l'État de New York. Il a obtenu son BFA en design, technologie et gestion de scène à l'Université d'État du Missouri en 2020. Adam est ravi de concevoir d'autres spectacles pour la scène de Charleston cette saison, notamment Le bal, Indice : sur scène, un chant de Noël, ainsi que Le voyage à Bountiful.

Nous avons discuté avec Hayley O'Brien, notre costumière, apportant à nouveau ses compétences au Dock Street Theatre dans notre production de CLUE : ON STAGE. Obtenez vos billets pour le spectacle ici, et poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur son processus artistique dans la conception des costumes de cette adaptation scénique folle !

1) Qu'est-ce qui vous a attiré dans le projet CLUE : ON STAGE, et quels aspects des personnages et du décor de la pièce avez-vous trouvé les plus excitants du point de vue de la conception des costumes ?

En grandissant, j'étais un grand fan du jeu de société CLUE, et j'y jouais toujours avec mes amis ! J'ai vu le film CLUE pour la première fois quand j'étais en cinquième ou sixième année et il est rapidement devenu l'un de mes films préférés. J'ai vu le film probablement une centaine de fois et je le cite encore aujourd'hui ! Il va donc sans dire que j'étais TRÈS excité de concevoir les costumes de CLUE : ON STAGE ! Tout le monde connaît CLUE et ses personnages emblématiques, j'étais donc vraiment ravi de contribuer à donner vie à ces personnages et de travailler avec l'équipe de production pour incorporer des éléments du jeu de société tout en rendant hommage au film.

2) INDICE : SUR SCÈNE présente une variété de personnages distincts, chacun avec sa propre personnalité et ses propres bizarreries. Comment avez-vous abordé la conception de ces costumes qui reflètent et mettent en valeur ces personnages emblématiques ?

Dès le début, je savais que nous, en tant qu'équipe de production, voulions faire allusion au plateau de jeu de CLUE. Par conséquent, j’ai regardé de nombreuses publications de CLUE, en particulier les cartes de personnages, pour voir à quelle image les gens pensent vraiment lorsqu’ils pensent à ces personnages emblématiques. Par exemple, quand nous pensons au colonel Mustard, nous pensons à lui habillé en colonel, mais il existe de nombreuses représentations où nous le voyons habillé davantage en explorateur de safari. Je voulais donc vraiment jouer avec les souvenirs que les gens ont de ces personnages. Puisque le scénario de la pièce est basé sur le film de 1985, j'ai également cherché à faire référence aux silhouettes du film pour relier les deux inspirations. 

Ce qu'il y a de bien dans un spectacle comme CLUE : ON STAGE, c'est que les personnages sont tellement différents les uns des autres ! Dans le scénario, la description de chaque personnage est très distincte, presque archétypale, et laisse une impression sur vous en tant que designer au point que vous avez une image déjà peinte dans votre tête. Je voulais vraiment mettre en valeur le caractère unique de chaque personnage à travers la différence de silhouettes et de textures de tissus. Par exemple, Miss Scarlet est décrite comme étant habillée dans le glamour « hollywoodien », donc je voulais qu'elle soit habillée de tissus soyeux qui drapent avec de nombreux détails étincelants. Alors que Mme White est décrite comme étant très morbide et vêtue de vêtements funéraires, je voulais qu'elle soit très structurée et anguleuse pour souligner davantage son comportement stoïque et sombre. Dans tous les costumes, chaque personnage contraste les uns avec les autres mais s'assemble d'une manière cohérente que je pense que les membres du public apprécieront vraiment !

Photos par Reese Moore Photographie

3) Quelles recherches et préparation entreprenez-vous généralement lorsque vous concevez des costumes pour une production comme CLUE : ON STAGE ? Comment vous assurez-vous que vos créations sont authentiques et adaptées à l’époque et aux personnages ?

Lorsqu’une production se concentre sur un sujet aussi emblématique de notre culture, je me concentre sur les éléments avec lesquels les gens s’inscrivent. Tout le monde a une idée de ce à quoi ressemble CLUE, qu'il pense au jeu ou au film. Par conséquent, je pense qu’il est important de conserver les aspects mémorables de l’original tout en y apportant ma propre touche. Une grande partie de mes recherches pour cette production ont consisté à examiner de nombreuses versions du jeu CLUE tout en recherchant également la période et le décor. Pour m'assurer que les créations sont appropriées, j'essaie de trouver des images de vêtements réels, des motifs vintage, des photographies et des magazines de l'époque réelle afin que les silhouettes et les détails de conception aident à établir le décor. Dans cette production, vous disposez de pièces de costumes spécifiques qui nécessitent des recherches plus approfondies. En particulier, la production présente des personnages comme le Colonel Mustard et Wadsworth qui portent des uniformes qui ont une histoire spécifique et vaste. Pour concevoir ces costumes avec respect, je pense qu'il est important d'approfondir chaque aspect et chaque détail afin d'être aussi authentiques que possible !

4) Avez-vous prévu des défis spécifiques lors de la conception des costumes pour cette production, tels que des effets spéciaux ou des changements rapides à prendre en compte ?

Dans cette série, BEAUCOUP se passe au fur et à mesure que l’intrigue se déroule. Nous avons des acteurs qui jouent plusieurs personnages avec des changements rapides et rapides ! Alerte spoiler, mais il a également fallu envisager de dépeindre le meurtre de quelques personnages, comme attacher des armes aux costumes ou mettre du faux sang. Les personnages doivent également cacher des preuves et des armes sur leur corps ou dans leur sac à main, ce qui a été un facteur majeur lors de l'approche de certains costumes. Les acteurs sont également très physiques dans le spectacle, j'ai donc vraiment pensé à leur donner suffisamment de mobilité dans leurs costumes.

5) INDICE : ON STAGE est connu pour son humour et ses éléments farfelus. Comment avez-vous prévu d’incorporer des éléments comiques dans la conception des costumes pour améliorer l’hilarité globale de cette pièce ?

Je pense que les couleurs vives et le dynamisme des costumes ajoutent vraiment à la comédie globale du spectacle ! La production aborde un meurtre mystère de manière humoristique. Ainsi, même si la série comporte des moments très sérieux et sombres, les personnages eux-mêmes ont l'air et agissent de manière très vivante et saturée !

6) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous abordé le travail avec le metteur en scène, le scénographe et l’éclairagiste pour vous assurer que les costumes s’intègrent parfaitement dans la vision globale de la production ?

Pour la conception initiale, notre réalisateur Colin Waters a présenté son concept du spectacle et a exprimé certains éléments qu'il souhaitait pour la production. Le concept général était d'incorporer des éléments du jeu de société dans l'ensemble de la production, ce qui a suscité l'enthousiasme et l'adhésion de tout le monde ! Avant que chaque département ne fasse ses propres recherches, nous nous sommes assis et avons présenté des images générales qui évoquaient l'ambiance générale, le sentiment et le dynamisme de ce que nous pensions du spectacle. À partir de ce moment-là, nous étions tous très en phase les uns avec les autres dans le processus de collaboration. Nous avons réfléchi à la façon dont chaque élément de conception fonctionnerait les uns avec les autres. Nous avons parlé de la façon dont la saturation des costumes se démarquerait des riches tons terreux du décor et de la façon dont certaines scènes seraient dramatiquement éclairées.

Pendant le processus de conception, Colin et moi étions d'accord sur l'importance d'avoir chaque personnage habillé dans les couleurs que son nom représente afin que les personnages ressemblent aux pièces de jeu que les gens joueraient comme dans un jeu de CLUE. Je pense que ce choix de conception fonctionne extrêmement bien puisque Adam Jehle, scénographe, a fait un excellent travail en faisant en sorte que l'ensemble fasse vraiment référence au plateau de jeu de CLUE et Aline Toloto, Props Master, a intégré des éléments tels que les cartes à jouer CLUE et les armes ressemblant aux de véritables pièces de métal que vous mettriez dans chaque pièce. Dans l’ensemble, je pense que tous les éléments de conception fonctionnent bien ensemble pour créer le jeu de meurtre et de mystère que nous connaissons et aimons tous !

7) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et voit vos créations de costumes ?

J'ai vraiment hâte que le public voie toute la production se réunir ! Je pense que toutes les personnes impliquées dans cette production ont travaillé très dur et avec passion. J'ai tellement hâte que le public voie les personnages prendre vie dans leurs costumes et découvre tous les éléments de conception amusants et uniques !

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 26 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Hayley O'Brien est très excitée et fière de travailler sur Charleston Stage ! Originaire du sud de la Floride, Hayley est diplômée de la Florida State University avec une maîtrise en beaux-arts en conception de costumes et un baccalauréat ès arts en théâtre. Ses récents crédits à Charleston Stage incluent Jardins autochtones, JFK et Inga Binga ainsi que La famille Addams - Une nouvelle comédie musicale. Les autres crédits incluent Kinky Boots, James et la pêche géante de Roald Dahl, ainsi que Blithe Spirit. Elle attend avec impatience les futures productions à Charleston Stage et est reconnaissante de participer au programme TheatreWings. Hayley tient à remercier sa famille et ses amis pour tout leur amour et leur soutien !

Nous avons parlé avec Luke Walchuk, notre concepteur sonore résident et ingénieur audio, apportant à nouveau ses compétences au Dock Street Theatre dans notre production de CLUE : ON STAGE. Obtenez vos billets pour le spectacle ici, et lisez la suite pour en savoir plus sur son processus artistique dans la conception du son et la création de la musique originale de cette aventure de meurtre et de mystère !

1) INDICE : ON STAGE est connu pour son mélange de mystère, de comédie et de suspense. Qu’est-ce qui vous a attiré vers cette pièce en particulier et quels aspects du scénario avez-vous trouvé les plus excitants ou les plus stimulants du point de vue de la conception sonore ?

CLUE : ON STAGE est, sans aucun doute, une comédie, et plutôt idiote en plus. Cependant, la comédie ne fonctionne que contre les graves enjeux du meurtre et du danger. En tant que concepteur sonore, mon plus grand défi est d'aider à soutenir à la fois le ridicule et le sérieux. Il est important d'avoir une ambiance de suspense car il faut croire que ces personnages ont peur pour leur vie. D’un autre côté, j’ai également contribué à aider certaines blagues à atterrir. Le défi est de s'assurer que les sons ne semblent pas caricaturaux. C'est cet équilibre que j'ai trouvé vraiment intéressant en travaillant sur cette série.

2) Les pièces de mystère nécessitent souvent une utilisation prudente de la musique pour créer du suspense et améliorer l'aspect résolution de mystère de l'histoire. Comment avez-vous abordé la création de la musique originale de cette production mettant à la fois le mystère et la comédie ?

Ma première priorité en créant la musique de CLUE : ON STAGE était de m'assurer que la musique supportait la grande variété de moments du spectacle tout en restant une pièce cohérente du début à la fin. Je ne voulais pas que cela ressemble à une collection de morceaux de musique disparates choisis à chaque instant.

J'ai abordé cet objectif de deux manières. Tout d’abord, j’ai choisi mon instrumentation à l’avance et je me suis limité à utiliser uniquement cette palette sonore. Je me suis assuré d'inclure des instruments capables de soutenir à la fois des moments sérieux et des moments plus comiques. Je passerai en revue certains de mes choix plus en détail dans un instant.

Ma deuxième stratégie pour obtenir une partition cohérente consistait à utiliser des thèmes répétés tout au long de la partition. Il y a quelques idées mélodiques qui reviennent encore et encore. Parfois, il s'agit d'une répétition note par note du même thème, d'autres fois, d'une refonte de celui-ci, mais les mêmes idées sont récurrentes tout au long du film.

L’instrumentation m’a vraiment aidé à donner le ton à cette production. Lors des premières discussions avec le réalisateur Colin Waters, il a été établi que la production s'inspirerait beaucoup des films policiers et noirs classiques, ainsi que du film CLUE des années 1980. La pièce elle-même est souvent jouée avec un pianiste en direct, mais Colin souhaitait un son plus complet pour la partition. Dans cette optique, mon premier choix d’instruments était assez évident : les cordes d’orchestre. 

Avec cette idée de base en tête, j’ai choisi de m’inspirer du mélodrame des films qui nous ont inspiré et j’ai décidé d’ajouter du thérémine au mélange. Si vous n'êtes pas familier, un thérémine est un instrument électronique contrôlé via deux antennes : une pour le volume et une pour la hauteur. Le musicien ne touche pas du tout l'instrument, mais déplace ses mains dans les champs magnétiques entourant ces deux antennes afin de manipuler le son. Les sons qui en résultent sont étranges, obsédants et franchement un peu ringards. Parfait pour l’équilibre que je souhaitais trouver dans le ton.

J'ai également senti que le décor de CLUE: ON STAGE appelait au genre de drame majestueux et lourd qui ne peut être réalisé qu'avec un orgue. L'orgue est un instrument polyvalent, mais dans le contexte d'une composition effrayante, il est surtout connu pour son caractère bruyant. INDICE : ON STAGE profite définitivement des moments de turbulence.

Enfin, j'avais besoin d'un instrument solo pour certains passages les plus légers. Quelque chose avec une expression un peu plus vivante que ce que je pourrais obtenir avec l'orgue. Partant d'un moment particulier qui appelle un peu de tango, j'ai atterri sur la clarinette. La clarinette est un instrument polyvalent qui est à la fois sombre et ludique. Le son est agréable sur toute sa tessiture et il s'avère qu'il se joue très bien avec l'orgue à tuyaux.

Après avoir assemblé cette palette de sons, j’ai pu garder ma partition unifiée mais flexible.

Écoutez la musique originale de Luke ci-dessous dans la bande-annonce du spectacle CLUE : ON STAGE !

3) INDICE : ON STAGE implique souvent des signaux sonores rapides pour accentuer les moments comiques, les révélations surprises ou les scènes pleines de suspense. Comment avez-vous chorégraphié et exécuté ces signaux sonores pour maximiser leur impact dramatique ?

L’une des clés de moments comme celui-ci réside dans le choix minutieux des sons eux-mêmes. Il y a beaucoup de bruit exubérant provenant des acteurs eux-mêmes dans cette pièce, je dois donc faire en sorte que les sons ne se perdent pas dans le brouhaha. Il est certainement essentiel de s'assurer qu'ils sont suffisamment forts, mais ils doivent également être suffisamment longs pour ne pas être manqués. Ils doivent également être suffisamment différents du bruit qui se produit sur scène. L’utilisation de sons plus aigus que les voix sur scène contribue à les faire ressortir. Je les accentue aussi souvent avec des sons percutants à très basse fréquence que le public ressent plus qu'il n'entend. Cela ajoute vraiment au drame de tout, du tonnerre (évidemment) à l'impact d'une arme du crime, euh, en train de commettre un meurtre. 

Cela étant dit, je dois faire preuve d’une certaine retenue. Mes sons ne doivent pas être trop proéminents au point de faire sortir le public de l'expérience. Ils doivent compléter ce qui se passe sur scène et non en détourner l'attention.

4) La collaboration avec le reste de l’équipe de production est cruciale au théâtre. Comment avez-vous travaillé avec le réalisateur, le scénographe, l’éclairagiste et les autres membres de l’équipe pour vous assurer que la conception sonore correspond à la vision globale de la production ?

La collaboration est absolument l’aspect le plus important de tout cela. J'essaie, dans chaque émission sur laquelle je travaille, de m'assurer de vérifier fréquemment avec le réalisateur pour m'assurer que nous sommes sur la même longueur d'onde. Ce spectacle en particulier a été écrit spécifiquement pour être composé et a donc nécessité une collaboration encore plus étroite que d'habitude. J'avais écrit la plupart de la musique, au moins sous forme de brouillon, au moment où les répétitions ont commencé. Les effets sonores ont suivi peu de temps après. De cette façon, notre réalisateur Colin Waters et les acteurs savaient exactement à quoi s'attendre et ont pu chorégraphier leurs mouvements au rythme de la musique. Ils ont également pu me contacter et ajuster les choses au fur et à mesure. Avec les effets sonores, il est très utile pour les acteurs de les entendre le plus possible lors des répétitions. Si l'on s'attend à ce qu'ils réagissent, par exemple, à un coup de tonnerre ou à un coup de feu, il est préférable qu'ils disposent de cette information le plus tôt possible. 

J'ai également travaillé en étroite collaboration avec notre concepteur d'éclairage Caleb Garner. Ce spectacle, comme on peut s’y attendre, est plein de tonnerre. C’est le besoin le plus évident de collaboration entre le son et la lumière. Mais cela ne s'arrête pas là ! Caleb devait également comprendre le timing de la musique et des autres effets sonores afin de créer ses magnifiques looks et effets. Dans de nombreux cas, nous discutions ensemble d’un effet et nous nous donnions même souvent des idées tout au long du processus.

5) Quelle est votre approche en matière de conception et de programmation d'effets sonores pour des moments ou des scènes spécifiques qui nécessitent un timing précis et une coordination avec d'autres éléments de la production ?

Encore une fois, tout est question de collaboration. Comme je l'ai mentionné dans la question précédente, avoir des effets sonores en répétition est très utile pour développer le timing. Il est également crucial que je communique étroitement avec le régisseur. Imani Lloyd est chargée de réaliser les effets sonores exactement quand ils en ont besoin, ainsi que de coordonner tous les autres aspects de la production. Elle sait, jusqu'à la syllabe, quand chaque signal doit être émis et constitue véritablement le système nerveux central de la production. J’essaie également de ne pas être trop précis sur la direction que doivent prendre les signaux. Imani et Colin répètent la pièce soir après soir, il est important que je leur fasse confiance pour savoir quand les choses fonctionnent le mieux.

6) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et entende votre musique originale et votre conception sonore ?

D'un point de vue personnel, je suis toujours enthousiasmé par un spectacle qui implique beaucoup de composition. Créer de la musique est la partie que je préfère de mon travail et j'aime la partager avec le public. Mais je suis plus excité parce que ce n'est pas une présentation de ma musique, c'est le produit de dizaines de personnes mettant chacune leur créativité et leur passion dans la production. Je suis tellement enthousiasmé par le décor, les accessoires et les costumes (conçus respectivement par Adam Jehle, Aline Toloto et Hayley O'Brien), mais je suis aussi sans cesse impressionné par tous ceux qui travaillent dans les coulisses, depuis l'ensemble du costume et des magasins de scène à nos équipes en coulisses, ainsi qu'aux gens de l'administration. C'est pourquoi j'aime faire du théâtre : tout est une question d'effort de groupe et aucune personne seule n'est essentielle.

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 18 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Luke Walchuk a travaillé dans l'industrie du son live sous une forme ou une autre depuis 2004. Il a acquis de l'expérience dans le divertissement sur les navires de croisière, les parcs d'attractions, la musique live et l'audio d'entreprise avant de décider que le théâtre était le travail le plus créatif qu'il puisse faire. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts en conception sonore et est particulièrement heureux d'être ici sur la scène de Charleston.

Nous avons parlé avec Caleb S. Garner, notre concepteur d'éclairage, apportant à nouveau ses compétences au Dock Street Theatre dans notre production de CLUE : ON STAGE. Obtenez vos billets pour le spectacle ici, et poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur son processus artistique dans la conception de l'éclairage de ce polar hilarant !

1) INDICE : ON STAGE est connu pour son mélange de mystère, de comédie et de suspense. Qu'est-ce qui vous a attiré vers cette pièce en particulier et quels aspects du scénario avez-vous trouvé les plus excitants ou les plus stimulants du point de vue de la conception de l'éclairage ?

Je ne connaissais pas le film avant mes études de premier cycle, donc je n'ai pas vraiment abordé la production avec le même facteur de nostalgie que plusieurs autres membres de la production. Quand je l'ai vu pour la première fois, j'ai été particulièrement attiré par les personnages plus grands que nature dans des situations littérales de vie ou de mort. Ils se prennent incroyablement au sérieux, et pourtant la plupart des choses qu’ils disent et font ne sont absolument ni sérieuses ni irrévérencieuses. C'est comme si votre groupe d'amis était assis autour de la table de la salle à manger et jouait ensemble et s'amusait. On se pique, on exagère nos personnages, on se prend trop au sérieux, et puis on rigole ! Je pense que c'est mon défi préféré de cette pièce : comment pouvons-nous en faire un meurtre mystérieux sérieux, de style noir, qui soit aussi amusant et farfelu avec beaucoup de comédie physique ? Cela a été un grand exercice d’équilibre. 

2) La pièce présente une variété de scènes se déroulant dans différentes pièces du manoir, chacune avec sa propre ambiance et atmosphère. Comment utilisez-vous l’éclairage pour créer des décors distincts et améliorer la narration au sein de ces espaces ?

Depuis plusieurs mois, toute l’équipe travaille dur pour façonner l’univers du jeu. Lorsque nous nous sommes rencontrés pour la première fois en tant qu'équipe de production, tous les concepteurs ont apporté des images qui, selon nous, reflétaient le ton du scénario. Nous avons discuté de toutes nos images et en avons choisi pour créer un collage unifié qui représentait l'identité visuelle de la production. Vous trouverez ci-dessous un aperçu de ce que nous avons décidé en équipe.

J'ai vraiment réagi aux couleurs des pièces du jeu Clue et à l'utilisation de couleurs et de reflets forts pour créer du drame et de l'emphase. Chaque pièce possède ses propres meubles et formes qui lui confèrent un caractère unique. J'ai essayé d'y ajouter des reflets et des couleurs que vous voyez dans le collage – un faisceau de lumière ici, une fenêtre là, et du plaisir avec l'angle et la direction de la lumière. L'une des choses dont je suis particulièrement fier est le travail que le scénographe Adam Jehle et moi avons accompli pour essayer de séparer les emplacements distincts du manoir. Nous avons une série de portes mobiles avec impostes que j'ai éclairées à l'intérieur afin que le niveau de lumière et la couleur provenant de la fenêtre puissent être modifiés individuellement au fur et à mesure de leur déplacement dans l'espace. Nous avons également une série amusante de portraits sur le mur de la scène qui font quelque chose de spécial que je ne peux pas dévoiler – vous devrez le constater par vous-même ! 

3) INDICE : SUR SCÈNE implique souvent des changements rapides d'éclairage pour accentuer les moments comiques, les révélations surprises ou les scènes à suspense. Comment avez-vous chorégraphié et exécuté ces signaux lumineux pour maximiser leur impact dramatique ?

L’éclairage, comme la comédie, est une question de timing. Un signal lumineux au bon moment pourrait être une plaisanterie en soi – et c’est le cas à plusieurs endroits ! Il existe plusieurs endroits dans lesquels la conception de l’éclairage s’associe au son pour contribuer à accentuer la comédie sur scène. Dans la séquence d'ouverture du spectacle, plusieurs personnages se reconnaissent en se voyant dans le manoir. Les acteurs ont ce geste exagéré de choc ou de dédain, mais on le souligne vraiment avec un changement de lumière et un son. Les combinaisons de jeu d'acteur, de lumière et de son aident à transformer un petit moment en une grande blague. 

En plus des images de notre collage, j'ai aussi été très inspiré par certaines peintures d'Edward Hopper. Ils étaient vraiment intenses et vifs. Tout comme les personnages sur scène, ils se prenaient très au sérieux. J'ai vraiment aimé l'idée de ces moments amusants se déroulant dans une peinture austère de Hopper, alors j'ai essayé d'incorporer certains de ses éléments dans l'exposition. C'est une situation de vie ou de mort, c'est mélodramatique et c'est très, très drôle. 

Edouard Hopper, Conférence de nuit

4) Les pièces de mystère nécessitent souvent une utilisation prudente de l'éclairage pour créer du suspense et améliorer l'aspect résolution de mystère de l'histoire. Comment avez-vous abordé la création et le contrôle des effets de lumière pleins de suspense dans la production ?

Les costumes et les décors contribuent à façonner physiquement l’univers de la pièce, mais l’éclairage et le son façonnent la façon dont le public perçoit la pièce. En équipe, nous étions également très intéressés par la manière dont la lumière contribuait à façonner les corps et les décors dans un style « film noir » avec des reflets forts et des ombres profondes. C'était une façon sympa de contraster les bords et les lignes nettes du plateau de jeu original Clue, le style victorien de la conception scénique et les contours plus doux et plus courbés de la conception des costumes. Cela aide à cadrer chaque moment de suspense d’une manière visuellement intéressante et fantomatique. J'ai découvert que plus je me penchais sur les angles et les couleurs étranges, plus les moments de la scène devenaient intenses.

Steven Assaël, Mariée avec des cartes

La séquence d'ouverture de la production commence avec Yvette la femme de chambre devant une télévision écoutant une émission du sénateur McCarthy. Elle est éclairée principalement par le téléviseur, avec un peu de lumière venant du dessus et des côtés. J'ai essayé de capturer l'esprit de l'image ci-dessus, Mariée avec des cartes, en utilisant une source de lumière primaire sous un angle intéressant pour transformer Yvette regardant la télévision en une image forte et mystérieuse pour donner le ton de l'émission dès le début. Quelques éclairs aident aussi ! 

5) Quelle est votre approche en matière de conception et de programmation d'effets d'éclairage pour des moments ou des scènes spécifiques qui nécessitent un timing précis et une coordination avec d'autres éléments de la production ?

Lors de la lecture du scénario, plusieurs choses sont écrites pour vous dès le début. Des choses comme les pannes de courant, les éclairs et les changements de scène sont déjà écrits dans le script, mais mon travail consiste à regarder au-delà de ce qui est écrit et à voir ce dont nous avons besoin d'autre pour raconter l'histoire. J’aime y penser de trois manières distinctes. La première chose que je fais est de réfléchir à la manière dont je peux soutenir les autres éléments de conception dans la construction du monde de la pièce. Quelles sont les choses littérales que je dois renforcer ? Comment puis-je éclairer le décor de manière à façonner la pièce ? Comment puis-je renforcer les choix de couleurs du scénographe et du costumier ? Comment révéler les formes sur scène et comment cacher ce qui n'a pas besoin d'être vu ? Comment puis-je travailler avec le son pour renforcer l’ambiance et le ton ?

De la construction du monde, j'aime passer au rythme du texte. J'entends le scénario de la pièce comme de la musique : il y a toujours des thèmes, des changements d'ambiance, des répétitions, des dynamiques et des rythmes. J'aime écouter la façon dont les acteurs prononcent les répliques pour essayer d'avoir une idée de leur timing. La façon dont ils jouent avec le texte peut déterminer la vitesse des signaux lumineux, les moments à mettre en évidence et aider à établir le ton de l'éclairage. 

La troisième chose à laquelle je pense est l’endroit où les acteurs seront physiquement sur scène. Une partie de mon travail consiste à éclairer là où nous en avons besoin et à éliminer les endroits où nous n'en avons pas besoin. Lorsque nous sommes en répétition technique pour le spectacle, j'aime appeler cela « un grand éclairage au pinceau » et « un petit éclairage au pinceau ». Parfois, les scènes avec un grand nombre d'acteurs ou les scènes où la majeure partie de l'espace de jeu est utilisée m'obligent à utiliser mon « gros pinceau » et à éclairer de grandes parties de la scène. Repensez aux grands numéros de danse de Le bal ou dans Une fois sur cette île, où j’utilise de grands et larges « coups de pinceau » pour m’assurer que tout l’espace est joliment éclairé. Indice a besoin de mon « petit pinceau ». Nous avons des scènes serrées et spécifiques où nous voulons uniquement mettre en valeur un seul acteur et cacher de nombreux secrets sur scène. Chaque spectacle nécessite ses deux pinceaux, mais il faut un bon œil et de bons collaborateurs pour savoir lequel utiliser. 

6) Avez-vous prévu des défis techniques ou des effets spéciaux dans CLUE : ON STAGE, et comment avez-vous prévu de les résoudre à travers votre conception d'éclairage ?

L'un des défis techniques majeurs pour Indice c'est qu'il joue aux côtés Le voleur de foudre. Il est difficile de donner à chaque spectacle sa propre identité avec les limites techniques de l'espace. Voleur de foudre a plusieurs éléments de décor volant qui doivent être révélés tout au long du spectacle, mais cela signifie que les lumières de ces éléments de décor ne sont plus disponibles dans Indice. J'ai dû vraiment réfléchir de manière critique aux besoins de chaque série et à la manière dont nous passons d'une série à l'autre. Il y a toujours une grande bataille entre ce que je veux artistiquement et ce que je peux faire physiquement avec les limitations de temps, d'équipement et d'autres spectacles. 

Un autre défi de cette exposition consistait à éclairer les impostes de six portes mobiles. J'ai dû trouver un moyen d'allumer, d'alimenter, de charger et de contrôler les fenêtres à imposte lorsqu'elles sont déplacées sur la scène dans une séquence de poursuite élaborée à la Scooby-Doo. J'ai dû construire sur mesure plusieurs composants des fenêtres de porte, donc je suis vraiment enthousiasmé par le résultat ! Vous pouvez voir les portes non éclairées sur les récentes photos de répétition.

7) Enfin, qu'est-ce qui vous passionne le plus dans le fait que notre public découvre CLUE : ON STAGE et soit témoin de votre conception d'éclairage ?

Ce spectacle est très différent des derniers spectacles que j'ai fait, donc je suis très heureux de monter un spectacle aussi vif qui me permet vraiment de jouer avec de superbes couleurs, des angles non conventionnels et beaucoup de merveilleuses collaborations avec certaines de mes personnes préférées. J'ai hâte que les membres du public découvrent un style d'éclairage un peu différent de ce que nous proposons habituellement et présenté de manière si amusante. J’espère que tout le monde prendra autant de plaisir à regarder la série que j’en ai à la concevoir !

Achetez vos billets pour voir CLUE: ON STAGE, du 18 octobre au 5 novembre, à CharlestonStage.com.

Caleb S. Garner est un concepteur d'éclairage et de son basé à Charleston, en Caroline du Sud. Originaire de Caroline du Nord, Caleb a obtenu son baccalauréat et son baccalauréat en beaux-arts du Catawba College de Salisbury en Caroline du Nord, ainsi que sa maîtrise en beaux-arts de l'université du sud du Mississippi. Les créations de Garner, allant des concerts aux ballets en passant par les comédies musicales et les pièces de théâtre, lui ont valu huit prix de design régionaux et nationaux. Caleb a été un designer vedette de New York au Mississippi, créant dans le Nord-Est, le Midwest, la Côte Est et le Sud profond. Caleb aime transformer de gros morceaux de bois en petits morceaux de bois (parfois appelés à tort meubles), crier avec les élèves (souvent reconnu comme un enseignement) et jouer avec des objets qui étincellent et fument. Caleb est actuellement concepteur d'éclairage résident à la Charleston Stage Company et maître de conférences adjoint au College of Charleston.